Videoarte
Videoarte es una forma de arte que se basa en el uso de tecnología de video como medio visual y de audio. El videoarte surgió a fines de la década de 1960 cuando la nueva tecnología de video de consumo, como las grabadoras de cinta de video, estuvo disponible fuera de la transmisión corporativa. El videoarte puede tomar muchas formas: grabaciones que se transmiten; instalaciones vistas en galerías o museos; trabajos transmitidos en línea, distribuidos como cintas de video o DVD; y representaciones que pueden incorporar uno o más televisores, monitores de video y proyecciones, mostrando imágenes y sonidos en vivo o grabados.
El videoarte recibe su nombre de la cinta de video analógica original, que fue la tecnología de grabación más utilizada en gran parte de la historia de la forma hasta la década de 1990. Con la llegada de los equipos de grabación digital, muchos artistas comenzaron a explorar la tecnología digital como una nueva forma de expresión.
Una de las diferencias clave entre el videoarte y el cine teatral es que el videoarte no se basa necesariamente en muchas de las convenciones que definen el cine teatral. El videoarte no puede emplear el uso de actores, no puede contener diálogos, no puede tener una narrativa o trama discernible y no puede adherirse a ninguna de las otras convenciones que generalmente definen las películas como entretenimiento. Esta distinción también distingue al videoarte de subcategorías cinematográficas como el cine de vanguardia, los cortometrajes o el cine experimental.
Historia temprana
Nam June Paik, una artista coreano-estadounidense que estudió en Alemania, es considerada una pionera del videoarte. En marzo de 1963 Nam June Paik presentó en la Galerie Parnass de Wuppertal la Exposición de Música – Televisión Electrónica. En mayo de 1963, Wolf Vostell mostró la instalación 6 TV Dé-coll/age en la Smolin Gallery de Nueva York y creó el vídeo Sun in your head en Colonia. Originalmente, Sun in your head se hizo en película de 16 mm y se transfirió en 1967 a una cinta de video.
A menudo se dice que el videoarte comenzó cuando Paik usó su nuevo Sony Portapak para grabar imágenes de la procesión del Papa Pablo VI por la ciudad de Nueva York en el otoño de 1965. Más tarde ese mismo día, al otro lado de la ciudad en un Greenwich Village. cafe, Paik reprodujo las cintas y nació el videoarte.
Antes de la introducción de los equipos de video de consumo, la producción de imágenes en movimiento solo estaba disponible de manera no comercial a través de películas de 8 mm y películas de 16 mm. Después de la introducción de Portapak y su posterior actualización cada pocos años, muchos artistas comenzaron a explorar la nueva tecnología.
Muchos de los primeros videoartistas destacados estaban involucrados en movimientos simultáneos en el arte conceptual, la interpretación y el cine experimental. Estos incluyen a los estadounidenses Vito Acconci, Valie Export, John Baldessari, Peter Campus, Doris Totten Chase, Maureen Connor, Norman Cowie, Dimitri Devyatkin, Frank Gillette, Dan Graham, Gary Hill, Joan Jonas, Bruce Nauman, Nam June Paik, Bill Viola, Shigeko Kubota, Martha Rosler, William Wegman y muchos otros. También hubo personas como Steina y Woody Vasulka que estaban interesadas en las cualidades formales del video y emplearon sintetizadores de video para crear obras abstractas. Kate Craig, Vera Frenkel y Michael Snow fueron importantes para el desarrollo del videoarte en Canadá.
En la década de 1970
Gran parte del videoarte en el apogeo del medio experimentó formalmente con las limitaciones del formato de video. Por ejemplo, el artista estadounidense Peter Campus' Double Vision combinó las señales de video de dos Sony Portapaks a través de un mezclador electrónico, lo que resultó en una imagen distorsionada y radicalmente disonante. Otra pieza representativa, Joan Jonas' Vertical Roll, implicó grabar material previamente grabado de Jonas bailando mientras se reproducían los videos en un televisor, lo que resultó en una representación compleja y en capas de la mediación.
Gran parte del videoarte en los Estados Unidos se produjo en la ciudad de Nueva York, con The Kitchen, fundado en 1972 por Steina y Woody Vasulka (y asistido por el director de video Dimitri Devyatkin y Shridhar Bapat), sirviendo como nexo para muchos jóvenes artistas Una de las primeras obras de videoarte multicanal (utilizando varios monitores o pantallas) fue Wipe Cycle de Ira Schneider y Frank Gillette. Wipe Cycle se exhibió por primera vez en la Howard Wise Gallery de Nueva York en 1969 como parte de una exposición titulada "La televisión como medio creativo". Una instalación de nueve pantallas de televisión, Wipe Cycle combinó imágenes en vivo de los visitantes de la galería, imágenes encontradas de la televisión comercial y tomas de cintas pregrabadas. El material se alternaba de un monitor a otro en una elaborada coreografía.
En la costa oeste, los estudios de televisión del estado de San José en 1970, Willoughby Sharp comenzó la "Videoviews" serie de diálogos grabados en vídeo con artistas. La ventana "Reproducciones de video" La serie consta de diálogos de Sharps con Bruce Nauman (1970), Joseph Beuys (1972), Vito Acconci (1973), Chris Burden (1973), Lowell Darling (1974) y Dennis Oppenheim (1974). También en 1970, Sharp comisarió 'Body Works', una exposición de obras en video de Vito Acconci, Terry Fox, Richard Serra, Keith Sonnier, Dennis Oppenheim y William Wegman que se presentó en el Museo Tom Marioni. de Arte Conceptual, San Francisco, California.
En Europa, la innovadora pieza de video de Valie Export, "Facing a Family" (1971) fue una de las primeras instancias de intervención televisiva y difusión del videoarte. El video, emitido originalmente en el programa de televisión austriaco "Kontakte" El 2 de febrero de 1971[11] muestra a una familia austriaca burguesa mirando televisión mientras cena, creando un efecto de espejo para muchos miembros de la audiencia que estaban haciendo lo mismo. Export creía que la televisión podía complicar la relación entre sujeto, espectador y televisión. En el Reino Unido, "TV Interruptions" de David Hall (1971) fueron transmitidos intencionalmente sin previo aviso y sin acreditar en la televisión escocesa, las primeras intervenciones de artistas en la televisión británica.
1980-1990
A medida que bajaban los precios del software de edición, aumentaba el acceso del público en general a utilizar estas tecnologías. El software de edición de video estuvo tan disponible que cambió la forma en que los artistas de medios digitales y los artistas de video interactuaban con los medios. Diferentes temas surgieron y fueron explorados en el trabajo de los artistas, como la interactividad y la no linealidad. Las críticas al software de edición se centraron en la libertad que se creó para los artistas a través de la tecnología, pero no para la audiencia. Algunos artistas combinaron técnicas físicas y digitales para permitir que su audiencia explorara físicamente el trabajo digital. Un ejemplo de esto es "Legible City" de Jeffrey Shaw. (1988-1991). En esta pieza, la "audiencia" monta una bicicleta estacionaria a través de imágenes virtuales de Manhattan, Ámsterdam y Karlsrule. Las imágenes cambian según la dirección de los puños de la bicicleta y la velocidad del pedalista. Esto creó una experiencia virtual única para cada participante.
Después de 2000
A medida que la tecnología y las técnicas de edición han evolucionado desde el surgimiento del video como forma de arte, los artistas han podido experimentar más con el videoarte sin usar su propio contenido. Civilization (2008) de Marco Brambilla muestra esta técnica. Brambilla intenta hacer una versión en video de un collage, o un "video mural" combinando varios clips de películas y editándolos para representar el cielo y el infierno.
Hoy en día hay artistas que han cambiado la forma en que se percibe y ve el videoarte. En 2003, Kalup Linzy creó Conversations Wit De Churen II: All My Churen, una sátira de telenovela a la que se le atribuye la creación del subgénero de video y actuación. Aunque el trabajo de Linzy desafía el género. su trabajo ha sido una gran contribución al medio. Ryan Trecartin, un joven videoartista experimental, usa color, técnicas de edición y una actuación extraña para retratar lo que The New Yorker llama 'un hito cultural'. Trecartin jugó con la representación de la identidad y terminó produciendo personajes que "pueden ser muchas personas al mismo tiempo". Cuando se le preguntó acerca de sus personajes, Trecartin explicó que visualizaba que la identidad de cada persona estaba compuesta por "áreas" y que todos ellos podrían ser muy diferentes entre sí y expresarse en diferentes momentos. Ryan Trecartin es un artista innovador del que se dice que "cambió la forma en que nos relacionamos con el mundo y entre nosotros" a través del videoarte. Una serie de videos realizados por Trecartin titulada I-BE-AREA muestra esto, un ejemplo es I-BE-AREA (Pasta and Wendy M-PEGgy), que se hizo público en 2008, que retrata a un personaje llamado Wendy que se comporta de manera errática. Cuando se le preguntó acerca de sus personajes, Trecartin explicó que visualizaba que la identidad de cada persona estaba compuesta por "áreas" y que todos ellos podrían ser muy diferentes entre sí y expresarse en diferentes momentos. Ryan Trecartin es un artista innovador del que se dice que "cambió la forma en que nos relacionamos con el mundo y entre nosotros" a través del videoarte. En 2008, New York Times Holland Cotter escribe: “Una gran diferencia entre su trabajo y el del Sr. Trecartin está en el grado de compromiso digital. El Sr. Trecartin se vuelve loco con la edición de campanas y silbatos; El Sr. Linzy no. La sencillez y la tosquedad ocasional de su técnica de video es una de las razones por las que la serie de Braswell termina conmoviendo de una manera que las narraciones animadas de Trecartin rara vez lo hacen. A pesar de su hilaridad lasciva, los personajes del Sr. Linzy son más que dibujos animados; “All My Churen” es una historia de valores familiares que tiene mucho que ver con la vida.
Arte de performance y videoarte
El videoarte como medio también se puede combinar con otras formas de expresión artística, como la performance. Esta combinación también puede denominarse "medios y artes escénicas" cuando los artistas "rompen el molde del video y el cine y amplían los límites del arte". Con una mayor capacidad de los artistas para obtener cámaras de video, el arte escénico comenzó a documentarse y compartirse entre una gran cantidad de audiencias. Artistas como Marina Abramovic y Ulay experimentaron con la grabación en video de sus actuaciones en las décadas de 1970 y 1980. En una pieza titulada “Energía del descanso” (1980), tanto Ulay como Marina suspendieron su peso de modo que tiraron hacia atrás un arco y una flecha que apuntaban a su corazón, Ulay sostenía la flecha y Marina el arco. La pieza fue 4:10 que Marina describió como “una actuación sobre la confianza total y completa”.
Otros artistas que combinaron el videoarte con la performance utilizaron la cámara como público. Kate Gilmore experimentó con el posicionamiento de la cámara. En su video “Anything” (2006) filma su performance mientras intenta constantemente alcanzar la cámara que la mira fijamente. A medida que avanza el video de 13 minutos, continúa atando muebles mientras intenta constantemente alcanzar la cámara. Gilmore agregó un elemento de lucha a su arte que a veces se impone a sí misma, en su video "Mi amor es un ancla" (2004) deja que su pie se seque en cemento antes de intentar liberarse ante la cámara. Gilmore ha dicho que ha imitado los estilos de expresión de las décadas de 1960 y 1970 con inspiraciones como Marina Abramovic mientras agrega extremismo y lucha a su trabajo.
Algunos artistas experimentaron con el espacio al combinar videoarte y performance. Ragnar Kjartannson, un artista islandés, filmó un video musical completo con 9 artistas diferentes, incluido él mismo, filmados en diferentes habitaciones. Todos los artistas podían escucharse entre sí a través de un par de auriculares para poder tocar la canción juntos, la pieza se tituló "Los visitantes" (2012).
Algunos artistas, como Jaki Irvine y Victoria Fu, han experimentado con la combinación de películas de 16 mm, películas de 8 mm y video para aprovechar la discontinuidad potencial entre la imagen en movimiento, la partitura musical y el narrador para socavar cualquier sentido de narrativa lineal.
Como disciplina académica
Desde el año 2000, los programas de videoarte han comenzado a surgir entre los colegios y universidades como una disciplina independiente que normalmente se sitúa en relación con el cine y los planes de estudio de transmisión más antiguos. Los modelos actuales que se encuentran en universidades como Northeastern y Syracuse muestran artes de video que ofrecen competencias básicas en iluminación, edición y operación de cámara. Si bien estos fundamentos pueden alimentar y respaldar las áreas de producción de cine o televisión existentes, el crecimiento reciente de los medios de entretenimiento a través de CGI y otros efectos especiales sitúan las habilidades como la animación, los gráficos en movimiento y el diseño asistido por computadora como cursos de nivel superior en esta área emergente.
Organizaciones destacadas de videoarte
- Ars Electronica Center (AEC), Linz, Austria
- Edith-Russ-Haus for Media Art, Oldenburg, Germany
- Electronic Arts Intermix, New York, NY
- Centro de Televisión Experimental, Nueva York
- Goetz Collection, Munich, Alemania
- Imai – instituto de arte intermedios, Düsseldorf
- Impakt Festival, Utrecht
- Julia Stoschek Collection, Düsseldorf, Alemania
- Kunstmuseum Bonn, gran colección de arte video
- LA Freewaves es un festival de arte mediático experimental con video arte, cortos y animación; las exposiciones están en Los Ángeles y en línea.
- Lumen Eclipse – Harvard Square, MA
- LUX, Londres, Reino Unido
- London Video Arts, Londres, Reino Unido
- Neuer Berliner Kunstverein con su "Video-Foro" establecido en 1971 – Berlín, Alemania
- Máquina de arte perpetuo, Nueva York
- Raindance Foundation, New York
- Recuerdos de la Tierra, Estación de Arte TV en Redes Europeas de Cables (París, Colonia)
- Vtape, Toronto, Canada
- Videoart en Midnight, un proyecto de cine de artistas, Berlín, Alemania
- Video Data Bank, Chicago, IL.
- VIVO Media Arts Centre, Vancouver, Canada
- ZKM Center for Art and Media Karlsruhe, Germany
- Videobrasil, Associação Cultural Videobrasil, São Paulo, Brasil
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