Akira Kurosawa
Akira Kurosawa (Japonês: 黒澤 明 ou 黒沢 明, Hepburn: Kurosawa Akira, 23 de março de 1910 – 6 de setembro de 1998) foi um cineasta e pintor japonês que dirigiu trinta filmes em uma carreira de mais de cinco décadas. Ele é amplamente considerado como um dos cineastas mais importantes e influentes da história do cinema. Kurosawa exibiu um estilo ousado e dinâmico, fortemente influenciado pelo cinema ocidental, mas distinto dele; ele estava envolvido com todos os aspectos da produção cinematográfica.
Kurosawa entrou na indústria cinematográfica japonesa em 1936, após uma breve passagem como pintor. Depois de anos trabalhando em vários filmes como assistente de direção e roteirista, ele estreou como diretor durante a Segunda Guerra Mundial com o popular filme de ação Sanshiro Sugata (1943). Após a guerra, o aclamado Drunken Angel (1948), no qual Kurosawa escalou o então pouco conhecido ator Toshiro Mifune para o papel principal, consolidou a reputação do diretor como um dos jovens cineastas importantes no Japão. Os dois homens iriam colaborar em outros quinze filmes.
Rashomon (1950), que estreou em Tóquio, foi o vencedor surpresa do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1951. O sucesso comercial e de crítica desse filme abriu os mercados de filmes ocidentais pela primeira vez para os produtos da indústria cinematográfica japonesa, o que por sua vez levou ao reconhecimento internacional de outros cineastas japoneses. Kurosawa dirigiu aproximadamente um filme por ano ao longo dos anos 1950 e início dos anos 1960, incluindo vários filmes conceituados (e muitas vezes adaptados), como Ikiru (1952), Seven Samurai (1954), Trono de Sangue (1957) e Yojimbo (1961). Depois da década de 1960, ele se tornou muito menos prolífico; mesmo assim, seu trabalho posterior - incluindo dois de seus filmes finais, Kagemusha (1980) e Ran (1985) - continuou a receber grande aclamação.
Em 1990, ele recebeu o Oscar pelo conjunto de sua obra. Postumamente, ele foi nomeado "Asiático do Século" na "Artes, Literatura e Cultura" categoria pela revista AsianWeek e pela CNN, citada como uma das cinco pessoas que mais contribuíram para a melhoria da Ásia no século XX. Sua carreira foi homenageada por muitas retrospectivas, estudos críticos e biografias impressas e em vídeo, e por lançamentos em muitas mídias de consumo.
Biografia
Infância aos anos de guerra (1910–1945)
Infância e juventude (1910–1935)
Kurosawa nasceu em 23 de março de 1910, em Ōimachi, no distrito de Ōmori, em Tóquio. Seu pai Isamu (1864–1948), membro de uma família samurai da Prefeitura de Akita, trabalhou como diretor da escola secundária do Instituto de Educação Física do Exército, enquanto sua mãe Shima (1870–1952) veio da família de um comerciante que vivia em Osaka. Akira era o oitavo e mais novo filho de uma família moderadamente rica, com dois de seus irmãos já crescidos na época de seu nascimento e um falecido, deixando Kurosawa para crescer com três irmãs e um irmão.
Além de promover o exercício físico, Isamu Kurosawa estava aberto às tradições ocidentais e considerava o teatro e o cinema um mérito educacional. Ele incentivou seus filhos a assistir filmes; o jovem Akira viu seus primeiros filmes aos seis anos de idade. Uma importante influência formativa foi seu professor de escola primária, Sr. Tachikawa, cujas práticas educacionais progressivas despertaram em seu jovem aluno primeiro o amor pelo desenho e depois o interesse pela educação em geral. Durante esse tempo, o menino também estudou caligrafia e esgrima Kendo.
Outra grande influência na infância foi Heigo Kurosawa (1906-1933), irmão mais velho de Akira por quatro anos. Após o terremoto do Grande Kanto em 1923, Heigo levou Akira, de treze anos, para ver a devastação. Quando o irmão mais novo quis desviar o olhar dos cadáveres de humanos e animais espalhados por toda parte, Heigo o proibiu de fazê-lo, encorajando Akira a enfrentar seus medos confrontando-os diretamente. Alguns comentaristas sugeriram que esse incidente influenciaria a carreira artística posterior de Kurosawa, já que o diretor raramente hesitava em confrontar verdades desagradáveis em seu trabalho.
Heigo era academicamente talentoso, mas logo depois de não conseguir uma vaga na principal escola de ensino médio de Tóquio, ele começou a se separar do resto da família, preferindo se concentrar em seu interesse pela literatura estrangeira. No final da década de 1920, Heigo tornou-se um benshi (narrador de filme mudo) para os cinemas de Tóquio que exibiam filmes estrangeiros e rapidamente fez seu nome. Akira, que a essa altura planejava ser pintor, foi morar com ele e os dois irmãos se tornaram inseparáveis. Com a orientação de Heigo, Akira devorou não apenas filmes, mas também apresentações teatrais e circenses, enquanto exibia suas pinturas e trabalhava para o movimento de esquerda dos Artistas Proletários. Liga. No entanto, ele nunca conseguiu ganhar a vida com sua arte e, quando começou a perceber a maior parte do movimento proletário como "colocando ideais políticos não realizados diretamente na tela", perdeu o entusiasmo pela pintura.
Com o aumento da produção de filmes falados no início dos anos 1930, narradores de filmes como Heigo começaram a perder o trabalho e Akira voltou a morar com seus pais. Em julho de 1933, Heigo morreu por suicídio. Kurosawa comentou sobre a sensação duradoura de perda que sentiu com a morte de seu irmão e o capítulo de sua autobiografia (Algo como uma autobiografia) que a descreve - escrita quase meio século após o evento. - é intitulado, "Uma história que não quero contar". Apenas quatro meses depois, o irmão mais velho de Kurosawa também morreu, deixando Akira, aos 23 anos, o único dos irmãos Kurosawa ainda vivo, junto com suas três irmãs sobreviventes.
Diretor em formação (1935–1941)
Em 1935, o novo estúdio de cinema Photo Chemical Laboratories, conhecido como P.C.L. (que mais tarde se tornou o grande estúdio Toho), anunciado para diretores assistentes. Embora não tivesse demonstrado nenhum interesse anterior pelo cinema como profissão, Kurosawa enviou a redação exigida, que pedia aos candidatos que discutissem as deficiências fundamentais dos filmes japoneses e encontrassem maneiras de superá-las. Sua visão meio zombeteira era de que, se as deficiências eram fundamentais, não havia como corrigi-las. A redação de Kurosawa rendeu-lhe uma ligação para fazer os exames de acompanhamento, e o diretor Kajirō Yamamoto, que estava entre os examinadores, gostou de Kurosawa e insistiu que o estúdio o contratasse. Kurosawa, de 25 anos, juntou-se ao P.C.L. em fevereiro de 1936.
Durante seus cinco anos como assistente de direção, Kurosawa trabalhou para vários diretores, mas de longe a figura mais importante em seu desenvolvimento foi Yamamoto. De seus 24 filmes como AD, ele trabalhou em 17 sob Yamamoto, muitos deles comédias com o popular ator Kenōichi Enomoto, conhecido como "Enoken". Yamamoto cultivou o talento de Kurosawa, promovendo-o diretamente de terceiro assistente de direção a diretor assistente de direção após um ano. As responsabilidades de Kurosawa aumentaram e ele trabalhou em tarefas que vão desde a construção do palco e desenvolvimento do filme até a prospecção de locais, polimento do roteiro, ensaios, iluminação, dublagem, edição e direção de segunda unidade. No último filme de Kurosawa como assistente de direção de Yamamoto, Horse (1941), Kurosawa assumiu a maior parte da produção, já que seu mentor estava ocupado com a rodagem de outro filme.
Yamamoto aconselhou Kurosawa que um bom diretor precisava dominar a escrita de roteiros. Kurosawa logo percebeu que os ganhos potenciais de seus roteiros eram muito maiores do que o que ele recebia como assistente de direção. Mais tarde, ele escreveu ou co-escreveu todos os seus filmes e freqüentemente escreveu roteiros para outros diretores, como o filme de Satsuo Yamamoto, A Triumph of Wings (Tsubasa no gaika , 1942). Esse roteiro externo serviria a Kurosawa como uma atividade secundária lucrativa que durou até a década de 1960, muito depois de ele se tornar famoso.
Filmes de guerra e casamento (1942–1945)
Nos dois anos seguintes ao lançamento de Horse em 1941, Kurosawa procurou uma história que pudesse usar para lançar sua carreira de diretor. No final de 1942, cerca de um ano após o ataque japonês a Pearl Harbor, o romancista Tsuneo Tomita publicou seu romance de judô inspirado em Musashi Miyamoto, Sanshiro Sugata, cujos anúncios intrigaram Kurosawa. Ele comprou o livro no dia da publicação, devorou-o de uma só vez e imediatamente pediu a Toho para garantir os direitos do filme. O instinto inicial de Kurosawa se mostrou correto, pois, em poucos dias, três outros grandes estúdios japoneses também se ofereceram para comprar os direitos. Toho prevaleceu e Kurosawa iniciou a pré-produção de seu trabalho de estreia como diretor.
As filmagens de Sanshiro Sugata começaram em Yokohama em dezembro de 1942. A produção prosseguiu sem problemas, mas fazer o filme completo passar pelos censores foi uma questão totalmente diferente. O escritório de censura considerou o trabalho questionavelmente "britânico-americano" pelos padrões do Japão durante a guerra, e foi somente por meio da intervenção do diretor Yasujirō Ozu, que defendeu o filme, que Sanshiro Sugata foi finalmente aceito para lançamento em 25 de março de 1943. (Kurosawa acabara de virar 33.) O filme se tornou um sucesso comercial e de crítica. No entanto, o escritório de censura decidiria mais tarde cortar cerca de 18 minutos de filmagem, muitos dos quais agora são considerados perdidos.
Em seguida, ele voltou-se para o tema das operárias de fábrica durante a guerra em The Most Beautiful, um filme de propaganda que ele filmou em estilo semidocumentário no início de 1944. Para obter performances realistas de suas atrizes, o diretor os fez viver em uma fábrica real durante as filmagens, comer a comida da fábrica e se chamar pelos nomes de seus personagens. Ele usaria métodos semelhantes com seus artistas ao longo de sua carreira.
Durante a produção, a atriz que interpreta a líder dos trabalhadores da fábrica, Yōko Yaguchi, foi escolhida por seus colegas para apresentar suas demandas ao diretor. Ela e Kurosawa estavam constantemente em desacordo, e foi por meio dessas discussões que os dois paradoxalmente se tornaram próximos. Eles se casaram em 21 de maio de 1945, com Yaguchi grávida de dois meses (ela nunca retomou a carreira de atriz), e o casal permaneceria junto até sua morte em 1985. Eles tiveram dois filhos, ambos sobreviventes de Kurosawa em 2018: um filho, Hisao , nascida em 20 de dezembro de 1945, que atuou como produtora em alguns dos últimos projetos de seu pai, e Kazuko, uma filha, nascida em 29 de abril de 1954, que se tornou figurinista.
Pouco antes de seu casamento, Kurosawa foi pressionado pelo estúdio contra sua vontade para dirigir uma sequência de seu filme de estreia. O muitas vezes descaradamente propagandístico Sanshiro Sugata Parte II, que estreou em maio de 1945, é geralmente considerado um de seus filmes mais fracos.
Kurosawa decidiu escrever o roteiro de um filme que fosse ao mesmo tempo amigável à censura e mais barato de produzir. Os Homens que Pisam na Cauda do Tigre, baseado na peça Kabuki Kanjinchō e estrelado pelo comediante Enoken, com quem Kurosawa trabalhou frequentemente durante seus dias de assistente de direção , foi concluído em setembro de 1945. Nessa época, o Japão havia se rendido e a ocupação do Japão havia começado. Os novos censores americanos interpretaram os valores supostamente promovidos na foto como excessivamente "feudais" e proibiu o trabalho. Não foi lançado até 1952, ano em que outro filme de Kurosawa, Ikiru, também foi lançado. Ironicamente, durante a produção, o filme já havia sido criticado pelos censores japoneses do tempo de guerra por ser muito ocidental e "democrático". (eles não gostavam particularmente do porteiro cômico interpretado por Enoken), então o filme provavelmente não teria visto a luz do dia, mesmo que a guerra continuasse além de sua conclusão.
Primeiros anos do pós-guerra até Barba Ruiva (1946–1965)
Primeiras obras do pós-guerra (1946–1950)
Depois da guerra, Kurosawa, influenciado pelos ideais democráticos da Ocupação, procurou fazer filmes que estabelecessem um novo respeito pelo indivíduo e por si mesmo. O primeiro filme desse tipo, No Regrets for Our Youth (1946), inspirado tanto no incidente de Takigawa em 1933 quanto no caso de espionagem Hotsumi Ozaki durante a guerra, criticou o regime pré-guerra do Japão por sua opressão política. Atipicamente para o diretor, a heroica personagem central é uma mulher, Yukie (Setsuko Hara), que, nascida em um privilégio de classe média alta, passa a questionar seus valores em um momento de crise política. O roteiro original teve que ser extensivamente reescrito e, por causa do tema polêmico e do gênero de seu protagonista, a obra concluída dividiu a crítica. Mesmo assim, conseguiu a aprovação do público, que transformou as variações do título do filme em uma frase de efeito do pós-guerra.
Seu próximo filme, One Wonderful Sunday estreou em julho de 1947 com críticas mistas. É uma história de amor relativamente descomplicada e sentimental que lida com um casal empobrecido do pós-guerra tentando aproveitar, dentro da devastação da Tóquio do pós-guerra, seu único dia de folga semanal. O filme traz a influência de Frank Capra, D. W. Griffith e F. W. Murnau, cada um dos quais estava entre os diretores favoritos de Kurosawa. Outro filme lançado em 1947 com o envolvimento de Kurosawa foi o thriller de ação e aventura, Snow Trail, dirigido por Senkichi Taniguchi a partir do roteiro de Kurosawa. Marcou a estreia do jovem e intenso ator Toshiro Mifune. Foi Kurosawa quem, com seu mentor Yamamoto, interveio para persuadir Toho a assinar com Mifune, durante uma audição em que o jovem impressionou muito Kurosawa, mas conseguiu alienar a maioria dos outros juízes.
Drunken Angel costuma ser considerado o primeiro grande trabalho do diretor. Embora o roteiro, como todas as obras da era da ocupação de Kurosawa, tivesse que ser reescrito devido à censura americana, Kurosawa sentiu que este foi o primeiro filme em que ele foi capaz de se expressar livremente. Uma história corajosa de um médico que tenta salvar um gângster (yakuza) com tuberculose, também foi a primeira vez que Kurosawa dirigiu Mifune, que passou a desempenhar papéis importantes em todos, exceto um dos próximos 16 filmes do diretor. (a exceção sendo Ikiru). Embora Mifune não tenha sido escalado como protagonista em Drunken Angel, sua atuação explosiva como gangster domina tanto o drama que ele mudou o foco do personagem-título, o médico alcoólatra interpretado por Takashi Shimura, que já havia apareceu em vários filmes de Kurosawa. No entanto, Kurosawa não queria sufocar a imensa vitalidade do jovem ator, e o personagem rebelde de Mifune eletrizou o público da mesma forma que a postura desafiadora de Marlon Brando surpreenderia o público do cinema americano alguns anos depois. . O filme estreou em Tóquio em abril de 1948 com ótimas críticas e foi escolhido pela prestigiada pesquisa da crítica Kinema Junpo como o melhor filme do ano, o primeiro de três filmes de Kurosawa a receber tal honra.
Kurosawa, com o produtor Sōjirō Motoki e seus colegas diretores e amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse e Senkichi Taniguchi, formaram uma nova unidade de produção independente chamada Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para o trabalho de estreia desta organização e primeiro filme para os estúdios Daiei, Kurosawa recorreu a uma peça contemporânea de Kazuo Kikuta e, juntamente com Taniguchi, adaptou-a para o ecrã. The Quiet Duel estrelou Toshiro Mifune como um jovem médico idealista lutando contra a sífilis, uma tentativa deliberada de Kurosawa de impedir que o ator fosse classificado como gângster. Lançado em março de 1949, foi um sucesso de bilheteria, mas geralmente é considerado uma das menores conquistas do diretor.
Seu segundo filme de 1949, também produzido pela Film Art Association e lançado pela Shintoho, foi Stray Dog. É um filme de detetive (talvez o primeiro filme japonês importante nesse gênero) que explora o humor do Japão durante sua dolorosa recuperação pós-guerra através da história de um jovem detetive, interpretado por Mifune, e sua fixação na recuperação de sua arma, que foi roubado por um veterano de guerra sem um tostão que passa a usá-lo para roubar e matar. Adaptado de um romance inédito de Kurosawa no estilo de seu escritor favorito, Georges Simenon, foi a primeira colaboração do diretor com o roteirista Ryuzo Kikushima, que mais tarde ajudaria a escrever outros oito filmes de Kurosawa. Uma sequência famosa, praticamente sem palavras, com duração de mais de oito minutos, mostra o detetive, disfarçado de veterano empobrecido, vagando pelas ruas em busca do ladrão de armas; empregou imagens documentais reais de bairros de Tóquio devastados pela guerra, filmados pelo amigo de Kurosawa, Ishirō Honda, o futuro diretor de Godzilla. O filme é considerado um precursor dos gêneros de filmes policiais contemporâneos e policiais.
Scandal, lançado pela Shochiku em abril de 1950, foi inspirado nas experiências pessoais do diretor e na raiva contra o jornalismo amarelo japonês. O trabalho é uma mistura ambiciosa de drama de tribunal e filme de problema social sobre liberdade de expressão e responsabilidade pessoal, mas mesmo Kurosawa considerou o produto final dramaticamente sem foco e insatisfatório, e quase todos os críticos concordam. No entanto, seria o segundo filme de Kurosawa de 1950, Rashomon, que acabaria por conquistar para ele, e para o cinema japonês, todo um novo público internacional.
Reconhecimento internacional (1950–1958)
Depois de terminar Scandal, Kurosawa foi abordado pelos estúdios Daiei para fazer outro filme para eles. Kurosawa escolheu um roteiro de um jovem aspirante a roteirista, Shinobu Hashimoto, que acabaria trabalhando em nove de seus filmes. Seu primeiro esforço conjunto foi baseado no conto experimental de Ryūnosuke Akutagawa, "In a Grove", que narra o assassinato de um samurai e o estupro de sua esposa de vários pontos de vista diferentes e conflitantes. . Kurosawa viu potencial no roteiro e, com a ajuda de Hashimoto, o poliu e ampliou e depois o apresentou a Daiei, que ficou feliz em aceitar o projeto devido ao seu baixo orçamento.
As filmagens de Rashomon começaram em 7 de julho de 1950 e, após um extenso trabalho de locação na floresta primitiva de Nara, terminaram em 17 de agosto. Apenas uma semana foi gasta em pós-produção apressada, prejudicado por um incêndio no estúdio, e o filme finalizado estreou no Teatro Imperial de Tóquio em 25 de agosto, expandindo-se em todo o país no dia seguinte. O filme recebeu críticas mornas, com muitos críticos intrigados com seu tema e tratamento únicos, mas mesmo assim foi um sucesso financeiro moderado para a Daiei.
O próximo filme de Kurosawa, para Shochiku, foi O Idiota, uma adaptação do romance do escritor favorito do diretor, Fyodor Dostoevsky. A história é transferida da Rússia para Hokkaido, mas por outro lado adere de perto ao original, fato visto por muitos críticos como prejudicial ao trabalho. Uma edição comandada pelo estúdio encurtou do corte original de Kurosawa de 265 minutos para apenas 166 minutos, tornando a narrativa resultante extremamente difícil de seguir. A versão cinematográfica severamente editada é amplamente considerada uma das obras de menor sucesso do diretor e a versão original completa não existe mais. As críticas contemporâneas da versão editada muito reduzida foram muito negativas, mas o filme foi um sucesso moderado de bilheteria, principalmente por causa da popularidade de uma de suas estrelas, Setsuko Hara.
Enquanto isso, sem o conhecimento de Kurosawa, Rashomon havia sido inscrito no Festival de Cinema de Veneza, devido aos esforços de Giuliana Stramigioli, uma representante japonesa de uma empresa cinematográfica italiana, que havia visto e admirado o filme e convenceu a Daiei a apresentá-lo. Em 10 de setembro de 1951, Rashomon recebeu o maior prêmio do festival, o Leão de Ouro, chocando não apenas a Daiei, mas o mundo do cinema internacional, que na época desconhecia o Japão. ;s tradição cinematográfica de décadas.
Depois que a Daiei exibiu brevemente uma impressão legendada do filme em Los Angeles, a RKO comprou os direitos de distribuição de Rashomon nos Estados Unidos. A empresa estava fazendo uma aposta considerável. Ela lançou apenas um filme legendado anterior no mercado americano, e o único filme falado japonês anterior lançado comercialmente em Nova York foi a comédia de Mikio Naruse, Wife! Be Like a Rose!, em 1937: um fracasso de crítica e bilheteria. No entanto, o comercial de Rashomon', muito ajudado por fortes críticas de críticos e até mesmo o colunista Ed Sullivan ganhou $ 35.000 em suas primeiras três semanas em um único teatro de Nova York, uma soma quase inédita na época.
Este sucesso, por sua vez, levou a uma moda na América e no Ocidente para filmes japoneses ao longo da década de 1950, substituindo o entusiasmo pelo cinema neorrealista italiano. No final de 1952, Rashomon foi lançado no Japão, nos Estados Unidos e na maior parte da Europa. Entre os cineastas japoneses cujos trabalhos, como resultado, começaram a ganhar prêmios em festivais e lançamentos comerciais no Ocidente, estavam Kenji Mizoguchi (A Vida de Oharu, Ugetsu, Sansho the Bailiff) e, um pouco mais tarde, Yasujirō Ozu (Tokyo Story, An Autumn Afternoon)—artistas altamente respeitados no Japão, mas, antes desse período , quase totalmente desconhecido no Ocidente. A crescente reputação de Kurosawa entre o público ocidental na década de 1950 tornaria o público ocidental mais simpático à recepção das gerações posteriores de cineastas japoneses, desde Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Nagisa Oshima e Shohei Imamura até Juzo Itami, Takeshi Kitano e Takashi Miike.
Sua carreira impulsionada por sua repentina fama internacional, Kurosawa, agora reunido com seu estúdio de cinema original, Toho (que iria produzir seus próximos 11 filmes), começou a trabalhar em seu próximo projeto, Ikiru. O filme é estrelado por Takashi Shimura como um burocrata de Tóquio com câncer, Watanabe, em uma busca final por um significado antes de sua morte. Para o roteiro, Kurosawa trouxe Hashimoto, bem como o escritor Hideo Oguni, que viria a co-escrever doze filmes de Kurosawa. Apesar do assunto sombrio do trabalho, os roteiristas adotaram uma abordagem satírica, que alguns compararam ao trabalho de Brecht, tanto ao mundo burocrático de seu herói quanto à colonização cultural do Japão pelos EUA. (As canções pop americanas figuram com destaque no filme.) Por causa dessa estratégia, os cineastas geralmente são creditados por salvar o filme do tipo de sentimentalismo comum a dramas sobre personagens com doenças terminais. Ikiru estreou em outubro de 1952 com ótimas críticas - rendeu a Kurosawa seu segundo Kinema Junpo "Melhor Filme" prêmio - e enorme sucesso de bilheteria. Continua sendo o mais aclamado de todos os filmes do artista ambientados na era moderna.
Em dezembro de 1952, Kurosawa levou seus roteiristas de Ikiru, Shinobu Hashimoto e Hideo Oguni, para uma residência isolada de quarenta e cinco dias em uma pousada para criar o roteiro de seu próximo filme, Sete Samurais. O trabalho do conjunto foi o primeiro filme de samurai de verdade de Kurosawa, gênero pelo qual ele se tornaria mais famoso. A história simples, sobre uma vila agrícola pobre no Japão do período Sengoku que contrata um grupo de samurais para defendê-la contra um ataque iminente de bandidos, recebeu um tratamento épico completo, com um elenco enorme (em grande parte formado por veteranos de produções anteriores de Kurosawa). e ação meticulosamente detalhada, estendendo-se por quase três horas e meia de tempo de tela.
Foram três meses de pré-produção e um mês de ensaios. As filmagens duraram 148 dias ao longo de quase um ano, interrompidas por problemas de produção e financiamento e problemas de saúde de Kurosawa. O filme finalmente estreou em abril de 1954, meio ano atrasado em relação à data de lançamento original e cerca de três vezes acima do orçamento, tornando-o na época o filme japonês mais caro já feito. (No entanto, para os padrões de Hollywood, foi uma produção com orçamento bastante modesto, mesmo para a época.) O filme teve uma reação crítica positiva e se tornou um grande sucesso, recuperando rapidamente o dinheiro investido e fornecendo ao estúdio um produto que eles poderia, e fez, comercializar internacionalmente - embora com extensas edições. Com o tempo - e com os lançamentos de vídeo doméstico e teatral da versão sem cortes - sua reputação cresceu constantemente. Agora é considerado por alguns comentaristas como o maior filme japonês já feito e, em 1999, uma pesquisa com críticos de cinema japoneses também o elegeu como o melhor filme japonês já feito. Na versão mais recente (2012) do amplamente respeitado British Film Institute (BFI) Sight & Som "Os melhores filmes de todos os tempos" enquete, Seven Samurai ficou em 17º lugar entre todos os filmes de todos os países, tanto no ranking da crítica, quanto no 17º. e os diretores' pesquisas, recebendo um lugar nas listas dos dez melhores de 48 críticos e 22 diretores.
Em 1954, testes nucleares no Pacífico estavam causando tempestades radioativas no Japão e um incidente em particular em março expôs um barco de pesca japonês a precipitação nuclear, com resultados desastrosos. É nessa atmosfera de ansiedade que o próximo filme de Kurosawa, Registro de um ser vivo, foi concebido. A história dizia respeito a um velho dono de fábrica (Toshiro Mifune) tão apavorado com a perspectiva de um ataque nuclear que fica determinado a mudar toda a sua família (legal e extraconjugal) para o que ele imagina ser a segurança de uma fazenda no Brasil. . A produção foi muito mais tranquila do que o filme anterior do diretor, mas alguns dias antes do final das filmagens, o compositor, colaborador e amigo próximo de Kurosawa, Fumio Hayasaka, morreu (de tuberculose) aos 41 anos. A trilha sonora de 39 foi finalizada pelo aluno de Hayasaka, Masaru Sato, que faria a trilha sonora de todos os próximos oito filmes de Kurosawa. Record of a Living Being estreou em novembro de 1955 com críticas mistas e reação silenciosa do público, tornando-se o primeiro filme de Kurosawa a perder dinheiro durante sua exibição teatral original. Hoje, é considerado por muitos um dos melhores filmes que lidam com os efeitos psicológicos do impasse nuclear global.
O próximo projeto de Kurosawa, Trono de Sangue, uma adaptação de Macbeth de William Shakespeare—definido como Seven Samurai i>, na Era Sengoku — representou uma ambiciosa transposição da obra inglesa para um contexto japonês. Kurosawa instruiu sua atriz principal, Isuzu Yamada, a considerar a obra como se fosse uma versão cinematográfica de um japonês em vez de um clássico literário europeu. Dada a apreciação de Kurosawa pela atuação tradicional do palco japonês, a atuação dos atores, particularmente de Yamada, baseia-se fortemente nas técnicas estilizadas do teatro Noh. Foi filmado em 1956 e lançado em janeiro de 1957 para uma resposta doméstica um pouco menos negativa do que o caso do filme anterior do diretor. No exterior, Throne of Blood, independentemente das liberdades que toma com seu material de origem, rapidamente conquistou um lugar entre as mais célebres adaptações de Shakespeare.
Outra adaptação de uma clássica obra teatral européia se seguiu quase imediatamente, com a produção de The Lower Depths, baseado em uma peça de Maxim Gorky, ocorrendo em maio e junho de 1957. Em contraste com o Shakespeare varredura de Throne of Blood, The Lower Depths foi filmado em apenas dois cenários confinados, a fim de enfatizar a natureza restrita dos personagens; vidas. Embora fiel à peça, esta adaptação do material russo para um cenário completamente japonês - neste caso, o final do período Edo - ao contrário de seu anterior O Idiota, foi considerada um sucesso artístico. O filme estreou em setembro de 1957, recebendo uma resposta mista semelhante à de Throne of Blood. No entanto, alguns críticos o classificam entre os trabalhos mais subestimados do diretor.
Os três próximos filmes de Kurosawa depois de Seven Samurai não conseguiram capturar o público japonês da maneira que aquele filme conseguiu. O clima do trabalho do diretor estava ficando cada vez mais pessimista e sombrio, mesmo quando o Japão entrou em um período de crescimento acelerado e aumento dos padrões de vida. Fora de sintonia com o clima predominante da época, os filmes de Kurosawa questionaram a possibilidade de redenção por meio da responsabilidade pessoal, particularmente em Throne of Blood e The Lower Depths. Ele reconheceu isso e deliberadamente buscou um filme mais alegre e divertido para sua próxima produção, enquanto mudava para o novo formato widescreen que vinha ganhando popularidade no Japão. O filme resultante, The Hidden Fortress, é uma comédia dramática de ação e aventura sobre uma princesa medieval, seu leal general e dois camponeses que precisam atravessar as linhas inimigas para chegar à sua região natal. Lançado em dezembro de 1958, The Hidden Fortress se tornou um enorme sucesso de bilheteria no Japão e foi recebido calorosamente pela crítica japonesa e internacional. Hoje, o filme é considerado um dos esforços mais leves de Kurosawa, embora continue popular, até porque é uma das várias grandes influências na ópera espacial de George Lucas de 1977, Star Wars.
Nascimento de uma empresa e barba ruiva (1959–1965)
Começando com Rashomon, as produções de Kurosawa tornaram-se cada vez maiores em escopo, assim como os orçamentos do diretor. Toho, preocupado com esse desenvolvimento, sugeriu que poderia ajudar a financiar seus próprios trabalhos, diminuindo assim as perdas potenciais do estúdio e, por sua vez, permitindo-se mais liberdade artística como co-produtor. Kurosawa concordou, e a Kurosawa Production Company foi fundada em abril de 1959, com Toho como acionista majoritário.
Apesar de arriscar seu próprio dinheiro, Kurosawa escolheu uma história que criticava mais diretamente os empresários e as elites políticas japonesas do que qualquer outro trabalho anterior. The Bad Sleep Well, baseado no roteiro do sobrinho de Kurosawa, Mike Inoue, é um drama de vingança sobre um jovem que consegue se infiltrar na hierarquia de uma empresa japonesa corrupta com a intenção de expondo os homens responsáveis pela morte de seu pai. Seu tema provou ser atual: enquanto o filme estava em produção, os protestos maciços da Anpo foram realizados contra o novo tratado de segurança EUA-Japão, que foi visto por muitos japoneses, principalmente os jovens, como uma ameaça à democracia do país ao dar muito poder para corporações e políticos. O filme estreou em setembro de 1960 com uma reação crítica positiva e um modesto sucesso de bilheteria. A sequência de abertura de 25 minutos retratando uma recepção de casamento corporativa é amplamente considerada como uma das peças mais habilmente executadas de Kurosawa, mas o restante do filme é frequentemente percebido como decepcionante em comparação. O filme também foi criticado por empregar o herói convencional de Kurosawa para combater um mal social que não pode ser resolvido por meio das ações de indivíduos, por mais corajosos ou astutos que sejam.
Yojimbo (The Bodyguard), o segundo filme da Kurosawa Production, centra-se em um samurai sem mestre, Sanjuro, que entra em uma cidade do século XIX governada por duas facções violentas opostas e as provoca para que se destruam. O diretor usou este trabalho para brincar com muitas convenções de gênero, particularmente o faroeste, enquanto ao mesmo tempo oferecia um retrato gráfico da violência sem precedentes (para a tela japonesa). Alguns comentaristas viram o personagem Sanjuro neste filme como uma figura de fantasia que reverte magicamente o triunfo histórico da classe mercantil corrupta sobre a classe samurai. Apresentando Tatsuya Nakadai em seu primeiro papel importante em um filme de Kurosawa, e com fotografia inovadora de Kazuo Miyagawa (que filmou Rashomon) e Takao Saito, o filme estreou em abril de 1961 e foi um empreendimento de sucesso comercial e de crítica. , ganhando mais do que qualquer filme anterior de Kurosawa. O filme e seu tom cômico negro também foram amplamente imitados no exterior. A Fistful of Dollars de Sergio Leone foi um remake virtual (não autorizado) cena por cena com Toho entrando com uma ação em nome de Kurosawa e prevalecendo.
Após o sucesso de Yojimbo, Kurosawa se viu sob pressão da Toho para criar uma sequência. Kurosawa voltou-se para um roteiro que havia escrito antes de Yojimbo, retrabalhando-o para incluir o herói de seu filme anterior. Sanjuro foi o primeiro de três filmes de Kurosawa a ser adaptado da obra do escritor Shūgorō Yamamoto (os outros seriam Barba Ruiva e Dodeskaden) . Tem um tom mais leve e mais próximo de um filme de época convencional do que Yojimbo, embora sua história de uma luta pelo poder dentro de um clã samurai seja retratada com tons fortemente cômicos. O filme estreou em 1º de janeiro de 1962, superando rapidamente o sucesso de bilheteria de Yojimbo e obtendo críticas positivas.
Kurosawa instruiu Toho a comprar os direitos do filme King's Ransom, um romance sobre um sequestro escrito pelo autor e roteirista americano Evan Hunter, sob seu pseudônimo de Ed McBain, como uma de sua série de livros sobre crimes da 87ª Delegacia. O diretor pretendia criar uma obra condenando o sequestro, que considerava um dos piores crimes. O filme de suspense, intitulado High and Low, foi filmado na segunda metade de 1962 e lançado em março de 1963. Ele quebrou o recorde de bilheteria de Kurosawa (o terceiro filme consecutivo a fazê-lo ), tornou-se o filme japonês de maior bilheteria do ano e recebeu críticas elogiosas. No entanto, seu triunfo foi um tanto manchado quando, ironicamente, o filme foi responsabilizado por uma onda de sequestros ocorridos no Japão nessa época (ele próprio recebeu ameaças de sequestro dirigidas a sua filha, Kazuko). High and Low é considerado por muitos comentaristas uma das obras mais fortes do diretor.
Kurosawa passou rapidamente para seu próximo projeto, Barba Ruiva. Baseado em uma coleção de contos de Shūgorō Yamamoto e incorporando elementos do romance de Dostoiévski Os insultados e feridos, é um filme de época, ambientado em uma clínica para pobres de meados do século XIX, em quais os temas humanistas de Kurosawa recebem talvez sua afirmação mais completa. Um jovem médico vaidoso e materialista treinado no exterior, Yasumoto, é forçado a se tornar um estagiário na clínica sob a severa tutela do Doutor Niide, conhecido como "Akahige" ("Barba Ruiva"), interpretado por Mifune. Embora inicialmente resista a Barba Ruiva, Yasumoto passa a admirar sua sabedoria e coragem, e a perceber os pacientes da clínica, que a princípio desprezava, como dignos de compaixão e dignidade.
Yūzō Kayama, que interpreta Yasumoto, era uma estrela extremamente popular do cinema e da música na época, principalmente por seu "Young Guy" (Wakadaishō) série de comédias musicais, então contratá-lo para aparecer no filme praticamente garantiu a Kurosawa uma forte bilheteria. A filmagem, a mais longa de todos os tempos do cineasta, durou mais de um ano (após cinco meses de pré-produção) e terminou na primavera de 1965, deixando o diretor, sua equipe e seus atores exaustos. Barba Ruiva estreou em abril de 1965, tornando-se a produção japonesa de maior bilheteria do ano e o terceiro (e último) filme de Kurosawa a liderar a prestigiada pesquisa anual da crítica da Kinema Jumpo. Continua sendo uma das obras mais conhecidas e amadas de Kurosawa em seu país natal. Fora do Japão, os críticos estão muito mais divididos. A maioria dos comentaristas concede seus méritos técnicos e alguns o elogiam como um dos melhores de Kurosawa, enquanto outros insistem que carece de complexidade e poder narrativo genuíno, com outros ainda afirmando que representa um recuo do compromisso anterior do artista com mudança social e política.
O filme marcou o fim de uma era para seu criador. O próprio diretor reconheceu isso na época de seu lançamento, dizendo ao crítico Donald Richie que algum tipo de ciclo acabara de terminar e que seus futuros filmes e métodos de produção seriam diferentes. Sua previsão provou ser bastante precisa. A partir do final da década de 1950, a televisão começou a dominar cada vez mais o tempo de lazer do outrora grande e leal público do cinema japonês. E à medida que as receitas das empresas cinematográficas diminuíam, também diminuía seu apetite por riscos - particularmente o risco representado pelos custosos métodos de produção de Kurosawa.
Barba Ruiva também marcou o meio do caminho, cronologicamente, na carreira do artista. Durante seus vinte e nove anos anteriores na indústria cinematográfica (que inclui seus cinco anos como assistente de direção), ele havia dirigido vinte e três filmes, enquanto durante os vinte e oito anos restantes, por muitas e complexas razões, ele completaria apenas sete. mais. Além disso, por motivos nunca explicados adequadamente, Barba Ruiva seria seu último filme estrelado por Toshiro Mifune. Yu Fujiki, um ator que trabalhou em The Lower Depths, observou, em relação à proximidade dos dois homens no set, "Sr. O coração de Kurosawa estava no corpo do Sr. Mifune. Donald Richie descreveu o relacionamento entre eles como uma "simbiose" única.
Ambições de Hollywood para os últimos filmes (1966–1998)
Desvio de Hollywood (1966–1968)
Quando o contrato exclusivo de Kurosawa com a Toho chegou ao fim em 1966, o diretor de 56 anos estava pensando seriamente em mudar. Observando o estado conturbado da indústria cinematográfica nacional e já tendo recebido dezenas de ofertas do exterior, a ideia de trabalhar fora do Japão o atraiu como nunca antes.
Para seu primeiro projeto estrangeiro, Kurosawa escolheu uma história baseada em um artigo da revista Life. O thriller de ação da Embassy Pictures, a ser filmado em inglês e chamado simplesmente Runaway Train, teria sido seu primeiro em cores. Mas a barreira do idioma provou ser um grande problema, e a versão em inglês do roteiro nem estava terminada quando as filmagens começaram no outono de 1966. As filmagens, que exigiam neve, foram transferidas para o outono de 1967 e canceladas em 1968. Quase duas décadas depois, outro diretor estrangeiro trabalhando em Hollywood, Andrei Konchalovsky, finalmente fez Runaway Train (1985), embora a partir de um novo roteiro vagamente baseado no de Kurosawa.
Enquanto isso, o diretor se envolveu em um projeto hollywoodiano muito mais ambicioso. Tora! Torá! Tora! , produzido pela 20th Century Fox e Kurosawa Production, seria um retrato do ataque japonês a Pearl Harbor, tanto do ponto de vista americano quanto do japonês, com Kurosawa dirigindo a metade japonesa e um cineasta anglófono dirigindo a metade americana. Ele passou vários meses trabalhando no roteiro com Ryuzo Kikushima e Hideo Oguni, mas logo o projeto começou a desmoronar. O diretor das sequências americanas acabou não sendo David Lean, como originalmente planejado, mas o americano Richard Fleischer. O orçamento também foi cortado e o tempo de tela alocado para o segmento japonês agora não passaria de 90 minutos - um grande problema, considerando que o roteiro de Kurosawa durava mais de quatro horas. Depois de inúmeras revisões com o envolvimento direto de Darryl Zanuck, um roteiro de corte mais ou menos finalizado foi acordado em maio de 1968.
As filmagens começaram no início de dezembro, mas Kurosawa duraria pouco mais de três semanas como diretor. Ele lutou para trabalhar com uma equipe desconhecida e com os requisitos de uma produção de Hollywood, enquanto seus métodos de trabalho intrigavam seus produtores americanos, que finalmente concluíram que o diretor devia estar mentalmente doente. Kurosawa foi examinado no Hospital da Universidade de Kyoto por um neuropsicólogo, Dr. Murakami, cujo diagnóstico foi encaminhado para Darryl Zanuck e Richard Zanuck nos estúdios da Fox, indicando um diagnóstico de neurastenia afirmando que, "Ele está sofrendo de distúrbios do sono, agitado com sentimentos de ansiedade e excitação maníaca causados pela doença acima mencionada. É necessário que ele tenha repouso e tratamento médico por mais de dois meses." Na véspera de Natal de 1968, os americanos anunciaram que Kurosawa havia deixado a produção por "cansaço", efetivamente demitindo-o. Ele acabou sendo substituído, nas sequências japonesas do filme, por dois diretores, Kinji Fukasaku e Toshio Masuda.
Tora! Torá! Tora!, finalmente lançado para críticas nada entusiasmadas em setembro de 1970, foi, como disse Donald Richie, uma "tragédia quase absoluta". na carreira de Kurosawa. Ele passou anos de sua vida em um projeto de pesadelo logístico para o qual ele acabou não contribuindo com um pé de filme filmado por ele mesmo. (Ele teve seu nome removido dos créditos, embora o roteiro usado para a metade japonesa ainda fosse dele e de seus co-escritores.) Ele se afastou de seu colaborador de longa data, o escritor Ryuzo Kikushima, e nunca mais trabalhou com ele. O projeto expôs inadvertidamente a corrupção em sua própria produtora (uma situação que lembra seu próprio filme, The Bad Sleep Well). Sua própria sanidade havia sido questionada. Pior de tudo, a indústria cinematográfica japonesa - e talvez o próprio homem - começou a suspeitar que ele nunca faria outro filme.
Uma década difícil (1969–1977)
Sabendo que sua reputação estava em jogo após o tão divulgado Tora! Torá! Tora! desastre, Kurosawa mudou-se rapidamente para um novo projeto para provar que ainda era viável. Em seu auxílio vieram os amigos e diretores famosos Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi e Kon Ichikawa, que junto com Kurosawa fundaram em julho de 1969 uma produtora chamada Clube dos Quatro Cavaleiros (Yonki no kai). Embora o plano fosse que os quatro diretores criassem um filme cada, foi sugerido que a verdadeira motivação para os outros três diretores era tornar mais fácil para Kurosawa concluir um filme com sucesso e, portanto, encontrar seu caminho de volta aos negócios.
O primeiro projeto proposto e trabalhado foi um filme de época chamado Dora-heita, mas quando isso foi considerado muito caro, a atenção mudou para Dodesukaden, uma adaptação de mais uma obra de Shūgorō Yamamoto, novamente sobre os pobres e destituídos. O filme foi rodado rapidamente (pelos padrões de Kurosawa) em cerca de nove semanas, com Kurosawa determinado a mostrar que ainda era capaz de trabalhar com rapidez e eficiência dentro de um orçamento limitado. Para seu primeiro trabalho em cores, a edição dinâmica e as composições complexas de seus primeiros quadros foram deixadas de lado, com o artista focando na criação de uma paleta de cores primárias ousada, quase surreal, a fim de revelar o ambiente tóxico em que os personagens ao vivo. Foi lançado no Japão em outubro de 1970, mas apesar de um pequeno sucesso de crítica, foi recebido com indiferença pelo público. A imagem perdeu dinheiro e causou a dissolução do Clube dos Quatro Cavaleiros. A recepção inicial no exterior foi um pouco mais favorável, mas desde então Dodesukaden tem sido considerado uma experiência interessante, não comparável ao melhor trabalho do diretor.
Depois de lutar na produção de Dodesukaden, Kurosawa voltou-se para o trabalho na televisão no ano seguinte pela única vez em sua carreira com Song of the Horse, um documentário sobre puro-sangue cavalos de corrida. Apresentava uma narração narrada por um homem fictício e uma criança (dublada pelos mesmos atores do mendigo e seu filho em Dodesukaden). É o único documentário da filmografia de Kurosawa; a pequena equipe incluía seu frequente colaborador Masaru Sato, que compôs a música. Song of the Horse também é único na obra de Kurosawa, pois inclui o crédito de um editor, sugerindo que é o único filme de Kurosawa que ele não cortou.
Incapaz de obter financiamento para continuar o trabalho e supostamente com problemas de saúde, Kurosawa aparentemente atingiu o ponto de ruptura: em 22 de dezembro de 1971, ele cortou os pulsos e a garganta várias vezes. A tentativa de suicídio não teve sucesso e a saúde do diretor se recuperou rapidamente, com Kurosawa agora se refugiando na vida doméstica, sem saber se algum dia dirigiria outro filme.
No início de 1973, o estúdio soviético Mosfilm abordou o cineasta para perguntar se ele estaria interessado em trabalhar com eles. Kurosawa propôs uma adaptação da obra autobiográfica do explorador russo Vladimir Arsenyev Dersu Uzala. O livro, sobre um caçador Goldi que vive em harmonia com a natureza até ser destruído pela invasão da civilização, era o que ele queria fazer desde a década de 1930. Em dezembro de 1973, Kurosawa, de 63 anos, partiu para a União Soviética com quatro de seus assessores mais próximos, iniciando uma estada de um ano e meio no país. As filmagens começaram em maio de 1974 na Sibéria, com filmagens em condições naturais extremamente duras, provando ser muito difíceis e exigentes. A foto terminou em abril de 1975, com Kurosawa completamente exausto e com saudades de casa voltando para o Japão e sua família em junho. Dersu Uzala teve sua estreia mundial no Japão em 2 de agosto de 1975 e foi bem nas bilheterias. Embora a recepção da crítica no Japão tenha sido silenciosa, o filme foi melhor avaliado no exterior, ganhando o Prêmio de Ouro no 9º Festival Internacional de Cinema de Moscou, bem como o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. Hoje, os críticos permanecem divididos sobre o filme: alguns o veem como um exemplo do suposto declínio artístico de Kurosawa, enquanto outros o consideram um de seus melhores trabalhos.
Apesar de lhe terem sido apresentadas propostas para projectos televisivos, não tinha interesse em trabalhar fora do mundo do cinema. No entanto, o diretor bebedor concordou em aparecer em uma série de anúncios de televisão para o uísque Suntory, que foi ao ar em 1976. Embora temesse nunca mais poder fazer outro filme, o diretor continuou trabalhando em vários projetos, escrevendo roteiros e criando ilustrações detalhadas, com a intenção de deixar um registro visual de seus planos caso ele nunca consiga filmar suas histórias.
Dois épicos (1978–1986)
Em 1977, o diretor americano George Lucas lançou Star Wars, um filme de ficção científica de grande sucesso influenciado por The Hidden Fortress de Kurosawa, entre outras obras. Lucas, como muitos outros diretores da Nova Hollywood, reverenciava Kurosawa e o considerava um modelo, e ficou chocado ao descobrir que o cineasta japonês não conseguiu obter financiamento para nenhum novo trabalho. Os dois se encontraram em São Francisco em julho de 1978 para discutir o projeto que Kurosawa considerava financeiramente mais viável: Kagemusha, a história épica de um ladrão contratado como dublê de um senhor japonês medieval de um grande clã. Lucas, encantado com o roteiro e as ilustrações de Kurosawa, alavancou sua influência sobre a 20th Century Fox para coagir o estúdio que havia demitido Kurosawa apenas dez anos antes para produzir Kagemusha, então recrutou o colega fã Francis Ford Coppola como co-produtor.
A produção começou em abril seguinte, com Kurosawa animado. As filmagens duraram de junho de 1979 a março de 1980 e foram repletas de problemas, entre eles a demissão do ator principal original, Shintaro Katsu - criador do popular personagem Zatoichi - devido a um incidente em que o ator insistiu, contra a vontade do diretor, ao filmar sua própria performance. (Ele foi substituído por Tatsuya Nakadai, em seu primeiro de dois papéis principais consecutivos em um filme de Kurosawa.) O filme foi concluído apenas algumas semanas atrasado e estreou em Tóquio em abril de 1980. Rapidamente se tornou um grande sucesso no Japão. O filme também foi um sucesso de crítica e bilheteria no exterior, ganhando a cobiçada Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes de 1980 em maio, embora alguns críticos, então e agora, tenham criticado o filme por sua suposta frieza. Kurosawa passou grande parte do resto do ano na Europa e na América promovendo Kagemusha, colecionando prêmios e elogios e exibindo como arte os desenhos que havia feito para servir de storyboard para o filme.
O sucesso internacional de Kagemusha permitiu que Kurosawa prosseguisse com seu próximo projeto, Ran, outro épico na mesma linha. O roteiro, parcialmente baseado em Rei Lear de William Shakespeare, mostrava um implacável e sanguinário daimyō (senhor da guerra), interpretado por Tatsuya Nakadai, que, após banir tolamente seu um filho leal entrega seu reino a seus outros dois filhos, que então o traem, mergulhando assim todo o reino na guerra. Como os estúdios japoneses ainda tinham receio de produzir outro filme que estaria entre os mais caros já feitos no país, a ajuda internacional foi novamente necessária. Desta vez, veio do produtor francês Serge Silberman, que havia produzido os últimos filmes de Luis Buñuel. As filmagens não começaram até dezembro de 1983 e duraram mais de um ano.
Em janeiro de 1985, a produção de Ran foi interrompida quando a esposa de Kurosawa, Yōko, de 64 anos, adoeceu. Ela morreu em 1º de fevereiro. Kurosawa voltou para terminar seu filme e Ran estreou no Festival de Cinema de Tóquio em 31 de maio, com grande lançamento no dia seguinte. O filme teve um sucesso financeiro moderado no Japão, mas maior no exterior e, como havia feito com Kagemusha, Kurosawa embarcou em uma viagem à Europa e América, onde assistiu à exibição do filme. estreia em setembro e outubro.
Ran ganhou vários prêmios no Japão, mas não foi tão homenageado lá quanto muitos dos melhores filmes do diretor nas décadas de 1950 e 1960. O mundo do cinema ficou surpreso, no entanto, quando o Japão rejeitou a seleção de Ran em favor de outro filme como sua entrada oficial para concorrer a uma indicação ao Oscar na categoria de Melhor Filme Estrangeiro, que acabou sendo rejeitado por competição no 58º Oscar. Tanto o produtor quanto o próprio Kurosawa atribuíram o fracasso em enviar Ran para a competição a um mal-entendido: por causa das regras misteriosas da academia, ninguém tinha certeza se Ran qualificado como um filme japonês, um filme francês (devido ao seu financiamento), ou ambos, por isso não foi submetido. Em resposta ao que pelo menos parecia ser um desprezo flagrante de seus próprios compatriotas, o diretor Sidney Lumet liderou uma campanha bem-sucedida para que Kurosawa recebesse uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor naquele ano (Sydney Pollack acabou ganhando o prêmio por dirigir Out da África). A figurinista de Ran, Emi Wada, ganhou o único Óscar.
Kagemusha e Ran, particularmente o último, são frequentemente considerados entre os melhores trabalhos de Kurosawa. Após o lançamento de Ran', Kurosawa o apontaria como seu melhor filme, um grande mudança de atitude para o diretor que, quando questionado sobre qual de seus trabalhos era o seu melhor, sempre respondia anteriormente "minha próxima".
Trabalhos finais e últimos anos (1987–1998)
Para seu próximo filme, Kurosawa escolheu um assunto muito diferente de tudo o que ele já havia filmado antes. Embora algumas de suas imagens anteriores (por exemplo, Drunken Angel e Kagemusha) incluíssem breves sequências de sonhos, Dreams seria inteiramente baseado no próprios sonhos do diretor. Significativamente, pela primeira vez em mais de quarenta anos, Kurosawa, para este projeto profundamente pessoal, escreveu o roteiro sozinho. Embora seu orçamento estimado fosse menor do que os filmes imediatamente anteriores, os estúdios japoneses ainda não estavam dispostos a apoiar uma de suas produções, então Kurosawa recorreu a outro fã americano famoso, Steven Spielberg, que convenceu a Warner Bros. filme. Isso tornou mais fácil para o filho de Kurosawa, Hisao, como co-produtor e futuro chefe da Kurosawa Production, negociar um empréstimo no Japão que cobriria os custos de produção do filme. As filmagens levaram mais de oito meses para serem concluídas, e Dreams estreou em Cannes em maio de 1990 com uma recepção educada, mas discreta, semelhante à reação que o filme geraria em outras partes do mundo. Em 1990, ele aceitou o Oscar pelo conjunto de sua obra. Em seu discurso de aceitação, ele disse a famosa frase "Estou um pouco preocupado porque sinto que ainda não entendo o cinema". Na época, Bob Thomas, do The Daily Spectrum, observou que Kurosawa era "considerado por muitos críticos como o maior cineasta vivo".
Kurosawa agora voltou-se para uma história mais convencional com Rhapsody em agosto—o primeiro filme do diretor totalmente produzido no Japão desde Dodeskaden mais de vinte anos antes—que explorou as cicatrizes do bombardeio nuclear que destruiu Nagasaki no final da Segunda Guerra Mundial. Foi adaptado de um romance de Kiyoko Murata, mas as referências do filme ao bombardeio de Nagasaki vieram do diretor e não do livro. Este foi seu único filme a incluir um papel para uma estrela do cinema americano: Richard Gere, que interpreta um pequeno papel como sobrinho da heroína idosa. As filmagens ocorreram no início de 1991, com o filme estreando em 25 de maio daquele ano, com uma reação crítica amplamente negativa, especialmente nos Estados Unidos, onde o diretor foi acusado de promulgar sentimentos ingenuamente antiamericanos, embora Kurosawa rejeitou essas acusações.
Kurosawa não perdeu tempo e passou para seu próximo projeto: Madadayo, ou Ainda não. Baseado em ensaios autobiográficos de Hyakken Uchida, o filme segue a vida de um professor japonês de alemão durante a Segunda Guerra Mundial e além. A narrativa é centrada nas comemorações anuais de aniversário com seus ex-alunos, durante as quais o protagonista declara sua relutância em morrer ainda - um tema que estava se tornando cada vez mais relevante para o criador do filme, de 81 anos. As filmagens começaram em fevereiro de 1992 e terminaram no final de setembro. Seu lançamento em 17 de abril de 1993 foi recebido por uma reação ainda mais desapontada do que com seus dois trabalhos anteriores.
Kurosawa, no entanto, continuou a trabalhar. Ele escreveu os roteiros originais The Sea is Watching em 1993 e After the Rain em 1995. Ao dar os retoques finais no último trabalho em 1995, Kurosawa escorregou e quebrou a base de sua coluna. Após o acidente, ele usaria uma cadeira de rodas pelo resto da vida, acabando com qualquer esperança de dirigir outro filme. Seu desejo de longa data - morrer no set enquanto filmava um filme - nunca foi realizado.
Depois do acidente, a saúde de Kurosawa começou a piorar. Enquanto sua mente permanecia afiada e viva, seu corpo estava desistindo e, durante o último meio ano de sua vida, o diretor ficou confinado à cama, ouvindo música e assistindo televisão em casa. Em 6 de setembro de 1998, Kurosawa morreu de derrame em Setagaya, Tóquio, aos 88 anos. Na época de sua morte, Kurosawa tinha dois filhos, seu filho Hisao Kurosawa, que se casou com Hiroko Hayashi e sua filha Kazuko Kurosawa, que se casou com Harayuki. Kato, junto com vários netos. Um de seus netos, o ator Takayuki Kato e neto de Kazuko, tornou-se ator coadjuvante em dois filmes desenvolvidos postumamente a partir de roteiros escritos por Kurosawa que permaneceram sem produção durante sua vida, Depois da Chuva de Takashi Koizumi. i> (1999) e The Sea is Watching de Kei Kumai (2002).
Filmografia
Embora Kurosawa seja conhecido principalmente como cineasta, ele também trabalhou no teatro e na televisão e escreveu livros. Uma lista detalhada, incluindo sua filmografia completa, pode ser encontrada na lista de obras de Akira Kurosawa.
Estilo, temas e técnicas
Kurosawa exibiu um estilo arrojado e dinâmico, fortemente influenciado pelo cinema ocidental, mas distinto dele; ele estava envolvido com todos os aspectos da produção cinematográfica. Ele era um roteirista talentoso e trabalhou em estreita colaboração com seus co-roteiristas desde o desenvolvimento do filme para garantir um roteiro de alta qualidade, que ele considerava a base sólida de um bom filme. Ele freqüentemente atuou como editor de seus próprios filmes. Sua equipe, conhecida como "Kurosawa-gumi" (黒澤組 , grupo Kurosawa), que incluía o diretor de fotografia Asakazu Nakai, o assistente de produção Teruyo Nogami e o ator Takashi Shimura, se destacou por sua lealdade e confiabilidade.
O estilo de Kurosawa é marcado por uma série de artifícios e técnicas. Em seus filmes das décadas de 1940 e 1950, ele freqüentemente emprega o "corte axial", no qual a câmera se aproxima ou se afasta do assunto por meio de uma série de cortes de salto combinados, em vez de planos de rastreamento ou dissoluções. Outra característica estilística é "cortar em movimento", que exibe o movimento na tela em duas ou mais tomadas em vez de uma ininterrupta. Uma forma de pontuação cinematográfica fortemente identificada com Kurosawa é o wipe, um efeito criado por meio de uma impressora ótica: uma linha ou barra parece se mover pela tela, apagando o final de uma cena e revelando a primeira imagem da próxima. Como dispositivo de transição, é usado como substituto do corte reto ou da dissolução; em seu trabalho maduro, o lenço tornou-se a assinatura de Kurosawa.
Na trilha sonora do filme, Kurosawa privilegiou o contraponto som-imagem, no qual a música ou os efeitos sonoros pareciam comentar ironicamente a imagem em vez de enfatizá-la. As memórias de Teruyo Nogami dão vários exemplos de Drunken Angel e Stray Dog. Kurosawa também esteve envolvido com vários compositores contemporâneos notáveis do Japão, incluindo Fumio Hayasaka e Tōru Takemitsu.
Kurosawa empregou uma série de temas recorrentes em seus filmes: a relação mestre-discípulo entre um mentor geralmente mais velho e um ou mais novatos, que geralmente envolve domínio espiritual, técnico e autodomínio; o campeão heróico, o indivíduo excepcional que emerge da massa de pessoas para produzir algo ou corrigir algum erro; a representação de condições climáticas extremas como dispositivos dramáticos e símbolos da paixão humana; e a recorrência de ciclos de violência selvagem na história. De acordo com Stephen Prince, o último tema, que ele chama de "a contra-tradição ao modo heróico e comprometido do cinema de Kurosawa" começou com Trono de Sangue (1957), e reapareceu nos filmes da década de 1980.
Legado e impacto cultural
Reputação entre os cineastas
Muitos cineastas foram influenciados pelo trabalho de Kurosawa. Ingmar Bergman chamou seu próprio filme The Virgin Spring de uma "imitação turística... péssima de Kurosawa" e acrescentou: "Naquela época, minha admiração pelo cinema japonês era Na sua altura. Eu mesmo fui quase um samurai!" Federico Fellini considerava Kurosawa "o maior exemplo vivo de tudo o que um autor de cinema deve ser". Steven Spielberg citou a visão cinematográfica de Kurosawa como sendo importante para moldar sua própria visão cinematográfica. Satyajit Ray, que recebeu postumamente o Prêmio Akira Kurosawa pelo conjunto de sua obra na direção no Festival Internacional de Cinema de São Francisco em 1992, havia dito anteriormente sobre Rashomon:
"O efeito do filme em mim [ao primeiro vê-lo em Calcutá em 1952] foi elétrico. Vi-o três vezes em dias consecutivos, e perguntei cada vez se havia outro filme em qualquer lugar que deu uma prova tão sustentada e deslumbrante do comando de um diretor sobre todos os aspectos da produção de filmes."
Roman Polanski considerou Kurosawa um dos três cineastas de sua preferência, junto com Fellini e Orson Welles, e escolheu Seven Samurai, Trono de Sangue e A Fortaleza Oculta pelos elogios. Bernardo Bertolucci considerou a influência de Kurosawa como seminal: "Os filmes de Kurosawa e La Dolce Vita de Fellini são as coisas que me impulsionaram, me sugaram para ser um diretor de cinema ." Andrei Tarkovsky citou Kurosawa como um de seus favoritos e nomeou Seven Samurai como um de seus dez filmes favoritos. Sidney Lumet chamou Kurosawa de o "Beethoven dos diretores de cinema". Werner Herzog refletiu sobre os cineastas com quem sente afinidade e os filmes que admira:
Griffith - especialmente dele Nascimento de uma Nação e Flores quebradas - Murnau, Buñuel, Kurosawa e Eisenstein's Ivan, o Terrível, todos vêm à mente... Gosto do Dreyer. A Paixão de Joana d'ArcPudovkin's Tempestade sobre a Ásia e Dovzhenko's Terra, Mizoguchi's Ugetsu Monogatari, Satyajit Ray's A Sala de Música... Sempre me perguntei como Kurosawa fez algo tão bom como Rashomon; o equilíbrio e o fluxo são perfeitos, e ele usa o espaço de forma tão equilibrada. É um dos melhores filmes já feitos.
Segundo um assistente, Stanley Kubrick considerava Kurosawa "um dos grandes diretores de cinema" e falou dele "consistentemente e com admiração", a ponto de uma carta dele "significar mais do que qualquer Oscar" e o levou a agonizar por meses ao redigir uma resposta. Robert Altman, ao ver Rashomon pela primeira vez, ficou tão impressionado com a sequência de quadros do sol que começou a filmar as mesmas sequências em seu trabalho no dia seguinte, afirmou. George Lucas citou o filme The Hidden Fortress como a principal inspiração para seu filme Star Wars. Ele também citou outros filmes de Kurosawa como seus favoritos, incluindo Seven Samurai, Yojimbo e Ikiru. Zack Snyder o citou como uma de suas influências para seu subdesenvolvido filme da Netflix Rebel Moon. Kurosawa ficou em terceiro lugar na classificação dos diretores. enquete e quinto na lista dos críticos. enquete em Sight & Lista de 2002 da Sound dos maiores diretores de todos os tempos.
Críticas
Kenji Mizoguchi, o aclamado diretor de Ugetsu (1953) e Sansho the Bailiff (1954) era onze anos mais velho que Kurosawa. Depois de meados da década de 1950, alguns críticos da Nouvelle Vague francesa começaram a favorecer Mizoguchi em detrimento de Kurosawa. O crítico e cineasta da New Wave, Jacques Rivette, em particular, considerava Mizoguchi o único diretor japonês cujo trabalho era ao mesmo tempo inteiramente japonês e verdadeiramente universal; Kurosawa, em contraste, foi pensado para ser mais influenciado pelo cinema e cultura ocidentais, uma visão que tem sido contestada.
No Japão, alguns críticos e cineastas consideraram Kurosawa elitista. Eles o viam centrando seu esforço e atenção em personagens excepcionais ou heróicos. Em seu comentário de DVD sobre Seven Samurai, Joan Mellen argumentou que certas tomadas dos personagens samurais Kambei e Kyuzo, que mostram que Kurosawa concedeu status ou validade superior a eles, constituem evidência para esse ponto de vista. Esses críticos japoneses argumentaram que Kurosawa não era suficientemente progressista porque os camponeses não conseguiam encontrar líderes dentro de suas fileiras. Em entrevista a Mellen, Kurosawa se defendeu, dizendo:
Eu queria dizer que depois de tudo os camponeses eram os mais fortes, estreitamente agarrados à terra ... Foram os samurai que eram fracos, porque estavam sendo soprados pelos ventos do tempo.
Desde o início dos anos 1950, Kurosawa também foi encarregado de atender aos gostos ocidentais devido à sua popularidade na Europa e na América. Na década de 1970, o diretor de esquerda politicamente engajado Nagisa Ōshima, conhecido por sua reação crítica ao trabalho de Kurosawa, acusou Kurosawa de ceder às crenças e ideologias ocidentais. O autor Audie Block, no entanto, avaliou Kurosawa por nunca ter representado para um público não japonês e por ter denunciado os diretores que o fizeram.
Roteiros póstumos
Após a morte de Kurosawa, vários trabalhos póstumos baseados em seus roteiros não filmados foram produzidos. After the Rain, dirigido por Takashi Koizumi, foi lançado em 1999, e The Sea Is Watching, dirigido por Kei Kumai, estreou em 2002. Um roteiro criado pelo Yonki no Kai ("Clube dos Quatro Cavaleiros") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi e Kon Ichikawa), na época em que Dodeskaden foi feito, finalmente foi filmado e lançado ( em 2000) como Dora-heita, pelo único fundador sobrevivente do clube, Kon Ichikawa. Huayi Brothers Media e CKF Pictures na China anunciaram em 2017 planos para produzir um filme do roteiro póstumo de Kurosawa de The Masque of the Red Death de Edgar Allan Poe para 2020, intitulado A Máscara da Peste Negra. Patrick Frater, escrevendo para a revista Variety em maio de 2017, afirmou que outros dois filmes inacabados de Kurosawa foram planejados, com Silvering Spear para começar a filmar em 2018.
Kurosawa Production Company
Em setembro de 2011, foi relatado que os direitos de remake da maioria dos filmes de Kurosawa e roteiros não produzidos foram atribuídos pelo Projeto Akira Kurosawa 100 à empresa Splendent, com sede em Los Angeles. O chefe da Splendent, Sakiko Yamada, afirmou que pretendia "ajudar os cineastas contemporâneos a apresentar uma nova geração de espectadores a essas histórias inesquecíveis".
A Kurosawa Production Co., estabelecida em 1959, continua a supervisionar muitos dos aspectos do legado de Kurosawa. O filho do diretor, Hisao Kurosawa, é o atual chefe da empresa. Sua subsidiária americana, Kurosawa Enterprises, está localizada em Los Angeles. Os direitos das obras de Kurosawa eram então detidos pela Kurosawa Production e pelos estúdios de cinema em que ele trabalhava, principalmente Toho. Esses direitos foram então atribuídos ao Projeto Akira Kurosawa 100 antes de serem transferidos em 2011 para a empresa Splendent, com sede em Los Angeles. A Kurosawa Production trabalha em estreita colaboração com a Fundação Akira Kurosawa, criada em dezembro de 2003 e também dirigida por Hisao Kurosawa. A fundação organiza uma competição anual de curtas-metragens e lidera projetos relacionados a Kurosawa, incluindo um recentemente arquivado para construir um museu memorial para o diretor.
Estúdios de cinema
Em 1981, o Kurosawa Film Studio foi inaugurado em Yokohama; dois locais adicionais já foram lançados no Japão. Uma grande coleção de material de arquivo, incluindo roteiros digitalizados, fotos e artigos de notícias, foi disponibilizada através do Akira Kurosawa Digital Archive, um site proprietário japonês mantido pelo Ryukoku University Digital Archives Research Center em colaboração com a Kurosawa Production.
Escola de Cinema Akira Kurosawa da Universidade de Anaheim
A Universidade de Anaheim, em colaboração com a Kurosawa Production e a família Kurosawa, estabeleceu a Escola de Cinema Akira Kurosawa da Universidade de Anaheim na primavera de 2009. A Escola de Cinema Akira Kurosawa da Universidade de Anaheim oferece um Mestrado Online de Belas Artes (MFA) em Produção de Cinema Digital apoiado por muitos dos maiores cineastas do mundo.
Prêmios e homenagens
Dois prêmios de cinema também foram nomeados em homenagem a Kurosawa. O Prêmio Akira Kurosawa pelo conjunto de sua obra em direção de cinema é concedido durante o Festival Internacional de Cinema de São Francisco, enquanto o Prêmio Akira Kurosawa é concedido durante o Festival Internacional de Cinema de Tóquio.
Kurosawa é frequentemente citado como um dos maiores cineastas de todos os tempos. Em 1999, ele foi nomeado "Asiático do Século" na "Artes, Literatura e Cultura" categoria pela revista AsianWeek e CNN, citado como "uma das [cinco] pessoas que mais contribuíram para a melhoria da Ásia nos últimos 100 anos". Em comemoração ao 100º aniversário do nascimento de Kurosawa em 2010, um projeto chamado AK100 foi lançado em 2008. O Projeto AK100 visa "expor os jovens que são os representantes da próxima geração e todas as pessoas em todos os lugares , para a luz e o espírito de Akira Kurosawa e o maravilhoso mundo que ele criou".
O filme animado de Wes Anderson Ilha dos Cachorros (japonês: 犬ヶ島, romanizado: Inugashima) é parcialmente inspirada nas técnicas de filmagem de Kurosawa. No 64º Festival de Cinema de Sydney, houve uma retrospectiva de Akira Kurosawa onde seus filmes foram exibidos para relembrar o grande legado que deixou com sua obra.
Documentários
Um número significativo de documentários de curta e longa duração sobre a vida e obra de Kurosawa foi feito durante seu apogeu artístico e após sua morte. AK, do diretor de ensaio de vídeo francês Chris Marker, foi filmado enquanto Kurosawa trabalhava em Ran; no entanto, o documentário está mais preocupado com a personalidade distante, porém educada, de Kurosawa do que com a produção do filme. Outros documentários sobre a vida e obras de Kurosawa produzidos postumamente incluem:
- Kurosawa: O último imperador (Alex Cox, 1999)
- Mensagem de Akira Kurosawa: Para filmes bonitos (Hisao Kurosawa, 2000)
- Kurosawa (Adam Low, 2001)
- Akira Kurosawa: É maravilhoso criar (Toho Masterworks, 2002)
- Akira Kurosawa: O Épico e o Íntimo (2010)
- Caminho de Kurosawa (Catherine Cadou, 2011)