Teatro renacentista ingles

Un boceto de 1596 de un ensayo en progreso en la etapa de empuje de El Cisne, un típico teatro circular abierto de Elizabeth

Teatro renacentista inglés, también conocido como Teatro inglés renacentista y Teatro isabelino, hace referencia al teatro de Inglaterra entre 1558 y 1642.

Este es el estilo de las obras de William Shakespeare, Christopher Marlowe y Ben Jonson.

Antecedentes

El término teatro renacentista inglés abarca el período comprendido entre 1562, después de la representación de Gorboduc, la primera obra inglesa que utiliza versos en blanco, en el Inner Temple durante la temporada navideña de 1561, y la prohibición de obras de teatro promulgadas por el parlamento inglés en 1642. En un sentido estricto "isabelino" solo se refiere al período del reinado de la reina Isabel (1558-1603). Se puede decir que el teatro renacentista inglés abarca el teatro isabelino de 1562 a 1603, el teatro jacobino de 1603 a 1625 y el teatro carolino de 1625 a 1642.

Junto con la economía de la profesión, el carácter del drama cambió hacia el final del período. Bajo Isabel, el drama era una expresión unificada en lo que respecta a la clase social: la corte veía las mismas obras que los plebeyos veían en los teatros públicos. Con el desarrollo de los teatros privados, el teatro se orientó más hacia los gustos y valores de una audiencia de clase alta. En la última parte del reinado de Carlos I, se escribían pocas obras nuevas para los teatros públicos, que se sustentaban en las obras acumuladas de las décadas anteriores.

Sitios de representación dramática

Escuelas de gramática

Las grammar schools inglesas, al igual que las del continente, pusieron especial énfasis en el trivium: gramática, lógica y retórica. Aunque la instrucción retórica fue pensada como preparación para carreras en el servicio civil como el derecho, los cánones retóricos de memoria (memoria) y entrega (pronuntiatio), gesto y voz, así como como ejercicios de la progymnasmata, como la prosopopeya, enseñaban habilidades teatrales. Los estudiantes generalmente analizan textos en latín y griego, escriben sus propias composiciones, las memorizan y luego las interpretan frente a su instructor y sus compañeros. Los registros muestran que, además de esta actuación semanal, los estudiantes representaban obras de teatro en días festivos, tanto en latín como en inglés.

Nathan Field, que comenzó su carrera como jugador de niños

Escuelas corales

Las escuelas corales relacionadas con la corte isabelina incluían la Capilla de San Jorge, la Capilla Real y la de San Pablo. Estas escuelas representaban obras de teatro y otros entretenimientos cortesanos para la Reina. Entre las décadas de 1560 y 1570, estas escuelas también comenzaron a actuar para el público en general. Las compañías de interpretación de niños actores se derivaron de las escuelas corales. John Lyly es un ejemplo anterior de un dramaturgo contratado para escribir para las compañías de niños; Lyly escribió Gallathea, Endymion y Midas para Paul's Boys. Otro ejemplo es Ben Jonson, quien escribió Cynthia's Revels.

Universidades

El teatro académico surge de las prácticas de milagros y obras de moralidad de finales de la Edad Media y principios de la Edad Moderna, así como de la Fiesta de los Locos y la elección de un Señor del Desgobierno. El Festín de los Locos incluye obras de comedia. A las universidades, en particular Oxford y Cambridge, asistieron estudiantes de licenciatura y maestría, seguidos de doctorados en derecho, medicina y teología. En la década de 1400, los dramas a menudo se restringían a comedias con alguien que leía todas las partes en latín. Con el redescubrimiento y la redistribución de materiales clásicos durante el Renacimiento inglés, las obras de teatro latinas y griegas comenzaron a reorganizarse. Estas obras a menudo iban acompañadas de fiestas. La reina Isabel I vio dramas durante sus visitas a Oxford y Cambridge. Un ciclo de obras bien conocido que fue escrito y representado en las universidades fue el Parnassus Plays.

Posadas de la corte

Gorboduc TP 1565

Después de graduarse, muchos estudiantes universitarios, especialmente los que se dedicaban a la abogacía, residían y participaban en Inns of Court. Los Inns of Court eran comunidades de abogados que trabajaban y ex alumnos universitarios. Figuras literarias y dramaturgos notables que residieron en Inns of Court incluyen a John Donne, Francis Beaumont, John Marston, Thomas Lodge, Thomas Campion, Abraham Fraunce, Sir Philip Sidney, Sir Thomas More, Sir Francis Bacon y George Gascoigne. Al igual que la universidad, los Inns of Court eligieron a su propio Señor del Desgobierno. Otras actividades incluyeron la participación en tribunales simulados, disputas y mascaradas. Las obras escritas y representadas en Inns of Court incluyen Gorboduc, Gismund of Salerne y The Misfortunes of Arthur. Un ejemplo de una mascarada famosa presentada por los Inns fue The Triumph of Peace de James Shirley. Aquí también se representaron La comedia de los errores y La noche de Reyes de Shakespeare, aunque escritas para teatro comercial.

Máscara

Establecimiento de teatros

El primer teatro inglés permanente, el Red Lion, se inauguró en 1567, pero fue un fracaso de corta duración. Los primeros teatros exitosos, como The Theatre, se abrieron en 1576.

El establecimiento de teatros públicos grandes y rentables fue un factor habilitador esencial en el éxito del drama del Renacimiento inglés. Una vez que estuvieran en funcionamiento, el drama podría convertirse en un fenómeno fijo y permanente, en lugar de transitorio. Su construcción fue impulsada cuando el alcalde y la Corporación de Londres prohibieron por primera vez las obras de teatro en 1572 como medida contra la peste, y luego expulsaron formalmente a todos los jugadores de la ciudad en 1575. Esto provocó la construcción de teatros permanentes fuera de la jurisdicción de Londres, en el libertades de Halliwell/Holywell en Shoreditch y más tarde en Clink, y en Newington Butts cerca del distrito de entretenimiento establecido de St. George's Fields en la zona rural de Surrey. El teatro fue construido en Shoreditch en 1576 por James Burbage con su cuñado John Brayne (el propietario del fallido teatro Red Lion de 1567) y el teatro Newington Butts fue instalado, probablemente por Jerome Savage, en algún momento entre 1575 y 1577. El Teatro fue seguido rápidamente por el cercano Teatro Cortina (1577), la Rosa (1587), el Cisne (1595), el Globo (1599), la Fortuna (1600) y el Toro Rojo (1604).

Arquitectura de teatro

Panorama del interior del Globe Theatre, Londres

Las excavaciones arqueológicas en los cimientos de Rose y Globe a fines del siglo XX mostraron que todos los teatros de Londres tenían diferencias individuales, pero su función común requería un plan general similar. Los teatros públicos tenían tres pisos de altura y estaban construidos alrededor de un espacio abierto en el centro. Por lo general, de planta poligonal para dar un efecto redondeado general, aunque el Red Bull y el primer Fortune eran cuadrados. Los tres niveles de galerías orientadas hacia el interior daban al centro abierto, en el que sobresalía el escenario: esencialmente una plataforma rodeada por el público por tres lados. La parte trasera estaba restringida para las entradas y salidas de los actores y asientos para los músicos. El nivel superior detrás del escenario podría usarse como balcón, como en Romeo y Julieta y Antonio y Cleopatra, o como una posición desde la cual un actor podría arengar a una multitud, como en Julio César. El foso era el lugar donde los espectadores más pobres podían ver el espectáculo. Alrededor de la década de 1600 se introdujo una nueva área en los teatros, un 'garganta'. Un gaznate era un pasillo invisible que los actores utilizaban para ir a los laterales del escenario donde la gente solía cambiarse de ropa rápidamente.

Los teatros se construían generalmente con madera y yeso. Las descripciones individuales de los teatros brindan información adicional sobre su construcción, como las piedras de pedernal que se usaron para construir el Cisne. También se construyeron teatros para poder albergar a un gran número de personas.

Se desarrolló un modelo diferente con el Blackfriars Theatre, que comenzó a usarse regularmente a largo plazo en 1599. El Blackfriars era pequeño en comparación con los teatros anteriores y estaba techado en lugar de abierto al cielo. Se parecía a un teatro moderno en formas que sus predecesores no tenían. Siguieron otros pequeños teatros cerrados, en particular Whitefriars (1608) y Cockpit (1617). Con la construcción del Salisbury Court Theatre en 1629 cerca del sitio del desaparecido Whitefriars, el público londinense tenía seis teatros para elegir: tres grandes teatros públicos al aire libre supervivientes: el Globe, el Fortune y el Red Bull, y tres teatros privados cerrados más pequeños: Blackfriars, Cockpit y Salisbury Court. El público de la década de 1630 se benefició de medio siglo de vigoroso desarrollo dramatúrgico; las obras de Marlowe y Shakespeare y sus contemporáneos todavía se representaban con regularidad, principalmente en los teatros públicos, mientras que las obras más nuevas de los dramaturgos más nuevos también abundaban, principalmente en los teatros privados.

Audiencia

Alrededor de 1580, cuando tanto el Teatro como el Telón estaban llenos en los días de verano, la capacidad total del teatro de Londres era de unos 5000 espectadores. Con la construcción de nuevas instalaciones teatrales y la formación de nuevas compañías, la capacidad teatral total de Londres superó los 10.000 después de 1610.

Los precios de los boletos en general variaron durante este período de tiempo. El costo de la entrada se basaba en el lugar del teatro en el que una persona deseaba ubicarse o en lo que una persona podía pagar. Si la gente quisiera una mejor vista del escenario o estar más separada de la multitud, pagaría más por su entrada. Debido a la inflación que se produjo durante este período de tiempo, la admisión aumentó en algunos cines de un centavo a seis peniques o incluso más.

La mayoría de los teatros comerciales estaban ubicados fuera de los límites de la ciudad de Londres, ya que las autoridades de la ciudad tendían a desconfiar de las compañías de teatro para adultos, pero las obras las representaban compañías itinerantes por toda Inglaterra. Las compañías inglesas incluso realizaron giras y representaron obras de teatro inglesas en el extranjero, especialmente en Alemania y Dinamarca.

Los espectadores de clase alta pagarían por los asientos en las galerías y usarían cojines para mayor comodidad. En el Globe Theatre, los nobles podían sentarse directamente a un lado del escenario.

Actuaciones

Las compañías de actuación funcionaban con un sistema de repertorio: a diferencia de las producciones modernas que pueden durar meses o años, las compañías de esta época rara vez representaban la misma obra dos días seguidos. A Game at Chess de Thomas Middleton tuvo nueve funciones consecutivas en agosto de 1624 antes de que las autoridades lo cerraran; pero esto se debió al contenido político de la obra y fue un fenómeno único, sin precedentes e irrepetible. La temporada de 1592 de Lord Strange's Men en el Rose Theatre fue mucho más representativa: entre el 19 de febrero y el 23 de junio, la compañía actuó seis días a la semana, menos el Viernes Santo y otros dos días. Representaron 23 obras diferentes, algunas solo una vez, y su obra más popular de la temporada, La primera parte de Hieronimo, basada en La tragedia española de Kyd, 15 veces. Nunca jugaron la misma jugada dos días seguidos, y rara vez la misma jugada dos veces por semana. La carga de trabajo de los actores, especialmente de los actores principales como Richard Burbage o Edward Alleyn, debe haber sido tremenda.

Una característica distintiva de las empresas era que solo incluían hombres. Los papeles femeninos fueron interpretados por jugadores adolescentes vestidos con trajes de mujer. Algunas empresas estaban compuestas en su totalidad por jugadores masculinos. Las representaciones en los teatros públicos (como el Globe) tenían lugar por la tarde sin iluminación artificial, pero cuando, en el transcurso de una obra, la luz comenzaba a desvanecerse, se encendían velas. En los teatros privados cerrados (como Blackfriars) se utilizó iluminación artificial en todas partes. Las obras contenían poco o ningún escenario, ya que los actores describían el escenario o lo indicaba el vestuario a lo largo de la obra.

En la era isabelina, la investigación ha sido concluyente sobre cuántos actores y compañías había en el siglo XVI, pero pocas investigaciones profundizan en los roles de los actores en el escenario del renacimiento inglés. El primer punto es que durante la época isabelina no se permitía a las mujeres actuar en el escenario. Los actores eran todos hombres; de hecho, la mayoría eran niños. Para las obras escritas que tenían partes masculinas y femeninas, las partes femeninas fueron interpretadas por los jugadores más jóvenes. Los papeles femeninos más fuertes en las tragedias fueron interpretados por jugadores mayores porque tenían más experiencia. Como jugador masculino, se tuvieron que implementar muchas habilidades, como la voz y el atletismo (una de ellas era la esgrima).

En el entretenimiento isabelino se creaban comparsas y se las consideraba compañías de actores. Viajaron por Inglaterra ya que el teatro era el arte más entretenido en ese momento.

Los actores isabelinos nunca hacían el mismo espectáculo en días sucesivos y añadían una obra nueva a su repertorio cada dos semanas. A estos actores se les pagaba dentro de estas compañías, por lo que, por su trabajo, aprendían constantemente nuevas obras mientras recorrían diferentes ciudades de Inglaterra. En estas obras, había tenedores de libros que actuaban como narradores de estas obras y presentaban a los actores y los diferentes roles que desempeñaban. En algunos puntos, el tenedor de libros no declaraba la narrativa de la escena, para que la audiencia pudiera averiguarlo por sí misma. En las obras isabelinas y jacobeas, las obras a menudo excedían la cantidad de personajes/roles y no tenían suficientes actores para cumplirlos, por lo que surgió la idea de duplicar los roles. La duplicación de roles se utiliza para reforzar el tema de una obra de teatro haciendo que el actor represente los diferentes roles simultáneamente. La razón de esto fue que las compañías de actores controlaran los costos salariales o pudieran actuar en condiciones en las que no estuvieran presentes recursos como otras compañías de actores que prestan actores.

Hay dos estilos de actuación implementados: formal y natural. La actuación formal es objetiva y tradicional, mientras que la actuación natural intenta crear una ilusión para la audiencia permaneciendo en el personaje e imitando las circunstancias ficticias. El actor formal simboliza mientras que el actor natural interpreta. El actor natural personifica mientras que el actor formal representa el papel. Natural y formal son opuestos entre sí, donde la actuación natural es subjetiva. En general, el uso de estos estilos de actuación y el dispositivo dramático de doble papel hizo que las obras isabelinas fueran muy populares.

Disfraces

Disfraces de la era Isabela

Uno de los usos principales del vestuario durante la era isabelina fue compensar la falta de escenografía, escenario y accesorios en el escenario. Creó un efecto visual para la audiencia y fue una parte integral de la actuación general. Dado que el principal atractivo visual en el escenario eran los disfraces, a menudo eran de colores brillantes y visualmente fascinantes. Los colores simbolizaban la jerarquía social y los disfraces se hicieron para reflejar eso. Por ejemplo, si un personaje fuera de la realeza, su disfraz incluiría púrpura. Los colores, así como las diferentes telas de los trajes, permitieron al público conocer el estado de cada personaje cuando apareció por primera vez en el escenario.

Los disfraces se recopilaron en el inventario. La mayoría de las veces, los disfraces no se hacían individualmente para adaptarse al actor. En cambio, serían seleccionados de entre las acciones que mantendrían las compañías de teatro. Una compañía de teatro reutilizaba los disfraces cuando era posible y rara vez hacían nuevos disfraces. Los disfraces en sí eran caros, por lo que, por lo general, los jugadores usaban ropa contemporánea independientemente del período de tiempo de la obra. Las piezas más caras se entregaron a personajes de clase alta porque el vestuario se utilizó para identificar el estatus social en el escenario. Las telas dentro de una casa de juegos indicarían la riqueza de la propia empresa. Los tejidos más utilizados fueron: terciopelo, raso, seda, paño de oro, encaje y armiño. Para personajes menos significativos, los actores usarían su propia ropa.

Los actores también dejaron ropa en su testamento para que la usaran los siguientes actores. Los amos también dejaban ropa para los sirvientes en su testamento, pero a los sirvientes no se les permitía usar ropa elegante, sino que vendían la ropa a las compañías de teatro. En las eras Tudor e isabelina, había leyes que establecían que ciertas clases solo podían usar ropa adecuada a su estatus en la sociedad. Había una discriminación de estatus dentro de las clases. Las clases altas hacían alarde de su riqueza y poder a través de la apariencia de la ropa, sin embargo, las cortesanas y los actores eran las únicas excepciones, ya que la ropa representaba su 'capital de trabajo', por así decirlo, pero solo se les permitía vestirse así mientras trabaja. Si los actores pertenecían a una compañía de actuación con licencia, se les permitía vestirse por encima de su posición en la sociedad para roles específicos en una producción.

Dramaturgos

La creciente población de Londres, la creciente riqueza de su gente y su afición por el espectáculo produjeron una literatura dramática de notable variedad, calidad y extensión. Aunque la mayoría de las obras escritas para la escena isabelina se han perdido, quedan más de 600.

Las personas que escribieron estas obras eran principalmente hombres hechos a sí mismos con antecedentes modestos. Algunos de ellos fueron educados en Oxford o Cambridge, pero muchos no. Aunque William Shakespeare y Ben Jonson eran actores, la mayoría no parece haber sido intérpretes, y no se sabe que ningún autor importante que apareció en escena después de 1600 haya complementado sus ingresos actuando. Sus vidas estuvieron sujetas a los mismos niveles de peligro y mortalidad anterior que todos los que vivieron durante el período moderno temprano: Christopher Marlowe murió en una aparente pelea en una taberna, mientras que Ben Jonson mató a un actor en un duelo. Probablemente varios eran soldados.

A los dramaturgos normalmente se les pagaba en incrementos durante el proceso de escritura y, si se aceptaba su obra, también recibían las ganancias de la presentación de un día. Sin embargo, no tenían la propiedad de las obras que escribieron. Una vez que se vendía una obra a una empresa, la empresa era propietaria y el dramaturgo no tenía control sobre el reparto, la interpretación, la revisión o la publicación.

La profesión de dramaturgo era desafiante y estaba lejos de ser lucrativa. Las entradas en el diario de Philip Henslowe muestran que en los años alrededor de 1600, Henslowe pagaba tan solo 6 o 7 libras esterlinas por obra. Esto probablemente estaba en el extremo inferior del rango, aunque incluso los mejores escritores no podían exigir mucho más. Un dramaturgo, trabajando solo, generalmente podría producir dos obras al año como máximo. En la década de 1630, Richard Brome firmó un contrato con el Salisbury Court Theatre para presentar tres obras al año, pero no pudo cumplir con la carga de trabajo. Shakespeare produjo menos de 40 obras en solitario en una carrera que abarcó más de dos décadas: tuvo éxito financiero porque era actor y, lo que es más importante, accionista de la compañía para la que actuaba y de los teatros que utilizaban. Ben Jonson logró el éxito como proveedor de máscaras de la corte y tenía talento para jugar el juego del patrocinio que era una parte importante de la vida social y económica de la época. A los que eran puramente dramaturgos les fue mucho peor: las biografías de figuras tempranas como George Peele y Robert Greene, y posteriores como Brome y Philip Massinger, están marcadas por la incertidumbre financiera, la lucha y la pobreza.

Los dramaturgos lidiaron con la limitación natural de su productividad al combinarse en equipos de dos, tres, cuatro e incluso cinco para generar textos teatrales. La mayoría de las obras escritas en esta era eran colaboraciones, y los artistas solistas que generalmente evitaban los esfuerzos de colaboración, como Jonson y Shakespeare, eran las excepciones a la regla. Por supuesto, dividir el trabajo significaba dividir los ingresos; pero el arreglo parece haber funcionado lo suficientemente bien como para haber valido la pena. De las más de 70 obras conocidas en el canon de Thomas Dekker, aproximadamente 50 son colaboraciones. En un solo año (1598), Dekker trabajó en 16 colaboraciones para el empresario Philip Henslowe y ganó £ 30, o un poco menos de 12 chelines por semana, aproximadamente el doble que el ingreso promedio de un artesano de 1 s . por día. Al final de su carrera, Thomas Heywood afirmaría haber tenido "una mano entera, o al menos un dedo principal". en la autoría de unas 220 obras de teatro. Por lo general, un solista necesitaba meses para escribir una obra (aunque se dice que Jonson hizo Volpone en cinco semanas); El diario de Henslowe indica que un equipo de cuatro o cinco escritores podría producir una obra de teatro en tan solo dos semanas. Sin embargo, es cierto que el Diario también muestra que los equipos de dramaturgos de la casa de Henslowe (Anthony Munday, Robert Wilson, Richard Hathwaye, Henry Chettle y los demás, incluido incluso un joven John Webster) podrían iniciar un proyecto y aceptar avances. en él, pero no logran producir nada digno de escena.

Cronología de los dramaturgos del Renacimiento inglés

Las líneas amarillas cortas indican 27 años, la edad promedio en que estos autores comenzaron sus carreras como dramaturgos

Géneros

Los géneros de la época incluían la obra histórica, que representaba la historia inglesa o europea. Las obras de Shakespeare sobre la vida de los reyes, como Ricardo III y Enrique V, pertenecen a esta categoría, al igual que las de Christopher Marlowe. Edward II y la Famous Chronicle of King Edward the First de George Peele. Las obras históricas también trataban de acontecimientos más recientes, como A Larum for London, que dramatiza el saqueo de Amberes en 1576. Una obra más conocida, La batalla de Alcázar (c. 1591), representa la batalla de Alcácer Quibir en 1578.

La tragedia era un género muy popular. Las tragedias de Marlowe tuvieron un éxito excepcional, como Dr. Fausto y El judío de Malta. Al público le gustaron especialmente los dramas de venganza, como The Spanish Tragedy de Thomas Kyd. Las cuatro tragedias consideradas las más grandes de Shakespeare (Hamlet, Othello, King Lear y Macbeth) fueron compuestas durante este período.

Las comedias también eran comunes. Un subgénero desarrollado en este período fue la comedia urbana, que trata satíricamente la vida en Londres a la manera de la comedia nueva romana. Algunos ejemplos son The Shoemaker's Holiday de Thomas Dekker y A Chaste Maid in Cheapside de Thomas Middleton.

Aunque marginados, los géneros más antiguos como el pastoral (La fiel pastora, 1608) e incluso la obra de moralidad (Cuatro obras en una, ca. 1608-13) podría ejercer influencias. Aproximadamente después de 1610, el nuevo subgénero híbrido de la tragicomedia disfrutó de un florecimiento, al igual que la mascarada durante los reinados de los dos primeros reyes Estuardo, Jaime I y Carlos I.

Las obras de teatro sobre temas bíblicos eran comunes, siendo David y Bethsabe de Peele uno de los pocos ejemplos sobrevivientes.

Textos impresos

Solo se imprimió una minoría de las obras de teatro del Renacimiento inglés. De las 220 obras de teatro de Heywood, solo unas 20 se publicaron en forma de libro. Se publicaron un poco más de 600 obras en todo el período, más comúnmente en ediciones individuales en cuarto. (Las ediciones recopiladas más grandes, como las de las obras de Shakespeare, Ben Jonson y Beaumont y Fletcher, fueron un desarrollo tardío y limitado). Durante gran parte de la era moderna, se pensó que Los textos de obras de teatro eran artículos populares entre los lectores del Renacimiento que proporcionaban ganancias saludables para los papeleros que los imprimían y vendían. A principios del siglo XXI, el clima de la opinión académica cambió un poco sobre esta creencia: algunos investigadores contemporáneos argumentan que publicar obras de teatro era un negocio arriesgado y marginal, aunque otros han cuestionado esta conclusión. Algunos de los editores más exitosos del Renacimiento inglés, como William Ponsonby o Edward Blount, rara vez publicaban obras de teatro.

Sobrevivió una pequeña cantidad de obras de teatro de la época no en textos impresos sino en forma manuscrita.

El fin del teatro renacentista inglés

El creciente movimiento puritano era hostil hacia el teatro, ya que consideraban que el "entretenimiento" era pecaminoso. Políticamente, los dramaturgos y actores eran clientes de la monarquía y la aristocracia, y la mayoría apoyaba la causa realista. La facción puritana, poderosa durante mucho tiempo en Londres, obtuvo el control de la ciudad a principios de la Primera Guerra Civil Inglesa, y el 2 de septiembre de 1642, el Parlamento Largo, impulsado por el partido parlamentario, bajo la influencia puritana, prohibió la representación de obras de teatro en Londres. aunque no ordenó, contrariamente a lo que comúnmente se dice, el cierre, y mucho menos la destrucción, de los propios teatros:

Mientras que el Estado angustiado de Irlanda, empinado en su propia Sangre, y el Estado distraído de Inglaterra, amenazado con una nube de sangre por una guerra civil, pide a todos los posibles medios para apaciguar y evitar la ira de Dios, apareciendo en estos Juicios; entre ellos, el ayuno y la oración, habiendo sido a menudo tratado de ser muy eficaz, habiendo sido últimamente y todavía están unidos; y las Deportes Públicos Por lo tanto, se piensa apropiado, y ordenado, por los Señores y Comunes en este Parlamento reunidos, Que, mientras estas causas tristes y tiempos de humillación continúan, los juegos de escenario público cesarán, y serán prenacidos, en lugar de los cuales se recomiendan al pueblo de esta tierra las consideraciones provechosas y estacionales de arrepentimiento, reconciliación y paz con Dios, que probablemente puedan producir la paz y prosperidad hacia fuera, y traer a estas naciones.

—Oficina de Papel de Su Majestad, Actos y ordenanzas del Interregnum, 1642-1660, "Septiembre 1642: Orden para que los juegos de escenario cesen"

La Ley pretende que la prohibición sea temporal ("... mientras continúen estas tristes causas y los Tiempos establecidos de Humillación, las Obras de Teatro Público cesarán y no existirán"), pero no asigna un límite de tiempo. lo.

Incluso después de 1642, durante la Guerra Civil Inglesa y el subsiguiente Interregno (Mancomunidad Inglesa), algunos teatros renacentistas ingleses continuaron. Por ejemplo, las autoridades permitieron obras cómicas cortas llamadas Drolls, mientras que prohibieron las obras de teatro de larga duración. Los edificios del teatro no se cerraron, sino que se utilizaron para fines distintos a la puesta en escena de obras de teatro.

La representación de obras permaneció prohibida durante la mayor parte de los siguientes dieciocho años, y se volvió a permitir después de la Restauración de la monarquía en 1660. Los teatros comenzaron a representar muchas de las obras de la era anterior, aunque a menudo en formas adaptadas. Pronto se desarrollaron nuevos géneros de comedia y espectáculo de la Restauración, lo que le dio al teatro inglés de finales del siglo XVII su carácter distintivo.

Lista de dramaturgos

Actores

Casas de juegos

Compañías de juego

Cronología de las compañías musicales del Renacimiento inglés

Inglés Renacimiento jugar compañía timeline

Esta cronología traza la existencia de las principales compañías inglesas de juego desde 1572 ("Acte para el castigo de Vacabondes", que restringía legalmente la actuación a jugadores con un patrón de grado suficiente) hasta 1642 (el cierre de los teatros por el Parlamento). Antes de 1572 existía una variedad de actores ambulantes e incluso las primeras compañías con sede en Londres. Las situaciones a menudo eran fluidas y gran parte de esta historia es oscura; esta línea de tiempo implica necesariamente más precisión de la que existe en algunos casos. Las etiquetas a la izquierda indican los nombres más comunes de las empresas. Los segmentos de la barra indican el usuario específico. En el caso de las empresas infantiles (situación jurídica distinta) se señalan algunos fundadores.

Otras cifras significativas

• Susan Baskervile, inversionista y litigante
• William Beeston, gerente
• George Buc, Maestro de los Revels 1609-1622
• Cuthbert Burbage, empresario
• James Burbage, empresario
• Ralph Crane, escriba
• Philip Henslowe, empresario
• Henry Herbert, Maestro de los Revels 1623-1673
• Edward Knight, prompter
• Francis Langley, empresario
• John Rhodes, gerente
• Edmund Tilney, Maestro de los Revels 1579-1609

Notas y referencias

Notas