Técnica de violín

Tocar el violín implica sostener el instrumento entre la mandíbula y la clavícula (consulte a continuación las variaciones de esta postura). Las cuerdas se hacen sonar pasando el arco sobre ellas (arco) o punteándolas (pizzicato). La mano izquierda regula la longitud de las cuerdas al detenerlas con los dedos contra el diapasón, produciendo diferentes tonos.

Postura

Es posible tocar el violín sosteniéndolo de diversas formas. La mayoría de los músicos sostienen la parte inferior del instrumento entre el hombro izquierdo y la mandíbula, a menudo asistidos por una mentonera unida de forma semipermanente y un apoyo para el hombro desmontable. Si se sostiene correctamente debajo de la barbilla, el violinista puede soltar el instrumento con las manos y permanecerá allí firmemente. Otras formas comunes de sostener el instrumento incluyen la actitud carnática sentada, con el pergamino apoyado sobre un pie, o el "kit" del maestro de baile. o "pochette" Sujete, a lo largo del antebrazo, por el margen inferior de la caja torácica, aunque no son agarres muy tradicionales. Históricamente, es posible que el violín barroco se haya sostenido con frecuencia sin la barbilla y, a menudo, los intérpretes de música histórica de hoy en día lo sostienen de esta manera. En Marruecos, el violín se suele sostener completamente erguido, apoyado sobre el muslo del intérprete sentado, y la mano izquierda estabiliza el equilibrio mientras se toca.

Los accesorios para la mentonera y el reposahombros vienen en una gran variedad de estilos y formas, por lo que cada individuo puede encontrar la combinación que mejor se adapte a su constitución y estilo de juego. La búsqueda de la combinación ideal puede resultar, en algunos casos, larga. Cualquiera que sea el equipamiento, el jugador normalmente intentará mantener una actitud equilibrada, natural y cómoda, con la columna recta, especialmente el cuello. Muchos violinistas tienen una marca rojiza en el mástil, el llamado "hickey de violín" (o "chupetón del violinista") debido a la presión a largo plazo en ese lugar. La mancha puede verse agravada por una reacción alérgica al niquelado en el hardware de la abrazadera de la mentonera o por patógenos microbianos presentes en el instrumento.

Mantener la muñeca izquierda relajada y casi "recta" permite la libertad de movimiento de los dedos y reduce la posibilidad de lesiones por esfuerzos repetitivos. Colapsar la muñeca para "soportar" tocar el violín con la palma de la mano es un hábito desafortunado en el que caen muchos músicos novatos y que puede llevar años de vigilancia constante superarlo. El antebrazo izquierdo estará extremadamente supinado y el codo izquierdo extendido medialmente o hacia la derecha. A veces se puede recomendar a los jugadores que lleven el codo izquierdo a donde puedan verlo, para alcanzar las cuerdas inferiores más fácilmente.

Levantar cualquiera de los hombros más allá de una posición naturalmente relajada es un hábito fácil de adquirir sin darnos cuenta. Como cualquier otra tensión injustificada, limita la libertad de movimiento y aumenta el riesgo de molestias, al tiempo que disminuye la calidad del sonido. Es útil prestar atención al "cuadrado" formado por el brazo derecho y el arco, manteniéndolo en un plano y notando qué partes "conducen" en movimientos de cruce de cuerdas.

Mano izquierda: produciendo tono

Mientras que los estudiantes principiantes de violín a menudo dependen de cintas o marcadores colocados en el diapasón para la colocación correcta de los dedos de la mano izquierda, los músicos más competentes y experimentados colocan sus dedos en los lugares correctos sin tales indicaciones, sino a través de la práctica y la experiencia. Para lograr una buena entonación, los violinistas entrenan sus dedos para que aterricen en los lugares correctos, aprenden a escuchar cuando un tono está afinado o desafinado y cultivan la capacidad de corregir el tono rápida y automáticamente mientras se toca. "Cantando" el campo ayuda mentalmente a aterrizar en el lugar correcto. (En la práctica, la entonación se puede verificar haciendo sonar una cuerda al aire adyacente y escuchando el intervalo entre las dos notas). Aunque es posible ajustar el tono deseado después de tocar el dedo, la cantidad de ajuste necesario puede reducirse en gran medida entrenar los dedos para que caigan correctamente en primer lugar.

Los dedos se numeran convencionalmente del 1 (dedo índice) al 4 (dedo meñique). Especialmente en las ediciones instructivas de música para violín, los números sobre las notas pueden indicar qué dedo usar, con "0" encima de la nota que indica "abierto" cuerda, o tocar una cuerda sin manipular el tono con la mano izquierda. El segundo dedo puede estar "bajo" o "alto" correspondiente a G o G♯ en la cuerda Mi en primera posición (sin dedos en la cuerda). De manera similar, el primer dedo puede alcanzar medio tono hacia abajo para la F, y el tercer y cuarto dedos alcanzar la A♯ y C respectivamente, como se muestra en la tabla de patrones de dedos de Bornoff a la izquierda. (Se puede ver que el patrón número cinco es el mismo que el patrón número tres, pero medio paso más abajo, o en "media posición".)

El gráfico inferior a la izquierda muestra la disposición de las notas accesibles en la primera posición. La colocación de los dedos de la mano izquierda es una cuestión de oídos y mano, no de ojos, es decir, tiene fuertes componentes auditivos y táctiles/cinestésicos, siendo las referencias visuales sólo marginalmente útiles. Además (no se muestra en este gráfico), el espacio entre las posiciones de las notas se vuelve más estrecho a medida que los dedos se mueven "hacia arriba" hacia arriba. (en tono) de la tuerca. Las barras azules a los lados del gráfico representan las posibilidades habituales para los principiantes. colocaciones de cinta, en el primer, segundo, tercer (y cuarto) dedo alto, o el patrón de Bornoff número dos. Este patrón particular da como resultado una escala de La mayor en las cuerdas La y Mi, lo que es un comienzo natural para melodías simples como "Twinkle Twinkle Little Star".

Posiciones

La colocación de la mano izquierda en el diapasón se caracteriza por "posiciones". La primera posición, donde comienzan la mayoría de los principiantes (algunos métodos comienzan en la tercera posición), es la más cercana a la tuerca o al final del desplazamiento y la más alejada de la cara del jugador. La nota más baja disponible en esta posición en la afinación estándar es una G abierta; las notas más altas en primera posición se detienen con el cuarto dedo de la cuerda Mi, haciendo sonar un Si.

Así, en primera posición, el primer dedo colocado en la cuerda Mi da un Fa♯; desde esta posición, el segundo dedo puede tocar un G o un G ♯, el tercer dedo en La y, como se mencionó anteriormente, el cuarto en Si. Colocar el primer dedo de modo que al presionarlo dé un Sol (aún en la cuerda Mi) se llama segunda posición, desde donde se pueden tocar todas las notas ascendentes hasta C (por el cuarto dedo). La tercera posición se logra cuando el primer dedo presiona una la, y así sucesivamente, con la quinta posición en una cuerda que suena las mismas notas que la primera posición en la cuerda de arriba. También hay una "media posición" donde el primer dedo suena un semitono por encima de la cuerda al aire y los otros dedos un tono o semitono por debajo de sus posiciones normales, p.e. (en la cuerda La) La♯-B-C♯- D. Las mismas notas se podrían tocar en primera posición con el dedo índice moviéndose desde "primero bajo" (A♯) a B , pero esto produciría un dedo índice deslizante, lo que no siempre es deseable.

El límite superior del rango del violín está determinado en gran medida por la habilidad del intérprete. Un intérprete experto puede tocar más de dos octavas en una sola cuerda y cuatro octavas en el instrumento en su conjunto. Todas, excepto las notas más bajas y más altas, se pueden tocar en varias cuerdas en diferentes posiciones. Es decir, el nivel "alto" La nota si mencionada anteriormente se puede tocar no solo con el cuarto dedo de la cuerda mi en primera posición, sino también con el cuarto dedo en quinta posición de la cuerda la, en novena posición de la cuerda re y en la decimotercera posición. en la tanga.

Los violinistas a menudo cambian de posición en las cuerdas inferiores, a veces para consternación de los compositores y gran confusión de los principiantes. Esto generalmente se hace para manejar un pasaje musical que de otro modo requeriría un cambio rápido (o "cruce") de cuerdas. También se hace para producir un timbre particular: la misma nota sonará sustancialmente diferente dependiendo de qué cuerda se use para tocarla. Ese "alto" B, cuando se toca en la cuerda Mi (la más alta, generalmente una cuerda de metal mononuclear) puede tener un timbre claro y penetrante; el mismo "alto" Si tocado en la cuerda La, Re o Sol (normalmente cuerdas envueltas en lugar de mono-núcleo) puede sonar más "cálido" que en la cuerda La. o menos abrasivo. Por esta razón, los violinistas a menudo evitan tocar una sola nota en la cuerda Mi dentro de una frase de notas en la cuerda La, ya que una nota de la cuerda Mi se destacaría con un timbre diferente.

Diferentes cuerdas tienen diferentes cualidades tonales, debido a su diferente composición física y sus diferentes resonancias en el instrumento. La elección de timbres en diferentes cuerdas es vital para la musicalidad del instrumento, y los instrumentistas intermedios y avanzados a menudo tocan deliberadamente en una posición más alta en una cuerda más baja para lograr un efecto. Este efecto a veces lo indica el compositor o arreglista. La indicación más común utiliza el nombre de la letra de la cuerda: por ejemplo, si un compositor quiere que un pasaje que de otro modo se tomaría en la cuerda D se toque en la cuerda Sol, escribe "sul G". ; o "G Saite" o "auf G" o "G corde" (o simplemente, "en G") en la parte. En ocasiones se utilizan números o números romanos, por lo que el ejemplo podría escribirse "4. cordón" o "IV corde" (como arriba, siendo la cuerda más alta la número 1 y la más baja la número 4); La forma más sencilla de indicar qué cadena tocar es escribir el número (por ejemplo, "IV" o "III") solo.

Cadenas abiertas

Un timbre especial resulta de tocar una nota sin tocar su cuerda con un dedo, haciendo sonar así la nota más baja de esa cuerda. Se dice que una nota así se toca en una cuerda al aire. Las notas de cuerdas al aire (sol, re, la, mi) tienen un sonido muy distinto como resultado de la ausencia de la acción amortiguadora de un dedo y del hecho de que el vibrato (ver más abajo) se produce de manera diferente a las notas con los dedos. Además del sol bajo (que no se puede tocar de otra manera), a veces se seleccionan cuerdas al aire para efectos especiales.

Un efecto sorprendente que emplea cuerdas abiertas es el bariolaje. Se trata de la alternancia repetida de notas tocadas en dos o más cuerdas, donde una de las notas suele ser una cuerda al aire. Este cruce de cuerdas suele ser rápido y se ejecuta mejor con un movimiento sinuoso del brazo del arco. A veces, se toca el mismo tono que una cuerda al aire en una cuerda adyacente, de modo que la alternancia se produce entre la misma nota en dos cuerdas, una parada y otra abierta, dando un efecto rítmico pulsante. El bariolage era uno de los recursos favoritos de Joseph Haydn, quien lo utilizó, por ejemplo, en su cuarteto de cuerda Opus 50 no. 6, y en la "Despedida" Sinfonía. También ocupa un lugar destacado en el Preludio de la Partita n.º 3 de Bach en mi mayor para violín solo.

Tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota parada en una cuerda adyacente produce un zumbido parecido a una gaita, utilizado a menudo por los compositores para imitar la música folclórica. A veces, las dos notas son idénticas (por ejemplo, tocar un La digitado en la cuerda de Re contra la cuerda de La abierta), lo que produce una especie de "tocar el violín" sonido.

Dobles paradas y drones

La doble parada se produce cuando se tocan notas paradas en dos cuerdas adyacentes, produciendo una armonía de dos notas. Esto es más difícil que tocar una sola cuerda normal, ya que los dedos deben colocarse con precisión en dos cuerdas simultáneamente. A veces es necesario pasar a una posición más alta para que la mano izquierda pueda alcanzar ambas notas a la vez. Doble parada también se utiliza para significar tocar tres o cuatro cuerdas a la vez, aunque estas prácticas se denominan más propiamente triple o cuádruple parada. En conjunto, la parada doble, triple y cuádruple se denomina parada múltiple. Sin embargo, la parada triple o cuádruple comúnmente se denomina simplemente acorde. Hacer sonar una cuerda al aire junto con una nota digitada es otra forma de conseguir armonía. Aunque a veces también se le llama doble parada, es más apropiado llamarlo zumbido, ya que la nota del zumbido (la cuerda al aire) puede sostenerse durante un pasaje de diferentes notas tocadas en la cuerda adyacente.

Vibrato

Vibrato es una técnica de la mano y el brazo izquierdos en la que el tono de una nota varía en un ritmo pulsante. Mecánicamente, se consigue mediante movimientos de las yemas de los dedos que alteran la longitud de la cuerda vibrante. Hay varios estilos diferentes de vibrato que van desde el uso de sólo los dedos hasta el uso de la muñeca o incluso todo el antebrazo. Al emplear estas diferentes técnicas, se pueden variar tanto la velocidad como la amplitud de las oscilaciones del vibrato para lograr un efecto musical.

A menudo se percibe que el vibrato crea un sonido más emocional y se emplea mucho en la música de la era romántica. El efecto acústico del vibrato tiene que ver en gran medida con añadir interés y calidez al sonido, en forma de brillo creado por las variaciones en la proyección del sonido más fuerte. Un violín bien hecho prácticamente dirige su patrón de sonido en diferentes direcciones dependiendo de ligeras variaciones en el tono.

Los violinistas oscilan hacia atrás o hacia un tono más bajo con respecto a la nota real cuando usan el vibrato, ya que la percepción auditiva favorece el tono más alto en un sonido variable. El vibrato hace poco o nada para disfrazar una nota desafinada. A los estudiantes de violín, especialmente a los de nivel principiante, se les enseña a usarlo sólo en notas extendidas o durante puntos de tensión emocional. El vibrato puede ser difícil de aprender y un estudiante puede tardar varios meses, si no años, en dominarlo.

Armónicos

ligeramente tocar la cuerda con la yema del dedo en un nodo armónico mientras se inclina cerca del puente puede crear armónicos. Para que los armónicos produzcan el tono y el volumen más consistentes, el arco debe realizar golpes más largos y rápidos. En lugar del tono sólido normal, se escucha una nota armónica de tono más alto que suena tenue. Cada nodo está en una división entera de la cadena, por ejemplo, exactamente a la mitad de la longitud de la cadena, o exactamente a un tercio de la longitud de la cadena. La afinación producida en estos dos casos será una octava más alta en el caso de las mitades, y una octava y una quinta más alta en el caso de la cuerda que vibra en tercios. Un instrumento sensible proporcionará numerosos nodos armónicos posibles a lo largo de la cuerda.

Los armónicos están marcados en la música con un pequeño círculo encima de la nota que determina el tono del armónico. Hay dos tipos de armónicos: naturales y artificiales (también conocidos como "falsos armónicos").

Los armónicos artificiales son más avanzados que los armónicos naturales descritos anteriormente. Detener una nota en una cuerda, por ejemplo, con el primer dedo "E" en la cuerda de Re, y al tener otro dedo justo tocando la cuerda una cuarta más arriba, en este caso en la posición de la nota "A", se produce el cuarto armónico del "E", hacer sonar un tono dos octavas por encima de la nota que se detiene, en este caso, E. La colocación y presión de los dedos, así como la velocidad, la presión y el punto de sonido del arco son esenciales para lograr que suene el armónico deseado.

El "dedo armónico" También puede tocar en una tercera mayor por encima de la nota presionada o una quinta más arriba. Estos armónicos se utilizan con menos frecuencia porque es más difícil hacer que suenen bien. En el caso de la tercera mayor, el armónico es más alto en la serie de armónicos y no habla tan fácilmente; en el caso de la quinta, el estiramiento es mayor de lo que resulta cómodo para muchos violinistas. El tono que suena del tercer armónico mayor es dos octavas y una tercera mayor por encima de la nota inferior, y en el caso de la quinta, es una octava y una quinta por encima de la nota inferior.

La notación tradicional de armónicos artificiales utiliza dos notas en una plica: la nota inferior emplea una cabeza de nota redonda que representa el lugar donde la cuerda se detiene fuertemente con el dedo índice, y la nota superior utiliza un diamante cabeza de nota que representa el lugar donde se toca ligeramente la cuerda con el cuarto dedo.

Los armónicos rara vez se tocan en paradas dobles, donde ambas notas son armónicos.

Se pueden encontrar pasajes elaborados en armónicos artificiales en la literatura virtuosa del violín, especialmente del siglo XIX y principios del XX.

Mano derecha y color de tono

El brazo, la mano y el arco derechos son responsables de la calidad del tono, el ritmo, la dinámica, la articulación y ciertos (pero no todos) cambios en el timbre. El arco se sostiene en la mano derecha con el pulgar doblado debajo de la rana para sostenerlo y los otros dedos tocando ligeramente la madera. Los dedos medio y anular suelen rodear la rana, aunque en algunos casos (como en la práctica de interpretación barroca) toda la mano sostiene el palo por encima de la rana. Sostener el dedo meñique curvado y apoyado en la faceta cercana de la forma octogonal del palo, al lado de la faceta en la parte superior del palo, permite que ese dedo "descargar" el arco, utilizando el pulgar como punto de apoyo. La acción de inclinarse debe iniciarse y depender únicamente del movimiento de la mano derecha, no del antebrazo, brazo y hombro. La flexión y extensión de estas partes debe ser pasiva y dirigida por la acción de la mano derecha. De lo contrario, el control sutil y delicado del arco es imposible, lo que genera una tensión excesiva en el brazo derecho, lo que dificulta el control del arco. Esta tensión restringe el movimiento necesario para tocar correctamente y conducirá a una mala producción de sonido. Es muy importante que el brazo derecho permanezca relajado para que tenga la flexibilidad suficiente para mover el arco correctamente.

Técnicas de reverencia

Aumentar la presión sobre las cuerdas es la forma principal de producir notas más fuertes en el violín. La presión se añade principalmente con el dedo índice de la mano inclinada. Otro método que a veces se utiliza para aumentar el volumen es utilizar una mayor velocidad del arco; sin embargo, un violinista puede aumentar la velocidad del arco y seguir tocando suavemente al mismo tiempo. Los dos métodos no son equivalentes porque producen timbres diferentes; presionar la cuerda tiende a producir un sonido más concentrado y más intenso.

El punto de sonido donde el arco se cruza con la cuerda también influye en el timbre. Tocar cerca del puente (sul ponticello) produce un sonido más intenso de lo habitual, enfatizando los armónicos más altos; y tocar con el arco sobre el extremo del diapasón (sul tasto) produce un sonido delicado y etéreo, que enfatiza la frecuencia fundamental. Suzuki se refirió al punto de sondeo como la "autopista Kreisler"; uno puede pensar en diferentes puntos de sondeo como "carriles" en la carretera.

Existen varios métodos de "ataque" con el arco que producen distintas articulaciones; Esta lista no es de ninguna manera exhaustiva:

• Détaché - El término détaché simplemente significa "separado" y se puede aplicar a cualquier nota no vinculada por un bazo. Parar el arco en la cuerda mata las vibraciones y así crea un acento mudo, elástico détaché que cubrió los golpes fuera de la cadena, y arrastrado détaché ()détaché traîné) donde los cambios suaves de arco no dejan ninguna brecha audible entre cada nota.
• Martelé (francés; italiano martellato) - literalmente "hammered", es un tipo de détaché golpe con un ataque ligeramente martillado. Un ataque fuerte se conoce como martellato.
• Collé - "estuck", o "glutido", es un derrame que comienza a partir de un arco fuertemente ponderado que descansa inmóvil en la cuerda. Idealmente, el peso inicial será casi suficiente para causar un sonido de rasguño indeseable.
• Spiccato - Técnica que utiliza un estilo de inclinación que deja la cuerda claramente para producir un sonido de "rebote" claro. A pesar de las principales ideas erróneas, los violinistas tocan esta técnica con un trazo horizontal; el movimiento "rebote" es sólo debido a la resistencia natural de la cuerda del violín, la resistencia del cabello del arco, y el peso ligero del golpe. Spiccato se convierte en sautillé a tempos más rápidos, debido a la baja amplitud del "bounce". Spiccato se realiza generalmente en la parte de equilibrio del arco, que es el área del arco donde el peso se distribuye uniformemente en ambos lados, permitiendo el máximo control. Spiccato articulación se indica por un pequeño triángulo directamente debajo de la nota. Alternativamente, spiccato puede ser indicado por un pequeño punto bajo la nota junto con la palabra "spiccato".
• Legato - De notas sucesivas en rendimiento, conectadas sin ningún silencio interveniente de articulación. En la práctica, la conexión o separación de notas es relativa, y alcanzada por la presencia o ausencia de énfasis, Accent y ataque, tanto como silencios de articulación; grados de conexión y separación varían de legatisssimo (representando el grado de conexión más cercano), tenuto, portamento, legato, portato, no legato, mezzo-staccato, staccato (la antonía natural de la legato), a staccatissimo. Algunos de estos términos tienen connotaciones que van más allá de simples grados de conexión o separación.
• Sautillé (francés; italiano salando, Alemán Springbogen, Español saltilloUn arco tocó rápidamente en medio del arco, un arco por nota, para que el arco rebote muy ligeramente fuera de la cuerda. Si el rebote se vuelve más alto a esta velocidad, es realmente un staccato volador o volando spiccato. No se indica de ninguna manera consistente: a veces los puntos se colocan por encima o por debajo de las notas, a veces los trazos de punta de flecha, y a veces el trazo se deja simplemente a la discreción del intérprete. spiccato y sautillé a veces se utilizan como sinónimos, aunque spiccato tiende a ser aplicado a una gama más amplia de golpes fuera de la cadena.
• Jeté - También conocido como "ricochet" arco, esto consiste en "golpear" el arco en la cuerda en la parte superior del arco en una inclinación hacia abajo, para que rebote y produzca una serie de notas rápidas. Por lo general, de dos a seis notas sonaban así, pero hasta diez o once se pueden reproducir. Esta técnica era especialmente importante entre virtuosi del siglo XIX, especialmente Paganini.
• Louré (francés; italiano portato) - Este trazo de arco, usado en tempos lentos, separa las notas rociadas ligeramente para articularlas, sin detener el arco. Se utiliza en pasajes de un cantabile carácter.
• Arpeggio, arpeggiando, arpeggiato - Un golpe rebotando, jugado en acordes rotos, de modo que cada nota del arpeggio se juega en una cuerda diferente.
• Tremolo - Principalmente utilizado para el juego orquestal, esto consiste en mover el arco de ida y vuelta en golpes muy cortos extremadamente rápido, no en el ritmo medido precisamente (normalmente en la mitad superior del arco).
• Col legno - Ocasionalmente las cuerdas se golpean con el palo del arco ("con la madera"). Esto da un sonido percusivo mudo, y es más eficaz cuando es empleado por una sección completa de violín orquestal. La estremecida calidad de una sección de violín tocando col legno es explotado en algunas piezas sinfónicas, en particular "Marte, el portador de la guerra" de The Planets Suite por Holst, así como el concierto de piano de Varsovia-era de Frederic Chopin No. 2, que la precede.
• Shuffle - Un patrón repetitivo de manchas y acentos, muy utilizado en algunos estilos de fiddling. Los shuffles nombrados incluyen el shuffle Nashville, el shuffle de Georgia y el doble shuffle, que a menudo se considera un truco o un shuffle show-off.
• Chopping - Una técnica más moderna de percusión, en la que el cabello cerca de la rana del arco se golpea contra las cuerdas con un sonido de arañazo rápido de un tono indeterminado. Es utilizado predominantemente por los músicos de bluegrass para replicar el corte de la mandolina sin embargo más recientemente la técnica ha sido embellecida por músicos como Casey Driessen, Darol Anger y Rushad Eggleston creando chops cíclicos y triples. Chopping características como un pilar de muchos arreglos de bandas como Crooked Still, Teho y Turtle Island String Cuarteto.

Arco recto

No importa qué ataque o golpe de arco se utilice, la mayoría de los violinistas profesionales utilizan un golpe de arco recto, manteniendo el arco perpendicular a la cuerda y paralelo al puente. Esto asegura que el arco permanecerá en el punto de sonido deseado y creará una calidad de sonido consistente. Una técnica para lograr un arco recto es la siguiente. Al realizar un arco, concéntrese en la parte superior del brazo, el antebrazo y la mano/muñeca. Primero, mueva la parte superior del brazo hacia atrás como si le estuviera dando un codazo a alguien en la nariz. Luego, continúe con el antebrazo. Cerca del final del golpe del arco, gire la muñeca y la mano como si abriera un frasco de maní. Cuando se usan correctamente, estos movimientos crearán un golpe de arco recto hacia abajo. Un paso crucial es observar el arco y asegurarse de que permanezca recto. Un arco hacia arriba se crea de manera opuesta. Sin perder de vista el arco, mueva el antebrazo en la dirección en la que vino. Continúe con la parte superior del brazo. Cerca del final de este movimiento, gire la mano y la muñeca como si cerrara un frasco de maní.

Existe, sin embargo, otra escuela de arco, popularizada por el pedagogo del violín Ivan Galamian, en la que el arco se mantiene en un ligero ángulo con respecto al puente. Cuando el jugador hace un arco hacia abajo, debe alejar gradualmente su mano derecha del cuerpo; cuando hace un arco hacia arriba, hacia su cuerpo. Según los defensores de este estilo, estos ligeros ángulos ayudan a crear un mayor contacto con el puente y así producir un sonido más pleno.

Pizzicato

Cuando una nota está marcada como pizz. (abreviatura de pizzicato) en la música escrita, se toca punteando la cuerda con un dedo de la mano derecha en lugar de haciendo una reverencia. Cuando la mano del arco está ocupada (o para lograr un efecto virtuoso), se puede utilizar la mano izquierda; esto se indica con un "+" (signo más) en la música. Esto permite a los intérpretes tocar simultáneamente notas frotadas mientras puntean una cuerda diferente. Además, algunos intérpretes han adquirido el truco de tocar pasajes rápidos de pizzicato utilizando dos dedos alternos de la mano derecha. Los jugadores continúan tocando pizzicato hasta que haya una indicación de regresar al arco (jugar con el arco).

Hay dos posiciones comunes para tocar pizzicato. Una es apretar el arco con la mano derecha, apoyar el pulgar derecho en el lado derecho del diapasón y luego pulsar la cuerda. Esta posición puede mejorar la calidad tonal del punteo y puede reducir la fatiga durante períodos prolongados de punteo. Otra posición de pizzicato es mantener el agarre del arco y luego pulsar las cuerdas con el dedo índice derecho. Esta posición es especialmente útil cuando el compositor alterna entre series de notas de arco y pizzicato, porque permite al violinista cambiar de estilo de forma rápida y precisa.

Los violinistas también pueden pulsar una cuerda con la mano izquierda, lo que en la música escrita se indica como "+" símbolo encima de la nota deseada. El pizzicato para zurdos es generalmente menos flexible en cuanto a tono que la técnica para diestros, pero permite que la mano derecha permanezca donde está o toque simultáneamente, una técnica por la que el compositor y violinista Niccolo Paganini era famoso.

Un pizzicato rápido, especificado por primera vez por Gustav Mahler, pero a menudo llamado pizzicato de Bartók ya que Béla Bartók fue el primero en utilizar la técnica extensamente, requiere que el jugador tire aleja la cuerda del diapasón para que cuando se suelte rebote con fuerza sobre el diapasón, produciendo un chasquido agudo y percusivo. Se pueden encontrar ejemplos en los 44 dúos (n.º 42, canción árabe) de Bartók y en la Sonata solo para violín. .

Silenciar

Colocar un pequeño dispositivo de goma, madera o metal llamado "silencioso" al puente del violín altera el tono, suavizando el sonido del instrumento añadiendo masa al puente y por tanto reduciendo su capacidad de vibrar libremente, disminuyendo el volumen y dando un tono más suave, con menos armónicos audibles. En las actuaciones, puede dar el efecto apagado deseado. Las sordinas se utilizan principalmente en orquestas en las que toda la sección de cuerdas toca con sordinas, lo que da como resultado una calidad de sonido suave y silenciosa. Las partes que se tocarán silenciadas están marcadas como con sord., para el sordino italiano o, ocasionalmente, mit Dämpfer en alemán. (La instrucción para quitarse la sordina es senza sord., a veces marcada simplemente como senza o "ohne Dämpfer" en alemán). En francés, la instrucción es indicado para la aplicación de sordinas al principio de pasajes sordinados, "mettez les sourdines", y para su eliminación al final "ôtez les sourdines".

Compartiendo el mismo nombre pero con un propósito completamente diferente, las "sordinas de práctica" de metal, caucho o madera macizas. o "hotel mudos" están disponibles. Estos silenciadores se utilizan para reducir drásticamente el volumen cuando se practica donde otros pueden verse molestados.

Sintonización

Los violines se afinan girando las clavijas en el clavijero debajo de la voluta, o girando los tornillos del afinador en el cordal. Un violín siempre tiene clavijas, pero los afinadores finos (también llamados ajustadores finos) son opcionales y tienen solo una. Los afinadores finos permiten ajustar el tono de la cuerda en cantidades muy pequeñas y mucho más fácilmente que utilizando las clavijas. La mayoría de los afinadores funcionan girando un pequeño tornillo de metal, que mueve una palanca que está unida al extremo de la cuerda. (A veces se encuentra otro tipo de afinador, que utiliza un tornillo para engarzar un segmento corto de la longitud posterior de la cuerda cerca del cordal, generalmente en instrumentos más pequeños). Los afinadores finos generalmente se recomiendan para instrumentistas más jóvenes, instrumentos de tamaño fraccionario. , aquellos que usan cuerdas de alta tensión o metálicas, o principiantes. Los afinadores son más útiles con cuerdas de metal sólido; Dado que no se estiran tanto como las sintéticas, las cuerdas de núcleo sólido pueden resultar difíciles de afinar solo con clavijas. Los afinadores no son útiles cuando se utilizan cuerdas de tripa; Dado que estas cuerdas son más "elásticas", los afinadores carecen de un rango de recorrido suficiente para marcar una diferencia de tono significativa, y las esquinas afiladas de las puntas pueden hacer que la cuerda se rompa cuando pasa sobre ellas. La mayoría de los músicos utilizan un afinador fino en la cuerda Mi, incluso si las otras cuerdas no están equipadas con él.

La cuerda La se afina primero con una fuente de tono de referencia, como un diapasón o, en la mayoría de las orquestas, el oboe, normalmente a 440 Hz, aunque algunas orquestas afinan con otro La estándar, como 442, o incluso tan alto como 445 o 446 Hz para producir un sonido más brillante. Los grupos de música antigua interesados en una interpretación auténtica pueden utilizar un A estándar más bajo. Cuando toca con un instrumento de tono fijo, como un piano o un acordeón, el violinista debe afinar para adaptarse a ese instrumento. Luego, las otras cuerdas se afinan en La en intervalos de quintas perfectas doblándolas en pares. Esto hace que las cuerdas al aire tengan entonación justa, lo que significa que las cuerdas más bajas pueden sonar planas en comparación con sus equivalentes nominales de temperamento igual. En la práctica, esto significa que se deben hacer algunos compromisos, y las cuerdas no siempre están afinadas en quintas perfectas, particularmente en la viola y el violonchelo, donde la cuerda más grave es el Do, a tres quintas partes del La de referencia, lo que hace que la diferencia sea aún mayor. aparente.

También se pueden realizar pequeños ajustes de afinación temporales estirando una cuerda con la mano. Una cuerda se puede aplanar tirando de ella por encima del diapasón o afilar presionando la parte de la cuerda en el clavijero. Estas técnicas pueden ser útiles en la interpretación, reduciendo los efectos nocivos de una cuerda desafinada hasta la llegada de un descanso u otra oportunidad para afinar adecuadamente.

Afinar el violín, especialmente con las clavijas, puede hacer que el puente se incline, generalmente hacia el diapasón. Si se deja así, se deformará. Después de afinar, los instrumentistas experimentados generalmente verifican que el puente esté derecho y centrado entre las muescas internas de los agujeros en f, ya que los puentes pueden moverse libremente y se mantienen en su lugar solo por la fricción y la tensión de las cuerdas. Los violinistas competentes saben cómo enderezar y centrar un puente; Esto se puede hacer fácilmente bajo tensión normal de cuerda sin dañar el instrumento.

La afinación G-D-A-E se utiliza para la gran mayoría de la música de violín. Sin embargo, ocasionalmente se emplean otras afinaciones (por ejemplo, afinar la cuerda Sol hasta La), tanto en la música clásica, donde la técnica se conoce como scordatura, como en algunos estilos folklóricos donde se llama "sintonización cruzada". Existen numerosas afinaciones de este tipo, que a menudo reciben el nombre de una melodía destacada que se reproduce en esa afinación. Un buen ejemplo de scordatura en el repertorio clásico de violín solista es el Primer Concierto para violín en mi bemol mayor de Paganini, donde la parte de violín está escrita en re mayor y se supone que el violinista debe afinar un medio tono más alto para coincidir con la orquesta. #39;tonalidad de mi bemol mayor. Otro ejemplo notable es la Danza Macabra, que requiere que la cuerda Mi esté afinada un semitono.