Teoría musical
Teoría musical es el estudio de las prácticas y posibilidades de la música. The Oxford Companion to Music describe tres usos interrelacionados del término "teoría musical". El primero son los "rudimentos", que se necesitan para entender la notación musical (armaduras de clave, firmas de tiempo y notación rítmica); el segundo es el aprendizaje de los eruditos' puntos de vista sobre la música desde la antigüedad hasta el presente; el tercero es un subtema de la musicología que "busca definir procesos y principios generales en la música". El enfoque musicológico de la teoría difiere del análisis musical "en que toma como punto de partida no la obra o interpretación individual sino los materiales fundamentales a partir de los cuales se construye".
La teoría musical se ocupa con frecuencia de describir cómo los músicos y compositores hacen música, incluidos los sistemas de afinación y los métodos de composición, entre otros temas. Debido a la concepción en constante expansión de lo que constituye la música, una definición más inclusiva podría ser la consideración de cualquier fenómeno sonoro, incluido el silencio. Sin embargo, esta no es una pauta absoluta; por ejemplo, el estudio de la "música" en el currículo universitario de artes liberales Quadrivium, que era común en la Europa medieval, había un sistema abstracto de proporciones que se estudiaba cuidadosamente a distancia de la práctica musical real. Pero esta disciplina medieval se convirtió en la base de los sistemas de afinación en siglos posteriores y generalmente se incluye en la erudición moderna sobre la historia de la teoría musical.
La teoría musical como disciplina práctica abarca los métodos y conceptos que los compositores y otros músicos utilizan para crear e interpretar música. El desarrollo, la preservación y la transmisión de la teoría musical en este sentido se pueden encontrar en las tradiciones orales y escritas de creación de música, instrumentos musicales y otros artefactos. Por ejemplo, los instrumentos antiguos de sitios prehistóricos de todo el mundo revelan detalles sobre la música que produjeron y, potencialmente, algo de la teoría musical que podrían haber utilizado sus creadores. En las culturas antiguas y vivas de todo el mundo, las raíces profundas y largas de la teoría musical son visibles en los instrumentos, las tradiciones orales y la creación musical actual. Muchas culturas también han considerado la teoría musical de formas más formales, como tratados escritos y notación musical. Las tradiciones prácticas y académicas se superponen, ya que muchos tratados prácticos sobre música se ubican dentro de una tradición de otros tratados, que se citan regularmente al igual que los escritos académicos citan investigaciones anteriores.
En la academia moderna, la teoría musical es un subcampo de la musicología, el estudio más amplio de las culturas y la historia musicales. Etimológicamente, teoría musical, es un acto de contemplación de la música, del griego θεωρία, que significa mirar, mirar; una contemplación, especulación, teoría; una vista, un espectáculo. Como tal, a menudo se ocupa de aspectos musicales abstractos como la afinación y los sistemas tonales, las escalas, la consonancia y la disonancia y las relaciones rítmicas. Además, también hay un cuerpo de teoría sobre aspectos prácticos, como la creación o ejecución de música, orquestación, ornamentación, improvisación y producción de sonido electrónico. Una persona que investiga o enseña teoría musical es un teórico de la música. Se requieren estudios universitarios, generalmente hasta el nivel de maestría o doctorado, para enseñar como teórico musical titular en una universidad de EE. UU. o Canadá. Los métodos de análisis incluyen las matemáticas, el análisis gráfico y, especialmente, el análisis habilitado por la notación musical occidental. También se utilizan métodos comparativos, descriptivos, estadísticos y otros. Los libros de texto de teoría musical, especialmente en los Estados Unidos de América, a menudo incluyen elementos de acústica musical, consideraciones de notación musical y técnicas de composición tonal (armonía y contrapunto), entre otros temas.
Historia
Prehistoria
Los instrumentos prehistóricos conservados, los artefactos y las representaciones posteriores de la interpretación en obras de arte pueden dar pistas sobre la estructura de los sistemas de tonos en las culturas prehistóricas. Véase, por ejemplo, flautas paleolíticas, Gǔdí y flauta Anasazi.
Antigüedad
Mesopotamia
Varias tablillas de arcilla sumerias y acadias supervivientes incluyen información musical de naturaleza teórica, principalmente listas de intervalos y afinaciones. El erudito Sam Mirelman informa que el más antiguo de estos textos data de antes del 1500 a. C., un milenio antes que la evidencia sobreviviente de cualquier otra cultura de pensamiento musical comparable. Además, "Todos los textos mesopotámicos [sobre música] están unidos por el uso de una terminología para la música que, según la fecha aproximada de los textos, estuvo en uso durante más de 1.000 años."
China
Gran parte de la historia y la teoría de la música china sigue sin estar clara.
La teoría china parte de los números, siendo los principales números musicales el doce, el cinco y el ocho. Doce se refiere al número de tonos en los que se pueden construir las escalas. El Lüshi chunqiu de alrededor del 239 a. C. recuerda la leyenda de Ling Lun. Por orden del Emperador Amarillo, Ling Lun recolectó doce longitudes de bambú con nudos gruesos y uniformes. Soplando uno de ellos como si fuera una pipa, encontró su sonido agradable y lo llamó huangzhong, la "campana amarilla". Luego escuchó el canto de los fénix. El fénix masculino y femenino cantó cada uno seis tonos. Ling Lun cortó sus pipas de bambú para que coincidieran con los tonos de los fénix, produciendo doce tubos de tono en dos juegos: seis del fénix macho y seis de la hembra: estos fueron llamados lülü o más tarde shierlu.
Aparte de aspectos técnicos y estructurales, la antigua teoría de la música china también discute temas como la naturaleza y las funciones de la música. El Yueji ("Record of music", c1st and 2nd century BCE), por ejemplo, manifiesta teorías morales confucianas de entender la música en su contexto social. Estudiado e implementado por académicos confucianos [...], estas teorías ayudaron a formar un confucianismo musical que sobresale pero no borraron enfoques rivales. Estos incluyen la afirmación de Mozi (c. 468 – c. 376 BCE) de que la música desperdiciaba recursos humanos y materiales, y la afirmación de Laozi de que la música más grande no tenía sonidos. [...] Incluso la música de la qin zither, un género estrechamente afiliado con académicos confucianos, incluye muchas obras con referencias daoistas, como Tianfeng huanpei ("Heavenly Breeze and Sounds of Jade Pendants").
India
El Samaveda y el Yajurveda (c. 1200 - 1000 a. C.) se encuentran entre los primeros testimonios de la música india, pero no contienen una teoría propiamente dicha. El Natya Shastra, escrito entre el 200 a. C. y el 200 CE, trata sobre intervalos (Śrutis), escalas (Grāmas), consonancias y disonancias, clases de estructura melódica (Mūrchanās , modos?), tipos melódicos (Jātis), instrumentos, etc.
Grecia
Los primeros escritos griegos conservados sobre teoría musical incluyen dos tipos de obras:
- manuales técnicos que describen el sistema musical griego incluyendo notación, escalas, consonancia y disonancia, ritmo y tipos de composiciones musicales
- trata el modo en que la música revela patrones universales de orden que conducen a los más altos niveles de conocimiento y comprensión.
Se conocen varios nombres de teóricos anteriores a estos trabajos, incluidos Pitágoras (c. 570 - c. 495 a. C.), Filolao (c. 470 - c. 385 a. C.), Arquitas (428–347 a. C.) y otros.
Las obras del primer tipo (manuales técnicos) incluyen
- Anónimo (erróneamente atribuido a Euclides) División del Canon, KINGτατατομёανόνος, 4th-3rd century BCE.
- Theon of Smyrna, Sobre matemáticas útiles para el entendimiento de Platón, LESωv κατό μαθĆματκιν χρσσίμων είς τёν λλλ⋅νος δνσς, 115–140 CE.
- Nicomachus de Gerasa, Manual of Harmonics, ⋅ρμονικόν تγχειρίιν, 100–150 CE
- Cleonides, Introducción a la Armonía, Είσαγωγё δρμονικё, 2nd century CE.
- Gaudentius, Introducción armónica, יρμονικё είσαγωγσ, 3d o 4th century CE.
- Bacchius Geron, Introducción al arte de la música, Είσσαγωγё τ Conceptχνcadeς μοyouσικς, 4th century CE or later.
- Alypius, Introducción a la música, Είσαγωγё μοyouσικλ, 4th–5th century CE.
Más tratados filosóficos del segundo tipo incluyen
- Aristóxenus, Elementos armónicos, יρμονικλ στοχιεία, 375/360 – después 320 BCE.
- Aristóxenus, Elementos rítmicos, Ρyouθιικλ στοχεία.
- Claudio Ptolomeo, Armonía, неннνιικ, 127-148 CE.
- Porfirio, En la Armonía de Ptolemy, Είς τλεμίονικم λτολεμαίον Ёόμνpiraμα, 232/3–c. 305 CE.
Posclásico
China
El instrumento pipa trajo consigo una teoría de modos musicales que posteriormente condujo a la teoría Sui y Tang de 84 modos musicales.
Países árabes / Países persas
Los teóricos de la música árabe medieval incluyen:
- Abū Yūsuf Ya'qūb al-Kindi († Bagdad, 873 CE), que utiliza las doce primeras letras del alfabeto para describir los doce frets en cinco cuerdas del oud, produciendo una escala cromática de 25 grados.
- [Yaḥyā ibn] al-Munajjim (Baghdad, 856–912), autor de Risāla fī al-mūsīqī ("Contesta en la música", MS GB-Lbl Oriental 2361) que describe un ajuste pitagórico del oud y un sistema de ocho modos quizás inspirado en Ishaq al-Mawsili (767-850).
- Abū n-Nașr Muḥammad al-Fārābi (Persia, 872? – Damas, 950 o 951 CE), autor de Kitab al-Musiqa al-Kabir ("El Gran Libro de la Música").
- 'Ali ibn al-Husayn ul-Isfahānī (897–967), conocido como Abu al-Faraj al-Isfahani, autor de Kitāb al-Aghānī ("El Libro de las Canciones").
- Abū 'Alī al-Ḥusayn ibn CauseAbd-Allāh ibn Sīnā, conocido como Avicenna (c. 980 – 1037), cuya contribución a la teoría musical consiste principalmente en el capítulo 12 de la sección sobre matemáticas de su Kitab Al-Shifa ("El Libro de Sanación").
- al-Ḥasan ibn Aḥmad ibn 'Ali al-Kātib, autor de Kamāl adab al Ghinā', copiado en 1225 (Istanbul, Topkapi Museum, Ms 1727).
- Safi al-Din al-Urmawi (1216-1294 CE), autor del Kitabu al-Adwār ("Nota de ciclos musicales") y ar-Risālah aš-Šarafiyah ("Epistle to Šaraf").
- Mubārak Šāh, comentarista de Safi al-Din Kitāb al-Adwār (Museo Británico, Sra. 823).
- Anón. LXI, comentario anónimo sobre Safi al-Din Kitāb al-Adwār.
- Shams al-dῑn al-Saydᾱww Al-Dhahabῑ (14th century CE (?)), music theorist. Autor de Urjῡza fi'l-mῡq ("Un poema didáctico sobre la música").
Europa
El tratado latino De Institutione musica del filósofo romano Boecio (escrito c. 500, traducido como Fundamentos de la música) fue una piedra de toque para otros escritos sobre música en la época medieval. Europa. Boecio representó la autoridad clásica en música durante la Edad Media, ya que los escritos griegos en los que basó su trabajo no fueron leídos ni traducidos por los europeos posteriores hasta el siglo XV. Este tratado mantiene cuidadosamente la distancia de la práctica real de la música, centrándose principalmente en las proporciones matemáticas involucradas en los sistemas de afinación y en el carácter moral de modos particulares. Varios siglos después, comenzaron a aparecer tratados que trataban de la composición real de piezas musicales en la tradición del canto llano. A finales del siglo IX, Hucbald trabajó hacia una notación de tono más precisa para los neumas utilizados para grabar el canto llano.
Guido d'Arezzo' escribió en 1028 una carta a Miguel de Pomposa, titulada Epistola de ignoto cantu, en la que introdujo la práctica del uso de sílabas para describir notas e intervalos. Esta fue la fuente de la solmización hexacordal que se utilizaría hasta finales de la Edad Media. Guido también escribió sobre las cualidades emocionales de los modos, la estructura sintagmática del canto llano, el significado temporal de los neumas, etc.; sus capítulos sobre polifonía "se acercan más a la descripción e ilustración de la música real que cualquier relato anterior" en la tradición occidental.
Durante el siglo XIII, surgió un nuevo sistema de ritmo llamado notación mensural a partir de un método anterior y más limitado de anotar ritmos en términos de patrones repetitivos fijos, los llamados modos rítmicos, que se desarrollaron en Francia alrededor de 1200. Un La primera forma de notación mensural se describió y codificó por primera vez en el tratado Ars cantus mensurabilis ("El arte del canto medido") de Franco de Colonia (c. 1280). La notación mensural usaba diferentes formas de notas para especificar diferentes duraciones, lo que permitía a los escribas capturar ritmos que variaban en lugar de repetir el mismo patrón fijo; es una notación proporcional, en el sentido de que el valor de cada nota es igual a dos o tres veces el valor más corto, o la mitad o un tercio del valor más largo. Esta misma notación, transformada a través de varias extensiones y mejoras durante el Renacimiento, constituye la base de la notación rítmica en la música clásica europea actual.
Moderno
Países de Oriente Medio y Asia Central
- Bᾱqiyᾱ Nᾱyinῑ (Uzbekistán, XVII CE), autor y teórico musical uzbeko. Autor de Zamzama e wahdat-i-mῡq ("El canto de la unidad en la música").
- Barón Francois Rodolphe d'Erlanger (Tunis, Túnez, 1910-1932 CE), músico francés. Autor de La musique arabe y Ta'rῑkh al-mῡsqqᾱ al-arabiyya wa-ususluha wa-tatatawwurwtuha ("Una historia de la música árabe, sus principios y su desarrollo")
D'Erlanger divulga que la escala de música árabe se deriva de la escala de música griega y que la música árabe está conectada a ciertas características de la cultura árabe, como la astrología.
Europa
- Renacimiento
- Barroco
- 1750–1900
- A medida que la influencia musical occidental se extendió por todo el mundo en la década de 1800, los músicos adoptaron la teoría occidental como un estándar internacional, pero otras tradiciones teóricas en las tradiciones textuales y orales permanecen en uso. Por ejemplo, las tradiciones musicales largas y ricas únicas de las culturas antiguas y actuales de África son principalmente orales, pero describen formas específicas, géneros, prácticas de rendimiento, afinaciones y otros aspectos de la teoría musical.
- La música sagrada del arpa utiliza un tipo diferente de escala y teoría en la práctica. La música se centra en el solfege "fa, sol, la" en la escala musical. Sagrado Harp también emplea una notación diferente que incluye "notas de forma", o notas que se conforman para corresponder a un cierto solfege síllable en la escala musical. La música Sagrado Harp y su teoría musical se originaron con el Reverendo Thomas Symmes en 1720, donde desarrolló un sistema para "singing by note" para ayudar a sus miembros de la iglesia con precisión de nota.
Contemporáneo
Fundamentos de la música
La música se compone de fenómenos auditivos; "teoría de la música" considera cómo esos fenómenos se aplican en la música. La teoría musical considera la melodía, el ritmo, el contrapunto, la armonía, la forma, los sistemas tonales, las escalas, la afinación, los intervalos, la consonancia, la disonancia, las proporciones de duración, la acústica de los sistemas de altura, la composición, la interpretación, la orquestación, la ornamentación, la improvisación, la producción de sonido electrónico, etc..
Presentación
El tono es el nivel bajo o alto de un tono, por ejemplo, la diferencia entre un do medio y un do más alto. La frecuencia de las ondas de sonido que producen un tono se puede medir con precisión, pero la percepción del tono es más compleja porque las notas individuales de fuentes naturales suelen ser una mezcla compleja de muchas frecuencias. En consecuencia, los teóricos suelen describir el tono como una sensación subjetiva en lugar de una medida objetiva del sonido.
A frecuencias específicas a menudo se les asignan nombres de letras. Hoy en día, la mayoría de las orquestas asignan el concierto A (el A sobre el C central en el piano) a la frecuencia de 440 Hz. Esta asignación es algo arbitraria; por ejemplo, en 1859 Francia, el mismo A se sintonizó a 435 Hz. Tales diferencias pueden tener un efecto notable en el timbre de los instrumentos y otros fenómenos. Por lo tanto, en la interpretación históricamente informada de música antigua, la afinación a menudo se ajusta para que coincida con la afinación utilizada en el período en que se escribió. Además, muchas culturas no intentan estandarizar el tono, a menudo considerando que se debe permitir que varíe según el género, el estilo, el estado de ánimo, etc.
La diferencia de tono entre dos notas se llama intervalo. El intervalo más básico es el unísono, que son simplemente dos notas del mismo tono. El intervalo de octava son dos tonos que son el doble o la mitad de la frecuencia uno del otro. Las características únicas de las octavas dieron origen al concepto de clase de tono: los tonos del mismo nombre de letra que ocurren en octavas diferentes pueden agruparse en una sola 'clase'. ignorando la diferencia de octava. Por ejemplo, una C alta y una C baja son miembros de la misma clase de tono, la clase que contiene todas las C's.
Los sistemas de afinación musical, o temperamentos, determinan el tamaño exacto de los intervalos. Los sistemas de afinación varían ampliamente dentro y entre las culturas del mundo. En la cultura occidental, ha habido durante mucho tiempo varios sistemas de afinación en competencia, todos con diferentes cualidades. Internacionalmente, el sistema conocido como temperamento igual es el más utilizado en la actualidad porque se considera el compromiso más satisfactorio que permite que los instrumentos de afinación fija (por ejemplo, el piano) suenen aceptablemente afinados en todas las teclas.
Escalas y modos
Las notas se pueden organizar en una variedad de escalas y modos. La teoría musical occidental generalmente divide la octava en una serie de doce tonos, llamada escala cromática, dentro de la cual el intervalo entre tonos adyacentes se llama medio paso o semitono. Seleccionar tonos de este conjunto de 12 y organizarlos en patrones de semitonos y tonos completos crea otras escalas.
Las escalas más comunes son la mayor de siete tonos, la menor armónica, la menor melódica y la menor natural. Otros ejemplos de escalas son la escala octatónica y la escala pentatónica o de cinco tonos, que es común en la música folclórica y el blues. Las culturas no occidentales a menudo usan escalas que no se corresponden con una división de octava de doce tonos igualmente dividida. Por ejemplo, los sistemas musicales clásicos otomanos, persas, indios y árabes a menudo utilizan múltiplos de cuartos de tono (la mitad del tamaño de un semitono, como su nombre lo indica), por ejemplo en 'neutral' segundos (tres cuartos de tono) o 'neutral' tercios (siete cuartos de tono): normalmente no usan el cuarto de tono como un intervalo directo.
En la notación occidental tradicional, la escala utilizada para una composición generalmente se indica mediante una armadura al principio para designar los tonos que componen esa escala. A medida que avanza la música, los tonos utilizados pueden cambiar e introducir una escala diferente. La música se puede transponer de una escala a otra para varios propósitos, a menudo para adaptarse al rango de un vocalista. Tal transposición aumenta o disminuye el rango de tono general, pero conserva las relaciones interválicas de la escala original. Por ejemplo, la transposición de la tonalidad de do mayor a re mayor eleva todos los tonos de la escala de do mayor por igual en un tono completo. Dado que las relaciones de intervalo permanecen sin cambios, el oyente puede pasar desapercibida la transposición, sin embargo, otras cualidades pueden cambiar notablemente porque la transposición cambia la relación del rango de tono general en comparación con el rango de los instrumentos o voces que interpretan la música. Esto a menudo afecta el sonido general de la música, además de tener implicaciones técnicas para los intérpretes.
La interrelación de las claves más utilizadas en la música tonal occidental se muestra convenientemente mediante el círculo de quintas. A veces también se diseñan firmas de clave únicas para una composición en particular. Durante el período barroco, las asociaciones emocionales con tonalidades específicas, conocidas como la doctrina de los afectos, fueron un tema importante en la teoría musical, pero los colores tonales únicos de las tonalidades que dieron origen a esa doctrina fueron borrados en gran medida con la adopción del temperamento igual. Sin embargo, muchos músicos continúan sintiendo que ciertas claves son más apropiadas para ciertas emociones que otras. La teoría de la música clásica india continúa asociando fuertemente las claves con los estados emocionales, las horas del día y otros conceptos extramusicales y, en particular, no emplea el temperamento igual.
Consonancia y disonancia
La consonancia y la disonancia son cualidades subjetivas de la sonoridad de los intervalos que varían ampliamente en diferentes culturas y edades. La consonancia (o concordia) es la cualidad de un intervalo o acorde que parece estable y completo en sí mismo. La disonancia (o discordia) es lo opuesto en el sentido de que se siente incompleto y "quiere" resuelve en un intervalo consonántico. Los intervalos disonantes parecen chocar. Los intervalos consonánticos parecen sonar cómodos juntos. Comúnmente, las cuartas, quintas y octavas perfectas y todas las terceras y sextas mayores y menores se consideran consonantes. Todos los demás son disonantes en mayor o menor grado.
El contexto y muchos otros aspectos pueden afectar la aparente disonancia y consonancia. Por ejemplo, en un preludio de Debussy, una segunda mayor puede sonar estable y consonante, mientras que el mismo intervalo puede sonar disonante en una fuga de Bach. En la era de la práctica común, la cuarta perfecta se considera disonante cuando no está respaldada por una tercera o quinta inferior. Desde principios del siglo XX, el concepto de Arnold Schoenberg de "emancipado" disonancia, en la que los intervalos tradicionalmente disonantes pueden tratarse como "superiores," consonancias más remotas, se ha vuelto más ampliamente aceptado.
Ritmo
El ritmo se produce por la disposición secuencial de sonidos y silencios en el tiempo. El medidor mide la música en grupos de pulsos regulares, llamados compases o compases. La signatura de compás o compás especifica cuántos tiempos hay en un compás y qué valor de la nota escrita se cuenta o se siente como un solo tiempo.
A través de un mayor estrés o variaciones en la duración o la articulación, se pueden acentuar tonos particulares. Existen convenciones en la mayoría de las tradiciones musicales para la acentuación regular y jerárquica de los tiempos para reforzar una métrica dada. Los ritmos sincopados contradicen esas convenciones al acentuar partes inesperadas del compás. Tocar ritmos simultáneos en más de un compás se llama polirritmia.
En los últimos años, el ritmo y la métrica se han convertido en un área importante de investigación entre los estudiosos de la música. Los más citados de estos académicos recientes son Maury Yeston, Fred Lerdahl y Ray Jackendoff, Jonathan Kramer y Justin London.
Melodía
Una melodía es un grupo de sonidos musicales en una sucesión o disposición agradable que normalmente se mueve hacia un clímax de tensión y luego se resuelve en un estado de reposo. Debido a que la melodía es un aspecto tan destacado en tanta música, su construcción y otras cualidades son un interés primordial de la teoría musical.
Los elementos básicos de la melodía son el tono, la duración, el ritmo y el tempo. Los tonos de una melodía generalmente se extraen de sistemas de tono como escalas o modos. La melodía puede consistir, en grado creciente, en la figura, motivo, semifrase, frase antecedente y consecuente, y punto u oración. El período puede considerarse la melodía completa, sin embargo, algunos ejemplos combinan dos períodos o usan otras combinaciones de constituyentes para crear melodías de forma más grande.
Acorde
Jugar(help·info) en sólo la intonaciónJugar(help·info) in Equal temperamentJugar(help·info) en 1/4-comma significa unoJugar(help·info) en el temperamento jovenJugar(help·info) en afinación pitagóricaUn acorde, en música, es cualquier conjunto armónico de tres o más notas que se escuchan como si sonaran simultáneamente. En realidad, no es necesario tocarlos juntos: los arpegios y los acordes rotos pueden, para muchos propósitos prácticos y teóricos, constituir acordes. Los acordes y las secuencias de acordes se utilizan con frecuencia en la música occidental, africana occidental y oceánica moderna, mientras que están ausentes en la música de muchas otras partes del mundo.
Los acordes que se encuentran con más frecuencia son las tríadas, llamadas así porque constan de tres notas distintas: se pueden agregar más notas para obtener acordes de séptima, acordes extendidos o acordes de tonos agregados. Los acordes más comunes son las tríadas mayor y menor y luego las tríadas aumentada y disminuida. Las descripciones mayor, menor, aumentada y disminuida a veces se denominan colectivamente calidad. Los acordes también se clasifican comúnmente por su nota raíz, por lo que, por ejemplo, el acorde C mayor puede describirse como una tríada de calidad mayor construida sobre la nota C. Los acordes también se pueden clasificar por inversión, el orden en que se apilan las notas.
Una serie de acordes se denomina progresión de acordes. Aunque, en principio, cualquier acorde puede ser seguido por cualquier otro acorde, se han aceptado ciertos patrones de acordes como clave fundamental en la armonía de la práctica común. Para describir esto, los acordes están numerados, utilizando números romanos (hacia arriba desde la nota clave), según su función diatónica. Las formas comunes de notar o representar acordes en la música occidental que no sean la notación de pentagrama convencional incluyen números romanos, bajos cifrados (muy utilizados en la era barroca), letras de acordes (a veces utilizadas en la musicología moderna) y varios sistemas de tablas de acordes que se encuentran típicamente en el hojas de plomo utilizadas en la música popular para diseñar la secuencia de acordes para que el músico pueda tocar acordes de acompañamiento o improvisar un solo.
Armonía
En música, la armonía es el uso de tonos simultáneos (tonos, notas) o acordes. El estudio de la armonía involucra acordes y su construcción y progresiones de acordes y los principios de conexión que los gobiernan. A menudo se dice que la armonía se refiere a la "vertical" aspecto de la música, a diferencia de la línea melódica, o el "horizontal" aspecto. El contrapunto, que se refiere al entrelazamiento de líneas melódicas, y la polifonía, que se refiere a la relación de voces separadas e independientes, a veces se distinguen de la armonía.
En la armonía popular y de jazz, los acordes se nombran por su raíz más varios términos y caracteres que indican sus cualidades. Por ejemplo, una partitura principal puede indicar acordes como do mayor, re menor y sol de séptima dominante. En muchos tipos de música, en particular la barroca, la romántica, la moderna y el jazz, los acordes suelen aumentarse con "tensiones". Una tensión es un miembro de acorde adicional que crea un intervalo relativamente disonante en relación con el bajo. Es parte de un acorde, pero no es uno de los tonos del acorde (1 3 5 7). Típicamente, en el período clásico de práctica común, un acorde disonante (acorde con tensión) "resuelve" a un acorde consonante. La armonización suele sonar agradable al oído cuando hay un equilibrio entre los sonidos consonantes y disonantes. En palabras simples, eso ocurre cuando hay un equilibrio entre "tiempo" y "relajado" momentos
Timbre
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Timbre, a veces llamado "color", o "color de tono," es el fenómeno principal que nos permite distinguir un instrumento de otro cuando ambos tocan al mismo tono y volumen, una cualidad de una voz o instrumento a menudo descrita en términos como brillante, sordo, estridente, etc. Tiene un interés considerable en la música teoría, especialmente porque es un componente de la música que aún no tiene una nomenclatura estandarizada. Se le ha llamado "... la categoría de papelera multidimensional del psicoacústico para todo lo que no se puede etiquetar como tono o volumen," pero puede describirse y analizarse con precisión mediante el análisis de Fourier y otros métodos porque resulta de la combinación de todas las frecuencias de sonido, envolventes de ataque y liberación, y otras cualidades que comprende un tono.
El timbre está determinado principalmente por dos cosas: (1) el equilibrio relativo de armónicos producidos por un instrumento determinado debido a su construcción (por ejemplo, forma, material) y (2) la envolvente del sonido (incluidos los cambios en la estructura de armónicos). tiempo extraordinario). El timbre varía mucho entre diferentes instrumentos, voces y, en menor medida, entre instrumentos del mismo tipo debido a variaciones en su construcción y, significativamente, en la técnica del intérprete. El timbre de la mayoría de los instrumentos se puede cambiar empleando diferentes técnicas mientras se toca. Por ejemplo, el timbre de una trompeta cambia cuando se inserta una sordina en la campana, el ejecutante cambia su embocadura o volumen.
Una voz puede cambiar su timbre por la forma en que el intérprete manipula su aparato vocal (por ejemplo, la forma de la cavidad vocal o la boca). La notación musical especifica con frecuencia la alteración del timbre por cambios en la técnica de sonido, el volumen, el acento y otros medios. Estos se indican de diversas formas mediante instrucciones simbólicas y verbales. Por ejemplo, la palabra dolce (dulcemente) indica una forma no específica, pero comúnmente entendida, suave y "dulce" timbre. Sul tasto indica a un músico de cuerdas que haga una reverencia cerca o sobre el diapasón para producir un sonido menos brillante. Cuivre instruye a un ejecutante de metales para que produzca un sonido forzado y estridentemente metálico. Los símbolos de acento como marcato (^) y las indicaciones dinámicas (pp) también pueden indicar cambios en el timbre.
Dinámica
En música, "dinámica" normalmente se refiere a variaciones de intensidad o volumen, que los físicos e ingenieros de audio pueden medir en decibelios o fonios. Sin embargo, en la notación musical, la dinámica no se trata como valores absolutos, sino como valores relativos. Debido a que generalmente se miden subjetivamente, existen factores además de la amplitud que afectan el desempeño o la percepción de la intensidad, como el timbre, el vibrato y la articulación.
Las indicaciones convencionales de dinámica son abreviaturas de palabras italianas como forte (f) para fuerte y piano (p) para suave. Estas dos notaciones básicas se modifican con indicaciones que incluyen mezzo piano (mp) para moderadamente suave (literalmente "medio suave") y mezzo forte (mf) para moderadamente fuerte, sforzando o sforzato (sfz) para un aumento o "empujado" ataque, o fortepiano (fp) para un ataque fuerte con una disminución repentina a un nivel suave. El rango completo de estas marcas generalmente varía desde un pianissississimo (pppp) casi inaudible hasta un fortissississimo lo más alto posible. i> (ffff).
Extremos mayores de pppppp y fffff y matices como p+ o più piano se encuentran a veces. También se utilizan otros sistemas de indicación de volumen tanto en notación como en análisis: dB (decibelios), escalas numéricas, notas de colores o de diferentes tamaños, palabras en idiomas distintos del italiano y símbolos como los que aumentan progresivamente el volumen (crescendo) o volumen decreciente (diminuendo o decrescendo), a menudo llamados "horquillas" cuando se indica con líneas divergentes o convergentes como se muestra en el gráfico anterior.
Articulación
La articulación es la forma en que el intérprete hace sonar las notas. Por ejemplo, staccato es el acortamiento de la duración en comparación con el valor de la nota escrita, legato ejecuta las notas en una secuencia suave sin separación. La articulación a menudo se describe en lugar de cuantificarse, por lo tanto, hay espacio para interpretar cómo ejecutar con precisión cada articulación.
Por ejemplo, staccato a menudo se denomina "separado" o "separado" en lugar de tener una cantidad definida o numerada por la cual reducir la duración anotada. Los violinistas usan una variedad de técnicas para ejecutar diferentes calidades de staccato. La forma en que un ejecutante decide ejecutar una determinada articulación generalmente se basa en el contexto de la pieza o frase, pero muchos símbolos de articulación y las instrucciones verbales dependen del instrumento y del período musical (por ejemplo, viola, viento, clásica, barroca, etc.).
Hay un conjunto de articulaciones que la mayoría de los instrumentos y voces realizan en común. Son, de largo a corto: legato (suave, conectado); tenuto (presionado o tocado hasta la duración completa); marcato (acentuado y separado); staccato ("separado", "separado"); martelé (muy acentuado o "martillado"). Muchos de estos se pueden combinar para crear ciertos "intermedios" articulaciones. Por ejemplo, portato es la combinación de tenuto y staccato. Algunos instrumentos tienen métodos únicos para producir sonidos, como spiccato para cuerdas frotadas, donde el arco rebota en la cuerda.
Textura
En música, la textura es cómo se combinan los materiales melódicos, rítmicos y armónicos en una composición, determinando así la calidad general del sonido en una pieza. La textura a menudo se describe en relación con la densidad, el grosor, el rango o el ancho entre los tonos más bajos y más altos, en términos relativos, y se distingue más específicamente según el número de voces o partes y la relación entre estas voces.. Por ejemplo, una textura gruesa contiene muchas "capas" de instrumentos Una de estas capas podría ser una sección de cuerdas u otro metal.
El grosor también se ve afectado por el número y la riqueza de los instrumentos que tocan la pieza. El grosor varía de ligero a grueso. Una pieza de textura ligera tendrá una puntuación ligera y escasa. Una pieza de textura gruesa o pesada se anotará para muchos instrumentos. La textura de una pieza puede verse afectada por el número y el carácter de las partes que se tocan a la vez, el timbre de los instrumentos o las voces que tocan estas partes y la armonía, el tempo y los ritmos utilizados. Los tipos categorizados por número y relación de partes se analizan y determinan mediante el etiquetado de elementos texturales primarios: melodía primaria, melodía secundaria, melodía paralela de apoyo, apoyo estático, apoyo armónico, apoyo rítmico y apoyo armónico y rítmico.
Los tipos comunes incluían textura monofónica (una sola voz melódica, como una pieza para soprano solista o flauta solista), textura bifónica (dos voces melódicas, como un dúo para fagot y flauta en el que el fagot toca una nota de zumbido y la flauta toca la melodía), textura polifónica y textura homofónica (acordes que acompañan una melodía).
Forma o estructura
El término forma musical (o arquitectura musical) se refiere a la estructura o plan general de una pieza musical y describe el diseño de una composición dividida en secciones. En la décima edición de The Oxford Companion to Music, Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un término medio exitoso entre los extremos opuestos de repetición y alteración sin alivio&. #34; Según Richard Middleton, la forma musical es "la forma o estructura de la obra". Lo describe a través de la diferencia: la distancia recorrida desde una repetición; siendo esta última la diferencia más pequeña. La diferencia es cuantitativa y cualitativa: hasta qué punto, y de qué tipo, diferentes. En muchos casos, la forma depende de la afirmación y reafirmación, la unidad y la variedad, y el contraste y la conexión.
Expresión
La expresión musical es el arte de tocar o cantar música con comunicación emocional. Los elementos de la música que comprenden la expresión incluyen indicaciones dinámicas, como forte o piano, fraseo, diferentes cualidades de timbre y articulación, color, intensidad, energía y entusiasmo. Todos estos dispositivos pueden ser incorporados por el ejecutante. Un artista tiene como objetivo provocar respuestas de sentimientos de simpatía en la audiencia y excitar, calmar o influir de otra manera en las respuestas físicas y emocionales de la audiencia. A veces se piensa que la expresión musical es producida por una combinación de otros parámetros y, a veces, se describe como una cualidad trascendente que es más que la suma de cantidades medibles como el tono o la duración.
La expresión en los instrumentos puede estar estrechamente relacionada con el papel de la respiración en el canto y la capacidad natural de la voz para expresar sentimientos, sentimientos y emociones profundas. Si estos pueden clasificarse de alguna manera es quizás el ámbito de los académicos, que ven la expresión como un elemento de la interpretación musical que encarna una emoción reconocible de manera constante, lo que idealmente provoca una respuesta emocional comprensiva en sus oyentes. El contenido emocional de la expresión musical es distinto del contenido emocional de sonidos específicos (p. ej., un 'bang' sorprendentemente fuerte) y de asociaciones aprendidas (p. ej., un himno nacional), pero rara vez puede separarse por completo de su contexto
Los componentes de la expresión musical continúan siendo objeto de extensas y no resueltas disputas.
Notación
La notación musical es la representación escrita o simbolizada de la música. Esto se logra con mayor frecuencia mediante el uso de símbolos gráficos comúnmente entendidos e instrucciones verbales escritas y sus abreviaturas. Hay muchos sistemas de notación musical de diferentes culturas y diferentes edades. La notación occidental tradicional evolucionó durante la Edad Media y sigue siendo un área de experimentación e innovación. En la década de 2000, los formatos de archivo de computadora también se han vuelto importantes. El lenguaje hablado y las señas con las manos también se utilizan para representar simbólicamente la música, principalmente en la enseñanza.
En la notación musical occidental estándar, los tonos se representan gráficamente mediante símbolos (notas) colocados en un pentagrama o pentagramas, el eje vertical correspondiente al tono y el eje horizontal correspondiente al tiempo. Tenga en cuenta que las formas de la cabeza, los tallos, las banderas, los lazos y los puntos se utilizan para indicar la duración. Los símbolos adicionales indican claves, dinámicas, acentos, silencios, etc. Las instrucciones verbales del director se utilizan a menudo para indicar el tempo, la técnica y otros aspectos.
En la música occidental, se utiliza una variedad de diferentes sistemas de notación musical. En la música clásica occidental, los directores usan partituras impresas que muestran todos los instrumentos. partes y los miembros de la orquesta leen partes con sus líneas musicales escritas. En los estilos populares de música, se puede anotar mucho menos de la música. Una banda de rock puede ingresar a una sesión de grabación con solo una tabla de acordes escrita a mano que indica la progresión de acordes de la canción usando nombres de acordes (por ejemplo, Do mayor, Re menor, G7, etc.). Todas las voces de acordes, ritmos y figuras de acompañamiento son improvisadas por los miembros de la banda.
Como disciplina académica
El estudio académico de la teoría musical en el siglo XX tiene varios subcampos diferentes, cada uno de los cuales adopta una perspectiva diferente sobre cuál es el fenómeno principal de interés y los métodos más útiles para la investigación.
Análisis
Jugar(help·info)El análisis musical es el intento de responder a la pregunta ¿cómo funciona esta música? El método empleado para responder a esta pregunta, y de hecho exactamente lo que significa la pregunta, difiere de un analista a otro, y de acuerdo con el propósito del análisis. Según Ian Bent, "el análisis, como una actividad por derecho propio, llegó a establecerse solo a fines del siglo XIX; su surgimiento como enfoque y método se remonta a la década de 1750. Sin embargo, existió como una herramienta académica, aunque auxiliar, desde la Edad Media en adelante." Adolf Bernhard Marx influyó en la formalización de conceptos sobre composición y comprensión musical hacia la segunda mitad del siglo XIX. El principio de análisis ha sido criticado de diversas formas, especialmente por compositores, como la afirmación de Edgard Varèse de que, "explicar por medio [del análisis] es descomponer, mutilar el espíritu de una obra"..
El análisis schenkeriano es un método de análisis musical de la música tonal basado en las teorías de Heinrich Schenker (1868–1935). El objetivo de un análisis Schenkeriano es interpretar la estructura subyacente de una obra tonal y ayudar a leer la partitura de acuerdo con esa estructura. Los principios básicos de la teoría pueden verse como una forma de definir la tonalidad en la música. Un análisis Schenkeriano de un pasaje de música muestra relaciones jerárquicas entre sus tonos y saca conclusiones sobre la estructura del pasaje a partir de esta jerarquía. El análisis hace uso de una forma simbólica especializada de notación musical que Schenker ideó para demostrar varias técnicas de elaboración. El concepto más fundamental de la teoría de la tonalidad de Schenker puede ser el de espacio tonal. Los intervalos entre las notas de la tríada tónica forman un espacio tonal que se llena de notas de paso y vecinas, produciendo nuevas tríadas y nuevos espacios tonales, abiertos a posteriores elaboraciones hasta la superficie de la obra (la partitura) es alcanzado.
Aunque el propio Schenker suele presentar sus análisis en sentido generativo, partiendo de la estructura fundamental (Ursatz) para llegar a la partitura, la práctica del análisis schenkeriano suele ser reduccionista, partiendo de la partitura y mostrando cómo se puede reducir a su estructura fundamental. El gráfico del Ursatz es arrítmico, como lo es un ejercicio de cantus firmus de contrapunto estricto. Incluso en los niveles intermedios de la reducción, la notación rítmica (cabezas de nota abiertas y cerradas, vigas y banderas) no muestra el ritmo sino las relaciones jerárquicas entre los eventos tonales. El análisis Schenkeriano es subjetivo. No hay ningún procedimiento mecánico involucrado y el análisis refleja las intuiciones musicales del analista. El análisis representa una forma de escuchar (y leer) una pieza musical.
La teoría transformacional es una rama de la teoría musical desarrollada por David Lewin en la década de 1980 y presentada formalmente en su obra de 1987, Intervalos musicales generalizados y transformaciones. La teoría, que modela las transformaciones musicales como elementos de un grupo matemático, se puede utilizar para analizar tanto la música tonal como la atonal. El objetivo de la teoría transformacional es cambiar el enfoque de los objetos musicales, como el "acorde de Do mayor" o "acorde de sol mayor"—a las relaciones entre objetos. Por lo tanto, en lugar de decir que un acorde de Do mayor es seguido por un Sol mayor, un teórico transformacional podría decir que el primer acorde ha sido "transformado" en el segundo por la "Operación dominante." (Simbólicamente, uno podría escribir "Dominante (do mayor) = sol mayor). ocurrir. De acuerdo con la descripción de Lewin de este cambio de énfasis, '[La actitud transformacional] no pide alguna medida observada de extensión entre 'puntos' cosificados; más bien pregunta: 'Si estoy en s y deseo llegar a t, ¿qué gesto característico debo realizar para llegar allí?' "
Percepción y cognición de la música
La psicología musical o la psicología de la música puede considerarse una rama tanto de la psicología como de la musicología. Su objetivo es explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musical, incluidos los procesos a través de los cuales la música se percibe, crea, responde e incorpora a la vida cotidiana. La psicología musical moderna es principalmente empírica; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de las interpretaciones de los datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con los participantes humanos. La psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluida la interpretación musical, la composición, la educación, la crítica y la terapia, así como las investigaciones de la aptitud, la habilidad, la inteligencia, la creatividad y el comportamiento social humanos.
La psicología musical puede arrojar luz sobre los aspectos no psicológicos de la musicología y la práctica musical. Por ejemplo, contribuye a la teoría de la música a través de investigaciones sobre la percepción y el modelado computacional de estructuras musicales como la melodía, la armonía, la tonalidad, el ritmo, la métrica y la forma. La investigación en historia de la música puede beneficiarse del estudio sistemático de la historia de la sintaxis musical o de los análisis psicológicos de compositores y composiciones en relación con las respuestas perceptuales, afectivas y sociales a su música. La etnomusicología puede beneficiarse de los enfoques psicológicos para el estudio de la cognición musical en diferentes culturas.
Género y técnica
Un género musical es una categoría convencional que identifica algunas piezas musicales como pertenecientes a una tradición compartida o un conjunto de convenciones. Debe distinguirse de forma musical y estilo musical, aunque en la práctica estos términos a veces se usan indistintamente.
La música se puede dividir en diferentes géneros de muchas maneras diferentes. La naturaleza artística de la música significa que estas clasificaciones suelen ser subjetivas y controvertidas, y algunos géneros pueden superponerse. Incluso existen diversas definiciones académicas del término géneroen sí mismo. En su libro Form in Tonal Music, Douglass M. Green distingue entre género y forma. Enumera el madrigal, el motete, la canzona, el ricercar y la danza como ejemplos de géneros del período renacentista. Para aclarar aún más el significado de género, Green escribe, "Beethoven's Op. 61 y Op. 61 de Mendelssohn. 64 son idénticos en género, ambos son conciertos para violín, pero diferentes en forma. Sin embargo, el Rondo para piano de Mozart, K. 511, y el Agnus Dei de su Misa, K. 317 son bastante diferentes en género pero resultan ser similares en forma." Algunos, como Peter van der Merwe, tratan los términos género y estilo como iguales, diciendo que género debe definirse como piezas musicales que procedían del mismo estilo o "lenguaje musical básico."
Otros, como Allan F. Moore, afirman que género y estilo son dos términos separados, y que las características secundarias, como el tema, también pueden diferenciar entre géneros. Un género o subgénero musical también puede definirse por las técnicas musicales, el estilo, el contexto cultural y el contenido y espíritu de los temas. El origen geográfico a veces se usa para identificar un género musical, aunque una sola categoría geográfica a menudo incluirá una amplia variedad de subgéneros. Timothy Laurie argumenta que "desde principios de la década de 1980, el género ha pasado de ser un subconjunto de los estudios de música popular a ser un marco casi omnipresente para constituir y evaluar objetos de investigación musical".
La técnica musical es la capacidad de los músicos instrumentales y vocales de ejercer un control óptimo de sus instrumentos o cuerdas vocales para producir efectos musicales precisos. Mejorar la técnica generalmente implica practicar ejercicios que mejoran la sensibilidad y la agilidad muscular. Para mejorar la técnica, los músicos suelen practicar patrones fundamentales de notas como las escalas natural, menor, mayor y cromática, tríadas menores y mayores, séptimas dominantes y disminuidas, patrones de fórmula y arpegios. Por ejemplo, las tríadas y las séptimas enseñan a tocar acordes con precisión y velocidad. Las escalas enseñan cómo moverse rápida y elegantemente de una nota a otra (generalmente por pasos). Los arpegios enseñan a tocar acordes rotos en intervalos más largos. Muchos de estos componentes de la música se encuentran en las composiciones, por ejemplo, una escala es un elemento muy común en las composiciones de la época clásica y romántica.
Heinrich Schenker argumentó que la técnica musical es la "característica más llamativa y distintiva" es repetición. Las obras conocidas como études (que significa "estudio") también se utilizan con frecuencia para mejorar la técnica.
Matemáticas
Los teóricos de la música a veces usan las matemáticas para comprender la música y, aunque la música no tiene una base axiomática en las matemáticas modernas, las matemáticas son "la base del sonido" y el sonido en sí mismo 'en sus aspectos musicales... exhibe una notable variedad de propiedades numéricas', simplemente porque la naturaleza en sí misma 'es sorprendentemente matemática'. El intento de estructurar y comunicar nuevas formas de componer y escuchar música ha dado lugar a aplicaciones musicales de la teoría de conjuntos, el álgebra abstracta y la teoría de números. Algunos compositores han incorporado la proporción áurea y los números de Fibonacci en su trabajo. Hay una larga historia de examinar las relaciones entre la música y las matemáticas. Aunque se sabe que los antiguos chinos, egipcios y mesopotámicos estudiaron los principios matemáticos del sonido, los pitagóricos (en particular Filolao y Arquitas) de la antigua Grecia fueron los primeros investigadores que investigaron la expresión de las escalas musicales en términos de proporciones numéricas.
En la era moderna, la teoría musical de conjuntos utiliza el lenguaje de la teoría matemática de conjuntos de manera elemental para organizar objetos musicales y describir sus relaciones. Para analizar la estructura de una pieza de música (típicamente atonal) utilizando la teoría de conjuntos musicales, generalmente se comienza con un conjunto de tonos, que podrían formar motivos o acordes. Al aplicar operaciones simples como la transposición y la inversión, se pueden descubrir estructuras profundas en la música. Las operaciones como la transposición y la inversión se denominan isometrías porque conservan los intervalos entre tonos en un conjunto. Ampliando los métodos de la teoría de conjuntos musicales, algunos teóricos han utilizado el álgebra abstracta para analizar la música. Por ejemplo, las clases de tono en una octava igualmente temperada forman un grupo abeliano con 12 elementos. Es posible describir la entonación justa en términos de un grupo abeliano libre.
Composición en serie y teoría de conjuntos
En teoría musical, el serialismo es un método o técnica de composición que utiliza una serie de valores para manipular diferentes elementos musicales. El serialismo comenzó principalmente con la técnica dodecafónica de Arnold Schoenberg, aunque sus contemporáneos también estaban trabajando para establecer el serialismo como un ejemplo de pensamiento post-tonal. La técnica dodecafónica ordena las doce notas de la escala cromática, formando una fila o serie y brindando una base unificadora para la melodía, la armonía, las progresiones estructurales y las variaciones de una composición. Otros tipos de serialismo también funcionan con conjuntos, colecciones de objetos, pero no necesariamente con series de orden fijo, y extienden la técnica a otras dimensiones musicales (a menudo llamadas "parámetros"), como duración, dinámica y timbre. La idea de serialismo también se aplica de diversas maneras en las artes visuales, el diseño y la arquitectura.
"Serialismo integral" o "serialismo total" es el uso de series para aspectos como la duración, la dinámica y el registro, así como el tono. Otros términos, utilizados especialmente en Europa para distinguir la música serial posterior a la Segunda Guerra Mundial de la música dodecafónica y sus extensiones estadounidenses, son "serialismo general" y "serialismo múltiple".
La teoría de conjuntos musicales proporciona conceptos para categorizar objetos musicales y describir sus relaciones. Muchas de las nociones fueron elaboradas por primera vez por Howard Hanson (1960) en relación con la música tonal, y luego desarrolladas principalmente en relación con la música atonal por teóricos como Allen Forte (1973), basándose en el trabajo en la teoría de los doce tonos de Milton Babbitt.. Los conceptos de la teoría de conjuntos son muy generales y se pueden aplicar a estilos tonales y atonales en cualquier sistema de afinación igualmente temperado y, hasta cierto punto, de manera más general que eso.
Una rama de la teoría musical de conjuntos se ocupa de conjuntos (conjuntos y permutaciones) de tonos y clases de tonos (teoría de conjuntos de clases de tono), que pueden estar ordenados o no, y pueden relacionarse mediante operaciones musicales como transposición, inversión, y complementación. Los métodos de la teoría de conjuntos musicales también se aplican a veces al análisis del ritmo.
Semiótica musical
La semiología musical (semiótica) es el estudio de los signos relacionados con la música en una variedad de niveles. Siguiendo a Roman Jakobson, Kofi Agawu adopta la idea de que la semiosis musical es introversiva o extroversiva, es decir, signos musicales dentro y fuera de un texto. "Temas," o varias convenciones musicales (como llamadas de cuerno, formas de baile y estilos), han sido tratadas sugerentemente por Agawu, entre otros. La noción de gesto está comenzando a jugar un papel importante en la investigación musicosemiótica.
- "Hay fuertes argumentos de que la música habita en un reino semiológico que, tanto en niveles ontogenéticos como filogenéticos, tiene prioridad de desarrollo sobre el lenguaje verbal".
Los escritores sobre semiología musical incluyen a Kofi Agawu (sobre teoría tópica, Heinrich Schenker, Robert Hatten (sobre tema, gesto), Raymond Monelle (sobre tema, significado musical), Jean-Jacques Nattiez (sobre análisis taxonómico introversivo y aplicaciones etnomusicológicas), Anthony Newcomb (sobre la narratividad) y Eero Tarasti (generalmente considerado el fundador de la semiótica musical).
Roland Barthes, él mismo semiótico y habilidoso pianista aficionado, escribió sobre música en Imagen-Música-Texto Las responsabilidades de la forma y Torre Eiffel, aunque no consideraba la música como un sistema semiótico.
Los signos, significados en la música, suceden esencialmente a través de las connotaciones de los sonidos, ya través de la construcción social, apropiación y amplificación de ciertos significados asociados a estas connotaciones. La obra de Philip Tagg (Ten Little Tunes, Fernando the Flute, Music's Meanings) ofrece una de las más completas y sistemáticas análisis de la relación entre estructuras y connotaciones musicales en la música occidental y especialmente popular, televisiva y cinematográfica. El trabajo de Leonard B. Meyer en Style and Music teoriza la relación entre ideologías y estructuras musicales y los fenómenos de cambio de estilo, y se centra en el romanticismo como caso de estudio.
Educación y carreras
La teoría musical en el sentido práctico ha sido parte de la educación en conservatorios y escuelas de música durante siglos, pero el estatus que tiene actualmente la teoría musical dentro de las instituciones académicas es relativamente reciente. En la década de 1970, pocas universidades tenían programas dedicados a la teoría musical, muchos teóricos de la música se habían formado como compositores o historiadores, y existía la creencia entre los teóricos de que la enseñanza de la teoría musical era inadecuada y que el tema no se reconocía adecuadamente como una disciplina académica. en su propio derecho. Un número creciente de académicos comenzó a promover la idea de que la teoría musical debería ser enseñada por teóricos, en lugar de compositores, intérpretes o historiadores de la música. Esto condujo a la fundación de la Society for Music Theory en los Estados Unidos en 1977. En Europa, la Société d'Analyse musicale francesa fue fundada en 1985. Llamó a la Primera Conferencia Europea de Música Análisis de 1989, que resultó en la fundación de la Société belge d'Analyse musicale en Bélgica y el Gruppo analisi e teoria musicale en Italia el mismo año, el Society for Music Analysis en el Reino Unido en 1991, la Vereniging voor Muziektheorie en los Países Bajos en 1999 y la Gesellschaft für Musiktheorie en Alemania en 2000. luego le siguieron la Russian Society for Music Theory en 2013, la Polish Society for Music Analysis en 2015 y la Sociedad de Análisis y Teoría Musical en España en 2020, y otras en construcción. Estas sociedades coordinan la publicación de estudios de teoría musical y apoyan el desarrollo profesional de los investigadores de teoría musical.
Como parte de su formación inicial, los teóricos de la música suelen completar un B.Mus o un B.A. en música (o un campo relacionado) y en muchos casos una maestría en teoría musical. Algunas personas solicitan directamente desde una licenciatura hasta un doctorado y, en estos casos, es posible que no reciban una maestría. formación académica tanto en música como fuera de ella (p. ej., un estudiante puede aplicar con un B.Mus y una Maestría en Composición Musical o Filosofía de la Música).
La mayoría de los teóricos de la música trabajan como instructores, disertantes o profesores en colegios, universidades o conservatorios. El mercado laboral para los puestos de profesor titular es muy competitivo: con un promedio de alrededor de 25 puestos de titular publicados por año en la última década, se producen entre 80 y 100 graduados de doctorado cada año (según la Encuesta de doctorados ganados) que compiten no solo entre sí por esos puestos, sino también con los solicitantes de empleo que recibieron doctorados en años anteriores y que todavía están buscando un trabajo permanente. Los solicitantes deben tener un doctorado completo o el título equivalente (o esperar recibir uno dentro de un año de haber sido contratados, llamado "ABD", para la etapa de "Todo menos disertación") y (para puestos más altos) tienen un sólido historial de publicación en revistas revisadas por pares. Algunos teóricos de la música con doctorado solo pueden encontrar puestos inseguros como profesores de sesión. Las tareas laborales de un teórico de la música son las mismas que las de un profesor de cualquier otra disciplina de humanidades: impartir clases de pregrado y/o posgrado en esta área de especialización y, en muchos casos, algunos cursos generales (como Apreciación musical o Introducción a la música). Teoría), realizar investigaciones en esta área de especialización, publicar artículos de investigación en revistas revisadas por pares, escribir capítulos de libros, libros o libros de texto, viajar a conferencias para presentar artículos y aprender sobre investigaciones en el campo y, si el programa incluye un graduado escuela, supervisando a los estudiantes de maestría y doctorado y brindándoles orientación en la preparación de sus tesis y disertaciones. Algunos profesores de teoría musical pueden asumir puestos administrativos de alto nivel en su institución, como Decano o Presidente de la Escuela de Música.