Viola
La viola (vee-OH-lə, también vy-OH-lə, italiano: [ˈvjɔːla, viˈɔːla]) es un instrumento de cuerda que se arquea, pulsa o toca con diferentes técnicas. Ligeramente más grande que un violín, tiene un sonido más grave y profundo. Desde el siglo XVIII, ha sido la voz media o contralto de la familia de los violines, entre el violín (que se afina una quinta justa arriba) y el violonchelo (que se afina una octava abajo). Las cuerdas de menor a mayor suelen estar afinadas en C3, G3, D4 y A4.
En el pasado, la viola variaba en tamaño y estilo, al igual que sus nombres. La palabra viola tiene su origen en el idioma italiano. Los italianos usaban a menudo el término viola da braccio que significa literalmente: "del brazo". "Brazzo" era otra palabra italiana para la viola, que los alemanes adoptaron como Bratsche. Los franceses tenían sus propios nombres: cinquiesme era una viola pequeña, haute contre era una viola grande y taile era un tenor. Hoy, los franceses usan el término alto, una referencia a su rango.
La viola fue popular en el apogeo de la armonía de cinco partes, hasta el siglo XVIII, tomando tres líneas de la armonía y ocasionalmente tocando la línea de la melodía. La música para viola se diferencia de la mayoría de los demás instrumentos en que utiliza principalmente la clave de alto. Cuando la música de viola tiene secciones sustanciales en un registro más alto, cambia a la clave de sol para que sea más fácil de leer.
La viola a menudo toca las "voces internas" en cuartetos de cuerda y escritura sinfónica, y es más probable que el primer violín toque partes de acompañamiento. La viola ocasionalmente juega un papel importante como solista en la música orquestal. Los ejemplos incluyen el poema sinfónico Don Quijote, de Richard Strauss, y la sinfonía/concierto Harold en Italie, de Hector Berlioz. A principios del siglo XX, más compositores comenzaron a escribir para viola, alentados por la aparición de solistas especializados como Lionel Tertis y William Primrose. Los compositores ingleses Arthur Bliss, York Bowen, Benjamin Dale, Frank Bridge, Benjamin Britten, Rebecca Clarke y Ralph Vaughan Williams escribieron importantes obras de cámara y de concierto. Muchas de estas piezas fueron encargadas o escritas para Lionel Tertis. William Walton, Bohuslav Martinů, Tōru Takemitsu, Tibor Serly, Alfred Schnittke y Béla Bartók han escrito conocidos conciertos para viola. Los conciertos de Béla Bartók, Paul Hindemith, Carl Stamitz, Georg Philipp Telemann y William Walton se consideran obras importantes del repertorio para viola. Paul Hindemith, que era violista, escribió una gran cantidad de música para viola, incluido el concierto Der Schwanendreher.
Formulario
La viola es similar en material y construcción al violín. El cuerpo de una viola de tamaño completo es entre 25 mm (1 pulgada) y 100 mm (4 pulgadas) más largo que el cuerpo de un violín de tamaño completo (es decir, entre 38 y 46 cm [15–18 pulgadas]), con una longitud media de 41 cm (16 in). Las violas pequeñas que normalmente se fabrican para niños suelen medir a partir de 30 cm (12 pulgadas), lo que equivale a la mitad de un violín. Para un niño que necesita un tamaño más pequeño, un violín de tamaño fraccionario a menudo se ensarta con las cuerdas de una viola. A diferencia del violín, la viola no tiene un tamaño completo estándar. El cuerpo de una viola necesitaría medir alrededor de 51 cm (20 pulgadas) de largo para igualar la acústica de un violín, lo que hace que no sea práctico tocarlo de la misma manera que el violín. Durante siglos, los fabricantes de violas han experimentado con el tamaño y la forma de la viola, a menudo ajustando las proporciones o la forma para hacer un instrumento más ligero con longitudes de cuerda más cortas, pero con una caja de resonancia lo suficientemente grande como para retener el sonido de la viola. Antes del siglo XVIII, las violas no tenían un tamaño uniforme. Las violas grandes (tenores) fueron diseñadas para tocar las líneas de viola de registro inferior o la segunda viola en armonía de cinco partes, según la instrumentación. Una viola más pequeña, más cercana al tamaño del violín, se llamaba viola vertical o viola alta. Se adaptaba más a la escritura de registro alto, como en las partes de viola 1, ya que su sonido solía ser más rico en el registro alto. Su tamaño no era tan propicio para un tono completo en el registro inferior.
Varios experimentos han pretendido aumentar el tamaño de la viola para mejorar su sonido. La viola alta de Hermann Ritter, que medía unos 48 cm (19 pulgadas), estaba destinada a utilizarse en las óperas de Wagner. La viola modelo Tertis, que tiene bocas más anchas y costillas más profundas para promover un mejor tono, es otra viola ligeramente "no estándar" forma que permite al jugador utilizar un instrumento más grande. Muchos experimentos con la acústica de una viola, particularmente aumentando el tamaño del cuerpo, han dado como resultado un tono mucho más profundo, haciéndolo parecerse al tono de un violonchelo. Dado que muchos compositores escribieron para una viola de tamaño tradicional, particularmente en música orquestal, los cambios en el tono de una viola pueden tener consecuencias no deseadas sobre el equilibrio de los conjuntos.
Uno de los fabricantes de violas más notables del siglo XX fue el inglés A. E. Smith, cuyas violas son buscadas y muy valoradas. Muchas de sus violas permanecen en Australia, su país de residencia, donde durante algunas décadas los violistas de la Orquesta Sinfónica de Sydney tuvieron una docena de ellas en su sección.
Las innovaciones más recientes (y de forma más radical) han abordado los problemas ergonómicos asociados con tocar la viola haciéndola más corta y liviana, mientras encuentran formas de mantener el sonido tradicional. Estos incluyen el "cutaway" de Otto Erdesz; viola, que tiene un hombro recortado para facilitar el cambio; la "hoja de roble" viola, que tiene dos combates extra; violas en forma de viola como "Evia" de Joseph Curtin modelo, que también utiliza un mástil móvil y un fondo de fibra de carbono chapado en arce para reducir el peso: las violas se tocan de la misma manera que los violonchelos (ver viola vertical); y el llamativo "Dalí-esque" las formas de las violas de Bernard Sabatier en tamaños fraccionarios, que parecen haberse derretido, y las de David Rivinus; Violas modelo Pellegrina.
Otros experimentos que tratan sobre la "ergonomía frente al sonido" ha aparecido el problema. El compositor estadounidense Harry Partch equipó una viola con un mástil de violonchelo para permitir el uso de su escala de 43 tonos, llamada "viola adaptada". Los luthiers también han creado violas de cinco cuerdas, que permiten un mayor rango de ejecución.
Método de juego
La persona que toca la viola se llama violista o tocador de viola. La técnica requerida para tocar una viola tiene ciertas diferencias en comparación con la de un violín, en parte debido a su mayor tamaño: las notas se extienden más a lo largo del diapasón y, a menudo, requieren digitaciones diferentes. Las cuerdas menos sensibles de la viola y el arco más pesado justifican una técnica de arco algo diferente, y un violista tiene que apoyarse más intensamente en las cuerdas.
- La viola se mantiene de la misma manera que el violín; sin embargo, debido a su tamaño mayor, se deben hacer algunos ajustes para adaptarse. La viola, al igual que el violín, se coloca sobre el hombro izquierdo entre el hombro y el lado izquierdo de la cara (chin). Debido al tamaño de la viola, los violistas con brazos cortos tienden a utilizar instrumentos de tamaño más pequeño para un juego más fácil. Los ajustes más inmediatamente notables que un jugador acostumbrado a tocar el violín tiene que hacer son utilizar dedos más amplios. Es común que algunos jugadores usen un vibrato más amplio e intenso en la mano izquierda, facilitado mediante el uso de la almohadilla más carnosa del dedo en lugar de la punta, y para mantener el arco y el brazo derecho más lejos del cuerpo del jugador. Un violista debe llevar el codo izquierdo más adelante o alrededor, para alcanzar la cuerda más baja, lo que permite que los dedos pulsen firmemente y así crear un tono más claro. A menudo se utilizan diferentes posiciones, incluyendo media posición.
- La viola está tensa con cadenas de calibre más gruesas que el violín. Esto, combinado con su tamaño más grande y rango de lanzamiento más bajo, resulta en un tono más profundo y suave. Sin embargo, las cuerdas más gruesas también significan que la viola responde a los cambios en la inclinación más lentamente. Prácticamente hablando, si un violista y violinista están jugando juntos, el violista debe comenzar a mover el arco una fracción de segundo antes que el violinista. Las cuerdas más gruesas también significan que debe aplicarse más peso con el arco para hacerlas vibrar.
- El arco de la viola tiene una banda más ancha de caballo que el arco de un violín, que es particularmente notable cerca de la rana (o tacón en el Reino Unido). Los arcos de violación, a 70-74 g (2.5–2.6 oz), son más pesados que los arcos de violín (58–61 g [2.0–2.2 oz]). El perfil de la esquina exterior rectangular de una rana de arco de viola generalmente está más redondeado que en arcos de violín.
Afinación
Las cuatro cuerdas de la viola normalmente se afinan en quintas: la cuerda más baja es C (una octava por debajo del C central), con G, D y A por encima. Esta afinación está exactamente un quinto por debajo del violín, por lo que tienen tres cuerdas en común, G, D y A, y está una octava por encima del violonchelo.
Cada cuerda de una viola se enrolla alrededor de una clavija cerca del pergamino y se afina girando la clavija. Apretar la cuerda eleva el tono; aflojar la cuerda baja el tono. La cuerda A normalmente se afina primero, al tono del conjunto: generalmente 400–442 Hz. Luego, las otras cuerdas se sintonizan en intervalos de quintas, generalmente haciendo arcos de dos cuerdas simultáneamente. La mayoría de las violas también tienen ajustadores—afinadores finos, particularmente en la cuerda A que hacen cambios más finos. Estos ajustan la tensión de la cuerda girando una pequeña perilla sobre el cordal. Tal afinación es generalmente más fácil de aprender que usar las clavijas, y los ajustadores generalmente se recomiendan para los jugadores más jóvenes y se colocan en violas más pequeñas, aunque las clavijas y los ajustadores generalmente se usan juntos. Algunos violistas invierten el encordado de las clavijas C y G, de modo que la cuerda C más gruesa no gire en un ángulo tan pronunciado sobre la tuerca, aunque esto es poco común.
También se pueden realizar pequeños ajustes de afinación temporales estirando una cuerda con la mano. Se puede afinar una cuerda tirando de ella por encima del diapasón, o afinarla presionando la parte de la cuerda en el clavijero. Estas técnicas pueden ser útiles en la interpretación, reduciendo los efectos nocivos de una cuerda desafinada hasta que se presente la oportunidad de afinar correctamente.
La afinación C–G–D–A se usa para la gran mayoría de la música para viola. Sin embargo, ocasionalmente se emplean otras afinaciones, tanto en la música clásica, donde la técnica se conoce como scordatura, como en algunos estilos folclóricos. Mozart, en su Sinfonía Concertante para violín, viola y orquesta en E ♭, escribió la parte de la viola en re mayor y especificó que el violista eleva las cuerdas en un semitono. Probablemente tenía la intención de darle a la viola un tono más brillante para que el resto del conjunto no la dominara. Lionel Tertis, en su transcripción del concierto para violonchelo de Elgar, escribió el movimiento lento con la cuerda C afinada en B ♭, lo que permite que la viola toque un pasaje una octava más baja.
Organizaciones e investigación
Una renovación del interés en la viola por parte de los intérpretes y compositores en el siglo XX condujo a una mayor investigación dedicada al instrumento. Paul Hindemith y Vadim Borisovsky hicieron un intento temprano de organización, en 1927, con los Violists' Unión Mundial. Pero no fue hasta 1968, con la creación de Viola-Forschungsgesellschaft, ahora Sociedad Internacional de Viola (IVS), que se afianzó una organización duradera. El IVS ahora consta de doce capítulos en todo el mundo, el más grande es el de la American Viola Society (AVS), que publica el Journal of the American Viola Society. Además de la revista, AVS patrocina el Concurso de Investigación David Dalton y el Concurso Internacional de Viola Primrose.
La década de 1960 también vio el comienzo de varias publicaciones de investigación dedicadas a la viola, comenzando con Franz Zeyringer, Literatur für Viola, que ha sufrido varias versiones, la más reciente en 1985. En 1980, Maurice Riley produjo el primer intento de una historia completa de la viola, en su Historia de la viola, a la que siguió el segundo volumen en 1991. El IVS publicó la Viola en varios idiomas. Anuario de 1979 a 1994, durante el cual varios otros capítulos nacionales del IVS publicaron sus respectivos boletines. El Primrose International Viola Archive de la Universidad Brigham Young alberga la mayor cantidad de material relacionado con la viola, incluidas partituras, grabaciones, instrumentos y materiales de archivo de algunos de los mejores violistas del mundo.
Música
Leer música
La música escrita para viola utiliza principalmente la clave de alto, que por lo demás rara vez se utiliza. La música de viola emplea la clave de sol cuando hay secciones sustanciales de música escritas en un registro más alto. La clave de alto se define por la colocación de C4 en la línea media del pentagrama. En clave de sol, esta nota se coloca una línea adicional por debajo del pentagrama y en la clave de fa (utilizada, en particular, por el violonchelo y el contrabajo) se coloca una línea adicional por encima.
Como la viola está afinada exactamente una octava por encima del violonchelo (lo que significa que la viola retiene las mismas notas de cuerda que el violonchelo, pero una octava más alta), la música escrita para violonchelo se puede transcribir fácilmente para clave de alto sin ninguna cambios de clave. Por ejemplo, existen numerosas ediciones de las Suites para violonchelo de Bach transcritas para viola. La viola también tiene la ventaja de una longitud de escala más pequeña, lo que significa que los estiramientos en el violonchelo son más fáciles en la viola.
Papel en obras anteriores al siglo XX
En la música orquestal antigua, la parte de viola generalmente se limitaba a completar armonías, con muy poco material melódico asignado. Cuando a la viola se le daba una parte melódica, a menudo se duplicaba (o estaba al unísono con) la melodía tocada por otras cuerdas.
Los concerti grossi, Conciertos de Brandenburgo, compuestos por J. S. Bach, fueron inusuales en el uso de la viola. El tercer concierto grosso, compuesto para tres violines, tres violas, tres violonchelos y bajo continuo, requiere virtuosismo por parte de los violistas. De hecho, Viola I tiene un solo en el último movimiento que se encuentra comúnmente en audiciones orquestales. El sexto concierto grosso, el Concierto de Brandenburgo n.º 6, que fue compuesto por 2 violas 'concertino', violonchelo, 2 violas da gamba y continuo, tenía las dos violas desempeñando el papel melódico principal. También usó este conjunto inusual en su cantata, Gleichwie der Regen und Schnee vom Himmel fällt, BWV 18 y en Mein Herze schwimmt im Blut, BWV 199, el coral está acompañado por una viola obbligato.
Hay algunos conciertos barrocos y clásicos, como los de Georg Philipp Telemann (uno para viola sola, siendo uno de los primeros conciertos para viola conocidos, y uno para dos violas), Alessandro Rolla, Franz Anton Hoffmeister y Carl Stamitz..
La viola juega un papel importante en la música de cámara. Mozart usó la viola de formas más creativas cuando escribió sus quintetos de seis cuerdas. Los quintetos de viola usan dos violas, lo que las libera (especialmente la primera viola) para pasajes de solo y aumenta la variedad de escritura que es posible para el conjunto. Mozart también escribió para viola en su Sinfonia Concertante, un conjunto de dos dúos para violín y viola, y el Kegelstatt Trio para viola, clarinete y piano. El joven Felix Mendelssohn escribió una poco conocida Sonata para viola en do menor (sin número de opus, pero que data de 1824). Robert Schumann escribió su Märchenbilder para viola y piano. También escribió un conjunto de cuatro piezas para clarinete, viola y piano, Märchenerzählungen.
Max Bruch escribió un romance para viola y orquesta, su Op. 85, que explora las capacidades emotivas del timbre de la viola. Además, sus Ocho piezas para clarinete, viola y piano, op. 83, presenta la viola en un aspecto solista muy prominente en todo momento. Su Concierto para clarinete, viola y orquesta, op. 88 ha sido bastante prominente en el repertorio y ha sido grabado por destacados violistas a lo largo del siglo XX.]
Desde sus primeros trabajos, Brahms escribió música en la que destacaba la viola. Entre sus primeras obras de música de cámara publicadas, los sextetos para cuerdas Op. 18 y op. 36 contienen lo que equivale a partes solistas para ambas violas. Al final de su vida, escribió dos sonatas para clarinete y piano muy admiradas, su Op. 120 (1894): más tarde transcribió estas obras para viola (la parte solista de su Horn Trio también está disponible en una transcripción para viola). Brahms también escribió 'Dos canciones para alto con viola y piano', op. 91, "Gestillte Sehnsucht" ("Anhelo satisfecho") y "Geistliches Wiegenlied" ("Spiritual Lullaby") como regalo para el famoso violinista Joseph Joachim y su esposa, Amalie. Dvořák tocaba la viola y aparentemente dijo que era su instrumento favorito: su música de cámara es rica en partes importantes para la viola. Otro compositor checo, Bedřich Smetana, incluyó una importante viola, originalmente parte de viola d'amore en su cuarteto "From My Life": el cuarteto comienza con una declaración apasionada de la viola. Bach, Mozart y Beethoven tocaron ocasionalmente la parte de viola en la música de cámara.
La viola ocasionalmente tiene un papel importante en la música orquestal, un ejemplo destacado es el de Richard Strauss' poema sinfónico Don Quijote para violonchelo solo y viola y orquesta. Otros ejemplos son el "Ysobel" variación de las Variaciones Enigma de Edward Elgar y el solo en su otro trabajo, In the South (Alassio), la escena pas de deux del Acto 2 de Giselle de Adolphe Adam y el "La Paz" movimiento del ballet Coppélia de Léo Delibes, que presenta un extenso solo de viola.
El Réquiem de Gabriel Fauré se compuso originalmente (en 1888) con secciones de viola divididas, careciendo de las secciones habituales de violín, con solo un violín solista para el Sanctus. Más tarde se compuso para orquesta con secciones de violín y se publicó en 1901. Se encuentran disponibles grabaciones de las partituras más antiguas con violas.
Si bien el repertorio para viola es bastante amplio, la cantidad escrita por compositores conocidos anteriores al siglo XX es relativamente pequeña. Hay muchas transcripciones de obras para otros instrumentos para viola y el gran número de composiciones del siglo XX es muy diverso. Consulte "El Proyecto Viola" en el Conservatorio de Música de San Francisco, donde la profesora de viola Jodi Levitz ha emparejado a un compositor con cada uno de sus alumnos, lo que ha dado como resultado un recital de obras nuevas tocadas por primera vez.
Siglo XX y más allá
A principios del siglo XX, más compositores comenzaron a escribir para viola, alentados por la aparición de solistas especializados como Lionel Tertis. Los ingleses Arthur Bliss, York Bowen, Benjamin Dale y Ralph Vaughan Williams escribieron obras de cámara y de concierto para Tertis. William Walton, Bohuslav Martinů y Béla Bartók escribieron conocidos conciertos para viola. Paul Hindemith escribió una cantidad sustancial de música para viola; siendo él mismo un violista, a menudo interpretó sus propias obras. La Sonata para flauta, viola y arpa de Claude Debussy ha inspirado a un número significativo de otros compositores a escribir para esta combinación.
Charles Wuorinen compuso sus virtuosas Variaciones para viola en 2008 para Lois Martin. Elliott Carter también escribió varias obras para viola, incluida su Elegía (1943) para viola y piano; posteriormente fue transcrito para clarinete. Ernest Bloch, un compositor estadounidense nacido en Suiza mejor conocido por sus composiciones inspiradas en la música judía, escribió dos obras famosas para viola, la Suite 1919 y la Suite Hébraïque para viola sola. y orquesta. Rebecca Clarke fue una compositora y violista del siglo XX que también escribió extensamente para viola. Lionel Tertis registra que Edward Elgar (cuyo concierto para violonchelo Tertis transcribió para viola, con el movimiento lento en scordatura), Alexander Glazunov (quien escribió una Elegía, Op. 44, para viola y piano), y Maurice Ravel prometió todos los conciertos para viola, pero los tres murieron antes de hacer ningún trabajo sustancial en ellos.
En la última parte del siglo XX se produjo un importante repertorio para viola; muchos compositores, incluidos Miklós Rózsa, Revol Bunin, Alfred Schnittke, Sofia Gubaidulina, Giya Kancheli y Krzysztof Penderecki, han escrito conciertos para viola. El compositor estadounidense Morton Feldman escribió una serie de obras tituladas La viola en mi vida, que incluyen partes de viola concertante. En la música espectral, se ha buscado la viola debido a sus parciales armónicos más bajos que se escuchan más fácilmente que en el violín. Compositores espectrales como Gérard Grisey, Tristan Murail y Horațiu Rădulescu han escrito obras solistas para viola. Los compositores neorrománticos y posmodernos también han escrito importantes obras para viola, como el Concierto para viola de Robin Holloway op.56 y la Sonata op.87, y Peter Seabourne, una gran obra en cinco movimientos con piano, Pietà.
Música pop contemporánea
La viola se utiliza a veces en la música popular contemporánea, sobre todo en la vanguardia. John Cale de The Velvet Underground usó la viola, al igual que algunos grupos modernos como la banda de rock alternativo 10,000 Maniacs, Imagine Dragons, el dúo de folk John & Mary, British Sea Power y otros. La música de jazz también ha tenido su parte de violistas, desde los que se usaban en las secciones de cuerdas a principios del siglo XX hasta un puñado de cuartetos y solistas que surgieron a partir de la década de 1960. Sin embargo, es bastante inusual utilizar instrumentos de cuerda frotada individuales en la música popular contemporánea.
En la música popular
Aunque no se usa con tanta frecuencia como el violín en la música folclórica, muchos músicos folclóricos de todo el mundo utilizan la viola. La Dra. Lindsay Aitkenhead ha llevado a cabo una extensa investigación sobre el uso histórico y actual de la viola en la música folclórica. Los jugadores de este género incluyen a Eliza Carthy, Mary Ramsey, Helen Bell y Nancy Kerr. Clarence 'Gatemouth' Brown fue el exponente más destacado de la viola en el género del blues.
La viola también es un importante instrumento de acompañamiento en la música de bandas de cuerdas folclóricas eslovacas, húngaras y rumanas, especialmente en Transilvania. Aquí el instrumento tiene tres cuerdas afinadas G3–D4–A3 (tenga en cuenta que la A es una octava más baja que la que se encuentra en el estándar instrumento), y el puente se aplana con el instrumento tocando acordes de una manera fuertemente rítmica. En este uso, se llama kontra o brácsa (pronunciado "bra-cha", del alemán Bratsche, & #34;viola").
Intérpretes
Hay pocos solistas virtuosos de la viola conocidos, quizás porque se escribió poca música virtuosa para la viola antes del siglo XX. Los intérpretes de viola anteriores al siglo XX incluyen a Carl Stamitz, Alessandro Rolla, Antonio Rolla, Chrétien Urhan, Casimir Ney, Louis van Waefelghem y Hermann Ritter. Importantes pioneros de la viola del siglo XX fueron Lionel Tertis, William Primrose, el compositor e intérprete Paul Hindemith, Théophile Laforge, Cecil Aronowitz, Maurice Vieux, Vadim Borisovsky, Lillian Fuchs, Dino Asciolla, Frederick Riddle, Walter Trampler, Ernst Wallfisch, Csaba Erdélyi, el único violista en ganar el Concurso Internacional de Violín Carl Flesch, y Emanuel Vardi, el primer violista en grabar los 24 Caprichos de Paganini en viola. Muchos violinistas destacados también han actuado públicamente y grabado en la viola, entre ellos Eugène Ysaÿe, Yehudi Menuhin, David Oistrakh, Pinchas Zukerman, Maxim Vengerov, Julian Rachlin, James Ehnes y Nigel Kennedy.
Entre los grandes compositores, varios prefirieron la viola al violín cuando tocaban en conjuntos, siendo los más destacados Ludwig van Beethoven, Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart. Otros compositores también eligieron tocar la viola en conjuntos, incluidos Joseph Haydn, Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Antonín Dvořák y Benjamin Britten. Entre los destacados como violistas y compositores se encuentran Rebecca Clarke y Paul Hindemith. Los compositores y violistas contemporáneos Kenji Bunch, Scott Slapin y Lev Zhurbin han escrito varias obras para viola.
Violas eléctricas
La amplificación de una viola con una pastilla, un amplificador de instrumento (y altavoz) y el ajuste del tono con un ecualizador gráfico pueden compensar la salida comparativamente más débil de una cuerda de instrumento de la familia del violín afinada a notas por debajo de G3. Hay dos tipos de instrumentos que se utilizan para la viola eléctrica: las violas acústicas regulares equipadas con una pastilla piezoeléctrica y las violas eléctricas especializadas, que tienen poco o ningún cuerpo. Si bien las violas acústicas tradicionales generalmente solo están disponibles en tonos tierra utilizados históricamente (por ejemplo, marrón, marrón rojizo, rubio), las violas eléctricas pueden ser de colores tradicionales o pueden usar colores brillantes, como rojo, azul o verde. Algunas violas eléctricas están hechas de materiales distintos a la madera.
La mayoría de los instrumentos eléctricos con cuerdas bajas son del tamaño de un violín, ya que utilizan el amplificador y el altavoz para crear un gran sonido, por lo que no necesitan una caja de resonancia grande. De hecho, algunas violas eléctricas tienen poca o ninguna caja de resonancia y, por lo tanto, dependen completamente de la amplificación. Hay menos violas eléctricas disponibles que violines eléctricos. Puede ser difícil para los violistas que prefieren un tamaño físico o referencias táctiles familiares de un instrumento del tamaño de una viola, cuando deben usar una viola eléctrica que usa un cuerpo más pequeño del tamaño de un violín. El músico galés John Cale, ex integrante de The Velvet Underground, es uno de los usuarios más notables de este tipo de violas eléctricas y las ha utilizado tanto para melodías en su trabajo en solitario como para drones en su trabajo con The Velvet Underground (por ejemplo, "Venus con pieles"). Otros músicos destacados de la viola eléctrica son Geoffrey Richardson de Caravan y Mary Ramsey de 10,000 Maniacs.
Los instrumentos pueden construirse con un preamplificador interno o pueden emitir una señal de transductor sin búfer. Si bien tales señales pueden enviarse directamente a un amplificador o mesa de mezclas, a menudo se benefician de un preamplificador/ecualizador externo en el extremo de un cable corto, antes de enviarse al sistema de sonido. En rock y otros estilos ruidosos, el intérprete de viola eléctrica puede usar unidades de efectos como reverberación o sobremarcha.