A importância de ser sincero
The Importance of Being Earnest, A Trivial Comedy for Serious People é uma peça de Oscar Wilde. Apresentada pela primeira vez em 14 de fevereiro de 1895 no St James's Theatre em Londres, é uma comédia farsesca na qual os protagonistas mantêm personagens fictícios para escapar de pesadas obrigações sociais. Trabalhando dentro das convenções sociais do final da Londres vitoriana, os principais temas da peça são a trivialidade com que trata instituições tão sérias quanto o casamento e a sátira resultante dos costumes vitorianos. Algumas críticas contemporâneas elogiaram o humor da peça e o ponto culminante da carreira artística de Wilde, enquanto outras foram cautelosas quanto à falta de mensagens sociais. Sua grande farsa e diálogo espirituoso ajudaram a tornar A importância de ser sincero a peça mais popular de Wilde.
A bem-sucedida noite de abertura marcou o clímax da carreira de Wilde, mas também anunciou sua queda. O marquês de Queensberry, cujo filho Lord Alfred Douglas era amante de Wilde, planejava presentear o escritor com um buquê de vegetais podres e atrapalhar o show. Wilde foi avisado e Queensberry foi impedido de entrar. A rivalidade deles chegou ao clímax no tribunal quando Wilde processou por difamação. O processo forneceu evidências suficientes para sua prisão, julgamento e condenação por acusações de atentado violento ao pudor. A homossexualidade de Wilde foi revelada ao público vitoriano e ele foi condenado a dois anos de prisão com trabalhos forçados. Apesar do sucesso inicial da peça, a notoriedade de Wilde fez com que a peça fosse encerrada após 86 apresentações. Após sua libertação da prisão, ele publicou a peça do exílio em Paris, mas não escreveu mais obras cômicas ou dramáticas.
A importância de ser sincero foi revivido várias vezes desde sua estreia. Já foi adaptado para o cinema três vezes. Em um filme de 1952, Edith Evans reprisou sua interpretação teatral de Lady Bracknell; uma versão de 1992 dirigida por Kurt Baker usou um elenco totalmente negro; e o filme de Oliver Parker de 2002 incorporou parte do material original de Wilde cortado durante a preparação da produção do primeiro estágio.
Composição
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A peça foi escrita seguindo o sucesso das peças anteriores de Wilde Lady Windermere's Fan, An Ideal Husband e A Woman of Sem Importância. Ele passou o verão de 1894 com sua família em Worthing, onde começou a trabalhar na nova peça. Com sua fama agora no auge, ele usou o título de trabalho Lady Lancing para evitar especulações preventivas sobre seu conteúdo. Muitos nomes e ideias na peça foram emprestados de pessoas ou lugares que o autor conheceu; Lady Queensberry, a mãe de Lord Alfred Douglas, por exemplo, morava em Bracknell. Os estudiosos de Wilde concordam que a influência mais importante na peça foi a farsa de W. S. Gilbert de 1877 Engaged, da qual Wilde emprestou não apenas vários incidentes, mas também "a gravidade do tom exigido por Gilbert de seus atores'.
Wilde revisou continuamente o texto nos meses seguintes. Nenhuma linha foi deixada intocada e a revisão teve consequências significativas. Sos Eltis descreve as revisões de Wilde como uma arte refinada em ação. Os primeiros e mais longos rascunhos manuscritos da peça trabalham sobre incidentes ridículos, trocadilhos amplos, diálogos sem sentido e reviravoltas cômicas convencionais. Ao revisar, "Wilde transformou o absurdo padrão na ilogicidade mais sistêmica e desconcertante que caracteriza o diálogo de Earnest". Richard Ellmann argumenta que Wilde atingiu sua maturidade artística e escreveu com mais segurança e rapidez.
Wilde escreveu o papel de Jack Worthing com o ator-empresário Charles Wyndham em mente. Wilde compartilhou a opinião de Bernard Shaw de que Wyndham era o ator de comédia ideal e baseou o personagem em sua personalidade de palco. Wyndham aceitou a peça para produção em seu teatro, mas antes do início dos ensaios, ele mudou seus planos para ajudar um colega em uma crise. No início de 1895, no St James's Theatre, a produção do ator-empresário George Alexander de Guy Domville de Henry James falhou e fechou após 31 apresentações, deixando Alexander precisa urgentemente de uma nova peça para acompanhá-lo. Wyndham renunciou a seus direitos contratuais e permitiu que Alexander encenasse a peça de Wilde.
Depois de trabalhar com Wilde em movimentos de palco com um teatro de brinquedo, Alexander pediu ao autor para encurtar a peça de quatro para três atos. Wilde concordou e combinou elementos do segundo e terceiro atos. O maior corte foi a remoção do personagem do Sr. Gribsby, um advogado que vem de Londres para prender o perdulário "Ernest" (ou seja, Jack) por contas de jantar não pagas. A versão em quatro atos foi tocada pela primeira vez em uma produção de rádio da BBC e ainda é executada às vezes. Alguns consideram a estrutura de três atos mais eficaz e teatralmente ressonante do que a edição publicada expandida.
Produções
Estreia
A peça foi produzida pela primeira vez no St James's Theatre no Dia dos Namorados de 1895. Estava muito frio, mas Wilde chegou vestido com "sobriedade florida", usando um cravo verde. O público, de acordo com um relatório, "incluía muitos membros dos grandes e bons, ex-ministros e conselheiros privados, bem como atores, escritores, acadêmicos e entusiastas". Allan Aynesworth, que interpretou Algernon Moncrieff, lembrou a Hesketh Pearson que "Em meus cinquenta e três anos de atuação, nunca me lembro de um triunfo maior do que [aquela] primeira noite". O próprio Aynesworth era "agradável e estiloso", e Alexander, que interpretou Jack Worthing, "recatado".
O elenco era:
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O Marquês de Queensberry, pai do amante de Wilde, Lord Alfred Douglas (que estava de férias em Argel na época), planejou interromper a peça jogando um buquê de vegetais podres no dramaturgo quando ele fez sua reverência no final do show. Wilde e Alexander souberam do plano, e o último cancelou a passagem de Queensberry e providenciou para que policiais barrassem sua entrada. No entanto, ele continuou assediando Wilde, que acabou abrindo um processo particular contra o colega por difamação criminal, desencadeando uma série de julgamentos que terminaram na prisão de Wilde por atentado ao pudor. Alexander tentou, sem sucesso, salvar a produção removendo o nome de Wilde do faturamento, mas a peça teve que fechar após apenas 86 apresentações.
A produção original da peça na Broadway estreou no Empire Theatre em 22 de abril de 1895, mas foi encerrada após dezesseis apresentações. Seu elenco incluía William Faversham como Algernon, Henry Miller como Jack, Viola Allen como Gwendolen e Ida Vernon como Lady Bracknell. A estreia australiana foi em Melbourne em 10 de agosto de 1895, apresentada por Dion Boucicault Jr. e Robert Brough, e a peça foi um sucesso imediato. A queda de Wilde na Inglaterra não afetou a popularidade de suas peças na Austrália.
Recepção crítica
Em contraste com muito do teatro da época, o enredo leve de A importância de ser sincero não parece abordar questões sociais e políticas sérias, algo que os críticos contemporâneos desconfiavam. Embora inseguros sobre a seriedade de Wilde como dramaturgo, eles reconheceram a inteligência, o humor e a popularidade da peça com o público. Shaw, por exemplo, fez uma resenha da peça no Saturday Review, argumentando que a comédia deve tocar tanto quanto divertir, "Eu vou ao teatro para me comover para risos." Mais tarde, em uma carta, ele disse que a peça, embora "extremamente engraçada", foi a "primeira realmente sem coração" de Wilde. Em The World, William Archer escreveu que gostou de assistir à peça, mas a considerou vazia de significado: "O que um crítico pobre pode fazer com uma peça que não levanta nenhum princípio, seja de arte ou moral, cria seus próprios cânones e convenções, e nada mais é do que uma expressão absolutamente obstinada de uma personalidade irreprimivelmente espirituosa?"
Em The Speaker, A. B. Walkley admirou a peça e foi um dos poucos a vê-la como o ponto culminante da carreira dramática de Wilde. Ele negou o termo "farsa" foi depreciativo ou mesmo sem seriedade e disse: "É um absurdo todo compacto, e melhor absurdo, eu acho, nosso palco não viu." H. G. Wells, em uma crítica não assinada para The Pall Mall Gazette, chamou Earnest de uma das comédias mais recentes do ano, dizendo: "Tratamento mais bem-humorado com convenções teatrais seria difícil imaginar." Ele também questionou se as pessoas veriam totalmente sua mensagem, "... como as pessoas sérias vão encarar esta Comédia Trivial destinada ao seu aprendizado ainda está para ser visto. Sem dúvida, sério." A peça era tão alegre que muitos críticos a compararam a uma ópera cômica em vez de um drama. Mais tarde, W. H. Auden (1963) a chamou de "uma ópera verbal pura" e o The Times comentou: "A história é quase absurda demais para ficar sem música".; Mary McCarthy, em Sights and Spectacles (1959), no entanto, e apesar de achar a peça extremamente engraçada, chamou-a de "um idílio feroz"; "depravação é o herói e o único personagem."
A importância de ser sincero é a obra mais popular de Wilde e é continuamente revivida. Max Beerbohm chamou a peça de "melhor, inegavelmente sua", de Wilde, dizendo que em suas outras comédias - Fã de Lady Windermere, A Woman of No Importance e An Ideal Husband – a trama, à maneira de Victorien Sardou, não tem relação com o tema da obra, enquanto em Earnest o história é "dissolvida" na forma da peça.
Avivamentos
A importância de ser sério e as três outras peças da sociedade de Wilde foram encenadas na Grã-Bretanha durante a prisão e exílio do autor, embora por pequenas companhias de turismo. A companhia de A. B. Tapping fez uma turnê Earnest entre outubro de 1895 e março de 1899 (sua apresentação no Theatre Royal, Limerick, na última semana de outubro de 1895 foi quase certamente a primeira produção da peça na Irlanda). A companhia de Elsie Lanham também fez uma turnê de 'Earnest' entre novembro de 1899 e abril de 1900. Alexander reviveu Earnest em um pequeno teatro em Notting Hill, nos arredores de West End, em 1901; no mesmo ano apresentou a peça em turnê, interpretando Jack Worthing com um elenco que incluía a jovem Lilian Braithwaite como Cecily. A peça voltou ao West End quando Alexander apresentou um revival no St James's em 1902. Os revivals da Broadway foram montados em 1902 e novamente em 1910, cada produção durando seis semanas.
Uma edição completa das obras de Wilde, publicada em 1908 e editada por Robert Ross, ajudou a restaurar sua reputação como autor. Alexander apresentou outro renascimento de Earnest no St James's em 1909, quando ele e Aynesworth reprisaram seus papéis originais; o avivamento teve 316 apresentações. Max Beerbohm disse que a peça com certeza se tornaria um clássico do repertório inglês e que seu humor era tão novo quanto quando foi escrita, acrescentando que os atores "vestiram-se tão bem quanto a peça".
Para uma remontagem de 1913 no mesmo teatro, os jovens atores Gerald Ames e A. E. Matthews sucederam os criadores como Jack e Algy. Leslie Faber como Jack, John Deverell como Algy e Margaret Scudamore como Lady Bracknell encabeçaram o elenco em uma produção de 1923 no Haymarket Theatre. Muitos avivamentos nas primeiras décadas do século 20 trataram "o presente" como o ano atual. Foi somente na década de 1920 que o caso dos trajes da década de 1890 foi estabelecido; como disse um crítico do The Manchester Guardian, "Trinta anos depois, começa-se a sentir que Wilde deveria ser retratado no traje de sua época - que sua inteligência hoje precisa do apoio do ambiente que lhe deu vida e verdade.... As felicidades verbais brilhantes e complexas de Wilde vão mal com a telha e a saia curta."
Na produção de 1930 de Sir Nigel Playfair no Lyric, Hammersmith, John Gielgud interpretou Jack para Lady Bracknell de sua tia, Mabel Terry-Lewis. Gielgud produziu e estrelou uma produção no Globe (agora Gielgud) Theatre em 1939, em um elenco que incluía Edith Evans como Lady Bracknell, Joyce Carey como Gwendolen, Angela Baddeley como Cecily e Margaret Rutherford como Miss Prism. O The Times considerou a produção a melhor desde o original e a elogiou por sua fidelidade à concepção de Wilde e sua "qualidade de jogo de bola arejada e responsiva". Mais tarde no mesmo ano, Gielgud apresentou o trabalho novamente, com Jack Hawkins como Algy, Gwen Ffrangcon-Davies como Gwendolen e Peggy Ashcroft como Cecily, com Evans e Rutherford em seus papéis anteriores. A produção foi apresentada em várias temporadas durante e após a Segunda Guerra Mundial, principalmente com os mesmos protagonistas. Durante uma temporada de 1946 no Haymarket, o rei e a rainha assistiram a uma apresentação que, como disse o jornalista Geoffrey Wheatcroft, deu à peça "um prêmio final de respeitabilidade". A produção percorreu a América do Norte e foi encenada com sucesso na Broadway em 1947.
À medida que a obra de Wilde voltou a ser lida e interpretada, foi The Importance of Being Earnest que recebeu mais produções. Na época de seu centenário, o jornalista Mark Lawson a descreveu como "a segunda peça mais conhecida e citada em inglês depois de Hamlet."
Para a produção de Sir Peter Hall em 1982 no National Theatre, o elenco incluía Judi Dench como Lady Bracknell, Martin Jarvis como Jack, Nigel Havers como Algy, Zoë Wanamaker como Gwendolen e Anna Massey como Miss Prism. A produção de Nicholas Hytner de 1993 no Aldwych Theatre, estrelada por Maggie Smith, tinha referências ocasionais ao suposto subtexto gay.
Em 2005, o Abbey Theatre, em Dublin, produziu a peça com um elenco exclusivamente masculino; também apresentava Wilde como personagem - a peça começa com ele bebendo em um café parisiense, sonhando com sua peça. A Melbourne Theatre Company encenou a produção em dezembro de 2011 com Geoffrey Rush como Lady Bracknell.
Em 2007, o Theatre Royal, Bath produziu a peça com direção de Peter Gill. Penelope Keith interpretou Lady Bracknell, Harry Hadden-Paton interpretou Jack, William Ellis interpretou Algernon, Gwendolen foi interpretada por Daisy Haggard e Cecily foi interpretada por Rebecca Night. A produção fez uma curta turnê pelo Reino Unido antes de tocar no West End de Londres no Vaudeville Theatre em 2008 e recebeu críticas positivas.
Em 2011, a Roundabout Theatre Company produziu um revival da Broadway baseado na produção do Stratford Shakespeare Festival de 2009, apresentando Brian Bedford como diretor e como Lady Bracknell. Estreou no American Airlines Theatre em 13 de janeiro e durou até 3 de julho de 2011. O elenco também incluía Dana Ivey como Miss Prism, Paxton Whitehead como Canon Chasuble, Santino Fontana como Algernon, Paul O'Brien como Lane, Charlotte Parry como Cecily, David Furr como Jack e Sara Topham como Gwendolen. Foi indicado a três prêmios Tony.
A peça também foi apresentada internacionalmente, em Singapura, em outubro de 2004, pelo British Theatre Playhouse, e a mesma companhia a trouxe para o Greenwich Theatre de Londres, em abril de 2005.
Um revival de 2018 foi dirigido por Michael Fentiman para o Vaudeville Theatre, em Londres, como parte de uma temporada de quatro peças de Wilde produzidas por Dominic Dromgoole. A produção recebeu críticas amplamente negativas da imprensa.
Em 2021, durante a pandemia de Covid-19, um grupo de estudantes da Universidade de Newcastle filmou uma produção, incluindo cenas com o próprio Wilde como personagem, no Sunderland Empire para aumentar a conscientização sobre teatros e artistas em dificuldades que sofreram com efeitos negativos implicações dos bloqueios no Reino Unido. A produção recebeu uma imprensa amplamente positiva por sua mensagem.
Sinopse
A peça se passa em "O Presente" (ou seja, 1895).
Ato I: apartamento de Algernon Moncrieff em Half Moon Street, W
A peça começa com Algernon Moncrieff, um jovem cavalheiro ocioso, recebendo seu melhor amigo, Jack Worthing ("Ernest"). Ernest veio do interior para pedir em casamento a prima de Algernon, Gwendolen Fairfax. Algernon se recusa a consentir até que Ernest explique por que sua cigarreira traz a inscrição: "Da pequena Cecily, com seu maior amor para seu querido tio Jack". 'Ernest' é forçado a admitir que vive uma vida dupla. No campo, ele assume uma atitude séria em benefício de sua jovem pupila, a herdeira Cecily Cardew, e atende pelo nome de Jack enquanto finge que deve se preocupar com um irmão caçula chamado Ernest em Londres. Enquanto isso, ele assume a identidade do libertino Ernesto na cidade. Algernon confessa um engano semelhante: ele finge ter um amigo inválido chamado Bunbury no país, a quem pode "visitar" sempre que ele deseja evitar uma obrigação social indesejável. Jack se recusa a contar a Algernon a localização de sua propriedade no campo.
Gwendolen e sua formidável mãe, Lady Bracknell, agora visitam Algernon, que distrai Lady Bracknell em outra sala enquanto Jack pede Gwendolen em casamento. Ela aceita, mas parece amá-lo em grande parte por causa de seu nome, Ernest. Jack, portanto, resolve para si mesmo ser rebatizado de "Ernest". Descobrindo-os nesta troca íntima, Lady Bracknell entrevista Jack como um pretendente em potencial. Horrorizada ao saber que ele foi adotado depois de ser descoberto como um bebê em uma bolsa na Victoria Station, ela o recusa e proíbe qualquer contato com a filha. Gwendolen consegue secretamente prometer a ele seu amor eterno. Enquanto Jack dá a ela seu endereço no país, Algernon discretamente o anota no punho da manga: a revelação de Jack sobre sua jovem e bonita pupila motivou seu amigo a conhecê-la.
Ato II: O Jardim da Mansão, Woolton
Cecily está estudando com sua governanta, a Srta. Prism. Algernon chega, fingindo ser Ernest Worthing, e logo encanta Cecily. Há muito fascinada pelo até então ausente irmão ovelha negra do tio Jack, ela está predisposta a se apaixonar por Algernon em seu papel de Ernest (um nome que ela aparentemente gosta particularmente). Portanto, Algernon também planeja que o reitor, Dr. Chasuble, o rebatize de "Ernest". Jack decidiu abandonar sua vida dupla. Ele chega de luto total e anuncia a morte do irmão em Paris com um forte resfriado, história minada pela presença de Algernon disfarçado de Ernest. Gwendolen agora entra, fugindo de casa. Durante a ausência temporária dos dois homens, ela conhece Cecily, cada mulher declarando indignada que ela é a noiva de "Ernest". Quando Jack e Algernon reaparecem, seus enganos são expostos.
Ato III: Salão Matinal na Mansão, Woolton
Chegando em busca de sua filha, Lady Bracknell fica surpresa ao saber que Algernon e Cecily estão noivos. A revelação da riqueza de Cecily logo dissipa as dúvidas iniciais de Lady Bracknell sobre a adequação da jovem, mas qualquer noivado é proibido por seu guardião Jack: ele consentirá apenas se Lady Bracknell concordar com seu próprio casamento. união com Gwendolen - algo que ela se recusa a fazer.
O impasse é quebrado pelo retorno de Miss Prism, a quem Lady Bracknell reconhece como a pessoa que, 28 anos antes como babá da família, levou um menino para passear em um carrinho de bebê e nunca mais voltou. Desafiada, a Srta. Prisma explica que distraidamente colocou o manuscrito de um romance que estava escrevendo no carrinho de bebê e o bebê em uma bolsa, que havia deixado na Victoria Station. Jack mostra a mesma bolsa, mostrando que ele é o bebê perdido, o filho mais velho da falecida irmã de Lady Bracknell e, portanto, o irmão mais velho de Algernon. Tendo adquirido relações tão respeitáveis, ele é aceitável como pretendente de Gwendolen.
Gwendolen, no entanto, insiste que só pode amar um homem chamado Ernest. Lady Bracknell informa a Jack que, como primogênito, ele teria o nome de seu pai, o general Moncrieff. Jack examina as listas do exército e descobre que o nome de seu pai - e, portanto, seu próprio nome verdadeiro - era, na verdade, Ernest. O fingimento era realidade o tempo todo. Enquanto os casais felizes se abraçam - Jack e Gwendolen, Algernon e Cecily, e até mesmo o Dr. Chasuble e a Srta. Prism - Lady Bracknell reclama com seu novo parente: "Meu sobrinho, você parece estar exibindo sinais de trivialidade".; "Pelo contrário, tia Augusta", ele responde, "percebi agora pela primeira vez na minha vida a importância vital de ser Sério."
Personagens
- Jack Worthing (Ernesto), um jovem cavalheiro do país, apaixonado por Gwendolen Fairfax.
- Algernon Moncrieff, um jovem cavalheiro de Londres, o sobrinho de Lady Bracknell, apaixonado por Cecily Cardew.
- Feira de GwendolenUma jovem, amada por Jack Worthing.
- Senhora Augusta BracknellUma mulher da sociedade, a mãe do Gwendolen.
- Cecily CardewUma jovem, a ala de Jack Worthing.
- Miss PrismA governanta da Cecily.
- O Reverendo Canon Chasuble, o padre da paróquia de Jack.
- Lane., o servo de Algernon.
- MerrimanO mordomo da casa de campo do Jack.
Temas
Trivialidade
Arthur Ransome descreveu The Importance... como a mais trivial das peças da sociedade de Wilde e a única que produz "aquela alegria peculiar do espírito pela qual reconhecemos o belo." “É”, escreveu ele, “precisamente porque é consistentemente trivial que não seja feio”. Ellmann diz que The Importance of Being Earnest tocou em muitos temas que Wilde vinha construindo desde a década de 1880 – o langor das poses estéticas estava bem estabelecido, e Wilde o toma como ponto de partida para os dois protagonistas. Enquanto Salome, An Ideal Husband e The Picture of Dorian Gray se debruçaram sobre delitos mais sérios, vice em Sério é representado pelo desejo de Algy por sanduíches de pepino. Wilde disse a Robert Ross que o tema da peça era "Que devemos tratar todas as coisas triviais da vida com muita seriedade e todas as coisas sérias da vida com uma trivialidade sincera e estudada". O tema é sugerido no título irônico da peça, e "sinceridade" é repetidamente mencionado no diálogo; Algernon diz no Ato II, "alguém tem que levar algo a sério se quiser se divertir na vida", mas passa a repreender Jack por 'levar tudo a sério'' 34;. A chantagem e a corrupção assombraram as vidas duplas de Dorian Gray e Sir Robert Chiltern (em An Ideal Husband), mas em Earnest, os protagonistas são os protagonistas. a duplicidade ('bunburying' de Algernon e a vida dupla de Worthing como Jack e Ernest) é realizada para propósitos mais inocentes - em grande parte para evitar obrigações sociais indesejadas. Enquanto grande parte do teatro da época abordava questões sociais e políticas sérias, Earnest é superficialmente sobre nada. Ele "se recusa a jogar o jogo" de outros dramaturgos de época, por exemplo, Bernard Shaw, que usou seus personagens para atrair o público para ideais mais grandiosos.
Como uma sátira da sociedade
A peça zomba repetidamente das tradições e costumes sociais vitorianos, do casamento e da busca do amor em particular. Nos tempos vitorianos, a seriedade era considerada o valor social primordial; originando-se de tentativas religiosas de reformar as classes baixas, estendeu-se também às classes altas ao longo do século. O próprio título da peça, com seu paradoxo zombeteiro (as pessoas sérias são assim porque não veem comédias triviais), introduz o tema; continua na discussão da sala de estar, "Sim, mas você deve levar isso a sério. Eu odeio pessoas que não levam a sério as refeições. É tão superficial deles," diz Algernon no Ato 1; as alusões são rápidas e de múltiplos ângulos.
Os homens seguem os ritos matrimoniais tradicionais, pelos quais os pretendentes admitem suas fraquezas para suas futuras noivas, mas as fraquezas que eles desculpam são ridículas, e a farsa é construída sobre uma confusão absurda de um livro e um bebê. Quando Jack se desculpa com Gwendolen durante seu pedido de casamento, é por não ser perverso:
JACK: Gwendolen, é uma coisa terrível para um homem descobrir de repente que toda a sua vida ele tem falado nada além da verdade. Podes perdoar-me?
Posso. Porque sinto que tens a certeza de mudar.
Por sua vez, Gwendolen e Cecily têm a ideia de se casar com um homem chamado Ernest, um nome popular e respeitado na época. Gwendolen, bem diferente da análise metódica de sua mãe sobre a adequação de Jack Worthing como marido, coloca toda a sua fé em um nome cristão, declarando no Ato I: "O único nome realmente seguro é Ernest". 34;. Esta é uma opinião compartilhada por Cecily no Ato II, "Tenho pena de qualquer pobre mulher casada cujo marido não se chame Ernest". Eles declaram indignados que foram enganados ao descobrir os nomes verdadeiros dos homens.
Wilde incorporou as regras e rituais da sociedade habilmente em Lady Bracknell: atenção minuciosa aos detalhes de seu estilo criou um efeito cômico de afirmação por contenção. Em contraste com seu conhecimento enciclopédico das distinções sociais dos nomes das ruas de Londres, o parentesco obscuro de Jack é sutilmente evocado. Ele se defende dela, "Uma bolsa?" com o esclarecimento, "The Brighton Line". Na época, a Victoria Station consistia em duas estações terminais separadas, mas adjacentes, compartilhando o mesmo nome. A leste ficava a decadente LC&D Railway, a oeste a luxuosa LB&SCR - a Brighton Line, que ia para Worthing, a cidade elegante e cara para a qual o cavalheiro que encontrou o bebê Jack estava viajando na época (e após o qual Jack foi nomeado).
Subtexto homossexual sugerido
Estudiosos queer argumentaram que os temas de duplicidade e ambivalência da peça estão inextricavelmente ligados à homossexualidade de Wilde e que a peça exibe uma "presença-ausência trêmula de ... desejo homossexual". Ao reler a peça após sua libertação da prisão, Wilde disse: “Foi extraordinário reler a peça. Como eu costumava brincar com aquela Vida de Tigre."
Já foi dito que o uso do nome Earnest pode ter sido uma piada interna homossexual. Em 1892, três anos antes de Wilde escrever a peça, John Gambril Nicholson publicou o livro de poesia pederástica Love in Earnest. O soneto Of Boys' Nomes incluíam o verso: "Embora Frank possa tocar como um sino de prata / E Cecil reivindicar uma música mais suave / Eles não podem fazer o milagre / -"É Ernest que incendeia meu coração".; A palavra "sério" também pode ter sido uma palavra-código para homossexual, como em: "Ele é sério?" da mesma forma que "Ele é assim?" e "Ele é musical?" Estava empregado. Sir Donald Sinden, um ator que conheceu dois membros do elenco original da peça (Irene Vanbrugh e Allan Aynesworth) e Lord Alfred Douglas, escreveu ao The Times para contestar as sugestões de que " Sério" manteve qualquer conotação sexual:
Embora eles tiveram ampla oportunidade, em nenhum momento qualquer um deles até insinuou que "Earnest" era um sinônimo para homossexual ou que "bunburying" pode ter implicado sexo homossexual. A primeira vez que ouvi falar foi na década de 1980, e eu imediatamente consultei Sir John Gielgud, cujo próprio desempenho de Jack Worthing na mesma peça foi lendário e cujo conhecimento do lore teatral era enciclopédico. Ele respondeu em seus tons tocantes: "Não! Disparate, absurdo absoluto: Eu teria conhecido".
Várias teorias também foram apresentadas para explicar a derivação de Bunbury, e Bunburying, que é usado na peça para implicar uma vida dupla secreta. Pode ter derivado de Henry Shirley Bunbury, um conhecido hipocondríaco da juventude de Wilde. Outra sugestão, apresentada em 1913 por Aleister Crowley, que conhecia Wilde, era que Bunbury era uma palavra combinada: que Wilde certa vez pegou um trem para Banbury, conheceu um estudante lá e marcou um segundo encontro secreto com ele em Sunbury.
Bunbury
Bunburying é um estratagema usado por pessoas que precisam de uma desculpa para evitar obrigações sociais em suas vidas diárias. A palavra "bunburying" aparece pela primeira vez no Ato I, quando Algernon explica que inventou um amigo fictício, um inválido crônico chamado "Bunbury", para ter uma desculpa para escapar de eventos aos quais não deseja comparecer, principalmente com sua tia Augusta (Senhora Bracknell). Algernon e Jack usam esse método para visitar secretamente seus amantes, Cecily e Gwendolen.
Análise dramática
Uso da linguagem
Embora Wilde tenha sido famoso por seus diálogos e uso da linguagem, Raby (1988) argumenta que ele alcançou unidade e maestria em Earnest, algo inigualável em suas outras peças, exceto talvez Salomé. Enquanto suas comédias anteriores sofrem de um desnível resultante do choque temático entre o trivial e o sério, Earnest atinge um estilo perfeito que permite que eles se dissolvam. Existem três registros diferentes detectáveis no jogo. A despreocupação dândi de Jack e Algernon - estabelecida desde o início com a troca de Algernon com seu criado - revela uma unidade subjacente, apesar de suas atitudes diferentes. Os formidáveis pronunciamentos de Lady Bracknell são tão surpreendentes por seu uso de hipérbole e extravagância retórica quanto por suas opiniões desconcertantes. Em contraste, o discurso do Dr. Chasuble e da Srta. Prism se distingue pelo "preceito pedante" e "desvio idiossincrático". Além disso, a peça está repleta de epigramas e paradoxos. Max Beerbohm o descreveu como repleto de "apotegmas cinzelados - espirituosos não relacionados à ação ou personagem", dos quais ele descobriu que meia dúzia era da mais alta ordem.
A linha de Lady Bracknell, "A handbag?", foi considerada uma das mais maleáveis do drama inglês, prestando-se a interpretações que variam de incrédula ou escandalizada a perplexa. Edith Evans, tanto no palco quanto no filme de 1952, proferiu a frase em voz alta em uma mistura de horror, incredulidade e condescendência. Stockard Channing, no Gaiety Theatre, Dublin em 2010, abafou a linha, nas palavras de um crítico, "com um quase inaudível 'Uma bolsa?', rapidamente engolido por um ingestão aguda de ar. Uma abordagem discreta, com certeza, mas com uma peça tão conhecida, repleta de espirituosos e aforismos com vida própria, são as pequenas coisas que fazem a diferença.
Caracterização
Embora Wilde tenha usado personagens que já eram familiares – o dandy lord, a matriarca arrogante, a mulher com um passado, a jovem puritana – seu tratamento é mais sutil do que em suas comédias anteriores. Lady Bracknell, por exemplo, personifica a respeitável sociedade da classe alta, mas Eltis observa como seu desenvolvimento "da conhecida duquesa dominadora para uma personagem mais peculiar e perturbadora". pode ser rastreado através das revisões de Wilde da peça. Para os dois jovens, Wilde não apresenta "caras" de palco estereotipados; mas seres inteligentes que, como diz Jackson, "falam como seu criador em frases completas bem formadas e raramente usam gírias ou palavras da moda". Chasuble e Miss Prism são caracterizados por alguns toques leves de detalhes, seus entusiasmos antiquados e o pedantismo meticuloso do Cônego, reduzido por Wilde durante suas muitas reformulações do texto.
Estrutura e gênero
Ransome argumenta que Wilde se libertou abandonando o melodrama, a estrutura básica subjacente às suas comédias sociais anteriores, e baseando a história inteiramente no conceito verbal de Earnest/Ernest. Livre de "viver de acordo com qualquer drama mais sério do que uma conversa," Wilde agora podia se divertir ao máximo com piadas, bons mots, epigramas e réplicas que realmente tinham pouco fazer com o negócio em questão.
O gênero da Importância de ser sincero tem sido intensamente debatido por estudiosos e críticos, que colocaram a peça dentro de uma ampla variedade de gêneros, desde a paródia até a sátira. Em sua crítica a Wilde, Foster argumenta que a peça cria um mundo onde "valores reais são invertidos [e] razão e irracional são trocados". Da mesma forma, o uso do diálogo por Wilde zomba das classes altas da Inglaterra vitoriana, emprestando à peça um tom satírico. Reinhart estipula ainda que o uso de humor ridículo para zombar das classes altas "merece a peça tanto como sátira quanto como drama".
Publicação
Primeira edição
As duas últimas comédias de Wilde, An Ideal Husband e The Importance of Being Earnest, ainda estavam no palco em Londres na época de sua acusação, e eles logo foram fechados quando os detalhes de seu caso se tornaram públicos. Após dois anos de prisão com trabalhos forçados, Wilde foi para o exílio em Paris, doente e deprimido, sua reputação destruída na Inglaterra. Em 1898, quando ninguém mais o faria, Leonard Smithers concordou com Wilde em publicar as duas peças finais. Wilde provou ser um revisor diligente, enviando instruções detalhadas sobre direções de palco, listas de personagens e apresentação do livro e insistindo que um roteiro da primeira apresentação fosse reproduzido no interior. Ellmann argumenta que as provas mostram um homem "muito no comando de si mesmo e da peça". O nome de Wilde não aparecia na capa, era "By the Author of Lady Windermere's Fan". Seu retorno ao trabalho foi breve, porém, como ele se recusou a escrever qualquer outra coisa, "eu posso escrever, mas perdi a alegria de escrever". Em 19 de outubro de 2007, uma primeira edição (número 349 de 1.000) foi descoberta dentro de uma bolsa em uma loja da Oxfam em Nantwich, Cheshire. A equipe não conseguiu localizar o doador. Foi vendido por £650.
Na tradução
A Importância de Ser Sério'a popularidade fez com que ele fosse traduzido em muitas línguas, embora o trocadilho homófono no título ("Ernest", um nome próprio masculino, e "sério", a virtude da firmeza e seriedade) represente um problema especial para os tradutores. O caso mais fácil de uma tradução adequada do trocadilho, perpetuando seu sentido e significado, pode ter sido sua tradução para o alemão. Como o inglês e o alemão são idiomas intimamente relacionados, o alemão fornece um adjetivo equivalente ("ernst") e também um nome próprio masculino correspondente ("Ernst"). O significado e o teor do jogo de palavras são exatamente os mesmos. No entanto, existem muitos títulos diferentes possíveis em alemão, principalmente no que diz respeito à estrutura da frase. Os dois mais comuns são "Bunbury oder ernst / Ernst sein ist alles" e "Bunbury oder wie wichtig es ist, ernst / Ernst zu sein". Em um estudo de traduções italianas, Adrian Pablé encontrou treze versões diferentes usando oito títulos. Como o jogo de palavras geralmente é exclusivo do idioma em questão, os tradutores se deparam com a escolha de permanecer fiéis ao original – neste caso, o adjetivo inglês e a virtude sério – ou criar um trocadilho semelhante em seus próprio idioma.
Os tradutores têm usado quatro estratégias principais. O primeiro deixa todos os caracteres'; nomes inalterados e em sua ortografia original: assim, o nome é respeitado e os leitores são lembrados do cenário cultural original, mas a vivacidade do trocadilho é perdida. Eva Malagoli variou essa abordagem orientada para a fonte usando tanto os nomes cristãos ingleses quanto o adjetivo sério, preservando assim o trocadilho e o caráter inglês da peça, mas possivelmente sobrecarregando um leitor italiano. Um terceiro grupo de tradutores substituiu Ernest por um nome que também representa uma virtude na língua de chegada, privilegiando a transparência para os leitores na tradução em detrimento da fidelidade ao original. Por exemplo, em italiano, essas versões chamam a peça de L'importanza di essere Franco/Severo/Fedele, sendo os nomes dados, respectivamente, os valores de honestidade, propriedade e lealdade. O francês oferece um trocadilho mais próximo: "Constante" é tanto um primeiro nome quanto a qualidade da firmeza, então a peça é comumente conhecida como De l'importance d'être Constant, embora Jean Anouilh tenha traduzido a peça sob o título: Il est important d'être Aimé ("Aimé" é um nome que também significa "amado"). Esses tradutores diferem em sua atitude em relação aos títulos honoríficos originais em inglês, alguns os alteram todos ou nenhum, mas a maioria deixa uma mistura parcialmente como compensação pela perda adicional de inglês. Por fim, uma tradução deu ao nome um toque italiano, traduzindo-o como Ernesto; este trabalho misturou liberalmente nomes próprios de ambas as línguas.
Adaptações
Filme
Além de vários produtos "feitos para a televisão" versões, The Importance of Being Earnest foi adaptado para o cinema de língua inglesa pelo menos três vezes, primeiro em 1952 por Anthony Asquith, que adaptou o roteiro e o dirigiu. Michael Denison (Algernon), Michael Redgrave (Jack), Edith Evans (Lady Bracknell), Dorothy Tutin (Cecily), Joan Greenwood (Gwendolen) e Margaret Rutherford (Miss Prism) e Miles Malleson (Canon Chasuble) estavam entre o elenco. Em 1992, Kurt Baker dirigiu uma versão usando um elenco totalmente negro com Daryl Keith Roach como Jack, Wren T. Brown como Algernon, Ann Weldon como Lady Bracknell, Lanei Chapman como Cecily, Chris Calloway como Gwendolen, CCH Pounder como Miss Prism e Brock Peters como Doutor Chasuble, ambientado nos Estados Unidos. Oliver Parker, um diretor que já havia adaptado An Ideal Husband de Wilde, fez o filme de 2002; é estrelado por Colin Firth (Jack), Rupert Everett (Algy), Judi Dench (Lady Bracknell), Reese Witherspoon (Cecily), Frances O'Connor (Gwendolen), Anna Massey (Miss Prism) e Tom Wilkinson (Canon Chasuble). A adaptação de Parker inclui o advogado de cobrança Sr. Gribsby, que persegue "Ernest" para Hertfordshire (presente no rascunho original de Wilde, mas cortado a pedido do primeiro produtor da peça). Algernon também é perseguido por um grupo de credores na cena inicial.
Um filme de comédia romântica em língua télugo de 2008, intitulado Ashta Chamma, é uma adaptação da peça.
Óperas e musicais
Em 1960, Ernest in Love foi encenado Off-Broadway. A trupe feminina japonesa de teatro musical Takarazuka Revue encenou este musical em 2005 em duas produções, uma da Moon Troupe e outra da Flower Troupe.
Em 1963, Erik Chisholm compôs uma ópera da peça, usando o texto de Wilde como libreto.
Em 1964, Gerd Natschinski compôs o musical Mein Freund Bunbury baseado na peça, em 1964 estreou no Metropol Theatre Berlin.
De acordo com um estudo de Robert Tanitch, em 2002, houve pelo menos oito adaptações da peça como musical, embora "nunca com sucesso notável". A versão mais antiga foi um programa americano de 1927 intitulado Oh Earnest. O jornalista Mark Bostridge comenta: “O libreto de uma adaptação musical de 1957, Half in Earnest, depositado na Biblioteca Britânica, é pouco mais encorajador. A cortina sobe para Algy, dedilhando o piano, cantando, 'I can play Chopsticks, Lane'. Outras canções incluem 'A Bunburying I Must Go'."
Gerald Barry criou a ópera de 2011, The Importance of Being Earnest, encomendada pela Filarmônica de Los Angeles e pelo Barbican Centre em Londres. Estreou em Los Angeles em 2011. A estreia nos palcos foi dada pela Opéra national de Lorraine em Nancy, França, em 2013.
Em 2017, a Odyssey Opera de Boston apresentou uma produção totalmente encenada da ópera The Importance of Being Earnest de Mario Castelnuovo-Tedesco como parte de sua série Wilde Opera Nights, que foi uma temporada -longa exploração de obras operísticas inspiradas nos escritos e no mundo de Oscar Wilde. A ópera para dois pianos, percussão e cantores foi composta em 1961-2. É preenchido com citações musicais em cada turno. A ópera nunca foi publicada, mas foi encenada duas vezes: a estreia em Monte Carlo (1972 em italiano) e La Guardia, NY (1975). Odyssey Opera conseguiu obter o manuscrito da Biblioteca do Congresso com a permissão da neta do compositor. Após a produção da Odyssey no Wimberly Theatre, o Calderwood Pavilion no Boston Center for the Arts em 17 e 18 de março, sendo recebido com aclamação da crítica, o The Boston Globe declarou "Odyssey Opera reconhece 'A Importância de ser sério.'"
Pastiche de palco
Em 2016, os atores/escritores irlandeses Helen Norton e Jonathan White escreveram a peça cômica To Hell in a Handbag, que reconta a história da Importância do ponto de vista do personagens Canon Chasuble e Miss Prism, dando-lhes sua própria história e mostrando o que acontece com eles quando não estão no palco na peça de Wilde.
Rádio e televisão
Houve muitas versões de rádio da peça. Em 1925, a BBC transmitiu uma adaptação com Hesketh Pearson como Jack Worthing. Outras transmissões da peça se seguiram em 1927 e 1936. Em 1977, a BBC Radio 4 transmitiu a versão em quatro atos da peça, com Fabia Drake como Lady Bracknell, Richard Pasco como Jack, Jeremy Clyde como Algy, Maurice Denham como Canon Chasuble, Sylvia Coleridge como Miss Prism, Barbara Leigh-Hunt como Gwendolen e Prunella Scales como Cecily. A produção foi posteriormente lançada em CD.
Para comemorar o centenário da primeira apresentação da peça, a Rádio 4 transmitiu uma nova adaptação em 13 de fevereiro de 1995; dirigido por Glyn Dearman, apresentava Judi Dench como Lady Bracknell, Michael Hordern como Lane, Michael Sheen como Jack Worthing, Martin Clunes como Algernon Moncrieff, John Moffatt como Canon Chasuble, Miriam Margolyes como Miss Prism, Samantha Bond como Gwendolen e Amanda Root como Cecília. A produção foi posteriormente lançada em uma fita cassete.
Em 13 de dezembro de 2000, a BBC Radio 3 transmitiu uma nova adaptação dirigida por Howard Davies, estrelada por Geraldine McEwan como Lady Bracknell, Simon Russell Beale como Jack Worthing, Julian Wadham como Algernon Moncrieff, Geoffrey Palmer como Canon Chasuble, Celia Imrie como Miss Prism, Victoria Hamilton como Gwendolen e Emma Fielding como Cecily, com música composta por Dominic Muldowney. A produção foi lançada em fita cassete.
Uma adaptação para a televisão comercial de 1964 estrelou Ian Carmichael, Patrick Macnee, Susannah York, Fenella Fielding, Pamela Brown e Irene Handl.
As transmissões televisivas da peça pela BBC incluíram uma versão da Peça do Mês de 1974, estrelada por Coral Browne como Lady Bracknell com Michael Jayston, Julian Holloway, Gemma Jones e Celia Bannerman. Stuart Burge dirigiu outra adaptação em 1986 com um elenco que incluía Gemma Jones, Alec McCowen, Paul McGann e Joan Plowright.
Foi adaptado para a TV australiana em 1957.
Gravações comerciais
A performance de Gielgud é preservada em uma gravação de áudio EMI datada de 1952, que também captura a voz de Edith Evans; Senhora Bracknell. O elenco também inclui Roland Culver (Algy), Jean Cadell (Miss Prism), Pamela Brown (Gwendolen) e Celia Johnson (Cecily).
Outras gravações de áudio incluem um "Theatre Masterworks" versão de 1953, dirigida e narrada por Margaret Webster, com elenco que inclui Maurice Evans, Lucile Watson e Mildred Natwick; uma versão de 1989 do California Artists Radio Theatre, apresentando Dan O'Herlihy Jeanette Nolan, Les Tremayne e Richard Erdman; e um da LA Theatre Works lançado em 2009, com Charles Busch, James Marsters e Andrea Bowen.