Viaje a las estrellas: primer contacto

Star Trek: Primer contacto es una película de ciencia ficción estadounidense de 1996 dirigida por Jonathan Frakes (en su debut como director de cine) y basada en la franquicia Star Caminata. Es la octava película de la serie de películas de Star Trek, la segunda protagonizada por el elenco de Star Trek: The Next Generation. En la película, la tripulación del USS Enterprise-E viaja en el tiempo desde el siglo 24 hasta mediados del siglo 21 para evitar que los Borg cibernéticos conquisten la Tierra cambiando su pasado.

Después del lanzamiento de Star Trek Generations en 1994, Paramount Pictures encargó a los escritores Brannon Braga y Ronald D. Moore que desarrollaran la próxima película de la serie. Braga y Moore querían presentar a los Borg en la trama, mientras que el productor Rick Berman quería una historia que involucrara un viaje en el tiempo. Los escritores combinaron las dos ideas; inicialmente ambientaron la película durante el Renacimiento europeo, pero cambiaron el período de tiempo que los Borg corrompieron a mediados del siglo XXI, después de temer que la idea del Renacimiento fuera "demasiado kitsch". Después de que dos directores más conocidos rechazaran el trabajo, se eligió al miembro del reparto Jonathan Frakes para dirigir para asegurarse de que la tarea recayera en alguien que entendiera Star Trek.

El guión de la película requería la creación de nuevos diseños de naves estelares, incluido un nuevo USS Enterprise. El diseñador de producción Herman Zimmerman y el ilustrador John Eaves colaboraron para hacer un barco más elegante que su predecesor. La fotografía principal comenzó con semanas de filmación en locaciones de Arizona y California, antes de que la producción se mudara a nuevos escenarios para las escenas en barcos. Los Borg fueron rediseñados para parecer como si se hubieran convertido en seres mecánicos de adentro hacia afuera; las nuevas sesiones de maquillaje duraron cuatro veces más que sus apariciones en la serie de televisión. Compañía de efectos Industrial Light & Magic se apresuró a completar los efectos especiales de la película en menos de cinco meses. Las técnicas tradicionales de efectos ópticos se complementaron con imágenes generadas por computadora. Jerry Goldsmith produjo la partitura de la película.

Star Trek: First Contact se estrenó el 22 de noviembre de 1996 y fue la película más taquillera en su primer fin de semana. Eventualmente ganó $ 92 millones en los Estados Unidos y Canadá con $ 54 millones adicionales en otros territorios, combinándose en un total mundial de $ 146 millones. La recepción de la crítica fue mayoritariamente positiva; los críticos, incluido Roger Ebert, la consideraron una de las mejores películas de Star Trek, y fue la película con reseñas más positivas de la serie (el 92 % de las reseñas fueron positivas) hasta que fue ligeramente superada (94 %). por la película de reinicio de 2009. Los Borg y los efectos especiales fueron elogiados, mientras que la caracterización fue recibida de manera menos uniforme. El análisis académico de la película se ha centrado en los paralelos del Capitán Jean-Luc Picard con el Ahab de Herman Melville y la naturaleza de los Borg. First Contact fue nominado al premio de la Academia al mejor maquillaje y ganó tres premios Saturn. Le siguió Star Trek: Insurrection en 1998.

Trama

En el siglo 24, el capitán Jean-Luc Picard despierta de una pesadilla en la que revive su asimilación por los cibernéticos Borg seis años antes. Es contactado por el almirante Hayes, quien le informa de una nueva amenaza Borg contra la Tierra. Las órdenes de Picard son que su barco, el USS Enterprise, patrulle la Zona Neutral en caso de una agresión romulana; La Flota Estelar está preocupada de que Picard esté demasiado involucrado emocionalmente con los Borg para unirse a la lucha.

Al enterarse de que la flota está perdiendo la batalla, la tripulación del Enterprise desobedece las órdenes y se dirige a la Tierra, donde una sola nave Borg Cube se defiende contra un grupo de naves de la Flota Estelar. Enterprise llega a tiempo para ayudar a la tripulación del USS Defiant y a su comandante, el Klingon Worf. Picard toma el control de la flota y ordena a las naves supervivientes que concentren su potencia de fuego en un punto aparentemente sin importancia de la nave Borg. El Cubo lanza una nave esférica más pequeña hacia la Tierra antes de ser destruido. Enterprise persigue la esfera en un vórtice temporal. Cuando la esfera desaparece, Enterprise descubre que la Tierra ha sido alterada: ahora está poblada por Borg. Al darse cuenta de que los Borg han usado el viaje en el tiempo para cambiar el pasado, Enterprise sigue la esfera a través del vórtice.

Enterprise llega cientos de años atrás el 4 de abril de 2063, el día antes del histórico vuelo warp drive de Zefram Cochrane que conduce al primer encuentro de la humanidad con vida extraterrestre.. La tripulación se da cuenta de que los Borg están tratando de evitar el primer contacto y asimilar a la humanidad mientras el planeta se tambalea por una guerra global devastadora. Después de destruir la esfera Borg, un equipo visitante se transporta al barco de Cochrane, Phoenix, en Bozeman, Montana. Picard ha enviado a la asistente de Cochrane, Lily Sloane, a Enterprise para recibir atención médica. El capitán regresa a la nave y deja al comandante William T. Riker en la Tierra para asegurarse de que Phoenix's procede según lo planeado. Mientras que en el futuro Cochrane es visto como un héroe, el verdadero hombre construyó el Phoenix para obtener ganancias financieras y se resiste a ser la figura histórica que describe la tripulación.

Un grupo de Borg invade las cubiertas inferiores de Enterprise', asimilando a la tripulación y modificando el barco. Picard y un equipo intentan comunicarse con ingeniería para desactivar a los Borg con un gas corrosivo, pero se ven obligados a retroceder; los datos de Android se capturan en el cuerpo a cuerpo. Una asustada Lily acorrala a Picard con un arma, pero él se gana su confianza. Los dos escapan del área de la nave infestada de Borg creando una distracción en la holocubierta. Picard, Worf y el navegante de la nave, el teniente Hawk, viajan fuera de la nave en trajes espaciales para evitar que los Borg llamen refuerzos usando el deflector de navegación, pero Hawk es asimilado en el proceso. A medida que los Borg continúan asimilando más cubiertas, Worf sugiere destruir la nave, pero Picard enojado lo llama cobarde. Lily se enfrenta al capitán y le hace darse cuenta de que está actuando de manera irracional debido a su propio pasado con los Borg. Picard ordena la activación de la autodestrucción de la nave y luego ordena a la tripulación que se dirija a las cápsulas de escape mientras él se queda atrás para rescatar a Data.

Mientras Cochrane, Riker y el ingeniero Geordi La Forge se preparan para activar el motor warp en Phoenix, Picard descubre que la Reina Borg ha injertado piel humana en Data, dándole la sensación de tacto que tiene. deseado durante mucho tiempo para poder obtener los códigos de encriptación del androide en la computadora Enterprise.

Aunque Picard se ofrece a sí mismo a los Borg a cambio de la libertad de Data y voluntariamente se convierte nuevamente en Locutus, Data se niega a irse. Desactiva la autodestrucción y dispara torpedos a Phoenix. En el último momento, los torpedos fallan y la Reina se da cuenta de que Data la traicionó. El androide rompe un tanque de refrigerante y el vapor corrosivo se come los componentes biológicos de los Borg. Con la amenaza Borg neutralizada, Cochrane completa su vuelo warp. Al día siguiente, la tripulación observa desde la distancia cómo una nave vulcaniana alienígena, atraída por la prueba warp Phoenix, aterriza en la Tierra. Cochrane saluda a los extraterrestres. Habiendo asegurado la corrección de la línea de tiempo, Picard se despide de Lily y el equipo de Enterprise se escabulle y regresa al siglo XXIV.

Reparto

First Contact es la primera película de la serie de películas Star Trek en la que no aparece ninguno de los personajes principales de The Original Series. Más bien, el elenco principal de Star Trek: The Next Generation interpreta a los siguientes personajes:

• Patrick Stewart como Jean-Luc Picard, el capitán de la USS Enterprise-E que es perseguido por su tiempo como miembro de los Borg. Stewart fue uno de los pocos miembros del reparto que tuvo un papel importante en el desarrollo del guión, ofreciendo sugerencias y comentarios. El personaje de Picard fue cambiado de "el personaje más árido [los espectadores han] visto antes", a un tipo de héroe de acción. Stewart señaló que Picard estaba más activo físicamente en la película en comparación con su representación habitual.
• Jonathan Frakes como William T. Riker, el primer oficial del barco que dirige el equipo de la Tierra. Frakes dijo que no tenía mucha dificultad para dirigir y actuar al mismo tiempo, habiendo hecho eso en la serie de televisión.
• Brent Spiner como Data, un android y el segundo oficial de la nave, que se esfuerza por ser humano. Los rumores previos a la liberación de la película sugieren que, dado que la piel de Data se había eliminado en gran medida al final de la historia, permitiría a otro actor asumir el papel.
• LeVar Burton como Geordi La Forge, el ingeniero jefe de la nave que ayuda a reparar Phoenix. La Forge nació ciego, y para la serie de televisión y la película anterior había usado un VISOR especial para ver. Burton se arrepintió durante muchos años para que la visera de su personaje fuera reemplazada para que la gente pudiera ver sus ojos, ya que el "filtro del aire" que llevaba impidió al público ver sus ojos y limitar su capacidad de actuación. Moore finalmente estuvo de acuerdo, dando al personaje implantes oculares que nunca fueron explicados en la película, más allá de mostrar que eran artificiales.
• Michael Dorn como Worf, el comandante del USS Defiant y el ex jefe de seguridad de Picard.
• Gates McFadden como Beverly Crusher, el médico del barco. En una entrevista antes del estreno de la película, McFadden dijo que consideraba a las mujeres finalmente a la par con los hombres en Star Trek"Hemos recorrido un largo camino desde que Majel Barrett estaba atrapado en la enfermería de la Capilla de la Enfermera en los años 60 y se había hecho para teñir su rubio de pelo."
• Marina Sirtis como Deanna Troi, consejero a bordo de la Enterprise. Sirtis perdió el trabajo en el programa de televisión, y fue muy consciente de que las expectativas y apuestas para Primer contacto "Teníamos miedo de que la gente pensara que no podíamos cortarlo sin el yeso original", dijo.
• Alfre Woodard como Lily Sloane, asistente de Cochrane. Cuando Frakes se mudó a Los Ángeles, Woodard fue una de las primeras personas que conoció. Durante una conversación en una barbacoa Woodard dijo que se convertiría en la madrina de Frakes, ya que no tenía uno. A través de esta relación, Frakes fue capaz de lanzar Woodard en la película; él consideró que era un golpe para conseguir una actriz nominada por el Premio de la Academia. Woodard consideró que Lily era el personaje más parecido a ella de todos los papeles que ha jugado.
• James Cromwell como Zefram Cochrane, el piloto y creador de la primera nave capaz de warp de la Tierra. El personaje de Zefram Cochrane había aparecido primero en La serie original episodio "Metamorosis", interpretado por Glenn Corbett. Cromwell's Cochrane es mucho más viejo y no tiene parecido a Corbett, que no molestaba a los escritores. Querían retratar a Cochrane como un personaje pasando por una transición importante; comienza como un borracho cínico y egoísta que es cambiado por los personajes que conoce durante el curso de la película. Aunque el personaje fue escrito con Cromwell en mente, Tom Hanks, un gran fan de Star Trek, fue considerado para el papel de Paramount, aunque el productor Rick Berman dijo, "Estoy seguro de que su nombre estaba flotado en alguna capacidad, pero nunca fue realmente sobre la mesa." Frakes comentó que habría sido un error echar a Hanks como Cochrane debido a que era tan conocido. Cromwell tenía una larga asociación anterior con Star Trek, habiendo jugado personajes en La próxima generación episodios "The Hunted" y "Birthright", así como un papel en Star Trek: Deep Space Nine. "[Cromwell] realmente entró y leyó por la parte", dijo Frakes. "Lo ha clavado". Cromwell describió su método de retratar a Cochrane como siempre jugando a sí mismo. Parte del interés del actor en la película fue su participación en el Centro de Estudio de Inteligencia Extraterrestre de Steven M. Greer, que ofrece formación para escenarios de primer contacto.
• Alice Krige como la Reina Borg, el controlador del colectivo cibernético. Casting for the part took time as the act needed to be sexy, dangerous, and mystery. Frakes castig Krige después de encontrar que ella tenía todas las cualidades mencionadas, y estar impresionada por su rendimiento en Ghost Story; la directora la considera la más sexy Star Trek villano de todos los tiempos. Krige sufrió una gran cantidad de incomodidad filmando su papel; su traje estaba demasiado apretado, causando ampollas, y los lentes de contacto de plata dolorosas que llevaba sólo podían mantenerse en cuatro minutos a la vez.

La película también presentó la voz del personaje de Borg, interpretado por Jeff Coopwood, pronunciando la frase memorable: "La resistencia es inútil", que también era la película's eslogan. La ominosa advertencia de los Borg fue: "Somos los Borg. Bajad vuestros escudos y entregad vuestros barcos. Agregaremos su distinción biológica y tecnológica a la nuestra. Su cultura se adaptará para servirnos. La resistencia es inútil."

Varios de los personajes recurrentes de The Next Generation'también aparecieron en la película.; Dwight Schultz repitió su papel del teniente Reginald Barclay y Patti Yasutake apareció brevemente como la enfermera Alyssa Ogawa. No se le pidió a Whoopi Goldberg que regresara como Guinan, un sabio cantinero cuyo mundo natal fue destruido por los Borg. Goldberg solo se enteró de la decisión a través de los periódicos. "¿Qué puedo decir? Quería hacerlo porque no creía que pudieras hacer nada con los Borg sin [mi personaje]”, dijo, “pero aparentemente puedes, así que no necesitan yo."

Michael Horton aparece como un oficial de seguridad estoico y ensangrentado de la Flota Estelar; su personaje recibiría el nombre de teniente Daniels en la próxima película de Star Trek. Neal McDonough interpreta al teniente Hawk, el timonel de Enterprise que ayuda en la defensa del barco hasta que es asimilado y asesinado. McDonough fue arrogante acerca de su papel como un 'camisa roja' desechable y dijo que, dado que uno de los personajes en la batalla del plato deflector tenía que morir, 'ese sería yo'.

El tercer borrador del guión agregó cameos de dos actores de la serie de televisión hermana Star Trek: Voyager, que estaba en su tercera temporada cuando se estrenó la película. Robert Picardo aparece como el holograma médico de emergencia de Enterprise'; Picardo interpretó al Doctor holográfico en Voyager. Ganó el cameo después de sugerir a los productores que Enterprise debería tener la misma tecnología que Voyager. La línea de Picardo 'Soy un médico, no un tope de puerta', es una alusión al personaje de la serie original de Star Trek, el Dr. Leonard McCoy. El compañero actor de Picardo en Voyager, Ethan Phillips, quien interpretó a Neelix, hizo cameos como el maître d'de un club nocturno. en la escena de la holocubierta. Phillips recordó que los productores querían que los fanáticos se quedaran con la duda de si él era la persona que interpretaba a Neelix o no, ya que no aparecía en los créditos; "Fue una especie de tontería de hacer." Durante la producción, hubo rumores incorrectos de que Avery Brooks volvería a interpretar su papel como el capitán de Star Trek: Deep Space Nine, Benjamin Sisko. Al igual que con muchas producciones de Star Trek, los nuevos personajes camisa roja descartables son eliminados en el transcurso de la trama.

Producción

Desarrollo

En diciembre de 1992, los ejecutivos de Paramount Pictures se acercaron al productor de Star Trek: The Next Generation Rick Berman y lo contrataron para crear dos películas con el elenco de la serie de televisión. Berman decidió desarrollar dos guiones simultáneamente y priorizar el más prometedor para la primera película. El esfuerzo de los escritores Brannon Braga y Ronald D. Moore fue elegido y desarrollado en Star Trek Generations. Dos meses después del lanzamiento de Generaciones, Paramount decidió producir el segundo largometraje para un lanzamiento de vacaciones de invierno de 1996. Paramount quería que Braga y Moore, que habían escrito el guión de Generaciones y una serie de episodios de Next Generation, escribieran el guión. Berman les dijo a Braga y Moore que quería que pensaran en hacer una historia sobre viajes en el tiempo. Mientras tanto, Braga y Moore querían usar los Borg. "Justo en el lugar, dijimos que quizás podamos hacer ambas cosas, los Borg y viajar en el tiempo", Moore recordó. No se había visto a los Borg con toda su fuerza desde el episodio de la cuarta temporada de La próxima generación, "Lo mejor de ambos mundos" y nunca había aparecido mucho en la serie debido a limitaciones presupuestarias y al temor de que perderían su factor de miedo. 'Los Borg eran muy queridos por los fans, y nos gustaban a nosotros,' dijo Moore. "Eran temibles. Eran imparables. Láminas perfectas para una historia destacada."

Al decidir combinar las ideas de dos historias, los escritores decidieron que el elemento del viaje en el tiempo podría desarrollarse mientras los Borg intentan evitar que la humanidad llegue al espacio y se convierta en una amenaza. "Nuestros objetivos en ese momento eran crear una historia que fuera maravillosa y un guión que pudiera [...] producirse dentro de los límites presupuestarios de una película de Star Trek", dijo Berman.. Una pregunta importante fue identificar el período de tiempo al que viajarían los Borg. La sugerencia de Berman fue el Renacimiento; los Borg intentarían evitar el amanecer de la civilización europea moderna. El primer borrador de la historia, titulado Star Trek: Renaissance, tenía a la tripulación del Enterprise rastreando a los Borg hasta su colmena en una mazmorra del castillo. La película habría presentado peleas de espadas junto con fásers en la Europa del siglo XV, mientras que Data se convirtió en el aprendiz de Leonardo da Vinci. Moore temía que se pusiera en riesgo de volverse cursi y exagerado, mientras que Stewart se negaba a usar mallas. Mientras tanto, Braga quería ver el "nacimiento de Star Trek", cuando los vulcanos y los humanos se conocieron por primera vez; "Eso, para mí, es lo que hizo que la historia del viaje en el tiempo fuera fresca", dijo.

Con la idea de la génesis de Star Trek'en mente, el centro historia se convirtió en la prueba warp drive de Cochrane y en el primer contacto de la humanidad. Basándose en pistas de episodios anteriores de Star Trek, Cochrane se colocó en la Montana de mediados del siglo XXI, donde los humanos se recuperan de una devastadora guerra mundial. En el primer guión con este escenario, los Borg atacan el laboratorio de Cochrane, dejando al científico en coma; Picard asume el lugar de Cochrane para continuar con la prueba warp y restaurar la historia. En este borrador, Picard tiene un interés amoroso por la fotógrafa local Ruby, mientras que Riker lidera la lucha contra los Borg en la Enterprise. Otro borrador incluía al omnipotente personaje Q de John de Lancie. Mirando los primeros guiones, el trío sabía que se necesitaba un trabajo serio. "Simplemente no tenía sentido [...] que Picard, el único tipo que tiene una historia con los Borg, nunca los conozca", " recordó Braga. Se intercambiaron los roles de Riker y Picard, y la historia del lado del planeta se acortó y se contó de manera diferente. Braga y Moore enfocaron el nuevo arco en el mismo Cochrane, haciendo que el futuro ideal de Star Trek viniera de un hombre imperfecto. La idea de Borg peleando entre trajes de época se fusionó en un "Dixon Hill" Secuencia de novela holográfica en la holocubierta. El segundo borrador, titulado Star Trek: Resurrection, se consideró lo suficientemente completo como para que el equipo de producción lo usara para planificar los gastos. La película recibió un presupuesto de 45 millones de dólares, "considerablemente más" que Generaciones' $35 millones de precio; esto permitió a la producción planificar una mayor cantidad de acción y efectos especiales.

Habiendo dirigido varios episodios de Star Trek: La próxima generación, Jonathan Frakes hizo su debut de director de cine con Primer contacto.

Braga y Moore tenían la intención de que la película fuera fácilmente accesible para cualquier cinéfilo y funcionara como una historia independiente, pero aún así satisficiera a los devotos fanáticos de Star Trek. Dado que gran parte del papel de Picard hacía referencia directa a su época como Borg en los episodios de The Next Generation "Lo mejor de ambos mundos", se agregó la secuencia del sueño de apertura. para explicar lo que le pasó en el programa. La pareja descartó una apertura que hubiera establecido lo que los personajes principales habían estado haciendo desde la última película a favor de establecer rápidamente la historia. Si bien los escritores intentaron preservar la idea de los Borg como un colectivo sin sentido en el borrador original, el director de Paramount, Jonathan Dolgen, sintió que el guión no era lo suficientemente dramático. Sugirió agregar un villano Borg individual con el que los personajes pudieran interactuar, lo que llevó a la creación de la Reina Borg.

El miembro del reparto Frakes fue elegido para dirigir. Frakes no había sido la primera opción para director; Según los informes, Ridley Scott y John McTiernan rechazaron el proyecto. Stewart conoció a un candidato potencial y concluyó que "no conocían Star Trek". Se decidió quedarse con alguien que entendiera la "gestalt de Star Trek", y se le asignó el trabajo a Frakes. Frakes se presentó a trabajar todos los días a las 6:30 a. m. Una de las principales preocupaciones durante la producción fue la seguridad: el guión de Generaciones se había filtrado en línea y se tomaron medidas más estrictas para evitar que sucediera algo similar. Algunas páginas del guión se distribuyeron en papel rojo para frustrar los intentos de fotocopias o faxes; "Tuvimos verdaderos problemas para leerlos," señaló Frakes.

Frakes había dirigido varios episodios de The Next Generation, Deep Space Nine y Voyager, pero First Contact fue su primer largometraje. Mientras que Frakes tuvo siete días de preparación seguidos de siete días de rodaje para un episodio de televisión determinado, el director tuvo un período de preparación de diez semanas antes de las doce semanas de rodaje y tuvo que acostumbrarse a rodar con una relación anamórfica de 2,35:1. del estándar de televisión 1.33:1. En preparación, vio Tiburón, Encuentros cercanos del tercer tipo, 2001: Una odisea del espacio y las obras de James Cameron y Ridley Scott.

A lo largo de múltiples revisiones de guiones, se consideraron varios títulos, incluidos Star Trek: Borg, Star Trek: Destinies, Star Trek: Future Generations y Star Trek: Generaciones II. El título planeado de Resurrection fue descartado cuando 20th Century Fox anunció el título de la cuarta película de Alien como Alien Resurrection; la película fue rebautizada como First Contact el 3 de mayo de 1996.

Diseño

El nuevo Soberano- clase Enterprise-E fue diseñado para ser más elegante que su predecesor. El barco fue el último elemento añadido a la escena anterior; el fondo de nebulosa generada por ordenador fue construido primero, con la nave estelar compuesta en más adelante.

First Contact fue la primera película de Star Trek que hizo un uso significativo de modelos de naves estelares generados por computadora, aunque todavía se usaban miniaturas físicas para las naves más importantes. Con la Enterprise-D destruida durante los eventos de Generaciones, la tarea de crear una nueva nave estelar recayó en el veterano diseñador de producción de Star Trek Herman Zimmerman. La única guía del guión sobre la apariencia de la nave era la línea 'la nueva Enterprise sale elegantemente de la nebulosa'. Trabajando con el ilustrador John Eaves, los diseñadores concibieron el nuevo Enterprise-E de clase Soberano como "más delgado, más elegante y lo suficientemente malo como para responder a cualquier amenaza Borg que pueda imagínense". Braga y Moore pretendían que fuera más musculoso y militar. Eaves analizó la estructura de iteraciones anteriores de Enterprise y diseñó una nave de guerra más aerodinámica y capaz que la Enterprise-D, reduciendo el área del cuello de la nave y alargando las góndolas. Eaves produjo de 30 a 40 bocetos antes de encontrar un diseño final que le gustara y comenzó a hacer cambios menores. Trabajando a partir de planos creados por Rick Sternbach de Paramount, la tienda de modelos en la casa de efectos Industrial Light & Magic (ILM) fabricó una miniatura de 3,2 m (10,5 pies) durante un período de cinco meses. Los patrones del casco se tallaron en madera, luego se fundieron y ensamblaron sobre una armadura de aluminio. Los paneles del modelo se pintaron en un esquema alternativo mate y brillante para agregar textura. El equipo tuvo múltiples dificultades para preparar la miniatura para la filmación; Aunque el taller de modelos originalmente quería ahorrar tiempo fundiendo ventanas con fibra de vidrio transparente, el material resultó pegajoso. En cambio, ILM cortó las ventanas con un láser. Se agregaron diapositivas de los decorados detrás de los marcos de las ventanas para que el interior pareciera más dimensional cuando la cámara pasaba junto al barco.

En películas anteriores, la gama de naves capitales de la Flota Estelar había estado representada predominantemente por la clase Constitución Enterprise y solo otras cinco clases de naves: la Miranda de Star Trek II: La ira de Khan, Excelsior y clase Oberth de Star Trek III: La búsqueda de Spock, y las clases Galaxy y Nebula de The Next Generation. El supervisor de ILM, John Knoll, insistió en que la batalla espacial de First Contact'demuestre la amplitud de Starfleet& #39;configuraciones de naves. "La Flota Estelar probablemente arrojaría todo lo que pudiera a los Borg, incluidas naves que nunca antes habíamos visto", razonó. “Y dado que pensamos que gran parte de la acción de fondo en la batalla espacial tendría que hacerse con naves generadas por computadora que debían construirse desde cero de todos modos, me di cuenta de que no había razón para no hacer algunos diseños nuevos. " Alex Jaeger fue nombrado director artístico de efectos visuales de la película y se le asignó la tarea de crear cuatro nuevas naves estelares. Paramount quería barcos que se vieran diferentes desde la distancia, por lo que el director ideó múltiples perfiles de casco. Knoll y Jaeger habían decidido que las naves tenían que obedecer a ciertos precedentes de naves de Star Trek, con un casco principal en forma de platillo y góndolas warp alargadas en pares. La clase Akira presentaba la sección de platillo tradicional y las góndolas combinadas con un doble casco estilo catamarán; la clase Norway se basó en el USS Voyager; la clase Saber era una nave más pequeña con góndolas saliendo de las puntas de su sección de platillo; y la clase Steamrunner presentaba góndolas gemelas saliendo del platillo y conectadas por una sección de ingeniería en la parte trasera. Cada diseño se modeló como un modelo de estructura de alambre digital tridimensional para usar en la película.

La película también requería varios diseños más pequeños que no pertenecían a la Flota Estelar. La nave warp Phoenix se concibió como si encajara dentro de un viejo misil nuclear, lo que significa que las góndolas de la nave tenían que plegarse en un espacio de menos de 10 pies (3 m). Eaves se aseguró de enfatizar el aspecto mecánico de la nave, para sugerir que era una tecnología altamente experimental y no probada. Las etiquetas de la cabina del Phoenix' provienen de los manuales del transbordador espacial McDonnell-Douglas. Eaves consideró que la nave Vulcan era "divertida" embarcación a diseñar. En Star Trek, solo se habían visto dos grandes naves vulcanianas, incluida una nave de mensajería de The Motion Picture. Dado que el formato de barco bimotor se había visto muchas veces, los artistas decidieron alejarse del diseño tradicional del barco, creando un diseño más artístico que funcional. El barco incorporó elementos de una estrella de mar y un cangrejo. Debido a restricciones presupuestarias, el barco completo se realizó como un diseño generado por computadora. Solo se fabricó un pie de aterrizaje en forma de boomerang para que los actores interactuaran.

Los decorados interiores de Enterprise eran en su mayoría diseños nuevos. El puente fue diseñado para tener un aspecto cómodo, con colores cálidos. Entre las nuevas adiciones se encontraba una pantalla de visualización holográfica más grande que funcionaría solo cuando se activara, dejando una pared plana cuando se deshabilitara. Se utilizaron nuevos monitores de computadora de pantalla plana para las pantallas, ocupando menos espacio y dando al puente una apariencia más limpia. Los nuevos monitores también permitieron la reproducción de video que podría simular la interacción con los actores. Los diseñadores crearon una habitación preparada más grande y menos espartana, conservando elementos de la serie de televisión; Zimmerman agregó un conjunto de modelos Enterprise tridimensionales dorados a una vitrina en la esquina. La sala de observación era similar al diseño del Enterprise-D; el plató en sí fue reutilizado del programa de televisión, el único plató de este tipo que no se golpeó después de la filmación de Generaciones, aunque se amplió y sufrió un cambio de color. La ingeniería se simuló con un gran set de tres pisos, pasillos, un vestíbulo y el núcleo warp más grande de la franquicia hasta la fecha. Para su estado corrupto Borg, la sección de ingeniería fue equipada con alcobas, conductos y 'mesas de asimilación' de Data's. donde es interrogado por la Reina. Se utilizaron algunos conjuntos existentes para ahorrar dinero; enfermería era una reparación de la misma ubicación de Voyager, mientras que las escenas del USS Defiant usaban Deep Space Nine's conjunto de pie. Algunos diseños de decorados se inspiraron en la serie de películas Alien, Star Wars y 2001: A Space Odyssey.

La escena del paseo espacial en el exterior de Enterprise fue uno de los escenarios más difíciles de imaginar y construir para la película. La producción tuvo que diseñar un traje espacial que pareciera práctico en lugar de exagerado. Se incorporaron ventiladores en los cascos para que los actores no se sobrecalentaran, y luces de neón en el frente para que se pudieran ver las caras de los ocupantes. Cuando los actores se pusieron los cascos por primera vez, el diseño totalmente cerrado dificultaba la respiración; después de un minuto de usar el traje, Stewart se enfermó y se interrumpió el rodaje. El escenario para el casco exterior del barco y el plato deflector se construyeron sobre cardanes en el escenario de sonido más grande de Paramount, rodeados por una pantalla azul y equipados con cables para las secuencias de gravedad cero. El escenario no era lo suficientemente grande para acomodar una réplica de tamaño completo del plato Enterprise, por lo que Zimmerman tuvo que reducir los planes en un 15 por ciento.

Disfraces y maquillaje

Los uniformes de la Flota Estelar fueron rediseñados para la película por el diseñador de vestuario de Star Trek Bob Blackman para dar una sensación más militarista, con hombros acolchados grises, torso/mangas/leggings negros y camisetas/puños a rayas de colores. Los nuevos uniformes de esta película se adoptaron más tarde en la quinta temporada de Star Trek: Deep Space Nine, comenzando con "Rapture" y durante el resto de la serie, pero la tripulación de Star Trek: Voyager continuó usando los viejos uniformes DS9, debido a que estaban atrapados en el Cuadrante Delta. Dado que Blackman también se encargaba del vestuario de la serie de televisión, la ropa de diseño que no era de la Flota Estelar se delegó a Deborah Everton, una recién llegada a Star Trek que fue responsable de más de 800 trajes durante la producción. Everton se encargó de actualizar los trajes de los Borg a algo nuevo, pero con reminiscencias de la serie de televisión. Los voluminosos trajes se hicieron más elegantes y se equiparon con luces de fibra óptica. El aspecto de viaje en el tiempo de la historia también requería trajes de época para mediados del siglo XXI y la década de 1940 'Dixon Hill'. recreación holodeck discoteca. Everton disfrutó diseñando el vestuario de Woodard porque el personaje pasó por muchos cambios durante el transcurso de la película, pasando de un chaleco y pantalones utilitarios en muchas tomas a un vestido glamoroso durante la escena de la holocubierta.

Me di cuenta, un día en el set, de que cuando un Borg se mudó a la mesa de café, quien estaba allí se retiraría lentamente. Así que los Borg no sólo estaban sufriendo, sino que estaban ostracizados. Todos se sienten incómodos en su presencia. Lo cual fue terriblemente interesante para mí, pero me sentí destrozada por mis secuaces.

—Alice Krige, sobre la reacción de la gente a los Borg

El Everton y los diseñadores de maquillaje Michael Westmore, Scott Wheeler y Jake Garber querían mejorar el aspecto blanco pálido que los Borg habían conservado desde The Next Generation'segunda temporada, nacida de la necesidad de un diseño televisivo consciente del presupuesto. "Quería que pareciera que estaban [asimilados o "Borgificados"] de adentro hacia afuera en lugar de afuera hacia adentro," Dijo Everton. Cada Borg tenía un diseño ligeramente diferente, y Westmore diseñaba uno nuevo cada día para que pareciera que había un ejército de Borg; en realidad, entre ocho y doce actores llenaron todos los papeles ya que el vestuario y el maquillaje eran muy caros de producir. Antecedentes Los Borg fueron simulados por maniquíes a medio terminar. Westmore razonó que, dado que los Borg habían viajado por la galaxia, habrían asimilado otras razas además de los humanos. En la serie de televisión, gran parte de los rostros de los Borg estaban cubiertos por cascos, pero para Primer contacto, el maquillador se quitó las cubiertas de la cabeza y diseñó versiones asimiladas de Star Trek extraterrestres como klingons, bolians, romulans, bajorans y cardassians. Cada dron recibió un ocular electrónico. Las luces parpadeantes en cada ojo fueron programadas por el hijo de Westmore para repetir el nombre de un miembro de la producción en código Morse.

El tiempo de maquillaje de los Borg se amplió de una sola hora necesaria para la televisión a cinco horas, además de los 30 minutos necesarios para ponerse el disfraz y los 90 minutos para quitarse el maquillaje al final del día. Mientras que Westmore estimó que una producción con todo el personal tendría alrededor de 50 maquilladores, First Contact tuvo que arreglárselas con menos de diez personas involucradas en la preparación y como máximo 20 artistas por día. A pesar de las largas horas, los equipos de Westmore comenzaron a ser más creativos con las prótesis, incluso cuando redujeron sus tiempos de preparación. "Estaban usando dos tubos, y luego estaban usando tres tubos, y luego estaban pegando tubos en los oídos y por la nariz," Westmore explicó. "Y estábamos usando un colorante de caramelo muy pegajoso, tal vez usando un poco, pero cuando llegamos al final de la película, teníamos las cosas goteando por el costado de [los Borg's ] caras, ¡parecía que estaban goteando aceite! Entonces, al final [de la película], son más feroces”.

La Reina Borg fue un desafío porque tenía que ser única entre los Borg pero aún así conservar las cualidades humanas; Westmore era consciente de evitar las comparaciones con películas como Alien. La apariencia final involucró una piel gris pálida y una cabeza ovalada alargada, con espirales de alambre en lugar de cabello. Krige recordó el primer día que se maquilló: "Vi a todos encogerse. Pensé, genial; ¡ellos hicieron esto y se han asustado a sí mismos! Frakes notó que la Reina terminó siendo seductora de una manera inquietante, a pesar de su mal comportamiento y apariencia. Zimmerman, Everton y Westmore combinaron sus esfuerzos para diseñar y crear las secciones Borgificadas de Enterprise para crear tensión y hacer que la audiencia sienta que "[se les está dando de comer] a los Borg".

Filmación

La fotografía principal tomó un ritmo más pausado que en The Next Generation debido a una agenda menos agitada; solo se tuvieron que filmar cuatro páginas de guión cada día, a diferencia de las ocho de la serie de televisión. First Contact vio la introducción del director de fotografía Matthew F. Leonetti a la franquicia Star Trek; Frakes lo contrató por admiración por algunos de sus trabajos anteriores en películas como Poltergeist y Strange Days. Leonetti no estaba familiarizado con los mitos de Star Trek cuando Frakes se acercó a él; Para prepararse para la asignación, estudió las cuatro películas anteriores de la franquicia, cada una con un director de fotografía diferente: The Voyage Home (Donald Peterman), The Final Frontier (Andrew Laszlo), El país desconocido (Hiro Narita) y Generaciones (John Alonzo). El camarógrafo también pasó varios días en los sets de Voyager y Deep Space Nine para observar la filmación.

Leonetti ideó múltiples métodos de iluminación para los interiores de la Enterprise para las operaciones estándar de los barcos, "Alerta roja" estado y energía de emergencia. Razonó que, dado que una entidad extranjera se estaba haciendo cargo del barco, requería una iluminación y un encuadre más dramáticos. Si bien gran parte del metraje se filmó a distancias focales de 50 a 70 mm con lentes anamórficos, se usaron lentes esféricos de 14 mm para las tomas a vista de Borg. Leonetti prefirió fotografiar con lentes largos para brindar una sensación más claustrofóbica, pero se aseguró de que la longitud no aplanara la imagen. Se usaron cámaras de mano para las secuencias de batalla para que los espectadores entraran en acción y la cámara pudiera seguir los movimientos de los actores. Las escenas de Borg fueron recibidas positivamente por el público de prueba, por lo que una vez que se completó el resto de la película, se agregó una escena de asimilación de Borg del equipo de Enterprise usando parte del dinero restante en el presupuesto. para agregar acción.

Una cápsula de fibra de vidrio fue equipada sobre este misil descompuesto para convertirlo en Cochrane Phoenix.

Dado que había que crear tantos escenarios nuevos, la producción comenzó a filmar con fotografía de locaciones. Se pasaron cuatro días en el Museo de Misiles Titán, al sur de Tucson, Arizona: el misil nuclear desarmado se equipó con una cápsula de fibra de vidrio para sustituir al Phoenix's booster y módulo de comando. El viejo silo de misiles proporcionó un conjunto grande que el presupuesto hubiera prohibido construir desde cero, pero el pequeño tamaño creó dificultades. Cada movimiento de la cámara se planeó con anticipación para trabajar alrededor de las áreas donde se agregaría la iluminación, y los electricistas y los manipuladores se pusieron arneses de escalada para moverse por el eje y colocar las luces. Para dar mayor dimensión al cohete y darle al misil una apariencia futurista, Leonetti optó por compensar la superficie metálica del misil con colores complementarios. El uso de geles de diferentes colores hizo que el cohete pareciera más largo de lo que realmente era; para completar el efecto, disparos desde el morro del Phoenix'hacia abajo y desde los motores up fueron filmados con una lente de 30 mm para alargar el misil.

Después de completar las tomas de Phoenix, el equipo pasó a dos semanas de filmación nocturna en el Bosque Nacional Ángeles. Zimmerman creó un pueblo de catorce chozas para reemplazar a Montana; el elenco disfrutó de las escenas como una oportunidad para escapar de sus uniformes y usar ropa "normal" ropa. La última sesión fue en un restaurante art deco en Los Ángeles' Union Station, que sustituyó a la holonovela de Dixon Hill; Frakes quería un marcado contraste con las escenas oscuras y mecánicas de los Borg. Mientras que el director de fotografía quería filmar la escena en blanco y negro, los ejecutivos de Paramount consideraron que el metraje de prueba era 'demasiado experimental'. y se abandonó la idea. El sitio hizo que el uso de luces de alto voltaje fuera poco práctico, por lo que Leonetti optó por usar luces maestras más tenues cerca del techo y aprovechó una ventana grande para iluminar las luces difusas. Para darle a la escena una sensación de blanco y negro, Leonetti se aseguró de usar luz sin coloración. "Me gusta crear separación con iluminación en lugar de usar color," él explicó. "No siempre puedes confiar en el color porque el actor podría comenzar a desvanecerse en el fondo". Al separar las luces de fondo, Leonetti se aseguró de que los actores principales sobresalieran del fondo. El rodaje utilizó una orquesta de diez piezas, 15 especialistas y 120 extras para llenar los asientos. Entre los clientes del club nocturno se encontraban Braga, Moore y el coordinador de dobles de la película, Ronnie Rondell.

Una vez finalizada la filmación en exteriores, el 3 de mayo comenzó la filmación en el nuevo plató de Ingeniería. El plató duró menos de un día en su estado impecable antes de ser 'Borgificado'. La filmación luego procedió al puente. Durante las escenas de operación normal, Leonetti eligió proyectar una iluminación cruzada sobre los protagonistas; para ello fue necesario desmontar el techo del plató y colocar rejillas de iluminación en los laterales. Estas luces se dirigieron luego hacia los actores' caras en ángulos de 90 grados. El set estaba revestido con paneles de ventanas respaldados por luces rojas, que parpadeaban de manera intermitente durante el estado de alerta roja. Estas luces se complementaron con lo que Leonetti llamó "luz interactiva"; estas eran luces de gel rojo fuera del escenario que arrojaban destellos sobre el escenario del puente y las cabezas del equipo. Para la intrusión Borg, la iluminación se originó únicamente en los paneles de instrumentos y las pantallas de alerta roja. La luz de relleno en estas escenas se redujo para que el elenco pasara a través de puntos oscuros en el puente y los interiores fuera del alcance limitado de estas fuentes. Se utilizaron pequeñas luces de 30 y 50 vatios para arrojar rayos de luz localizados sobre los decorados.

Luego vinieron las secuencias de acción y la batalla por Enterprise, una fase que los cineastas llamaron "Borg Hell". Frakes dirigió las escenas de Borg de forma similar a una película de terror, creando el mayor suspenso posible. Para equilibrar estos elementos, agregó más elementos cómicos a las escenas de la Tierra, con la intención de aliviar momentáneamente la tensión de la audiencia antes de volver a construirla. Leonetti reconfiguró la iluminación para reflejar la toma de control de los interiores del barco. "Cuando la nave se borgifica, todo cambia a una apariencia robótica más cuadrada con bordes afilados pero imágenes redondeadas", él explicó. Para dar más forma a las paredes del corredor, Leonetti las iluminó desde abajo. Dado que los pasillos eran muy pequeños y los techos serían visibles en muchas de las tomas, se prestó especial atención a ocultar las lámparas.

Estábamos en un círculo, que no tiene geografía. Teníamos a nuestros tres héroes [Picard, Worf y Hawk] en trajes espaciales, que parecen idénticos para que no pudieras decir quién era hasta que te metiste muy cerca. Pero en el momento en que te acercas, derrotas todo el propósito de estar en el exterior de la nave, para que puedas ver las células y las estrellas y la Tierra temblando en el fondo. Fue una pesadilla de rodaje y edición.

—Jonathan Frakes en la dificultad de la escena de la caminata espacial.

Para las escenas de la caminata espacial de acción real, el supervisor de efectos visuales Ronald B. Moore pasó dos semanas de fotografía con pantalla azul en el plató del deflector. Frakes consideró que filmar la escena fue la más tediosa de la película debido a la cantidad de preparación que requirió para el rodaje de cada día. Dado que el resto de Enterprise-E, así como el telón de fondo de la Tierra, se agregarían más adelante en la posproducción, se volvió confuso coordinar las tomas. Moore usó una computadora portátil con reproducciones digitales del set para orientar al equipo y ayudar a Frakes a comprender cómo se vería la toma final. Un actor con un solo brazo interpretó a los Borg cuyo brazo Worf corta para representar con precisión el efecto deseado, y los actores & # 39; los zapatos estaban equipados con pesas de plomo para recordar a los actores que debían moverse lentamente como si realmente usaran botas de gravedad. McDonough recordó que se unió a Stewart y Dorn para preguntarles si podían hacer las tomas sin los pesos de 4,5 a 6,8 kg (10 a 15 libras), ya que "nos contrataron porque somos actores", pero la producción insistió en usarlos.

La última escena filmada fue la primera de la película, la pesadilla Borg de Picard. Una toma de cámara comienza dentro del iris del globo ocular de Picard y retrocede para revelar al capitán a bordo de una enorme nave Borg. El disparo continúa retirándose y revelando el exterior de una nave Borg. La escena se inspiró en una producción de la ciudad de Nueva York de Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet en la que el escenario rodeaba al público, dando una sensación de realismo. La toma se filmó como tres elementos separados fusionados con efectos digitales. El equipo usó una lente de 50 mm para facilitar que el equipo de efectos disolviera los primeros planos con los otros elementos. Comenzando desde el ojo de Stewart, la cámara retrocedió 25 pies (7,6 m), lo que requirió que la luz principal aumentara en intensidad hasta 1,000 candelas-pie para que hubiera suficiente profundidad para mantener el ojo nítido. La superficie del escenario resultó ser demasiado irregular para lograr el retroceso suave requerido por el equipo de efectos, que necesitaba un plano constante para combinar una versión generada por computadora del ojo de Picard con el retroceso. El riel de la plataforma rodante de 41 m (135 pies) se elevó del piso del escenario y se cubrió con capas de madera contrachapada de abedul de doble espesor, elegida por su acabado suave. El decorado completo de la escena tenía 100 pies (30 m) de ancho y 25 pies (7,6 m) de alto; Los espacios dejados por la plataforma rodante se completaron más tarde digitalmente. La fotografía principal terminó el 2 de julio de 1996, dos días más de lo previsto pero aún por debajo del presupuesto. El rodaje tomó un total de sesenta días.

Efectos

La mayoría de los efectos de First Contact'fueron manejados por Industrial Light & Magia bajo la supervisión de John Knoll. Las secuencias de efectos más pequeños, como disparos de faser, gráficos por computadora y efectos de transporte, se delegaron en un equipo dirigido por el supervisor de efectos visuales David Takemura. Acostumbrado a dirigir episodios para la serie de televisión, el artista de efectos Terry Frazee le recordaba con frecuencia a Frakes que "piense en grande, explote todo". La mayoría de las secuencias de efectos se planificaron utilizando animaciones generadas por computadora de baja resolución. Estos guiones gráficos animados en bruto establecieron la duración, la acción y la composición, lo que permitió a los productores y al director determinar cómo se desarrollarían las secuencias antes de filmarlas.

First Contact fue la última película que presentó un modelo físico de la Enterprise. Para la presentación dramática del barco, el equipo de efectos combinó tomas de control de movimiento del modelo Enterprise con un fondo generado por computadora. El supervisor de secuencia Dennis Turner, que había creado Generations' cinta de energía y se especializó en crear fenómenos, se encargó de crear el cúmulo de estrellas, siguiendo el modelo de la Nebulosa del Águila. Las columnas de la nebulosa y las áreas sólidas se modelaron con geometría de estructura alámbrica básica, y se aplicaron sombreadores de superficie para hacer que los bordes de la nebulosa brillaran. Se utilizó un renderizado de partículas que ILM había ideado para la anterior película de tornado Twister para crear una apariencia turbulenta dentro de la nebulosa. Una vez que se capturaron las tomas de la Enterprise, Turner insertó la nave en el fondo generado por computadora y modificó su posición hasta que las imágenes coincidieron.

El pase de belleza de apertura de la nueva Enterprise fue responsabilidad del director de fotografía de efectos visuales Marty Rosenberg, quien manejó todas las demás miniaturas, explosiones y algunos elementos de pantalla azul de acción en vivo. Rosenberg había filmado previamente algunos de los efectos Enterprise-D para Generaciones, pero tuvo que ajustar sus técnicas para el nuevo modelo; el director de fotografía usó una lente de 50 mm en lugar de la de 35 mm utilizada para Generaciones porque la lente más pequeña creó la nueva Enterprise'el plato aparece estirado. Knoll decidió fotografiar al modelo desde arriba y desde abajo tanto como fuera posible; las vistas laterales hacían que el barco pareciera demasiado plano y alargado. Rosenberg prefirió los pases de control de movimiento de los barcos a las versiones generadas por computadora, ya que era mucho más fácil capturar un alto nivel de detalle con modelos físicos en lugar de intentar recrearlo mediante gráficos de computadora.

Para la batalla Borg, Knoll insistió en tomar primeros planos que estuvieran cerca de la nave alienígena, lo que requería un modelo físico. ILM superpuso su modelo de 30 pulgadas (76 cm) con cinco pulgadas adicionales de latón grabado sobre una caja de luz de neón brillante para la iluminación interna. Para hacer que la nave Borg pareciera aún más grande de lo que era, Knoll se aseguró de que un borde estuviera frente a la cámara como la proa de un barco y que el Cubo rompiera los bordes del marco. Para darle al Cubo una mayor profundidad y textura, Rosenberg fotografió la embarcación con una luz más intensa. “Creé esta luz de fondo de tres cuartos realmente extraña, inclinada, proveniente del lado derecho o izquierdo, que equilibré con redes y un par de pequeñas luces. Quería que pareciera aterrador y misterioso, por lo que estaba iluminado como un punto, y siempre teníamos la cámara enfocada en él; nunca lo tuvimos directamente hacia nosotros," él dijo. Las pequeñas luces adheridas a la superficie del cubo ayudaron a crear interés visual y transmitir la escala; el modelo fue fotografiado deliberadamente con un ritmo lento y decidido para contrastar con las naves de la Federación que luchan contra los Borg. El impacto del armamento de la Federación en el Cubo Borg se simuló utilizando un modelo del Cubo de 60 pulgadas (150 cm). El modelo tenía áreas específicas que podían explotarse varias veces sin dañar la miniatura. Para la explosión final del Cubo, Rosenberg disparó diez miniaturas de Cubo de 30 pulgadas (76 cm) con pieles livianas llenas de explosivos. Los cubos estaban suspendidos de tuberías a sesenta pies por encima de la cámara en el suelo. Se colocó vidrio de seguridad sobre la lente para evitar daños, mientras que la cámara se cubrió con madera contrachapada para protegerla de los pedazos de plástico que llovían después de cada explosión. La esfera Borg más pequeña era un modelo de 30 cm (12 pulgadas) que se filmó por separado del Cubo y se agregó digitalmente en la posproducción. El vórtice del viaje en el tiempo que crea la Esfera se simuló con un efecto de reingreso de cohete; Bowshock se forma frente al barco, luego fluye hacia atrás a gran velocidad. La iluminación interactiva se reprodujo en el modelo Enterprise generado por computadora para cuando la nave queda atrapada en el vórtice del tiempo.

La Enterprise en miniatura se volvió a utilizar para la secuencia de la caminata espacial. Incluso en el modelo grande, era difícil hacer que la miniatura pareciera realista en primeros planos extremos. Para que la toma de retroceso funcionara, la cámara tenía que estar a menos de un octavo de pulgada del modelo. El pintor Kim Smith pasó varios días en un área diminuta del modelo para agregar suficientes detalles superficiales para el primer plano, pero incluso entonces el enfoque apenas fue adecuado. Para compensar, el equipo usó una lente de gran angular y disparó al mayor número de diafragmas posible. Luego se agregaron digitalmente las escenas de acción en vivo del equipo de caminata espacial. Las tomas amplias utilizaron imágenes de dobles fotográficos caminando a través de una gran pantalla azul colocada en el estacionamiento de ILM por la noche.

ILM se encargó de imaginar cómo sería la asimilación inmediata de un miembro de la tripulación de Enterprise. A Jaeger se le ocurrió un conjunto de cables que surgieron de los nudillos de Borg y se enterraron en el cuello del miembro de la tripulación. Tubos parecidos a gusanos atravesarían el cuerpo de la víctima y los dispositivos mecánicos romperían la piel. Toda la transformación se creó utilizando imágenes generadas por computadora. La geometría parecida a un gusano se animó sobre la cara del actor y luego se mezcló con la adición de una textura de piel sobre la animación. El cambio gradual en el tono de la piel se simuló con sombreadores.

Frakes consideró la entrada de la Reina Borg, cuando la cabeza, los hombros y la columna vertebral de acero bajan con cables y se unen a su cuerpo, como el "efecto visual característico de la película". La escena fue difícil de ejecutar, ILM tardó cinco meses en terminar. Jaeger ideó una plataforma que bajaría a la actriz en el set y aplicó una columna vertebral protésica sobre un traje azul para que ILM pudiera quitar la parte inferior del cuerpo de Krige. Esta estrategia permitió a los cineastas incorporar tantos elementos de acción en vivo como fuera posible sin recurrir a más efectos digitales. Para hacer que las prótesis aparecieran en el ángulo correcto cuando le quitaron la parte inferior del cuerpo, Krige extendió el cuello hacia adelante para que pareciera alineado con la columna. Knoll no quería que pareciera que la Reina estaba en una plataforma mecánica dura; "queríamos que tuviera el 'flotador'," él explicó. Usando pases de control de movimiento separados en el set, Knoll filmó la parte inferior del torso superior y la secuencia secundaria con todo el cuerpo de Krige. Se usó una versión digital del traje corporal Borg para la secuencia de descenso, momento en el cual la imagen se transformó de nuevo a la toma real del cuerpo de Krige. Las garras animadas del traje también se crearon digitalmente utilizando un modelo detallado. Como referencia a los animadores, la toma requería que Krige retratara de manera realista "el extraño dolor o la satisfacción de volver a conectar con su cuerpo".

Música

Jerry Goldsmith compuso la música de First Contact, su tercer largometraje de Star Trek. Escribió un título principal arrollador que comienza con la fanfarria de Star Trek de Alexander Courage. En lugar de componer un tema amenazante para subrayar a los Borg, Goldsmith escribió un tema pastoral relacionado con el esperanzador primer contacto de la humanidad. El tema usa un motivo de cuatro notas usado en la partitura de Star Trek V: The Final Frontier de Goldsmith, que se usa en First Contact como tema de amistad y general. enlace temático. Se utilizó una marcha amenazadora con toques de sintetizadores para representar a los Borg. Además de componer música nueva, Goldsmith usó música de sus partituras anteriores de Star Trek, incluido su tema de The Motion Picture. El tema klingon de la misma película se utiliza para representar a Worf.

Debido a los retrasos con El fantasma y la oscuridad de Paramount, el programa de producción de cuatro semanas, que ya era corto, se redujo a solo tres semanas. Si bien Berman estaba preocupado por la mudanza, Goldsmith contrató a su hijo, Joel, para que lo ayudara. El joven compositor proporcionó música adicional para la película, escribiendo tres pistas basadas en los motivos de su padre y un total de 22 minutos de música. Joel usó variaciones de la música Borg de su padre y el tema klingon mientras Worf pelea cuerpo a cuerpo (Joel dijo que él y su padre decidieron usar el tema para Worf por separado). Cuando los Borg invaden la enfermería y el holograma médico los distrae, Joel escribió lo que el crítico Jeff Bond denominó 'casi coplandesco'. material de afinación de cuerdas y clarinete, pero el taco no se utilizó. Mientras que Joel compuso muchas de las señales de acción de la película, su padre contribuyó a la caminata espacial y las secuencias de vuelo de Phoenix. Durante la pelea en el plato deflector, Goldsmith usó dispositivos electrónicos de registro bajo puntuados por punzadas de cuerdas violentas y disonantes.

En una ruptura con la tradición cinematográfica de Star Trek, la banda sonora incorporó dos canciones con licencia: "Ooby Dooby&#34 de Roy Orbison; y 'Magic Carpet Ride' de Steppenwolf. El presidente de GNP Crescendo, Neil Norman, explicó que la decisión de incluir las pistas fue controvertida, pero dijo que "Frakes hizo un trabajo increíble al integrar esas canciones en la historia de que teníamos que usarlas".

GNP lanzó la banda sonora de First Contact el 2 de diciembre de 1996. El álbum contenía 51 minutos de música, con 35 minutos de la partitura de Jerry Goldsmith, 10 minutos de música adicional de Joel Goldsmith, 'Ooby Dooby' y "Paseo en alfombra mágica". El disco compacto se envió con funciones de CD-ROM a las que solo se puede acceder si se reproduce en una computadora personal, incluidas entrevistas con Berman, Frakes y Goldsmith.

El 2 de abril de 2012, GNP Crescendo Records anunció un CD de colección de edición limitada con la partitura completa de Jerry Goldsmith (con música adicional de Joel Goldsmith), recientemente remasterizada por el ingeniero de grabación Bruce Botnick, con un acompañamiento Folleto de 16 páginas que incluye notas informativas de Jeff Bond y John Takis. El álbum ampliado [GNPD 8079] tiene una duración de 79 minutos e incluye tres pistas alternativas.

Temas

Frakes cree que los temas principales de First Contact (y de Star Trek en general) son la lealtad, la amistad, la honestidad y el respeto mutuo. Esto es evidente en la película cuando Picard elige rescatar a Data en lugar de evacuar el barco con el resto de la tripulación. La película hace una comparación directa entre el odio de Picard hacia los Borg y la negativa a destruir la Enterprise y el del Capitán Ahab en la novela Moby-Dick. El momento marca un punto de inflexión en la película cuando Picard cambia de opinión, simbolizado por dejar su fáser. Una referencia similar a Moby-Dick se hizo en Star Trek II: The Wrath of Khan y aunque Braga y Moore no querían repetirla, decidieron que funcionaba tan bien que no podía dejarlo fuera.

En Primer contacto, los Borg individualmente inescrutables y sin rostro cumplen el papel de la ballena igualmente ilegible en el trabajo de Melville. Picard, como Ahab, ha sido lastimado por su némesis, y la autora Elizabeth Hinds dijo que tiene sentido que Picard debería "optar por la alternativa perversa de permanecer a bordo del barco para luchar". los Borg en lugar de tomar la única opción sensata que quedaba, destruir la nave. Varias líneas de la película se refieren a que los habitantes del siglo XXI son primitivos, y que la gente del siglo XXIV evolucionó hacia una sociedad más utópica. Al final, es Lily (la mujer del siglo XXI) quien le muestra a Picard (el hombre del siglo XXIV) que su búsqueda de venganza es el comportamiento primitivo que los humanos habían evolucionado para no utilizar. Las palabras de Lily hacen que Picard reconsidere, y cita las palabras de venganza de Ahab, reconociendo el deseo de muerte incrustado en ellas.

La naturaleza de los Borg en Primer contacto ha sido objeto de debate crítico. La autora Joanna Zylinska señala que mientras que la humanidad tolera otras especies alienígenas en Star Trek, los Borg son vistos de manera diferente debido a sus alteraciones cibernéticas y la pérdida de libertad y autonomía. Los miembros de la tripulación que son asimilados al Colectivo son posteriormente vistos como "contaminados por la tecnología" y menos que humanos. Zylinska establece comparaciones entre la distinción tecnológica de la humanidad y la máquina en Star Trek y el trabajo de artistas como Stelarc. Oliver Marchart trazó paralelismos entre la combinación de Borg de muchos en un Uno artificial y el concepto de Leviatán de Thomas Hobbes. La naturaleza del peligroso primer contacto entre especies, representado en películas como Independence Day, Aliens y First Contact, es una unión de miedos clásicos de invasión nacional y la pérdida de la identidad personal.

Liberar

1996 marcó el 30 aniversario de la franquicia Star Trek. La franquicia estaba en terreno rocoso; Las calificaciones de Deep Space Nine y Voyager habían perdido millones de espectadores, siendo superadas por Hercules: The Legendary Journeys como la serie sindicada mejor calificada. Algunos fanáticos siguieron molestos Paramount canceló The Next Generation en el apogeo de su popularidad, y Generations fue un éxito comercial pero no fue elogiado por la crítica.

First Contact fue fuertemente comercializado, hasta un punto que no se había visto desde el lanzamiento de Star Trek: The Motion Picture en 1979. Se escribieron varias novelizaciones de la película para diferentes grupos de edad. Playmates Toys produjo figuras de acción de seis y nueve pulgadas además de modelos de barcos y un fáser. Dos "making of" los especiales de televisión se estrenaron en HBO y Sci-Fi Channel, además de ser promocionados durante un especial de televisión del 30 aniversario en UPN. El avance teatral de la película se incluyó en una compilación de música Best of Star Trek, lanzada al mismo tiempo que la banda sonora de First Contact. Simón &amperio; Schuster Interactive desarrolló un videojuego con temática Borg para computadoras personales Macintosh y Windows. El juego, Star Trek: Borg, funcionaba como una película interactiva con escenas filmadas al mismo tiempo que First Contact's producción. Spectrum HoloByte también anunció una adaptación de videojuego de la película, y habría tomado la forma de un juego de estrategia en tiempo real ambientado completamente en Enterprise durante la toma de control de Borg, aunque nunca se lanzó. Paramount comercializó mucho la película en Internet a través de un sitio web First Contact, que promedió 4,4 millones de visitas a la semana durante el estreno de la película, la mayor cantidad de tráfico jamás vista en una película. sitio.

La película se estrenó el 18 de noviembre de 1996 en el Teatro Chino de Mann en Hollywood, Los Ángeles. El elenco principal, excepto Spiner, estuvo presente, al igual que Moore, Braga, Jerry Goldsmith y el productor Marty Hornstein. Otros actores de Star Trek presentes fueron DeForest Kelley, René Auberjonois, Avery Brooks, Colm Meaney, Armin Shimerman, Terry Farrell, Kate Mulgrew, Roxann Dawson, Jennifer Lien, Robert Duncan McNeill, Ethan Phillips, Tim Russ, Garret Wang y Robert Picardo. Después de la proyección, 1.500 invitados cruzaron la calle hacia Hollywood Colonnade, donde los interiores habían sido decorados para que coincidieran con los escenarios de la película: el club nocturno holodeck, parte del puente, una "sala de estrellas", la colmena Borg y el "choque 'n' sala de quemados". La película recibió un estreno real en el Reino Unido, con la primera proyección a la que asistió Carlos, Príncipe de Gales.

Taquilla

First Contact se estrenó en 2812 salas de cine a partir del 22 de noviembre, recaudó 30,7 millones de dólares en su primera semana y la convirtió en la película más taquillera de Estados Unidos. La película fue eliminada del primer lugar la semana siguiente por 101 dálmatas, ganando 25,5 millones de dólares. La película recaudó $ 77 millones en sus primeras cuatro semanas, permaneciendo entre los diez primeros en taquilla durante ese tiempo. Cerró con un US & Canadá bruto de $ 92,027,888 y un bruto internacional de $ 54 millones para un total de $ 146 millones en todo el mundo.

First Contact se estrenó en Gran Bretaña el 13 de diciembre de 1996, en el número dos y fue la primera película de Star Trek que no alcanzó el número uno en ese mercado desde La Ira de Khan. Todavía fue un éxito de taquilla, ganando £ 8,735,340 para convertirse en la película más taquillera de la serie en ese territorio hasta el lanzamiento de la película de reinicio de Star Trek en 2009. La película fue la mejor actuación Star Trek en los mercados internacionales hasta la película Star Trek de 2009, y la mejor exhibición de Paramount en mercados como Nueva Zelanda, ganando $315,491 de 28 sitios por fin de año.

Respuesta crítica

First Contact obtuvo críticas positivas en el lanzamiento. El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación de "A−" en una escala de A a F. Ryan Gilbey de The Independent consideró que la película era inteligente al prescindir del elenco de The Original Series: "Por primera vez, un La película Star Trek en realidad parece algo más ambicioso que un programa de televisión extendido," el escribio. Por el contrario, el crítico Bob Thompson sintió que First Contact estaba más en el espíritu de la serie de televisión de la década de 1960 que cualquier entrega anterior. The Globe and Mail's Elizabeth Renzeti dijo que First Contact logró mejorar el "forzado" entrada anterior en la serie, y que presentaba un interés renovado en la narración. Kenneth Turan de Los Angeles Times escribió: "First Contact hace todo lo que te gustaría que hiciera una película de Star Trek, y lo hace con alegría y estilo." Adrian Martin de The Age señaló que la película estaba dirigida a complacer a los fanáticos: "Los extraños en este mundo fantástico delineado por primera vez por Gene Roddenberry tendrán que esforzarse para comprender lo mejor que puedan". 34; escribió, pero "los seguidores del culto estarán en el cielo". The New York Times' Janet Maslin dijo que la "película&#39 Su enrevesada trama sorprenderá a todos menos a los devotos incondicionales. de la serie, mientras que Joe Leydon de Variety escribió que la película no requería un conocimiento íntimo de la serie y que tanto los fanáticos como los no fanáticos disfrutarían de la película. Si bien Renzetti consideró que la falta de personajes antiguos de las siete películas anteriores era un cambio bienvenido, Maslin dijo que sin las estrellas originales, "a la serie ahora le falta [...] gran parte de su determinación anterior". Se ha transformado en algo menos inocente y más derivado de lo que solía ser, algo que es cada vez menos probable que disfruten los no cultistas." Por el contrario, Roger Ebert calificó a First Contact como una de las mejores películas de Star Trek, y James Berardinelli consideró que la película era el largometraje más entretenido de Star Trek en un década; "Ha revivido por sí solo la serie de películas Star Trek, al menos desde un punto de vista creativo," el escribio.

La actuación de la película tuvo una recepción mixta. Lisa Schwarzbaum de Entertainment Weekly valoró que las estrellas invitadas Woodard y Cromwell se usaran en un "contraste ingenioso" a sus imágenes más conocidas, como "actriz dramática seria" y "granjero bailarín en Babe", respectivamente. Lloyd Rose de The Washington Post sintió que mientras Woodard y Cromwell lograron 'cuidarse a sí mismos', Frakes' la dirección de otros actores no fue inspirada; Steve Persall del St. Petersburg Times opinó que solo Cromwell recibió un papel de elección en la película, "por lo que se roba el espectáculo por defecto". Un par de reseñas señalaron que las interacciones de Data con la Reina Borg estaban entre las partes más interesantes de la película; El crítico John Griffin reconoció que el trabajo de Spiner proporcionó un 'escalofrío ambivalente'. a la función. Adam Smith de la revista Empire escribió que algunos personajes, particularmente Troi y Crusher, se perdieron o fueron ignorados, y que el ritmo rápido de la película no dejaba tiempo para que aquellos que no estaban familiarizados con la serie supieran o preocuparse por los personajes. Asimismo, Emily Carlisle de la BBC elogió las actuaciones de Woodard, Spiner y Stewart, pero sintió que la película se centraba más en la acción que en la caracterización. Stewart, a quien Thompson y Renzetti consideraron eclipsado por William Shatner en la película anterior, recibió elogios de Richard Corliss de Time: "Como Patrick Stewart pronuncia [una] línea con una majestuosa ferocidad digna de un Ex alumno de la Royal Shakespeare Company, el público se queda boquiabierto ante un efecto especial más imponente que cualquier garabato digital de ILM. ¡Aquí hay actuación real! ¡En una película de Star Trek!"

Los efectos especiales fueron generalmente elogiados. Jay Carr de The Boston Globe dijo que First Contact actualizó con éxito el concepto del creador de Star Trek Gene Roddenberry con efectos y acción más elaborados. La evaluación de Thompson reflejó la de Carr; estuvo de acuerdo en que la película logró transmitir gran parte del programa de televisión original de la década de 1960 y contenía suficientes "maravillas de efectos especiales y disparos interestelares" para saciar a todo tipo de espectadores. Ebert escribió que, si bien las películas anteriores a menudo parecían 'torpes' en el departamento de efectos, First Contact se benefició de lo último en tecnología de efectos. Scott ofreció una opinión disidente, quien escribió que, aparte de las secuencias de efectos clave, Frakes "tiene como objetivo distraer a los Trekkers del resto claramente de aspecto barato".

Los críticos reaccionaron favorablemente a los Borg, describiéndolos como criaturas similares a Hellraiser. Renzetti les dio crédito por respirar "nueva vida" en la tripulación de la Enterprise al mismo tiempo que intentaba matarlos. La Reina Borg recibió especial atención por su combinación de horror y seducción; Ebert escribió que si bien la Reina "no parece tener ninguna noción de sexy de la que haya oído hablar", se inspiró para "mantener la mente abierta". Carr dijo: "Ella demuestra que las mujeres con piel azul transparente, muchos tubos externos y mala dentadura pueden ser elegantemente seductoras".

Reconocimientos

Medios domésticos

Star Trek: First Contact se lanzó por primera vez en VHS a fines de 1997 como uno de varios títulos que se esperaba impulsaran las bajas ventas en las tiendas de videos. También se lanzó una versión LaserDisc. First Contact fue uno de los primeros títulos anunciados para el sistema de alquiler alternativo de DVD Digital Video Express en 1998. Se lanzó con otros cinco títulos de prueba en los mercados selectos de Richmond y San Francisco.

Cuando Paramount anunció su primera lista de lanzamientos de DVD en agosto de 1998, First Contact fue uno de los primeros diez títulos lanzados en octubre, anunciado en un esfuerzo consciente por exhibir películas impulsadas por efectos. Esta versión contenía la función y dos avances, pero ninguna otra función especial. La película se presentó en su relación de aspecto anamórfico original de 2,35:1, con una mezcla de audio de sonido envolvente Dolby Digital 5.1.

Un Primer contacto "Edición especial para coleccionistas" El conjunto de dos discos se lanzó en 2005 al mismo tiempo que otras tres películas Next Generation y Star Trek: Enterprise'la cuarta temporada, marcando la primera vez que cada película y episodio de la franquicia estuvo disponible en video casero hasta ese momento. Además de la función, presentada con las mismas especificaciones técnicas que el lanzamiento anterior y una nueva banda sonora de DTS, el primer disco contiene un comentario del director de Frakes y una pista de Moore y Braga. Al igual que con otros lanzamientos de DVD de edición especial, el disco incluye una pista de texto de Michael y Denise Okuda que proporciona trivia de producción y datos relevantes sobre el universo de Star Trek. El segundo disco contiene seis largometrajes, guiones gráficos y avances.

Paramount anunció que las cuatro películas de Next Generation se estrenarían en Blu-ray de alta definición el 22 de septiembre de 2009. Además de los extras del DVD que regresan, nuevas características especiales para el Blu-ray la versión de First Contact incluye "Scene Deconstruction" largometrajes y un nuevo comentario del coproductor de Star Trek (2009) Damon Lindelof y el colaborador de TrekMovie.com Anthony Pascale.