Wassily Kandinsky
Wassily Wassilyevich Kandinsky (ruso: Василий Васильевич Кандинский,
En 1896, Kandinsky se instaló en Múnich, estudiando primero en la escuela privada de Anton Ažbe y luego en la Academia de Bellas Artes. Regresó a Moscú en 1914, después del estallido de la Primera Guerra Mundial. Después de la Revolución Rusa, Kandinsky "se convirtió en un miembro de la administración cultural de Anatoly Lunacharsky" y ayudó a establecer el Museo de la Cultura de la Pintura. Sin embargo, para entonces "su perspectiva espiritual... era ajena al materialismo argumentativo de la sociedad soviética", y las oportunidades aparecían en Alemania, a donde regresó en 1920. Allí enseñó en la escuela de arte y formación Bauhaus. arquitectura desde 1922 hasta que los nazis la cerraron en 1933. Luego se mudó a Francia, donde vivió el resto de su vida, se convirtió en ciudadano francés en 1939 y produjo algunas de sus obras de arte más destacadas. Murió en Neuilly-sur-Seine en 1944, tres días antes de cumplir 78 años.
Primeros años
Kandinsky nació en Moscú, Rusia y era hijo de Lidia Ticheeva y Vasily Silvestrovich Kandinsky, un comerciante de té. Una de sus bisabuelas fue la princesa Gantimurova, una princesa de Mongolia. Kandinsky aprendió de una variedad de fuentes mientras estuvo en Moscú. Estudió muchos campos mientras estaba en la escuela, incluyendo derecho y economía. Más tarde en la vida, recordaría estar fascinado y estimulado por el color cuando era niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía.
En 1889, a los 25 años, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a la región de Vologda, al norte de Moscú. En Miradas al pasado relata que las casas e iglesias estaban decoradas con colores tan resplandecientes que al entrar en ellas sentía que se estaba trasladando a un cuadro. Esta experiencia, y su estudio del arte popular de la región (particularmente el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejaron en gran parte de sus primeros trabajos.
Unos años más tarde, comparó por primera vez la pintura con la composición musical de la forma en que se hizo famoso, escribiendo: "El color es el teclado, los ojos son los martillos, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que toca, tocando una u otra tecla, para provocar vibraciones en el alma".
Kandinsky también era tío del filósofo ruso-francés Alexandre Kojève (1902–1968).
Períodos artísticos
La creación de obras abstractas de Kandinsky siguió un largo período de desarrollo y maduración de un pensamiento intenso basado en sus experiencias artísticas. Llamó a esta devoción a la belleza interior, el fervor del espíritu y el deseo espiritual necesidad interior; era un aspecto central de su arte. Algunos historiadores del arte sugieren que la pasión de Kandinsky por el arte abstracto comenzó cuando un día, de regreso a casa, encontró uno de sus propios cuadros colgado boca abajo en su estudio, y lo miró fijamente durante un rato antes de darse cuenta de que era suyo. propio trabajo, sugiriéndole el poder potencial de la abstracción.
En 1896, a la edad de 30 años, Kandinsky abandonó una prometedora carrera como profesor de derecho y economía para inscribirse en la Academia de Múnich, donde entre sus profesores figuraría finalmente Franz von Stuck. No se le concedió la admisión de inmediato y comenzó a aprender arte por su cuenta. Ese mismo año, antes de salir de Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet. Estaba particularmente cautivado por el estilo impresionista de Haystacks; esto, para él, tenía un poderoso sentido del color casi independiente de los objetos mismos. Más tarde escribiría sobre esta experiencia:
Que era un pajar que el catálogo me informó. No pude reconocerlo. Este no reconocimiento fue doloroso para mí. Consideré que el pintor no tenía derecho a pintar indistintamente. Sentí que faltaba el objeto de la pintura. Y noté con sorpresa y confusión que la imagen no sólo me agarró, sino que se impresionó ineradicamente en mi memoria. La pintura tomó un poder de cuento de hadas y esplendor.
—Wassily Kandinsky
Kandinsky fue influenciado de manera similar durante este período por Lohengrin de Richard Wagner que, en su opinión, empujó los límites de la música y la melodía más allá del lirismo estándar. También recibió la influencia espiritual de Madame Blavatsky (1831–1891), la exponente más conocida de la teosofía. La teoría teosófica postula que la creación es una progresión geométrica, comenzando con un solo punto. El aspecto creativo de la forma se expresa mediante una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados. El libro de Kandinsky Concerning the Spiritual in Art (1910) y Point and Line to Plane (1926) se hicieron eco de este principio teosófico. Las ilustraciones de John Varley en Thought-Forms (1901) le influyeron visualmente.
Metamorfosis
En el verano de 1902, Kandinsky invitó a Gabriele Münter a unirse a él en sus clases de pintura de verano al sur de Múnich, en los Alpes. Ella aceptó y su relación se volvió más personal que profesional. La escuela de arte, generalmente considerada difícil, fue fácil para Kandinsky. Fue durante este tiempo que comenzó a emerger como teórico del arte y como pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo XX; queda mucho de los paisajes y pueblos que pintó, utilizando amplias franjas de color y formas reconocibles. Sin embargo, en su mayor parte, las pinturas de Kandinsky no presentaban figuras humanas; una excepción es Sunday, Old Russia (1904), en la que Kandinsky recrea una vista muy colorida (y fantasiosa) de campesinos y nobles frente a las murallas de un pueblo. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, sosteniendo a una mujer con ternura y cuidado mientras pasan por un pueblo ruso con paredes luminosas a través de un río azul. El caballo está silenciado mientras las hojas de los árboles, el pueblo y los reflejos en el río brillan con manchas de color y brillo. Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que la profundidad de campo se colapsa en una superficie plana y luminiscente. El fauvismo también es evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la experiencia de Kandinsky sobre el tema, no para describir la naturaleza objetiva.
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Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década de 1900 fue El jinete azul (1903), que muestra una pequeña figura encapuchada sobre un caballo veloz que atraviesa un prado rocoso. La capa del jinete es azul medio, que proyecta una sombra azul más oscura. En primer plano hay sombras azules más amorfas, las contrapartes de los árboles de otoño en el fondo. El jinete azul en la pintura es prominente (pero no claramente definido), y el caballo tiene un andar antinatural (que Kandinsky debe haber conocido). Algunos historiadores del arte creen que el jinete sostiene una segunda figura (quizás un niño), aunque esta puede ser otra sombra del jinete solitario. Esta disyunción intencional, que permite a los espectadores participar en la creación de la obra de arte, se convirtió en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años siguientes; culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. En El jinete azul, Kandinsky muestra al jinete más como una serie de colores que como un detalle específico. Esta pintura no es excepcional en ese sentido en comparación con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección que tomaría Kandinsky solo unos años después.
De 1906 a 1908, Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (era socio del grupo simbolista Blue Rose de Moscú), hasta que se instaló en la pequeña ciudad bávara de Murnau. En 1908 compró una copia de Thought-Forms de Annie Besant y Charles Webster Leadbeater. En 1909 se unió a la Sociedad Teosófica. La montaña azul (1908-1909) fue pintado en este momento, lo que demuestra su tendencia hacia la abstracción. Una montaña de azul está flanqueada por dos árboles anchos, uno amarillo y otro rojo. Una procesión, con tres jinetes y varios más, cruza por la parte inferior. Las caras, la ropa y las sillas de montar de los jinetes son de un solo color, y ni ellos ni las figuras que caminan muestran ningún detalle real. Los planos planos y los contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color en La montaña azul ilustra la inclinación de Kandinsky hacia un arte en el que el color se presenta independientemente de la forma y en el que se presta la misma atención a cada color. La composición es más plana; el cuadro se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el árbol amarillo y la montaña azul con los tres jinetes.
Akhtyrka, 1901, Lenbachhaus, Kunstarealm, Munich
Domingo (Old Russian), 1904, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
Pareja en Horseback, 1906–07, Lenbachhaus, Munich
Montaña azul, 1908–09, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York
Casas en Munich, 1908, Von der Heydt Museum, Wuppertal
Murnau, tren & castillo, 1909, Lenbachhaus, Munich
Período del Jinete Azul (1911-1914)
Las pinturas de Kandinsky de este período son grandes masas coloreadas expresivas evaluadas independientemente de las formas y líneas; estos ya no sirven para delimitarlos, sino que se superponen libremente para formar pinturas de extraordinaria fuerza. La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto, ya que la música es abstracta por naturaleza, no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa de manera inmediata los sentimientos internos del alma. Kandinsky a veces usaba términos musicales para identificar sus obras; Llamó a sus pinturas más espontáneas "improvisaciones" y describió obras más elaboradas como "composiciones".
Además de la pintura, Kandinsky fue un teórico del arte; su influencia en la historia del arte occidental proviene quizás más de sus obras teóricas que de sus pinturas. Ayudó a fundar la Neue Künstlervereinigung München (Asociación de Nuevos Artistas de Múnich), convirtiéndose en su presidente en 1909. Sin embargo, el grupo no pudo integrar el enfoque radical de Kandinsky (y otros) con los conceptos artísticos convencionales y el grupo se disolvió a finales de 1911. Kandinsky luego formó un nuevo grupo, el Blue Rider (Der Blaue Reiter) con artistas de ideas afines como August Macke, Franz Marc, Albert Bloch y Gabriele Münter. El grupo publicó un almanaque (The Blue Rider Almanac) y realizó dos exhibiciones. Se planearon más de cada uno, pero el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 terminó con estos planes y envió a Kandinsky de regreso a Rusia a través de Suiza y Suecia.
Su escritura en The Blue Rider Almanac y el tratado "Sobre lo espiritual en el arte" (que fue lanzado en 1910) eran tanto una defensa y promoción del arte abstracto como una afirmación de que todas las formas de arte eran igualmente capaces de alcanzar un nivel de espiritualidad. Creía que el color podía usarse en una pintura como algo autónomo, aparte de la descripción visual de un objeto u otra forma.
Estas ideas tuvieron un impacto internacional casi inmediato, particularmente en el mundo de habla inglesa. Ya en 1912, Sobre lo espiritual en el arte fue revisado por Michael Sadleir en Art News con sede en Londres. El interés en Kandinsky creció rápidamente cuando Sadleir publicó una traducción al inglés de < i>Sobre lo espiritual en el arte en 1914. Ese año se publicaron extractos del libro en el periódico Blast de Percy Wyndham Lewis y en el periódico cultural semanal de Alfred Orage. La Nueva Era. Sin embargo, Kandinsky había recibido algún aviso antes en Gran Bretaña; en 1910, participó en el Allied Artists' Exposición (organizada por Frank Rutter) en el Royal Albert Hall de Londres. Esto resultó en que su trabajo fuera elogiado en una reseña de ese espectáculo por parte del artista Spencer Frederick Gore en The Art News.
El interés de Sadleir por Kandinsky también hizo que las primeras obras de Kandinsky entraran en una colección de arte británica; El padre de Sadleir, Michael Sadler, adquirió varios grabados en madera y la pintura abstracta Fragmento de Composición VII en 1913 tras una visita de padre e hijo para encontrarse con Kandinsky en Munich ese año. Estas obras se exhibieron en Leeds, ya sea en la Universidad o en las instalaciones del Leeds Arts Club, entre 1913 y 1923.
Untitled Primera acuarela abstracta, 1910
La vaca, 1910, Lenbachhaus, Munich
Estudio para la improvisación V, 1910
Lyrical, 1911
Paisaje con dos álamos, 1912
Paisaje con manchas rojas, No 2, 1913
Plazas con círculos concentrados, 1913
Composición 6, 1913
Pintura con mancha roja, 1914
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Regreso a Rusia (1914–1921)
El sol se derrite a todo Moscú hasta un solo punto que, como una tuba loca, comienza todo el corazón y todo el alma vibrando. Pero no, esta uniformidad de rojo no es la hora más hermosa. Es sólo el acorde final de una sinfonía que lleva todo color al cenit de la vida que, como el fortissimo de una gran orquesta, se ve obligado y permitido por Moscú a sonar.
—Wassily Kandinsky
En 1916 conoció a Nina Andreevskaya (1899–1980), con quien se casó el 11 de febrero de 1917.
De 1918 a 1921, Kandinsky estuvo involucrado en la política cultural de Rusia y colaboró en la educación artística y la reforma de los museos. Pintó poco durante este período, pero se dedicó a la enseñanza artística, con un programa basado en el análisis de la forma y el color; también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística en Moscú del cual fue el primer director. Su visión espiritual y expresionista del arte fue finalmente rechazada por los miembros radicales del Instituto por considerarla demasiado individualista y burguesa. En 1921, Kandinsky fue invitado a ir a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por parte de su fundador, el arquitecto Walter Gropius.
De vuelta en Alemania y la Bauhaus (1922-1933)
En mayo de 1922, asistió al Congreso Internacional de Artistas Progresistas y firmó la "Proclamación de Fundación de la Unión de Artistas Progresistas Internacionales".
Kandinsky impartió la clase de diseño básico para principiantes y el curso de teoría avanzada en la Bauhaus; también impartió clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con nuevos elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, particularmente sobre puntos y formas lineales, condujo a la publicación de su segundo libro teórico (Punto y línea al plano) en 1926. Sus exámenes de los efectos de las fuerzas en las líneas rectas, que conducen a los tonos contrastantes de las líneas curvas y angulosas, coincidieron con la investigación de los psicólogos de la Gestalt, cuyo trabajo también se discutió en la Bauhaus. Los elementos geométricos adquirieron una importancia creciente tanto en su enseñanza como en su pintura, en particular el círculo, el semicírculo, el ángulo, las rectas y las curvas. Este período fue intensamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de planos ricos en colores y gradaciones, como en Amarillo – rojo – azul (1925), donde Kandinsky ilustra su distanciamiento de los movimientos constructivistas y suprematistas influyentes en el hora.
El amarillo, rojo y azul (1925) de dos metros de ancho (6 pies 7 pulgadas) de varias formas principales: un rectángulo amarillo vertical, una cruz roja inclinada y un gran círculo azul oscuro; una multitud de líneas negras rectas (o sinuosas), arcos circulares, círculos monocromáticos y tableros de ajedrez de colores dispersos contribuyen a su delicada complejidad. Esta simple identificación visual de las formas y de las principales masas cromáticas presentes en el lienzo es sólo un primer acercamiento a la realidad interior de la obra, cuya apreciación exige una observación más profunda, no sólo de las formas y colores que intervienen en el cuadro, sino de su relación, de su absoluta y posiciones relativas en el lienzo y su armonía.
Kandinsky fue uno de Die Blaue Vier (Cuatro Azules), formado en 1923 con Paul Klee, Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky, que dio conferencias y exhibió en los Estados Unidos en 1924. Debido a la hostilidad de la derecha, la Bauhaus se fue Weimar y se instaló en Dessau en 1925. Después de una campaña de desprestigio nazi, la Bauhaus se fue de Dessau en 1932 a Berlín, hasta su disolución en julio de 1933. Kandinsky luego abandonó Alemania y se instaló en París.
![Small worlds I, 1922, National Gallery of Denmark, Copenhagen[22]](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/84/Vassily_Kandinsky%2C_1922_-_Kleine_Welten_I_%28new_file%29.jpg/94px-Vassily_Kandinsky%2C_1922_-_Kleine_Welten_I_%28new_file%29.jpg)
Mundos pequeños I, 1922, National Gallery of Denmark, Copenhagen
En blanco II, 1923, Centre Pompidou, Paris
Círculos en un Círculo, 1923, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia
Varios círculos, 1926, Solomon R. Guggenheim Museum, New York City
Duro suave, 1927
Alimentación interna, 1929, Albertina, Viena
![Small worlds I, 1922, National Gallery of Denmark, Copenhagen[22]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Vassily_Kandinsky,_1922_-_Kleine_Welten_I_(new_file).jpg)
Gran síntesis (1934-1944)
Al vivir en un apartamento en París, Kandinsky creó su trabajo en un estudio de sala de estar. En sus pinturas aparecen formas biomórficas con contornos flexibles y no geométricos, formas que sugieren organismos microscópicos pero que expresan la vida interior del artista. Kandinsky utilizó composiciones de color originales, evocando el arte popular eslavo. Ocasionalmente, también mezclaba arena con pintura para dar una textura granular y rústica a sus pinturas.
Este período corresponde a una síntesis del trabajo anterior de Kandinsky en el que utilizó todos los elementos, enriqueciéndolos. En 1936 y 1939 pintó sus dos últimas composiciones principales, el tipo de lienzos elaborados que no había producido durante muchos años. La Composición IX tiene poderosas diagonales muy contrastadas cuya forma central da la impresión de un embrión en el útero. Sobre el fondo negro de la Composición X destacan pequeños cuadrados de colores y bandas coloreadas a modo de fragmentos (o filamentos) de estrellas, mientras que enigmáticos jeroglíficos en tonos pastel cubren una gran masa granate que parece flotar en la parte superior. esquina izquierda del lienzo. En la obra de Kandinsky algunas características son obvias, mientras que ciertos toques son más discretos y velados; se revelan solo progresivamente a aquellos que profundizan su conexión con su obra. Pretendía que sus formas (que armonizaba y colocaba sutilmente) resonaran con el alma del observador.
Marrón con suplemento, 1935, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
Composition IX, 1936, Musée national d'art moderne, Paris
Composición X, 1939, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf
Diversas acciones, 1941, Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Círculo y plaza, 1943, Musée national d'art moderne, Paris
La concepción del arte de Kandinsky
La artista como profeta
(feminine)
Escribiendo que "la música es el mejor maestro" Kandinsky se embarcó en las primeras siete de sus diez Composiciones. Los primeros tres sobreviven solo en fotografías en blanco y negro tomadas por su colega artista y amiga Gabriele Münter. La Composición I (1910) fue destruida por un ataque aéreo británico en la ciudad de Braunschweig en Baja Sajonia en la noche del 14 de octubre de 1944.
Si bien existen estudios, bocetos e improvisaciones (particularmente de la Composición II), una incursión nazi en la Bauhaus en la década de 1930 resultó en la confiscación de las tres primeras Composiciones de Kandinsky.. Se exhibieron en la exhibición patrocinada por el Estado "Arte degenerado" y luego se destruyeron (junto con obras de Paul Klee, Franz Marc y otros artistas modernos)
Fascinado por la escatología cristiana y la percepción de una Nueva Era venidera, un tema común entre las primeras siete Composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo conocemos). Escritura del "artista como profeta" en su libro Concerning the Spiritual in Art, Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que mostraban un cataclismo inminente que alteraría la realidad individual y social. Con una creencia devota en el cristianismo ortodoxo, Kandinsky se basó en las historias bíblicas del Arca de Noé, Jonás y la ballena, la resurrección de Cristo, los cuatro jinetes del Apocalipsis en el libro de Apocalipsis, los cuentos populares rusos y el experiencias mitológicas comunes de muerte y renacimiento. Nunca intentó imaginar ninguna de estas historias como una narración, usó sus imágenes veladas como símbolos de los arquetipos de muerte-renacimiento y destrucción-creación que sintió que eran inminentes en el mundo anterior a la Primera Guerra Mundial.
Como afirmó en Sobre lo espiritual en el arte (ver más abajo), Kandinsky sintió que un artista auténtico que crea arte a partir de "una necesidad interna" habita en la punta de una pirámide que se mueve hacia arriba. Esta pirámide progresiva está penetrando y avanzando hacia el futuro. Lo que ayer era extraño o inconcebible es un lugar común hoy; lo que es vanguardia hoy (y entendido solo por unos pocos) es conocimiento común mañana. El profeta-artista moderno está solo en el vértice de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y marcando el comienzo de la realidad del mañana. Kandinsky estaba al tanto de los desarrollos científicos recientes y los avances de los artistas modernos que habían contribuido a formas radicalmente nuevas de ver y experimentar el mundo.
LaComposición IV y las pinturas posteriores se preocupan principalmente por evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista. Como en su pintura del apocalipsis por el agua (Composición VI), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos traduciéndolos a términos contemporáneos (con una sensación de desesperación, frenesí, urgencia, y confusión). Esta comunión espiritual de espectador-pintor-artista/profeta puede describirse dentro de los límites de las palabras y las imágenes.
Teórico artístico y espiritual
Como indican los ensayos y las teorías de Der Blaue Reiter Almanac con el compositor Arnold Schoenberg, Kandinsky también expresó que la comunión entre el artista y el espectador está disponible tanto para los sentidos como para la mente (sinestesia). Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del Do central en una trompeta de metal; el negro es el color del cierre y el fin de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871 el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo.
Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea al plano (ver más abajo).
El legendario diseño escénico de Kandinsky para una representación de 'Cuadros de una exposición' de Mussorgsky ilustra su concepto sinestésico de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. En 1928 en el teatro de Dessau, Wassily Kandinsky realizó la producción teatral de "Cuadros de una exposición". En 2015, los diseños originales de los elementos del escenario se animaron con tecnología de video moderna y se sincronizaron con la música de acuerdo con las notas preparatorias de Kandinsky y el guión del director de Felix Klee.
En otro episodio con Münter durante los años del expresionismo abstracto bávaro, Kandinsky estaba trabajando en su Composición VI. Después de casi seis meses de estudio y preparación, tenía la intención de que la obra evocara simultáneamente un diluvio, un bautismo, una destrucción y un renacimiento. Después de delinear el trabajo en un panel de madera del tamaño de un mural, se bloqueó y no pudo continuar. Münter le dijo que estaba atrapado en su intelecto y que no llegaba al verdadero tema de la imagen. Le sugirió que simplemente repitiera la palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se centrara en su sonido en lugar de su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la obra monumental en un lapso de tres días.
Estilo de firma
El arte de Wassily Kandinsky tiene una confluencia de música y espiritualidad. Con su aprecio por la música de su época y disposición cinestésica, las obras de Kandinsky tienen un marcado estilo expresionista en sus primeros años. Pero abrazó todo tipo de estilos artísticos de su época y sus predecesores, es decir, Art Nouveau (formas orgánicas sinuosas), Fauvismo y Blaue Reiter (colores impactantes), Surrealismo (misterio) y Bauhaus (constructivismo) solo para avanzar hacia el abstraccionismo mientras exploraba la espiritualidad. En arte. Sus pinturas sin objeto muestran una abstracción espiritual sugerida por sonidos y emociones a través de una unidad de sensación. Impulsado por la fe cristiana y la necesidad interior de un artista, sus pinturas tienen la ambigüedad de la forma representada en una variedad de colores, así como la resistencia contra los valores estéticos convencionales del mundo del arte.
Su firma o estilo individual puede definirse más y dividirse en tres categorías a lo largo de su carrera artística: Impresiones (elemento representativo), Improvisaciones (reacción emocional espontánea), Composiciones (obras de arte definitivas).
A medida que Kandinsky comenzó a alejarse de su primera inspiración del impresionismo, sus pinturas se volvieron más vibrantes, pictográficas y expresivas con formas más nítidas y claras cualidades lineales.
Pero finalmente, Kandinsky fue más allá; rechazando la representación pictórica con huracanes arremolinados de colores y formas más sinestésicos, eliminando las referencias tradicionales a la profundidad, presentando glifos desnudos y abstractos; pero lo que permaneció constante fue su búsqueda espiritual de formas expresivas.
La armonía emocional es otra característica destacada en las obras posteriores de Kandinsky. Con diversas dimensiones y tonos brillantes equilibrados a través de una cuidadosa yuxtaposición de proporciones y colores, demostró la universalidad de las formas en sus obras de arte, allanando así el camino para una mayor abstracción.
Wassily Kandinsky a menudo usaba el negro en sus pinturas para realzar el impacto de las formas de colores brillantes, mientras que sus formas eran a menudo enfoques biomórficos para llevar el surrealismo a su arte.
Escritos teóricos sobre arte
Los análisis de Kandinsky sobre las formas y los colores no son el resultado de asociaciones de ideas simples y arbitrarias, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas, sensorialmente ricas, trabajando con la forma y el color, observando incansablemente sus propias pinturas y las de otros artistas, notando sus efectos en su sentido del color. Esta experiencia subjetiva es algo que cualquiera puede hacer, no observaciones científicas y objetivas, sino internas y subjetivas, lo que el filósofo francés Michel Henry llama 'subjetividad absoluta'. o la "vida fenomenológica absoluta".
De lo espiritual en el arte
Publicado en Munich en 1911, el texto de Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst, define tres tipos de pintura; impresiones, improvisaciones y composiciones. Mientras que las impresiones parten de una realidad externa que les sirve de punto de partida, las improvisaciones y composiciones muestran imágenes que emergen del inconsciente, aunque la composición se desarrolla desde un punto de vista más formal. Kandinsky compara la vida espiritual de la humanidad con una pirámide: el artista tiene la misión de llevar a otros a la cima con su trabajo. La punta de la pirámide son esos pocos, grandes artistas. Es una pirámide espiritual que avanza y asciende lentamente aunque a veces parezca inmóvil. Durante los períodos de decadencia, el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide; la humanidad busca sólo el éxito externo, ignorando las fuerzas espirituales.
Los colores de la paleta del pintor evocan un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo encantado por la belleza de los colores, similar a la impresión de alegría cuando comemos un manjar. Sin embargo, este efecto puede ser mucho más profundo y causar una vibración del alma o una "resonancia interna", un efecto espiritual en el que el color toca el alma misma.
"Necesidad interna" es, para Kandinsky, el principio del arte y el fundamento de las formas y la armonía de los colores. Lo define como el principio de contacto eficiente de la forma con el alma humana. Toda forma es la delimitación de una superficie por otra; posee un contenido interior, el efecto que produce en quien lo mira atentamente. Esta necesidad interior es el derecho del artista a la libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no se funda en tal necesidad. El arte nace de la necesidad interior del artista de una manera enigmática, mística a través de la cual adquiere vida autónoma; se convierte en un sujeto independiente, animado por un soplo espiritual.
Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos un color aislado y lo dejamos actuar solo, por un lado está la calidez o frialdad del tono del color, y por otro lado está la claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia hacia el amarillo y la frialdad una tendencia hacia el azul; amarillo y azul forman el primer gran contraste dinámico. El amarillo tiene un movimiento excéntrico y el azul un movimiento concéntrico; una superficie amarilla parece acercarse a nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser dolorosa y agresiva. El azul es un color celestial que evoca una profunda calma. La combinación de azul y amarillo produce total inmovilidad y calma, que es el verde.
La claridad es una tendencia hacia el blanco y la oscuridad es una tendencia hacia el negro. El blanco y el negro forman el segundo gran contraste, que es estático. El blanco es un silencio profundo, absoluto, lleno de posibilidades. El negro es la nada sin posibilidad, un silencio eterno sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena fuertemente en sus vecinos. La mezcla del blanco con el negro da lugar al gris, que no posee fuerza activa y cuya tonalidad se acerca a la del verde. El gris corresponde a la inmovilidad sin esperanza; tiende a desesperarse cuando oscurece, recuperando poca esperanza cuando se aclara.
El rojo es un color cálido, vivo y agitado; es contundente, un movimiento en sí mismo. Mezclado con negro se vuelve marrón, un color duro. Mezclado con el amarillo, gana en calidez y se torna naranja, lo que imparte un movimiento radiante a su entorno. Cuando el rojo se mezcla con el azul, se aleja del hombre para convertirse en púrpura, que es un rojo frío. El rojo y el verde forman el tercer gran contraste, y el naranja y el morado el cuarto.
Punto y Línea al Plano
En sus escritos, publicados en Munich por Verlag Albert Langen en 1926, Kandinsky analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó el soporte físico y la superficie material sobre la que el artista dibuja o pinta el plano básico, o BP. No los analizó objetivamente, sino desde el punto de vista de su efecto interno sobre el observador.
Un punto es una pequeña cantidad de color que el artista pone en el lienzo. No es ni un punto geométrico ni una abstracción matemática; es extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa pero, según su ubicación en el plano básico, tomará una tonalidad diferente. Puede estar aislado o resonar con otros puntos o líneas.
Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o pincel por el artista. Las formas lineales producidas pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicada en una sola dirección; una línea angular, resultante de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una línea curva (o similar a una onda), producida por la efecto de dos fuerzas actuando simultáneamente. Se puede obtener un plano por condensación (a partir de una línea rotada alrededor de uno de sus extremos). El efecto subjetivo que produce una línea depende de su orientación: una línea horizontal se corresponde con el suelo sobre el que descansa y se mueve el hombre; posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar al negro o al azul. Una línea vertical corresponde a la altura y no ofrece soporte; posee una tonalidad cálida y luminosa cercana al blanco y al amarillo. Una diagonal posee una tonalidad más o menos cálida (o fría), según su inclinación hacia la horizontal o la vertical.
Una fuerza que se despliega, sin obstáculo, como la que produce una línea recta corresponde al lirismo; varias fuerzas que se enfrentan (o se molestan) forman un drama. El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interna cálida y cercana al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), fría y similar al azul para un ángulo obtuso (un círculo), y similar al rojo para un ángulo recto (un cuadrado).
El plano básico es, en general, rectangular o cuadrado. Por tanto, se compone de líneas horizontales y verticales que lo delimitan y lo definen como un ente autónomo que sostiene el cuadro, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad está determinada por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales dan una tonalidad tranquila y fría al plano básico mientras que las verticales le dan una tonalidad tranquila y cálida. El artista intuye el efecto interior del formato y las dimensiones del lienzo, que elige según la tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinsky consideró el plano básico como un ser vivo, que el artista "fertiliza" y siente "respirar".
Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva; esto influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que se dibujarán sobre él, y contribuye a la riqueza de la composición resultante de su yuxtaposición en el lienzo. El arriba del plano básico corresponde a la soltura ya la ligereza, mientras que el abajo evoca condensación y pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer estos efectos para producir pinturas que no sean solo el efecto de un proceso aleatorio, sino el fruto de un trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior.
Este libro contiene muchos ejemplos fotográficos y dibujos de las obras de Kandinsky que ofrecen la demostración de sus observaciones teóricas y que permiten al lector reproducir en él la obviedad interior siempre que se tome el tiempo de mirar esas imágenes. con cuidado, que los dejara actuar sobre su propia sensibilidad y que dejara vibrar las cuerdas sensibles y espirituales de su alma.
Vida privada
Después de graduarse en 1892, Kandinsky se casó con su prima, Anja Chimiakin, y se convirtió en profesor de Jurisprudencia en la Universidad de Moscú.
En el verano de 1902, Kandinsky invitó a Gabriele Münter a unirse a él en sus clases de pintura de verano al sur de Múnich, en los Alpes. Ella aceptó y su relación se volvió más personal que profesional. En 1911, el pintor expresionista alemán fue uno de varios artistas que se unieron a Kandinsky en su grupo Blue Rider (Der Blaue Reiter), que terminó con el inicio de la Primera Guerra Mundial.
Kandinsky y Münter se comprometieron en el verano de 1903, mientras él aún estaba casado con Anja, y viajó mucho por Europa, Rusia y el norte de África hasta 1908. Se separó de Anja en 1911.
Desde 1906 hasta 1908, Kandinsky viajó por toda Europa hasta instalarse en la pequeña ciudad bávara de Murnau.
Regresó a Moscú en 1914 cuando estalló la Primera Guerra Mundial. En 1916 conoció a Nina Nikolaevna Andreevskaya (1899-1980), con quien se casó el 11 de febrero de 1917, cuando ella tenía 17 o 18 años y él 50. A fines de 1917 tuvieron un hijo, Wsevolod, o Lodya, como lo llamaban en la familia. Lodya murió en junio de 1920. No hubo más hijos.
Después de la Revolución Rusa, tuvo oportunidades en Alemania, a donde regresó en 1920. Allí enseñó en la escuela de arte y arquitectura Bauhaus desde 1922 hasta que los nazis la cerraron en 1933.
Luego se mudó a Francia con su esposa, donde vivió el resto de su vida, se convirtió en ciudadano francés en 1939 y produjo algunas de sus obras de arte más destacadas.
Murió en Neuilly-sur-Seine el 13 de diciembre de 1944, tres días antes de cumplir 78 años.
Información diversa
Mercado del arte
En 2012, Christie's subastó el Studie für Improvisation 8 (Estudio para la improvisación 8) de Kandinsky, una vista de 1909 de un hombre empuñando una espada en un pueblo con los colores del arcoíris., por $ 23 millones. La pintura había estado prestada al Kunstmuseum Winterthur, Suiza, desde 1960 y fue vendida a un coleccionista europeo por la Fundación Volkart, el brazo caritativo de la firma suiza de comercio de materias primas Volkart Brothers. Antes de esta venta, el último récord del artista se estableció en 1990 cuando Sotheby's vendió su Fugue (1914) por 20,9 millones de dólares. El 16 de noviembre de 2016, Christie's subastó Rigide et courbé (rígido y doblado) de Kandinsky, una gran pintura abstracta de 1935, por 23,3 millones de dólares, un nuevo récord para Kandinsky. Solomon R. Guggenheim originalmente compró la pintura directamente del artista en 1936, pero no se exhibió después de 1949 y luego fue vendida en una subasta a un coleccionista privado en 1964 por el Museo Solomon R. Guggenheim.
En la cultura popular
La obra de 1990 Seis grados de separación se refiere a un "Kandinsky de doble cara" pintura. No se sabe que exista tal pintura; en la versión cinematográfica de la obra de 1993, se representa la pintura de dos caras con la pintura de Kandinsky de 1913 Líneas negras en un lado y su pintura de 1926 Varios círculos Por otro lado.
La película de 1999 Double Jeopardy hace numerosas referencias a Kandinsky, y una parte suya, Sketch, ocupa un lugar destacado en la trama. La protagonista, Elizabeth Parsons (Ashley Judd), utiliza la entrada de registro de la obra para rastrear a su esposo con su nuevo alias. En la película también aparecen dos variaciones de la portada del almanaque de Blue Rider.
En 2014, Google conmemoró el 148.º cumpleaños de Kandinsky presentando un Doodle de Google basado en sus pinturas abstractas.
En la película de 2015 El viaje más largo hay una historia dentro de la historia que cuenta sobre Ruth e Ira. Ruth está interesada en el arte y visitan el Black Mountain College donde Ruth le cuenta a Ira sobre Kandinski, quien llegó y rompió todas las leyes de la disciplina.
En la temporada 4 de Stranger Things de Netflix, su xilografía en color de 1903 'The Singer' se puede ver en el dormitorio de Nancy Wheeler. Esta temporada específica tiene temas fuertes sobre el poder de la música.
En 2014 se publicó una biografía ilustrada titulada The Noisy Paint Box: The Colors and Sounds of Kandinsky's Abstract Art. Sus ilustraciones de Mary GrandPre le valieron un Caldecott Honor 2015.
Su nieto fue el profesor de musicología y escritor Aleksey Ivanovich Kandinsky (1918–2000), cuya carrera se centró y se centró en Rusia.
Exposiciones
- The Solomon R. Guggenheim El Museo organizará la exposición Vasily Kandinsky: Alrededor del Círculo del 8 de octubre de 2021 al 5 de septiembre de 2022, junto con una serie de exposiciones individuales con el trabajo de los artistas contemporáneos Etel Adnan, Jennie C. Jones y Cecilia Vicuña.
- The Solomon R. Guggenheim Museo celebró una importante retrospectiva de la obra de Kandinsky de 2009 a 2010, llamada Kandinsky. En 2017, una selección de la obra de Kandinsky fue vista en el Guggenheim, "Visionarios: Creación de un Guggenheim moderno".
- La Colección Phillips en Washington, D.C., realizó una exposición del 11 de junio al 4 de septiembre de 2011, llamada "Kandinsky y la Armonía del Silencio", con "Painting with White Border" y sus estudios preparatorios.
- Kandinskij. L'opera 1900-1940, Palazzo RoverellaRovigo, Italia.
Arte saqueado por los nazis
En julio de 2001, Jen Lissitzky, hijo del artista El Lissitzky, presentó una demanda de restitución contra la Fundación Beyeler en Basilea, Suiza, por la 'Improvisación n.º 10' de Kandinsky. Se llegó a un acuerdo en 2002.
En 2013, la familia Lewenstein presentó una demanda para la restitución del Cuadro con casas de Kandinsky en poder del Museo Stedelijk. En 2020, un comité establecido por el ministro de cultura holandés encontró fallas en el comportamiento del Comité de Restitución, lo que provocó un escándalo en el que dos de sus miembros, incluido su presidente, renunciaron. Más tarde ese año, un tribunal de Ámsterdam dictaminó que el Museo Stedelijk podía conservar la pintura de la colección judía Lewenstein, a pesar del robo nazi. Sin embargo, en agosto de 2021 el Ayuntamiento de Ámsterdam decidió devolver el cuadro a la familia Lewenstein.
En 2017, Robert Colin Lewenstein, Francesca Manuela Davis y Elsa Hannchen Guidotti presentaron una demanda contra el Bayerische Landesbank ("BLB") por la restitución del Das Bunte Leben» de Kandinsky.
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