Teoría del cine formalista

La teoría formalista del cine es un enfoque de la teoría del cine que se centra en los elementos formales o técnicos de una película: es decir, la iluminación, la música, el sonido y la escenografía, el uso del color, la composición de la toma y edición. Este enfoque fue propuesto por Hugo Münsterberg, Rudolf Arnheim, Sergei Eisenstein y Béla Balázs. Hoy en día, es un enfoque importante en los estudios cinematográficos.

Resumen

El formalismo, en su forma más general, considera la síntesis (o falta de síntesis) de los múltiples elementos de la producción cinematográfica y los efectos, emocionales e intelectuales, de esa síntesis y de los elementos individuales. Por ejemplo, tome el elemento único de edición. Un formalista podría estudiar cómo la "edición de continuidad" estándar de Hollywood crea un efecto más reconfortante y la edición sin continuidad o con saltos puede volverse más desconcertante o volátil.

O se podría considerar la síntesis de varios elementos, como la edición, la composición de tomas y la música. El tiroteo que finaliza la trilogía Spaghetti Western Dollars de Sergio Leone es un ejemplo notable de cómo estos elementos trabajan juntos para producir un efecto: la selección de tomas va de muy amplia a muy cercana y tensa; la duración de los planos disminuye a medida que la secuencia avanza hacia su final; la música construye. Todos estos elementos, combinados en lugar de individualmente, crean tensión.

El formalismo es único en el sentido de que abarca las ramas de la crítica tanto ideológica como autorista. En ambos casos, el denominador común de la crítica formalista es el estilo. Los ideólogos se centran en cómo las presiones socioeconómicas crean un estilo particular, y los autores en cómo los autores ponen su propio sello en el material. El formalismo se ocupa principalmente del estilo y de cómo comunica ideas, emociones y temas (en lugar de, como señalan los críticos del formalismo, concentrarse en los temas de una obra en sí).

Formalismo ideológico

Dos ejemplos de interpretaciones ideológicas que están relacionadas con el formalismo:

El cine clásico de Hollywood tiene un estilo muy distinto, a veces llamado modo institucional de representación: edición continua, cobertura masiva, iluminación de tres puntos, "estado de ánimo" música, disuelve, todo pensado para que la experiencia sea lo más agradable posible. La explicación ideológica socioeconómica de esto es, bastante groseramente, que Hollywood quiere ganar tanto dinero y atraer a tantos compradores de entradas como sea posible.

El cine negro, que recibió su nombre de Nino Frank, se caracteriza por valores de producción más bajos, imágenes más oscuras, iluminación insuficiente, rodaje en exteriores y nihilismo en general: esto se debe a que, según nos dicen, durante la guerra y la posguerra años, los cineastas (así como los cinéfilos) eran generalmente más pesimistas. Además, los expresionistas alemanes (incluido Fritz Lang, que técnicamente no era un expresionista como se creía popularmente) emigraron a Estados Unidos y trajeron sus estilizados efectos de iluminación (y su desilusión por la guerra) a suelo estadounidense.

Se puede argumentar que, según este enfoque, el estilo o 'lenguaje' de estas películas está directamente afectado no por los individuos responsables, sino por presiones sociales, económicas y políticas, de las cuales los propios cineastas pueden ser conscientes o no. Es esta rama de la crítica la que nos da categorías como el cine clásico de Hollywood, el movimiento independiente estadounidense, el nuevo cine queer y las nuevas olas francesa, alemana y checa.

Formalismo en la teoría del autor

Si el enfoque ideológico se preocupa por los amplios movimientos y los efectos del mundo que rodea al cineasta, entonces la teoría del autor es diametralmente opuesta, celebrando al individuo, generalmente en la persona del cineasta, y cómo su personalidad decisiones, pensamientos y estilo se manifiestan en el material.

Esta rama de la crítica, iniciada por François Truffaut y los otros jóvenes críticos de cine que escriben para Cahiers du cinéma, fue creada por dos razones.

Primero, se creó para redimir el arte del cine en sí. Al argumentar que las películas tenían autores o autores, Truffaut buscaba hacer películas (y sus directores) al menos tan importantes como las formas de arte más aceptadas, como la literatura, la música y la pintura. Cada una de estas formas de arte, y la crítica de las mismas, se relaciona principalmente con una única fuerza creativa: el autor de una novela (no, por ejemplo, su editor o tipógrafo), el compositor de una pieza musical (aunque a veces el se da crédito a los artistas intérpretes o ejecutantes, similar a los actores en el cine de hoy), o al pintor de un fresco (no a sus asistentes que mezclan los colores o, a menudo, hacen parte de la pintura ellos mismos). Al elevar al director, y no al guionista, a la misma importancia que los novelistas, compositores o pintores, pretendía liberar al cine de su concepción popular como un arte bastardo, a medio camino entre el teatro y la literatura.

En segundo lugar, buscó redimir a muchos cineastas que eran menospreciados por los principales críticos de cine. Argumentó que los cineastas de género y las películas de serie B de bajo presupuesto eran tan importantes, si no más, que las películas de prestigio a las que comúnmente se les otorga más prensa y legitimidad en Francia y Estados Unidos. De acuerdo con la teoría de Truffaut, los autores tomaron material que estaba por debajo de sus talentos (un thriller, una película de acción pulposa, un romance) y, a través de su estilo, le pusieron su propio sello personal.