Stanley Kubrick

Stanley Kubrick (26 de julio de 1928 - 7 de marzo de 1999) fue un director de cine, productor, guionista y fotógrafo estadounidense. Ampliamente considerado como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos, sus películas, casi todas adaptaciones de novelas o cuentos, cubren una amplia gama de géneros y se destacan por su cinematografía innovadora, humor negro, atención realista a los detalles y un extenso set. diseños

Kubrick se crió en el Bronx, Nueva York, y asistió a la escuela secundaria William Howard Taft de 1941 a 1945. Recibió calificaciones promedio, pero mostró un gran interés por la literatura, la fotografía y el cine desde muy joven, y aprendió por sí mismo. todos los aspectos de la producción y dirección cinematográfica después de graduarse de la escuela secundaria. Después de trabajar como fotógrafo para la revista Look a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, comenzó a hacer cortometrajes con presupuestos reducidos y realizó su primera gran película de Hollywood, The Killing, para United Artists en 1956. A esto le siguieron dos colaboraciones con Kirk Douglas: el cuadro de guerra Paths of Glory (1957) y la epopeya histórica Spartacus (1960).

Las diferencias creativas que surgieron de su trabajo con Douglas y los estudios de cine, una aversión por la industria de Hollywood y una creciente preocupación por el crimen en Estados Unidos llevaron a Kubrick a mudarse al Reino Unido en 1961, donde pasó la mayor parte de su vida restante. y carrera Su casa en Childwickbury Manor en Hertfordshire, que compartía con su esposa Christiane, se convirtió en su lugar de trabajo, donde escribía, investigaba, editaba y gestionaba los detalles de producción. Esto le permitió tener un control artístico casi completo sobre sus películas, pero con la rara ventaja de contar con el apoyo financiero de los principales estudios de Hollywood. Sus primeras producciones en Gran Bretaña fueron dos películas con Peter Sellers: Lolita (1962), una adaptación de la novela de Vladimir Nabokov, y la comedia negra de la Guerra Fría Dr. Amor extraño (1964).

Un perfeccionista exigente, Kubrick asumió el control de la mayoría de los aspectos del proceso cinematográfico, desde la dirección y la escritura hasta la edición, y se ocupó minuciosamente de la investigación de sus películas y la puesta en escena de las escenas, trabajando en estrecha coordinación con sus actores, equipo y otros colaboradores.. A menudo pedía varias docenas de repeticiones de la misma toma en una película, lo que generaba muchos conflictos con sus actores. A pesar de la notoriedad resultante entre los actores, muchas de las películas de Kubrick abrieron nuevos caminos en la cinematografía. El realismo científico y los innovadores efectos especiales de la epopeya de ciencia ficción 2001: Una odisea del espacio (1968) no tenían precedentes en la historia del cine, y la película le valió su único Oscar personal, a los Mejores Efectos Visuales.. Steven Spielberg se ha referido a la película como el 'big bang' de su generación; es considerada como una de las mejores películas jamás realizadas.

Si bien muchas de las películas de Kubrick fueron controvertidas e inicialmente recibieron críticas mixtas tras su estreno, en particular la brutal La naranja mecánica (1971), que Kubrick sacó de circulación en el Reino Unido tras una masiva frenesí mediático: la mayoría fueron nominados a los Oscar, los Globos de Oro o los premios BAFTA, y se sometieron a reevaluaciones críticas. Para la película de época del siglo XVIII Barry Lyndon (1975), Kubrick obtuvo lentes desarrollados por Zeiss para la NASA, para filmar escenas bajo la luz natural de las velas. Con la película de terror The Shining (1980), se convirtió en uno de los primeros directores en utilizar Steadicam para travellings fluidos y estabilizados, una tecnología vital para su película sobre la Guerra de Vietnam Full Metal. Chaqueta (1987). Su última película, Eyes Wide Shut, se completó poco antes de su muerte en 1999 a la edad de 70 años.

Primeros años

Retrato de la secundaria de Kubrick, de 16 años, c.1944-1945

Kubrick nació el 26 de julio de 1928 en el Lying-In Hospital de Manhattan, Nueva York, en el seno de una familia judía. Fue el primero de los dos hijos de Jacob Leonard Kubrick (21 de mayo de 1902 - 19 de octubre de 1985), conocido como Jack o Jacques, y su esposa Sadie Gertrude Kubrick (de soltera Perveler; 28 de octubre de 1903 - 23 de abril de 1985), conocido como Gert. Su hermana Barbara Mary Kubrick nació en mayo de 1934. Jack Kubrick, cuyos padres y abuelos paternos eran de origen polaco-judío y rumano-judío, era médico homeópata y se graduó en la Facultad de Medicina Homeopática de Nueva York en 1927, el mismo año en que se casó con la madre de Kubrick, hija de inmigrantes judíos austríacos. El bisabuelo de Kubrick, Hersh Kubrick, llegó a Ellis Island vía Liverpool en barco el 27 de diciembre de 1899, a la edad de 47 años, dejando atrás a su esposa y dos hijos adultos, uno de los cuales era el hijo de Stanley. abuelo Elias, para comenzar una nueva vida con una mujer más joven. Elias Kubrick siguió en 1902. Cuando nació Stanley, los Kubrick vivían en el Bronx. Sus padres se casaron en una ceremonia judía, pero Kubrick no tuvo una educación religiosa y luego profesó una visión atea del universo. Su padre era médico y, según los estándares del West Bronx, la familia era bastante rica.

Poco después del nacimiento de su hermana, Kubrick comenzó a estudiar en la Escuela Pública 3 en el Bronx y se mudó a la Escuela Pública 90 en junio de 1938. Se descubrió que su coeficiente intelectual estaba por encima del promedio, pero su asistencia era deficiente. Mostró interés por la literatura desde muy joven y comenzó a leer mitos griegos y romanos y las fábulas de los hermanos Grimm, lo que "inculcó en él una afinidad con Europa de por vida". Pasó la mayoría de los sábados durante el verano viendo a los Yankees de Nueva York y luego fotografió a dos niños viendo el juego en una tarea para la revista Look para emular su propio entusiasmo infantil con el béisbol. Cuando Kubrick tenía 12 años, su padre Jack le enseñó ajedrez. El juego siguió siendo un interés de toda la vida de Kubrick, apareciendo en muchas de sus películas. Kubrick, quien luego se convirtió en miembro de la Federación de Ajedrez de los Estados Unidos, explicó que el ajedrez lo ayudó a desarrollar "paciencia y disciplina" en la toma de decisiones. Cuando Kubrick tenía 13 años, su padre le compró una cámara Graflex, lo que provocó su fascinación por la fotografía fija. Se hizo amigo de un vecino, Marvin Traub, con quien compartía su pasión por la fotografía. Traub tenía su propio cuarto oscuro donde él y el joven Kubrick pasaban muchas horas examinando fotografías y observando los productos químicos 'mágicamente crean imágenes en papel fotográfico'. Los dos se entregaron a numerosos proyectos fotográficos para los que deambularon por las calles en busca de temas interesantes para capturar y pasaron tiempo en los cines locales estudiando películas. El fotógrafo independiente Weegee (Arthur Fellig) tuvo una influencia considerable en el desarrollo de Kubrick como fotógrafo; Más tarde, Kubrick contrató a Fellig como fotógrafo especial de Dr. Amor extraño (1964). Cuando era adolescente, Kubrick también estaba interesado en el jazz e intentó brevemente una carrera como baterista.

Kubrick asistió a la escuela secundaria William Howard Taft de 1941 a 1945. Aunque se unió al club de fotografía de la escuela, lo que le permitió fotografiar los eventos de la escuela en su revista, era un estudiante mediocre, con un promedio de calificaciones de 67/D+. Introvertido y tímido, Kubrick tenía un historial de baja asistencia y, a menudo, faltaba a la escuela para ver películas de doble largometraje. Se graduó en 1945, pero sus bajas calificaciones, combinadas con la demanda de admisión a la universidad por parte de los soldados que regresaban de la Segunda Guerra Mundial, eliminaron cualquier esperanza de educación superior. Más adelante en su vida, Kubrick habló con desdén de su educación y de la educación estadounidense en su conjunto, y sostuvo que las escuelas eran ineficaces para estimular el pensamiento crítico y el interés de los estudiantes. Su padre estaba decepcionado por el fracaso de su hijo en lograr la excelencia en la escuela de la que sabía que Stanley era plenamente capaz. Jack también animó a Stanley a leer de la biblioteca familiar en casa, mientras permitía que Stanley tomara la fotografía como un pasatiempo serio.

Carrera fotográfica

Retrato de Kubrick con una cámara en el Teatro de los Wells de Sadler en Londres, 1949, mientras que un fotógrafo de personal para Mira.

Mientras estaba en la escuela secundaria, Kubrick fue elegido como fotógrafo oficial de la escuela. A mediados de la década de 1940, dado que no pudo obtener la admisión a las clases diurnas en las universidades, asistió brevemente a clases nocturnas en el City College de Nueva York. Eventualmente, vendió una serie fotográfica a la revista Look, que se imprimió el 26 de junio de 1945. Kubrick complementó sus ingresos jugando al ajedrez "por cuartos" en Washington Square Park y varios clubes de ajedrez de Manhattan.

En 1946, se convirtió en aprendiz de fotógrafo para Look y luego en fotógrafo de tiempo completo. G. Warren Schloat, Jr., otro nuevo fotógrafo de la revista en ese momento, recordó que pensaba que a Kubrick le faltaba la personalidad para triunfar como director en Hollywood y comentó: "Stanley era un tipo tranquilo". No dijo mucho. Era delgado, flaco y un poco pobre, como todos lo éramos." Kubrick rápidamente se hizo conocido por su narración de historias en fotografías. El primero, publicado el 16 de abril de 1946, se tituló "A Short Story from a Movie Balcony" y escenificó una pelea entre un hombre y una mujer, durante la cual el hombre es abofeteado en la cara, tomado genuinamente por sorpresa. En otra tarea, se tomaron 18 fotografías de varias personas esperando en un consultorio dental. Se ha dicho retrospectivamente que este proyecto demostró un interés temprano de Kubrick en capturar a las personas y sus sentimientos en entornos mundanos. En 1948, fue enviado a Portugal para documentar un artículo de viaje y cubrió Ringling Bros. y Barnum & Circo Bailey en Sarasota, Florida.

Foto de un paisaje callejero de Chicago tomado por Kubrick para Mira. revista, 1949

Apasionado del boxeo, Kubrick finalmente comenzó a fotografiar combates de boxeo para la revista. Su primera obra, 'Prizefighter', se publicó el 18 de enero de 1949 y capturó un combate de boxeo y los acontecimientos que lo precedieron, con la participación de Walter Cartier. El 2 de abril de 1949, publicó el ensayo fotográfico "Chicago-City of Extremes" en Look, que mostró su talento desde el principio para crear atmósfera con imágenes. Al año siguiente, en julio de 1950, la revista publicó su ensayo fotográfico, "Debutante trabajadora: Betsy von Furstenberg", que presentaba un retrato de Pablo Picasso de Ángel F. de Soto de fondo. A Kubrick también se le asignó la fotografía de numerosos músicos de jazz, desde Frank Sinatra y Erroll Garner hasta George Lewis, Eddie Condon, Phil Napoleon, Papa Celestin, Alphonse Picou, Muggsy Spanier, Sharkey Bonano y otros.

Kubrick se casó con su novia de la escuela secundaria, Toba Metz, el 28 de mayo de 1948. Vivían juntos en un pequeño apartamento en 36 West 16th Street, en la Sexta Avenida, justo al norte de Greenwich Village. Durante este tiempo, Kubrick comenzó a frecuentar las proyecciones de películas en el Museo de Arte Moderno y los cines de la ciudad de Nueva York. Se inspiró en el trabajo de cámara complejo y fluido del director Max Ophüls, cuyas películas influyeron en el estilo visual de Kubrick, y en el director Elia Kazan, a quien describió como el "mejor director" de Estados Unidos. en ese momento, con su habilidad de "realizar milagros" con sus actores. Los amigos comenzaron a notar que Kubrick se había obsesionado con el arte del cine: un amigo, David Vaughan, observó que Kubrick examinaba la película en el cine cuando se quedaba en silencio y volvía a leer su periódico cuando la gente comenzaba a hablar. Pasó muchas horas leyendo libros sobre teoría del cine y escribiendo notas. Se inspiró especialmente en Sergei Eisenstein y Arthur Rothstein, el director técnico fotográfico de la revista Look.

Carrera cinematográfica

Cortometrajes (1951-1953)

Kubrick compartió el amor por el cine con su amigo de la escuela Alexander Singer, quien después de graduarse de la escuela secundaria tenía la intención de dirigir una versión cinematográfica de la Ilíada de Homero. A través de Singer, que trabajaba en las oficinas de la productora de noticieros The March of Time, Kubrick se enteró de que hacer un cortometraje adecuado podía costar 40.000 dólares, dinero que no podía permitirse. Tenía $1500 en ahorros y produjo algunos documentales cortos impulsados por el estímulo de Singer. Comenzó a aprender todo lo que pudo sobre cine por su cuenta, llamando a proveedores de películas, laboratorios y casas de alquiler de equipos.

Kubrick decidió hacer un documental corto sobre el boxeador Walter Cartier, a quien había fotografiado y escrito para la revista Look un año antes. Alquiló una cámara y produjo un documental en blanco y negro de 16 minutos, Day of the Fight. Kubrick encontró el dinero de forma independiente para financiarlo. Había considerado pedirle a Montgomery Clift que lo narrara, a quien había conocido durante una sesión fotográfica para Look, pero se decidió por el veterano de noticias de CBS, Douglas Edwards. Según Paul Duncan, la película fue "notablemente lograda para ser una primera película", y utilizó un travelling hacia atrás para filmar una escena en la que Cartier y su hermano caminan hacia la cámara, un dispositivo que luego se convirtió en uno de Kubrick. #39;s movimientos de cámara característicos. Vincent Cartier, el hermano y manager de Walter, reflexionó más tarde sobre sus observaciones de Kubrick durante el rodaje. Dijo: "Stanley era una persona muy estoica, impasible pero imaginativa con pensamientos fuertes e imaginativos". Imponía respeto de una manera tranquila y tímida. Lo que él quería, tú cumplías, simplemente te cautivaba. Cualquiera que haya trabajado con Stanley hizo exactamente lo que Stanley quería". Después de que el amigo de Singer, Gerald Fried, agregara una partitura, Kubrick había gastado $ 3900 en hacerlo y se lo vendió a RKO-Pathé por $ 4000, que era lo más que la compañía había pagado por un cortometraje en ese momento. Kubrick describió su primer esfuerzo cinematográfico como valioso, ya que creía que se había visto obligado a hacer la mayor parte del trabajo, y luego declaró que "la mejor educación cinematográfica es hacer una".

Inspirado por este éxito temprano, Kubrick renunció a su trabajo en Look y visitó a cineastas profesionales en la ciudad de Nueva York, haciéndoles muchas preguntas detalladas sobre los aspectos técnicos de la realización cinematográfica. Afirmó que le dieron la confianza durante este período para convertirse en cineasta debido a la cantidad de películas malas que había visto, y comentó: "No sé nada sobre películas, pero sé que puedo". hacer una película mejor que esa". Comenzó a hacer Flying Padre (1951), una película que documenta al reverendo Fred Stadtmueller, quien viaja unas 4000 millas para visitar sus 11 iglesias. Originalmente, la película se iba a llamar 'Sky Pilot', un juego de palabras con el término del argot para referirse a un sacerdote. Durante el transcurso de la película, el sacerdote realiza un servicio de entierro, se enfrenta a un niño que intimida a una niña y realiza un vuelo de emergencia para ayudar a una madre enferma y a su bebé a subir a una ambulancia. Varias de las vistas desde y del avión en Flying Padre se repiten más tarde en 2001: A Space Odyssey (1968) con imágenes de la nave espacial y una serie de acercamientos. Los retoques en los rostros de las personas que asistieron al funeral probablemente se inspiraron en Battleship Potemkin (1925) e Ivan the Terrible (1944/1958) de Sergei Eisenstein.

Flying Padre le siguió The Seafarers (1953), la primera película en color de Kubrick, que se rodó para el Sindicato Internacional de Marinos en junio de 1953. describió la logística de una unión democrática y se centró más en las comodidades de la navegación que en el acto. Para la escena de la cafetería en la película, Kubrick eligió un plano rodante para establecer la vida de la comunidad de marineros; este tipo de tiro se convertiría más tarde en una técnica característica. La secuencia de Paul Hall, secretario-tesorero de SIU Atlantic and gulf district, hablando con miembros del sindicato recuerda escenas de la Huelga de Eisenstein (1925) y Octubre (1928). Day of the Fight, Flying Padre y The Seafarers constituyen las únicas obras documentales supervivientes de Kubrick; algunos historiadores creen que hizo otros.

Primeros trabajos destacados (1953-1955)

Después de recaudar $1000 para mostrar sus cortometrajes a amigos y familiares, Kubrick encontró los fondos para comenzar a hacer su primer largometraje, Fear and Desire (1953), originalmente con el título The Trap, escrito por su amigo Howard Sackler. El tío de Kubrick, Martin Perveler, propietario de una farmacia de Los Ángeles, invirtió otros 9000 dólares con la condición de que se le acreditara como productor ejecutivo de la película. Kubrick reunió a varios actores y un pequeño equipo de 14 personas (cinco actores, cinco miembros del equipo y otros cuatro para ayudar a transportar el equipo) y voló a las montañas de San Gabriel en California para una filmación de bajo presupuesto de cinco semanas. Más tarde rebautizada como La forma del miedo antes de finalmente llamarse Miedo y deseo, es una alegoría ficticia sobre un equipo de soldados que sobreviven a un accidente aéreo y quedan atrapados tras las líneas enemigas en una guerra Durante el transcurso de la película, uno de los soldados se enamora de una chica atractiva en el bosque y la ata a un árbol. Esta escena destaca por sus primeros planos del rostro de la actriz. Kubrick tenía la intención de que Miedo y deseo fuera una película muda para garantizar bajos costos de producción; los sonidos, efectos y música agregados finalmente llevaron los costos de producción a alrededor de $ 53,000, excediendo el presupuesto. Fue rescatado por el productor Richard de Rochemont con la condición de que ayudara en la producción de de Rochemont de una serie de televisión de cinco partes sobre Abraham Lincoln en Hodgenville, Kentucky.

Fear and Desire fue un fracaso comercial, pero obtuvo varias críticas positivas tras su lanzamiento. Críticos como el crítico de The New York Times creían que la profesionalidad de Kubrick como fotógrafo brillaba en la imagen y que "artísticamente captó destellos de las grotescas actitudes de la muerte"., el carácter lobuno de los hombres hambrientos, así como su bestialidad, y en una escena, el efecto atormentador de la lujuria en un soldado lastimosamente joven y la niña sujetada que está custodiando. El académico de la Universidad de Columbia, Mark Van Doren, quedó muy impresionado por las escenas con la niña atada al árbol, y comentó que viviría como un 'hermoso, aterrador y extraño'. secuencia que ilustró el inmenso talento de Kubrick y garantizó su futuro éxito. El propio Kubrick expresó más tarde su vergüenza con Fear and Desire y, a lo largo de los años, intentó mantener las copias de la película fuera de circulación. Durante la producción de la película, Kubrick casi mata a su elenco con gases venenosos por error.

Después de Fear and Desire, Kubrick comenzó a trabajar en ideas para una nueva película de boxeo. Debido al fracaso comercial de su primer largometraje, Kubrick evitó solicitar más inversiones, pero comenzó un guión de cine negro con Howard O. Sackler. Originalmente bajo el título Kiss Me, Kill Me, y luego The Nymph and the Maniac, Killer's Kiss (1955) es un Película negra de 67 minutos sobre la participación de un joven boxeador de peso pesado con una mujer que es abusada por su jefe criminal. Al igual que Fear and Desire, fue financiado de forma privada por la familia y los amigos de Kubrick, con unos 40.000 dólares aportados por el farmacéutico del Bronx, Morris Bousse. Kubrick comenzó a filmar imágenes en Times Square y exploraba con frecuencia durante el proceso de filmación, experimentando con la cinematografía y considerando el uso de ángulos e imágenes no convencionales. Inicialmente eligió grabar el sonido en el lugar, pero encontró dificultades con las sombras de los brazos del micrófono, lo que restringió el movimiento de la cámara. Su decisión de abandonar el sonido en favor de las imágenes fue costosa; después de 12 a 14 semanas de filmar la película, pasó unos siete meses y 35 000 dólares trabajando en el sonido. Chantaje (1929) de Alfred Hitchcock influyó directamente en la película con la pintura riéndose de un personaje, y Martin Scorsese, a su vez, ha citado los ángulos de disparo innovadores y las tomas atmosféricas de Kubrick en Killer's Kiss como influencia en Raging Bull (1980). La actriz Irene Kane, la estrella de Killer's Kiss, comentó: "Stanley's es un personaje fascinante. Piensa que las películas deben moverse, con un mínimo de diálogo, y está a favor del sexo y el sadismo. Killer's Kiss tuvo un éxito comercial limitado y ganó muy poco dinero en comparación con su presupuesto de producción de $75,000. Los críticos han elogiado el trabajo de cámara de la película, pero su actuación e historia generalmente se consideran mediocres.

Éxito en Hollywood y más allá (1955–1962)

Mientras jugaba al ajedrez en Washington Square, Kubrick conoció al productor James B. Harris, quien consideraba a Kubrick como "la persona más inteligente y creativa con la que he estado en contacto". Los dos formaron Harris-Kubrick Pictures Corporation en 1955. Harris compró los derechos de la novela Clean Break de Lionel White por $10,000 y Kubrick escribió el guión, pero por sugerencia de Kubrick, contrataron al novelista de cine negro Jim Thompson para escribir el diálogo de la película, que se convirtió en The Killing (1956), sobre un robo meticulosamente planeado en una pista de carreras que salió mal. La película estaba protagonizada por Sterling Hayden, quien había impresionado a Kubrick con su actuación en La jungla de asfalto (1950).

Kubrick y Harris se mudaron a Los Ángeles y firmaron con la Agencia Jaffe para filmar la película, que se convirtió en el primer largometraje de Kubrick filmado con un elenco y un equipo profesional. The Union in Hollywood declaró que a Kubrick no se le permitiría ser director y director de fotografía, lo que resultó en la contratación del veterano director de fotografía Lucien Ballard. Kubrick accedió a renunciar a su tarifa por la producción, que se rodó en 24 días con un presupuesto de 330.000 dólares. Se enfrentó a Ballard durante el tiroteo y, en una ocasión, Kubrick amenazó con despedir a Ballard luego de una disputa con la cámara, a pesar de tener solo 27 años y 20 años menos que Ballard. Hayden recordó que Kubrick era "frío y distante". Muy mecánico, siempre confiado. He trabajado con pocos directores que sean tan buenos.

The Killing no pudo asegurar un lanzamiento adecuado en los Estados Unidos; la película recaudó poco dinero y se promocionó solo en el último minuto, como segundo largometraje de la película occidental Bandido! (1956). Varios críticos contemporáneos elogiaron la película, y un crítico de Time comparó su trabajo de cámara con el de Orson Welles. Hoy en día, los críticos generalmente consideran que The Killing se encuentra entre las mejores películas de los inicios de la carrera de Kubrick; su narrativa no lineal y su ejecución clínica también tuvieron una gran influencia en los directores posteriores de películas policiales, incluido Quentin Tarantino. Dore Schary de Metro-Goldwyn-Mayer también quedó muy impresionada y ofreció a Kubrick y Harris 75.000 dólares para escribir, dirigir y producir una película, que finalmente se convirtió en Paths of Glory (1957).

Kubrick durante el rodaje de Sendas de la Gloria en 1957

Senderos de gloria, ambientada durante la Primera Guerra Mundial, está basada en la novela contra la guerra de 1935 de Humphrey Cobb. Schary estaba familiarizado con la novela, pero afirmó que MGM no financiaría otra película de guerra, dado su respaldo a la película contra la guerra The Red Badge of Courage (1951). Después de que Schary fuera despedido por MGM en una importante reorganización, Kubrick y Harris lograron interesar a Kirk Douglas en interpretar al Coronel Dax. Douglas, a su vez, contrató a Harris-Kubrick Pictures para un acuerdo de coproducción de tres películas con su productora cinematográfica, Bryna Productions, que aseguró un acuerdo de financiación y distribución para Paths of Glory y dos películas posteriores. con Artistas Unidos. La película, filmada en Munich, a partir de marzo de 1957, sigue a una unidad del ejército francés a la que se le ordena una misión imposible, y sigue con un juicio de guerra de tres soldados, elegidos arbitrariamente, por mala conducta. Dax es asignado para defender a los hombres en la corte marcial. Para la escena de la batalla, Kubrick alineó meticulosamente seis cámaras una tras otra a lo largo del límite de la tierra de nadie, con cada cámara capturando un campo específico y numerado, y le dio a cada uno de los cientos de extras un número para el zona en la que morirían. Kubrick operó una cámara Arriflex para la batalla, enfocándose en Douglas. Paths of Glory se convirtió en el primer éxito comercial significativo de Kubrick y lo estableció como un joven cineasta prometedor. Los críticos elogiaron las escenas de combate sin sentimentalismos, sobrias y sin adornos de la película y su cinematografía cruda en blanco y negro. A pesar de los elogios, la fecha de lanzamiento navideña fue criticada y el tema fue controvertido en Europa. La película estuvo prohibida en Francia hasta 1974 por su "poco halagador" representación del ejército francés y fue censurada por el ejército suizo hasta 1970.

En octubre de 1957, después de que Paths of Glory tuviera su estreno mundial en Alemania, Bryna Productions optó por la autobiografía del ministro de la iglesia canadiense convertido en maestro ladrón de cajas fuertes Herbert Emerson Wilsons, I Robó $16,000,000, especialmente para Stanley Kubrick y James B. Harris. La película sería la segunda en el acuerdo de coproducción entre Bryna Productions y Harris-Kubrick Pictures, que Kubrick escribiría y dirigiría, Harris coproduciría y Douglas coproduciría y protagonizaría. En noviembre de 1957, Gavin Lambert fue contratado como editor de historia para Robé $ 16,000,000, y con Kubrick, terminó un guión titulado God Fearing Man, pero la imagen nunca se filmó.

Marlon Brando se puso en contacto con Kubrick y le pidió que dirigiera una adaptación cinematográfica de la novela occidental de Charles Neider, La auténtica muerte de Hendry Jones, protagonizada por Pat Garrett y Billy the Kid. Brando quedó impresionado y dijo: "Stanley es inusualmente perceptivo y delicadamente sintonizado con las personas". Tiene un intelecto hábil y es un pensador creativo, no un repetidor, no un recopilador de datos. Él digiere lo que aprende y aporta a un nuevo proyecto un punto de vista original y una pasión reservada". Los dos trabajaron en un guión durante seis meses, iniciado por un entonces desconocido Sam Peckinpah. Muchas disputas surgieron por el proyecto y, finalmente, Kubrick se distanció de lo que sería One-Eyed Jacks (1961).

Kubrick y Tony Curtis en el set de Spartacus en 1960

En febrero de 1959, Kubrick recibió una llamada telefónica de Kirk Douglas pidiéndole que dirigiera Spartacus (1960), basada en la histórica Spartacus y la Tercera Guerra Servil. Douglas había adquirido los derechos de la novela de Howard Fast y el guionista en la lista negra Dalton Trumbo comenzó a escribir el guión. Fue producido por Douglas, quien también interpretó a Spartacus, y eligió a Laurence Olivier como su enemigo, el general y político romano Marcus Licinius Crassus. Douglas contrató a Kubrick por una tarifa de 150.000 dólares para hacerse cargo de la dirección poco después de que despidiera al director Anthony Mann. Kubrick, a los 31 años, ya había dirigido cuatro largometrajes, y este se convirtió en el más largo con diferencia, con un reparto de más de 10.000 y un presupuesto de 6 millones de dólares. En ese momento, esta era la película más cara jamás realizada en Estados Unidos, y Kubrick se convirtió en el director más joven en la historia de Hollywood en hacer una epopeya. Fue la primera vez que Kubrick filmó utilizando el proceso Super Technirama horizontal anamórfico de 35 mm para lograr una definición ultraalta, lo que le permitió capturar grandes escenas panorámicas, incluida una con 8.000 soldados entrenados de España que representaban al ejército romano.

Estallaron disputas durante el rodaje de Spartacus. Kubrick se quejó de no tener un control creativo total sobre los aspectos artísticos e insistió en improvisar mucho durante la producción. Kubrick y Douglas también estaban en desacuerdo sobre el guión, con Kubrick enojando a Douglas cuando cortó todas sus líneas menos dos de los primeros 30 minutos. A pesar de los problemas en el set, Spartacus recaudó $14.6 millones en taquilla en su primera carrera. La película estableció a Kubrick como un director importante, recibió seis nominaciones al Premio de la Academia y ganó cuatro; finalmente lo convenció de que si se podía hacer tanto de una producción tan problemática, podría lograr cualquier cosa. Spartacus también marcó el final de la relación laboral entre Kubrick y Douglas.

Colaboración con Peter Sellers (1962–1964)

Lolita

Dos fotografías de retratos, ambas tomadas por Kubrick, de Sue Lyon, que desempeñó el papel de Dolores "Lolita" Haze en Lolita.

Kubrick y Harris decidieron filmar la próxima película de Kubrick, Lolita (1962), en Inglaterra, debido a las cláusulas que los productores Warner Bros. pusieron en el contrato que les daba control total sobre la película., y el hecho de que el plan Eady permitía a los productores cancelar los costos si el 80% de la tripulación era británica. En cambio, firmaron un contrato de 1 millón de dólares con Associated Artists Productions de Eliot Hyman y una cláusula que les otorgaba la libertad artística que deseaban. Lolita, el primer intento de comedia negra de Kubrick, fue una adaptación de la novela del mismo nombre de Vladimir Nabokov, la historia de un profesor universitario de mediana edad que se enamora de un niño de 12 años. -vieja. Estilísticamente, Lolita, protagonizada por Peter Sellers, James Mason, Shelley Winters y Sue Lyon, fue una película de transición para Kubrick, "marcando el punto de inflexión de un cine naturalista... al surrealismo de las últimas películas”, según el crítico de cine Gene Youngblood. Kubrick quedó impresionado por la variedad del actor Peter Sellers y le dio una de sus primeras oportunidades para improvisar salvajemente durante el rodaje, mientras lo filmaba con tres cámaras.

Kubrick rodó Lolita durante 88 días con un presupuesto de 2 millones de dólares en Elstree Studios, entre octubre de 1960 y marzo de 1961. Kubrick a menudo chocaba con Shelley Winters, a quien encontraba "muy difícil".; y exigente, y casi disparado en un punto. Por su provocativa historia, Lolita fue la primera película de Kubrick en generar polémica; finalmente se vio obligado a cumplir con los censores y eliminar gran parte del elemento erótico de la relación entre Mason's Humbert y Lyon's Lolita que había sido evidente en la novela de Nabokov. La película no fue un gran éxito comercial o de crítica, ganando $ 3,7 millones en taquilla en su estreno. Desde entonces, Lolita ha sido aclamada por la crítica.

Dr. Amor extraño

Kubrick durante la producción de Dr. Strangelove en 1963

El siguiente proyecto de Kubrick fue Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964), otra comedia negra satírica. Kubrick se preocupó por el tema de la guerra nuclear a medida que se desarrollaba la Guerra Fría en la década de 1950, e incluso consideró mudarse a Australia porque temía que la ciudad de Nueva York pudiera ser un objetivo probable para los rusos. Estudió más de 40 libros de investigación militar y política sobre el tema y finalmente llegó a la conclusión de que "nadie sabía realmente nada y toda la situación era absurda".

Tras comprar los derechos de la novela Red Alert, Kubrick colaboró con su autor, Peter George, en el guión. Originalmente fue escrito como un thriller político serio, pero Kubrick decidió que un "tratamiento serio" del tema no sería creíble, y pensó que algunos de sus puntos más destacados serían pasto de la comedia. El productor y amigo de toda la vida de Kubrick, James B. Harris, pensó que la película debería ser seria, y los dos se separaron amistosamente por este desacuerdo: Harris pasó a producir y dirigir el thriller serio de la guerra fría El incidente de Bedford. Kubrick y el autor de Red Alert, George, reelaboraron el guión como una sátira (titulada provisionalmente "El delicado equilibrio del terror") en la que la trama de Red Alert se situó como una película dentro de una película realizada por una inteligencia alienígena, pero esta idea también se abandonó y Kubrick decidió hacer la película como 'una escandalosa comedia negra'.;.

Justo antes de que comenzara la filmación, Kubrick contrató al destacado periodista y autor satírico Terry Southern para transformar el guión en su forma final, una comedia negra, cargada de insinuaciones sexuales, que se convirtió en una película que mostraba el talento de Kubrick como ' 34;tipo único de absurdo" según el estudioso del cine Abrams. Southern hizo importantes contribuciones al guión final y fue co-acreditado (por encima de Peter George) en los títulos de apertura de la película; su papel percibido en la escritura más tarde condujo a una ruptura pública entre Kubrick y Peter George, quien posteriormente se quejó en una carta a la revista Life de que la intensa pero relativamente breve (del 16 de noviembre al 28 de diciembre) de Southern., 1962) se le estaba dando una importancia indebida en los medios a su participación en el proyecto, mientras que su propio papel como autor de la novela original de la película y su período de diez meses como coguionista del guión, estaban siendo minimizados, una percepción que Kubrick evidentemente hizo poco por abordar.

Kubrick descubrió que Dr. Strangelove, una producción de 2 millones de dólares que empleó al que se convirtió en el 'primer equipo de efectos visuales importante del mundo', sería imposible de realizar en EE. UU. por diversas razones técnicas y políticas, lo que lo obligó a mudarse producción a Inglaterra. Se rodó en 15 semanas y finalizó en abril de 1963, después de lo cual Kubrick pasó ocho meses editándola. Peter Sellers volvió a aceptar trabajar con Kubrick y terminó interpretando tres papeles diferentes en la película.

Después de su estreno, la película suscitó mucha controversia y opiniones encontradas. El crítico de cine de The New York Times, Bosley Crowther, se preocupó de que se tratara de un "descrédito e incluso desprecio por todo nuestro establecimiento de defensa... la broma de mal gusto más devastadora que he encontrado". 34;, mientras que Robert Brustein de Out of This World en un artículo de febrero de 1970 lo calificó como una "sátira juvenil". Kubrick respondió a las críticas, afirmando: "Un satírico es alguien que tiene una visión muy escéptica de la naturaleza humana, pero que aún tiene el optimismo para hacer una especie de broma al respecto". Por muy brutal que pueda ser esa broma. Hoy en día, la película se considera una de las películas de comedia más nítidas jamás realizadas y tiene una calificación casi perfecta del 98 % en Rotten Tomatoes según 91 reseñas hasta noviembre de 2020. Fue nombrada la 39.ª mejor película estadounidense y la tercera. mejor película de comedia estadounidense de todos los tiempos por el American Film Institute, y en 2010, fue nombrada la sexta mejor película de comedia de todos los tiempos por The Guardian.

Cine pionero (1965-1971)

Kubrick pasó cinco años desarrollando su próxima película, 2001: A Space Odyssey (1968), y quedó muy impresionado con la novela Childhood'Childhood'del escritor de ciencia ficción Arthur C. Clarke. 39;s End, sobre una raza alienígena superior que ayuda a la humanidad a eliminar su antiguo yo. Después de conocer a Clarke en la ciudad de Nueva York en abril de 1964, Kubrick sugirió trabajar en su cuento de 1948 The Sentinel, en el que un monolito encontrado en la Luna alerta a los extraterrestres sobre la humanidad. Ese año, Clarke comenzó a escribir la novela 2001: A Space Odyssey y colaboró con Kubrick en un guión. El tema de la película, el nacimiento de una inteligencia por otra, se desarrolla en dos historias paralelas que se cruzan en dos escalas de tiempo diferentes. Uno describe las transiciones evolutivas entre varias etapas del hombre, desde el mono hasta el "niño estrella", a medida que el hombre renace a una nueva existencia, cada paso guiado por una enigmática inteligencia alienígena vista solo en sus artefactos: una serie de aparentemente monolitos negros indestructibles de eones de antigüedad. En el espacio, el enemigo es una supercomputadora conocida como HAL que dirige la nave espacial, un personaje que el novelista Clancy Sigal describió como "mucho, mucho más humano, más humorístico y concebiblemente decente que cualquier otra cosa que pueda surgir de esta lejanía". viendo empresa".

Kubrick investigó intensamente para la película, prestando especial atención a la precisión y los detalles de cómo podría ser el futuro. La NASA le otorgó permiso para observar la nave espacial que se utiliza en la misión Ranger 9 para mayor precisión. La filmación comenzó el 29 de diciembre de 1965, con la excavación del monolito en la luna, y las imágenes se filmaron en el desierto de Namib a principios de 1967, y las escenas de los simios se completaron más tarde ese año. El equipo de efectos especiales continuó trabajando hasta fin de año para completar la película, con un costo de $10.5 millones. 2001: A Space Odyssey fue concebido como un espectáculo de Cinerama y fue fotografiado en Super Panavision 70, brindando al espectador una "deslumbrante mezcla de imaginación y ciencia" a través de efectos innovadores, que le valieron a Kubrick su único Oscar personal, un Premio de la Academia por Efectos Visuales. Kubrick dijo sobre el concepto de la película en una entrevista con Rolling Stone: "En el nivel psicológico más profundo, la trama de la película simboliza la búsqueda de Dios, y finalmente postula lo que es poco menos que una definición científica de Dios. La película gira en torno a esta concepción metafísica, y el hardware realista y los sentimientos documentales sobre todo fueron necesarios para socavar tu resistencia intrínseca al concepto poético".

Después de su lanzamiento en 1968, 2001: A Space Odyssey no fue un éxito inmediato entre los críticos, quienes criticaron su falta de diálogo, ritmo lento y una historia aparentemente impenetrable. La película parecía desafiar las convenciones del género, muy diferente a cualquier película de ciencia ficción anterior y claramente diferente de cualquiera de los trabajos anteriores de Kubrick. Kubrick estaba particularmente indignado por una crítica mordaz de Pauline Kael, quien la llamó "la película amateur más grande de todas", con Kubrick haciendo "realmente todas las cosas tontas que siempre quiso hacer". A pesar de las críticas mixtas de la crítica contemporánea, 2001 fue ganando popularidad gradualmente y recaudó 31 millones de dólares en todo el mundo a finales de 1972. en las listas de los 10 mejores de todos los tiempos. Baxter describe la película como "una de las creaciones más admiradas y discutidas en la historia del cine", y Steven Spielberg se ha referido a ella como "el gran estallido de su generación cinematográfica". Para el biógrafo Vincent LoBrutto, "posicionó a Stanley Kubrick como un artista puro clasificado entre los maestros del cine".

Un ejemplo de la erótica de Una naranja de relojería (1971)

Después de completar 2001: Una odisea del espacio, Kubrick buscó un proyecto que pudiera filmar rápidamente con un presupuesto más modesto. Se decidió por La naranja mecánica (1971) a finales de 1969, una exploración de la violencia y la rehabilitación experimental por parte de las fuerzas del orden, basada en el personaje de Alex (interpretado por Malcolm McDowell). Kubrick había recibido una copia de la novela del mismo nombre de Anthony Burgess de manos de Terry Southern mientras trabajaban en Dr. Strangelove, pero lo había rechazado porque Nadsat, un lenguaje callejero para jóvenes adolescentes, era demasiado difícil de comprender. La decisión de hacer una película sobre la degeneración de la juventud reflejó las preocupaciones contemporáneas en 1969; el movimiento New Hollywood estaba creando una gran cantidad de películas que mostraban la sexualidad y la rebeldía de los jóvenes. La naranja mecánica se rodó entre 1970 y 1971 con un presupuesto de 2 millones de libras esterlinas. Kubrick abandonó el uso de CinemaScope en la filmación y decidió que el formato panorámico de 1,66:1 era, en palabras de Baxter, un "compromiso aceptable entre espectáculo e intimidad", y favoreció su "encuadre rigurosamente simétrico". #34;, que "aumentaba la belleza de sus composiciones". La película presenta en gran medida "erótica pop" de la época, incluido un gigantesco conjunto de plástico blanco de genitales masculinos, decoración que Kubrick había querido darle un "ligeramente futurista" Mira. El papel de McDowell en if.... (1968) de Lindsay Anderson fue crucial para su elección como Alex, y Kubrick declaró que probablemente no habría hecho la película si McDowell no había estado disponible.

Debido a su representación de la violencia adolescente, La Naranja Mecánica se convirtió en una de las películas más controvertidas de su tiempo y parte de un debate en curso sobre la violencia y su glorificación en el cine. Recibió una calificación X, o certificado, tanto en el Reino Unido como en los EE. UU., en su lanzamiento justo antes de la Navidad de 1971, aunque muchos críticos vieron gran parte de la violencia representada en la película como satírica y menos violenta que Straw Dogs, que había sido lanzado un mes antes. Kubrick personalmente retiró la película del estreno en el Reino Unido después de recibir amenazas de muerte luego de una serie de crímenes de imitación basados en la película; por lo tanto, no estuvo disponible legalmente en el Reino Unido hasta después de la muerte de Kubrick, y no se volvió a estrenar hasta el año 2000. John Trevelyan, el censor de la película, consideró personalmente que La naranja mecánica era & #34;quizás la pieza de arte cinematográfico más brillante que jamás haya visto," y creía que presentaba un "argumento intelectual en lugar de un espectáculo sádico" en su descripción de la violencia, pero reconoció que muchos no estarían de acuerdo. A pesar de la publicidad negativa de los medios sobre la película, La Naranja Mecánica recibió cuatro nominaciones a los Premios de la Academia, a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión y Mejor Montaje, y fue nombrada por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como la Mejor Película de 1971. Después de que William Friedkin ganara el premio al Mejor Director por The French Connection ese año, dijo a la prensa: "Hablando personalmente, creo que Stanley Kubrick es el mejor cineasta estadounidense del año. De hecho, no solo este año, sino el mejor, punto."

Filmación de época y terror (1972-1980)

Barry Lyndon (1975) es una adaptación de La suerte de Barry Lyndon de William Makepeace Thackeray, una novela picaresca sobre las aventuras de un personaje del siglo XVIII. Pícaro irlandés y escalador social. John Calley de Warner Bros. acordó en 1972 invertir $ 2,5 millones en la película, con la condición de que Kubrick se acercara a las principales estrellas de Hollywood para asegurar el éxito. Al igual que en películas anteriores, Kubrick y su departamento de arte llevaron a cabo una enorme cantidad de investigaciones sobre el siglo XVIII. Se tomaron numerosas fotografías de lugares y obras de arte en particular, y las pinturas se replicaron meticulosamente de las obras de los grandes maestros del período de la película. La película se rodó en Irlanda a partir del otoño de 1973, con un coste de 11 millones de dólares y un reparto y un equipo de 170 personas. La decisión de rodar en Irlanda se debió al hecho de que todavía conservaba muchos edificios del siglo XVIII. período del que carecía Inglaterra. La producción fue problemática desde el principio, plagada de fuertes lluvias y conflictos políticos que involucraban a Irlanda del Norte en ese momento. Después de que Kubrick recibiera amenazas de muerte del IRA en 1974 debido a las escenas de disparos con soldados ingleses, huyó de Irlanda con su familia en un ferry desde Dún Laoghaire bajo una identidad falsa y reanudó el rodaje en Inglaterra.

William Hogarth La danza del campo (c. 1745) ilustra el tipo de escena interior que Kubrick trató de emular con Barry Lyndon.

Baxter señala que Barry Lyndon fue la película que hizo famoso a Kubrick por prestar una atención escrupulosa a los detalles, a menudo exigiendo veinte o treinta repeticiones de la misma escena para perfeccionar su arte. A menudo considerada como su imagen más auténtica, las técnicas de fotografía e iluminación que Kubrick y el director de fotografía John Alcott usaron en Barry Lyndon fueron muy innovadoras. Las escenas interiores se rodaron con un objetivo de cámara Zeiss f/0,7 de alta velocidad especialmente adaptado y desarrollado originalmente para la NASA para su uso en fotografía por satélite. Las lentes permitieron iluminar muchas escenas solo con luz de velas, creando imágenes bidimensionales de luz difusa que recuerdan a las pinturas del siglo XVIII. El director de fotografía Allen Daviau afirma que el método le da al público una forma de ver los personajes y las escenas como las habría visto la gente en ese momento. Muchas de las escenas de lucha se rodaron con una cámara de mano para producir una "sensación de realismo e inmediatez documental".

Barry Lyndon encontró una gran audiencia en Francia, pero fue un fracaso de taquilla, recaudando solo $ 9,5 millones en el mercado estadounidense, ni siquiera cerca de los $ 30 millones que Warner Bros. necesitaba para generar ganancias.. El ritmo y la duración de Barry Lyndon en tres horas desanimó a muchos críticos y audiencias estadounidenses, pero la película fue nominada a siete premios de la Academia y ganó cuatro, incluyendo Mejor Dirección Artística, Mejor Fotografía, Mejor Diseño de Vestuario, y Mejor Partitura Musical, más que cualquier otra película de Kubrick. Como ocurre con la mayoría de las películas de Kubrick, la reputación de Barry Lyndon ha crecido a lo largo de los años y ahora se la considera una de las mejores, especialmente entre los cineastas y los críticos. Numerosas encuestas, como The Village Voice (1999), Sight & Sound (2002) y Time (2005) la han calificado como una de las mejores películas jamás realizadas. A partir de marzo de 2019, tiene una calificación del 94 % en Rotten Tomatoes, según 64 reseñas. Roger Ebert se refirió a ella como "una de las películas más bellas jamás realizadas... ciertamente en cada cuadro una película de Kubrick: técnicamente impresionante, emocionalmente distante, implacable en su duda de la bondad humana".

Varios de los interiores del Ahwahnee Hotel fueron utilizados como plantillas para los conjuntos del Overlook Hotel.

El Resplandor, lanzado en 1980, fue una adaptación de la novela del mismo nombre del exitoso escritor de terror Stephen King. La película está protagonizada por Jack Nicholson como un escritor que acepta un trabajo como cuidador de invierno de un hotel aislado en las Montañas Rocosas. Pasa el invierno allí con su esposa, interpretada por Shelley Duvall, y su hijo pequeño, que muestra habilidades paranormales. Durante su estancia, se enfrentan tanto al descenso de Jack a la locura como a los aparentes horrores sobrenaturales que acechan en el hotel. Kubrick dio libertad a sus actores para extender el guión e incluso improvisar en ocasiones, y como resultado, Nicholson fue el responsable de '¡Aquí está Johnny!' línea y la escena en la que está sentado frente a la máquina de escribir y desata su ira sobre su esposa. Kubrick a menudo exigía hasta 70 u 80 repeticiones de la misma escena. Duvall, a quien Kubrick aisló intencionalmente y con quien discutió, se vio obligado a realizar la agotadora escena del bate de béisbol 127 veces. La escena del bar con el cantinero fantasmal se filmó 36 veces, mientras que la escena de la cocina entre los personajes de Danny (Danny Lloyd) y Halloran (Scatman Crothers) se filmó en 148 tomas. Las tomas aéreas del Overlook Hotel se rodaron en Timberline Lodge en Mount Hood en Oregón, mientras que los interiores del hotel se rodaron en Elstree Studios en Inglaterra entre mayo de 1978 y abril de 1979. Se hicieron modelos de cartón de todos los decorados de la película., y la iluminación de los mismos fue una empresa masiva, que tomó cuatro meses de cableado eléctrico. Kubrick hizo un uso extensivo de la recién inventada Steadicam, un soporte de cámara con equilibrio de peso, que permitía un movimiento suave de la cámara manual en escenas en las que una pista de cámara convencional no era práctica. Según Garrett Brown, el inventor de Steadicam, fue la primera imagen en utilizar todo su potencial. El Resplandor no era la única película de terror a la que se había vinculado a Kubrick; había rechazado la dirección de El exorcista (1973) y Exorcista II: El hereje (1977), a pesar de que una vez le dijo en 1966 a un amigo que había deseado durante mucho tiempo para 'hacer la película más aterradora del mundo, con una serie de episodios que jugarían con los miedos de pesadilla de la audiencia'.

Cinco días después del estreno, el 23 de mayo de 1980, Kubrick ordenó la eliminación de una escena final, en la que el gerente del hotel Ullman (Barry Nelson) visita a Wendy (Shelley Duvall) en el hospital, creyéndolo innecesario después de presenciar la emoción del público en cines en el clímax de la película. The Shining abrió con una fuerte recaudación de taquilla, ganando $ 1 millón en el primer fin de semana y ganando $ 30,9 millones en Estados Unidos a finales de año. La respuesta crítica original fue mixta, y King detestaba la película y no le gustaba Kubrick. El Resplandor ahora se considera un clásico de terror, y el American Film Institute la ha clasificado como la película de suspenso número 27 más grande de todos los tiempos.

Trabajo posterior y años finales (1981–1999)

Kubrick conoció al autor Michael Herr a través de un amigo en común David Cornwell (el novelista John le Carré) en 1980 y se interesó en su libro Dispatches, sobre la Guerra de Vietnam. Herr había escrito recientemente la narración de Martin Sheen para Apocalypse Now (1979). Kubrick también estaba intrigado por la novela The Short-Timers de Gustav Hasford sobre la Guerra de Vietnam. Con la visión en mente de filmar lo que se convertiría en Full Metal Jacket (1987), Kubrick comenzó a trabajar con Herr y Hasford por separado en un guión. Eventualmente descubrió que la novela de Hasford era 'brutalmente honesta'. y decidió rodar una película que sigue de cerca la novela. Toda la película se filmó a un costo de $ 17 millones dentro de un radio de 30 millas de su casa entre agosto de 1985 y septiembre de 1986, más tarde de lo programado cuando Kubrick cerró la producción durante cinco meses luego de un accidente casi fatal con un jeep que involucró a Lee. Ermey. Una fábrica de gas abandonada en Beckton, en el área de los Docklands de Londres, se hizo pasar por la ciudad en ruinas de Huế, lo que hace que la película sea visualmente muy diferente de otras películas de la Guerra de Vietnam. Se importaron alrededor de 200 palmeras a través de remolques de 40 pies por carretera desde el norte de África, a un costo de £ 1000 por árbol, y se ordenaron miles de plantas de plástico de Hong Kong para proporcionar follaje para la película. Kubrick explicó que hizo que la película pareciera realista usando luz natural y logró un "efecto de noticiario" al hacer que las tomas de Steadicam sean menos estables, lo que los críticos y comentaristas pensaron que contribuía a la desolación y la seriedad de la película.

Según el crítico Michel Ciment, la película contenía algunas de las características distintivas de Kubrick, como su selección de música irónica, representaciones de hombres deshumanizados y atención a los detalles extremos para lograr el realismo. En una escena posterior, los marines de los Estados Unidos patrullan las ruinas de una ciudad abandonada y destruida cantando el tema principal del Mickey Mouse Club como un contrapunto sardónico. La película se estrenó con fuerza en junio de 1987, recaudando más de 30 millones de dólares solo en los primeros 50 días, pero se vio eclipsada críticamente por el éxito de Pelotón de Oliver Stone, estrenada un año antes. El coprotagonista Matthew Modine dijo que una de las reseñas favoritas de Kubrick decía: "La primera mitad de FMJ es brillante". Entonces la película degenera en una obra maestra." Roger Ebert no quedó particularmente impresionado con él, otorgándole un mediocre 2,5 sobre 4. Concluyó: 'Full Metal Jacket de Stanley Kubrick es más un libro de cuentos que una novela", una "película extrañamente informe del hombre cuyo trabajo suele imponer una visión ferozmente consistente en su material".

La última película de Kubrick fue Eyes Wide Shut (1999), protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman como una pareja de Manhattan en una odisea sexual. Tom Cruise interpreta a un médico que es testigo de un extraño ritual orgiástico casi religioso enmascarado en una mansión de campo, un descubrimiento que luego amenaza su vida. La historia se basa en la novela freudiana de Arthur Schnitzler de 1926 Traumnovelle (Dream Story en inglés), que Kubrick trasladó de la Viena de principios de siglo a Nueva York. Ciudad de York en la década de 1990. Kubrick dijo de la novela: "Un libro difícil de describir, qué buen libro no lo es". Explora la ambivalencia sexual de un matrimonio feliz y trata de equiparar la importancia de los sueños sexuales y lo que podría haber sido con la realidad. Todo el trabajo de Schnitzler es psicológicamente brillante. Kubrick tenía casi 70 años, pero trabajó incansablemente durante 15 meses para sacar la película antes de la fecha de estreno prevista del 16 de julio de 1999. Comenzó un guión con Frederic Raphael y trabajó 18 horas al día, manteniendo total confidencialidad sobre la película.

Eyes Wide Shut, como Lolita y A Clockwork Orange antes, enfrentaron la censura antes de su lanzamiento. Kubrick envió una copia de vista previa sin terminar a las estrellas y productores unos meses antes del lanzamiento, pero su muerte repentina el 7 de marzo de 1999 se produjo unos días después de que terminara de editar. Nunca vio la versión final lanzada al público, pero sí vio la vista previa de la película con Warner Bros., Cruise y Kidman, y supuestamente le dijo al ejecutivo de Warner, Julian Senior, que era su "mejor película". 34;. En ese momento, la opinión crítica de la película fue mixta y fue vista de manera menos favorable que la mayoría de las películas de Kubrick. Roger Ebert le otorgó 3,5 de 4 estrellas, comparando la estructura con un thriller y escribiendo que es "como un sueño erótico sobre oportunidades perdidas y oportunidades evitadas", y pensó que el uso de la iluminación por parte de Kubrick en Navidad hizo la película "todo un poco chillón, como un espectáculo urbano secundario". A Stephen Hunter de The Washington Post no le gustó la película y escribió que "en realidad es triste, más que mala". Se siente chirriante, antiguo, irremediablemente fuera de contacto, encaprichado con los tabúes candentes de su juventud e incapaz de conectarse con esa cosa retorcida en la que se ha convertido la sexualidad contemporánea."

Proyectos inacabados y no realizados

I.A. Inteligencia Artificial

Steven Spielberg (foto en 1994), a quien Kubrick se acercó en 1995 para dirigir la película de 2001 A.I. Inteligencia Artificial

A lo largo de la década de 1980 y principios de la de 1990, Kubrick colaboró con Brian Aldiss en la ampliación de su cuento "Supertoys Last All Summer Long" en una película en tres actos. Era un cuento de hadas futurista sobre un robot que se parece y se comporta como un niño, y sus esfuerzos por convertirse en un 'niño de verdad'. de una manera similar a Pinocho. Kubrick se acercó a Spielberg en 1995 con el guión de IA con la posibilidad de que Steven Spielberg lo dirigiera y Kubrick lo produjera. Según los informes, Kubrick mantuvo largas conversaciones telefónicas con Spielberg sobre la película y, según Spielberg, en un momento declaró que el tema estaba más cerca de la sensibilidad de Spielberg que de la suya.

Tras la muerte de Kubrick en 1999, Spielberg tomó los borradores y las notas que dejaron Kubrick y sus escritores y compuso un nuevo guión basado en una historia anterior de 90 páginas escrita por Ian Watson bajo la supervisión y supervisión de Kubrick. especificaciones. En asociación con lo que quedaba de la unidad de producción de Kubrick, dirigió la película A.I. Inteligencia Artificial (2001) que fue producida por el productor (y cuñado) de toda la vida de Kubrick, Jan Harlan. La escenografía, el vestuario y la dirección de arte se basaron en las obras del artista conceptual Chris Baker, quien también había realizado gran parte de su trabajo bajo la supervisión de Kubrick.

Spielberg pudo funcionar de manera autónoma en ausencia de Kubrick, pero dijo que se sentía 'inhibido para honrarlo' y siguió el esquema visual de Kubrick con tanta fidelidad como pudo. Spielberg, quien una vez se refirió a Kubrick como 'el maestro más grande al que he servido', ahora con la producción en marcha, admitió: 'Sentí que estaba siendo entrenado por un fantasma'. La película se estrenó en junio de 2001. Contiene un crédito de producción póstumo de Stanley Kubrick al principio y la breve dedicatoria "Para Stanley Kubrick" al final. La partitura de John Williams contiene muchas alusiones a piezas escuchadas en otras películas de Kubrick.

Napoleón

El guión del proyecto no realizado de Kubrick Napoleón

Después de 2001: Una odisea del espacio, Kubrick planeó hacer una película sobre la vida de Napoleón. Fascinado por la vida y la "autodestrucción" del líder francés, Kubrick dedicó mucho tiempo a planificar el desarrollo de la película y llevó a cabo cerca de dos años de investigación sobre la vida de Napoleón. vida, leyendo varios cientos de libros y accediendo a sus memorias y comentarios personales. Trató de ver todas las películas sobre Napoleón y no encontró ninguna atractiva, incluida la película de 1927 de Abel Gance, que generalmente se considera una obra maestra, pero para Kubrick, una película 'realmente terrible'. película. LoBrutto afirma que Napoleón era un tema ideal para Kubrick, abrazando la 'pasión por el control, el poder, la obsesión, la estrategia y lo militar' de Kubrick, mientras que la intensidad y profundidad psicológica de Napoleón, la logística el genio y la guerra, el sexo y la naturaleza malvada del hombre fueron ingredientes que atrajeron profundamente a Kubrick.

Kubrick redactó un guión en 1961 e imaginó hacer una película "grandiosa" épica, con hasta 40.000 de infantería y 10.000 de caballería. Tenía la intención de contratar a las fuerzas armadas de todo un país para hacer la película, ya que consideraba que las batallas napoleónicas eran 'tan hermosas, como vastos ballets letales', con una 'brillantez estética que no' No se requiere una mente militar para apreciar. Quería que se reprodujeran de la forma más auténtica posible en la pantalla. Kubrick envió equipos de investigación para buscar locaciones en toda Europa y encargó al guionista y director Andrew Birkin, uno de sus jóvenes asistentes en 2001, a la Isla de Elba, Austerlitz y Waterloo, para tomar miles de fotografías para su lectura posterior. Kubrick se acercó a numerosas estrellas para interpretar papeles principales, incluida Audrey Hepburn para la emperatriz Josefina, un papel que no pudo aceptar debido a su semijubilación. Los actores británicos David Hemmings e Ian Holm fueron considerados para el papel principal de Napoleón, antes de que se eligiera a Jack Nicholson. La película estaba bien avanzada en preproducción y lista para comenzar a filmarse en 1969 cuando MGM canceló el proyecto. Se han citado numerosas razones para el abandono del proyecto, incluido su costo proyectado, un cambio de propiedad en MGM y la mala recepción que recibió la película soviética de 1970 sobre Napoleón, Waterloo. En 2011, Taschen publicó el libro Stanley Kubrick's Napoleon: The Greatest Movie Never Made, una compilación de gran volumen de literatura y documentos fuente de Kubrick, como ideas de fotografías de escenas y copias de cartas de Kubrick. escribió y recibió. En marzo de 2013, Steven Spielberg, quien previamente colaboró con Kubrick en A.I. Inteligencia Artificial y es un apasionado admirador de su trabajo, anunció que desarrollaría Napoleón como una miniserie de televisión basada en el guión original de Kubrick.

Otros proyectos

En la década de 1950, Kubrick y Harris desarrollaron una comedia de situación protagonizada por Ernie Kovacs y una adaptación cinematográfica del libro Robé $16,000,000, pero no resultó nada. Tony Frewin, un asistente que trabajó con el director durante un largo período de tiempo, reveló en un artículo de Atlantic de 2013: "[Kubrick] estaba infinitamente interesado en cualquier cosa que tuviera que ver con los nazis y quería desesperadamente hacer una película sobre el tema." Kubrick tenía la intención de hacer una película sobre Dietrich Schulz-Köhn [de], un oficial nazi que utilizó el seudónimo "Dr. Jazz" escribir reseñas de escenas musicales alemanas durante la era nazi. Kubrick recibió una copia del libro de Mike Zwerin Swing Under the Nazis después de que terminó la producción de Full Metal Jacket, cuya portada mostraba una fotografía de Schulz- Kohn. Nunca se completó un guión y nunca se inició la adaptación de Kubrick. Los Aryan Papers inconclusos, basados en la novela debut de Louis Begley Wartime Lies, fueron un factor en el abandono del proyecto. El trabajo en Aryan Papers deprimió enormemente a Kubrick, y finalmente decidió que Schindler's List (1993) de Steven Spielberg cubría gran parte del mismo material.

Según el biógrafo John Baxter, Kubrick había mostrado interés en dirigir una película pornográfica basada en una novela satírica escrita por Terry Southern, titulada Blue Movie, sobre un director que hace que Hollywood primera película porno de gran presupuesto. Baxter afirma que Kubrick concluyó que no tenía la paciencia ni el temperamento para involucrarse en la industria del porno, y Southern afirmó que Kubrick era "demasiado ultraconservador". hacia la sexualidad de haber seguido adelante, pero le gustó la idea. Kubrick no pudo dirigir una película de El péndulo de Foucault de Umberto Eco porque Eco había dado instrucciones a su editor de que nunca vendiera los derechos cinematográficos de ninguno de sus libros después de su insatisfacción con la versión cinematográfica de El nombre de la rosa. Además, cuando los derechos cinematográficos de El Señor de los Anillos de Tolkien se vendieron a United Artists, los Beatles se acercaron a Kubrick para dirigirlos en una adaptación cinematográfica, pero Kubrick no estaba dispuesto a producir una película. basado en un libro muy popular.

Influencias profesionales

Como joven, Kubrick estaba fascinado por las películas de Sergei Eisenstein y veía películas como Batalla Potemkin (1925) (imagen) frecuentemente.

Cualquiera que haya tenido el privilegio de dirigir una película sabe que, aunque puede ser como intentar escribir Guerra y paz en un coche parachoques en un parque de diversiones, cuando finalmente lo consigues bien, no hay muchas alegrías en la vida que pueden igualar el sentimiento.

—Stanley Kubrick, aceptando el Premio D. W. Griffith

De joven, Kubrick estaba fascinado por las películas de cineastas soviéticos como Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin. Kubrick leyó el trabajo teórico seminal de Pudovkin, Film Technique, que argumenta que la edición hace que la película sea una forma de arte única, y debe emplearse para manipular el medio al máximo. Kubrick recomendó este trabajo a otros durante muchos años. Thomas Nelson describe este libro como "la mayor influencia de cualquier obra escrita en la evolución de la estética privada [de Kubrick]". Kubrick también encontró que las ideas de Konstantin Stanislavski eran esenciales para comprender los conceptos básicos de la dirección, y se dio a sí mismo un curso intensivo para aprender sus métodos.

La familia de Kubrick y muchos críticos sintieron que su ascendencia judía pudo haber contribuido a su visión del mundo y aspectos de sus películas. Tras su muerte, tanto su hija como su esposa afirmaron que no era religioso, pero "no negaba su judaísmo, para nada". Su hija señaló que quería hacer una película sobre el Holocausto, los Aryan Papers, después de haber pasado años investigando el tema. La mayoría de los amigos de Kubrick y sus primeros colaboradores en fotografía y cine eran judíos, y sus dos primeros matrimonios fueron con hijas de inmigrantes judíos recientes de Europa. El guionista británico Frederic Raphael, que trabajó estrechamente con Kubrick en sus últimos años, cree que la originalidad de las películas de Kubrick se debía en parte a que "tenía un respeto (¿judío?) por los académicos". Declaró que era 'absurdo tratar de entender a Stanley Kubrick sin contar con el judaísmo como un aspecto fundamental de su mentalidad'.

Director Max Ophüls fue una gran influencia en Kubrick; es su película Las Pendientes de Madame de... (1953).

Walker señala que Kubrick fue influenciado por el seguimiento y la "cámara fluida" estilos del director Max Ophüls, y los usó en muchas de sus películas, incluyendo Paths of Glory y 2001: A Space Odyssey. Kubrick notó cómo en Ophuls' películas "la cámara atravesó cada pared y cada piso". Una vez nombró a Ophüls' Le Plaisir (1952) como su película favorita. Según el historiador de cine John Wakeman, el propio Ophüls aprendió la técnica del director Anatole Litvak en la década de 1930, cuando era su asistente, y cuyo trabajo estaba "repleto de seguimientos de cámara, panorámicas y swoops que luego se convirtieron en la marca registrada de Max". Ophüls". Geoffrey Cocks cree que Kubrick también fue influenciado por Ophüls' historias de amor frustrado y una preocupación por los hombres depredadores, mientras que Herr señala que Kubrick se inspiró profundamente en G. W. Pabst, quien antes intentó, pero no pudo adaptar la Traumnovelle de Schnitzler, la base de Ojos Bien Cerrados. El historiador/crítico de cine Robert Kolker ve la influencia de Welles' tomas de cámara en movimiento al estilo de Kubrick. LoBrutto señala que Kubrick se identificó con Welles y que esto influyó en la realización de The Killing, con sus "múltiples puntos de vista, ángulos extremos y enfoque profundo".

Kubrick admiraba el trabajo de Ingmar Bergman y lo expresaba en una carta personal: "Tu visión de la vida me ha conmovido profundamente, mucho más profundamente de lo que me ha conmovido nunca ninguna película". Creo que eres el mejor cineasta en el trabajo de hoy [...], insuperable por nadie en la creación del estado de ánimo y la atmósfera, la sutileza de la actuación, la evitación de lo obvio, la veracidad y la integridad de la caracterización. A esto también hay que sumar todo lo demás que implica la realización de una película; [...] y esperaré con impaciencia cada una de sus películas."

Cuando la revista estadounidense Cinema le pidió a Kubrick en 1963 que nombrara sus películas favoritas, incluyó a I Vitelloni del director italiano Federico Fellini como la número uno en su lista Top 10.

Técnicas de dirección

Filosofía

HAL 9000, el ordenador de 2001: A Space Odyssey

Las películas de Kubrick típicamente involucran expresiones de una lucha interna, examinada desde diferentes perspectivas. Tuvo mucho cuidado de no presentar sus propios puntos de vista sobre el significado de sus películas y dejarlas abiertas a la interpretación. Explicó en una entrevista de 1960 con Robert Emmett Ginna:

"Una de las cosas que siempre encuentro extremadamente difícil, cuando una imagen ha terminado, es cuando un escritor o un revisor de cine pregunta, 'Ahora, ¿qué es lo que estabas tratando de decir en esa imagen?' Y sin pensar demasiado presuntuoso por usar esta analogía, me gusta recordar lo que T. S. Eliot le dijo a alguien que le había pedido... Creo que fue The Waste Land- lo que quería decir con el poema. Él respondió: "Me refería a lo que dije." Si pudiera haberlo dicho de otra manera, lo habría hecho".

Kubrick comparó la comprensión de sus películas con la música popular, en el sentido de que cualquiera que sea el origen o el intelecto del individuo, un disco de los Beatles, por ejemplo, puede ser apreciado tanto por el camionero de Alabama como por el joven intelectual de Cambridge, porque su & #34;las emociones y el subconsciente son mucho más similares que sus intelectos". Creía que la reacción emocional subconsciente experimentada por el público era mucho más poderosa en el medio cinematográfico que en cualquier otra forma verbal tradicional, y esta era una de las razones por las que a menudo dependía de largos períodos en sus películas sin diálogo, poniendo énfasis en las imágenes. y sonido. En una entrevista en la revista Time de 1975, Kubrick afirmó además: "La esencia de una forma dramática es dejar que una idea se apodere de las personas sin que se exprese claramente". Cuando dices algo directamente, simplemente no es tan potente como cuando permites que las personas lo descubran por sí mismas”. También dijo: “El realismo es probablemente la mejor manera de dramatizar argumentos e ideas. La fantasía puede tratar mejor con temas que se encuentran principalmente en el inconsciente.

Notas de producción de Kubrick El asesinato

Diane Johnson, que coescribió el guión de El resplandor con Kubrick, señala que él "siempre decía que era mejor adaptar un libro que escribir un guión original, y que debes elegir una obra que no sea una obra maestra para poder mejorarla. Que es lo que siempre ha hecho, excepto con Lolita". Al decidir sobre un tema para una película, buscó muchos aspectos, y siempre hizo películas que "atrajeran a todo tipo de espectadores, independientemente de sus expectativas de la película". Según su coproductor Jan Harlan, Kubrick sobre todo "quería hacer películas sobre cosas que importaban, que no solo tuvieran forma, sino también sustancia". Kubrick creía que las audiencias a menudo se sentían atraídas por "enigmas y alegorías" y no le gustaban las películas en las que todo estaba explicado con claridad.

La sexualidad en las películas de Kubrick suele representarse fuera de las relaciones matrimoniales en situaciones hostiles. Baxter afirma que Kubrick explora los "callejones furtivos y violentos de la experiencia sexual: el voyerismo, la dominación, la esclavitud y la violación". en sus películas. Además, señala que películas como La naranja mecánica son 'poderosamente homoeróticas', desde Alex caminando con sus padres'. plano en sus frentes en Y, un ojo siendo 'maquillado con pestañas postizas como muñecas', a su aceptación inocente de los avances sexuales de su asesor post-correctivo Deltroid (Aubrey Morris). De hecho, se cree que la película se inspiró, al menos parcialmente, en la histórica obra del cine queer Funeral Parade of Roses. El crítico de cine Adrian Turner señala que las películas de Kubrick parecen estar "preocupadas por cuestiones del mal universal y heredado", y Malcolm McDowell se refirió a su humor como "negro como el carbón". cuestionando su visión de la humanidad. Algunas de sus películas eran sátiras obvias y comedias negras, como Lolita y Dr. Amor extraño; muchas de sus otras películas también contenían elementos menos visibles de sátira o ironía. Sus películas son impredecibles y examinan "la dualidad y las contradicciones que existen en todos nosotros". Ciment señala cómo Kubrick a menudo trató de confundir las expectativas de la audiencia estableciendo estados de ánimo radicalmente diferentes de una película a la siguiente, señalando que estaba casi "obsesionado con contradecirse a sí mismo, con hacer de cada obra una crítica de la anterior". Kubrick afirmó que "no hay un patrón deliberado en las historias que he elegido para convertirlas en películas". Casi el único factor en el trabajo cada vez es que trato de no repetirme". Como resultado, los críticos a menudo malinterpretaban a Kubrick, y solo una vez obtuvo críticas unánimemente positivas sobre el estreno de una película: Paths of Glory.

Escribir y montar escenas

El túnel utilizado en la fabricación de Una naranja de relojería

El autor cinematográfico Patrick Webster considera que los métodos de Kubrick para escribir y desarrollar escenas encajan con la teoría clásica de dirección del autor, lo que permite la colaboración y la improvisación con los actores durante la filmación. Malcolm McDowell recordó el énfasis colaborativo de Kubrick durante sus discusiones y su voluntad de permitirle improvisar una escena, afirmando que "había un guión y lo seguíamos, pero cuando no funcionaba, él lo sabía". y tuvimos que seguir ensayando sin parar hasta que nos aburrimos". Una vez que Kubrick confiaba en la puesta en escena general de una escena y sentía que los actores estaban preparados, desarrollaba los aspectos visuales, incluida la ubicación de la cámara y la iluminación. Walker cree que Kubrick fue uno de los "muy pocos directores de cine competentes para instruir a sus fotógrafos de iluminación sobre el efecto preciso que desean". Baxter cree que Kubrick estuvo fuertemente influenciado por su ascendencia y siempre tuvo una perspectiva europea para el cine, particularmente el imperio austrohúngaro y su admiración por Max Ophuls y Richard Strauss.

Gilbert Adair, escribiendo en una reseña para Full Metal Jacket, comentó que el enfoque del lenguaje de 'Kubrick' siempre ha sido de una naturaleza reduccionista e inflexiblemente determinista. Parece verlo como el producto exclusivo del condicionamiento ambiental, sólo muy marginalmente influido por los conceptos de subjetividad e interioridad, por todos los caprichos, matices y modulaciones de la expresión personal". Johnson señala que aunque Kubrick era un 'cineasta visual', también amaba las palabras y era como un escritor en su enfoque, muy sensible a la historia en sí, que encontraba única. Antes de que comenzara el rodaje, Kubrick trató de tener el guión lo más completo posible, pero aun así se permitió suficiente espacio para hacer cambios durante el rodaje, ya que le resultó "más rentable evitar bloquear cualquier idea sobre la puesta en escena o la cámara o incluso el diálogo antes". a los ensayos" como él lo puso. Kubrick le dijo a Robert Emmett Ginna: "Creo que tienes que ver todo el problema de poner la historia que quieres contar en ese cuadrado claro". Comienza con la selección de la propiedad; continúa a través de la creación de la historia, los escenarios, el vestuario, la fotografía y la actuación. Y cuando se toma la imagen, solo está parcialmente terminada. Creo que el corte es solo una continuación de la dirección de una película. Creo que el uso de efectos musicales, ópticas y, finalmente, los títulos principales son parte de la narración de la historia. Y creo que la fragmentación de estos trabajos, por diferentes personas, es algo muy malo". Kubrick también dijo: "Creo que la mejor trama es una trama aparente". Me gusta un comienzo lento, el comienzo que se mete debajo de la piel de la audiencia y los involucra para que puedan apreciar las notas de gracia y los tonos suaves y no tienen que ser golpeados en la cabeza con puntos de la trama y herramientas de suspenso.."

Dirigir

Kubrick era conocido por exigir múltiples tomas durante la filmación para perfeccionar su arte, y su enfoque implacable solía ser extremadamente exigente para sus actores. Jack Nicholson comentó que Kubrick a menudo exigía hasta cincuenta tomas de una escena. Nicole Kidman explica que la gran cantidad de tomas que a menudo requería impedía a los actores pensar conscientemente en la técnica, lo que los ayudaba a entrar en un "lugar más profundo". Algunos críticos consideraron que el alto índice de aceptación de Kubrick era "irracional"; creía firmemente que los actores estaban en su mejor momento durante el rodaje, a diferencia de los ensayos, debido a la sensación de intensa emoción que genera. Kubrick explicó: "Los actores son esencialmente instrumentos que producen emociones, y algunos siempre están afinados y listos, mientras que otros alcanzarán un tono fantástico en una sola toma y nunca volverán a igualarlo, sin importar cuánto lo intenten"....

"Cuando haces una película, lleva unos días acostumbrarse al equipo, porque es como desnudarse frente a cincuenta personas. Una vez que te acostumbras a ellos, la presencia de una sola persona en el set es discordante y tiende a producir timidez en los actores, y ciertamente en sí mismos. También le dijo al biógrafo Michel Ciment: "Invariablemente se debe a que los actores no conocen sus líneas, o no las conocen lo suficientemente bien". Un actor solo puede hacer una cosa a la vez, y cuando aprendió sus líneas lo suficientemente bien como para decirlas mientras piensa en ellas, siempre tendrá problemas tan pronto como tenga que trabajar en las emociones del actor. escena o encontrar marcas de cámara. En una escena fuertemente emocional, siempre es mejor poder filmar en tomas completas para permitirle al actor una continuidad de emoción, y es raro que la mayoría de los actores alcancen su punto máximo más de una o dos veces. Ocasionalmente, hay escenas que se benefician de las tomas adicionales, pero aun así, no estoy seguro de que las primeras tomas no sean solo ensayos glorificados con la adrenalina añadida de la película corriendo a través de la cámara.

Kubrick dedicaba sus descansos personales a tener largas conversaciones con los actores. Entre los que valoraron su atención estaba Tony Curtis, estrella de Spartacus, quien dijo que Kubrick era su director favorito y agregó que "su mayor eficacia era su relación personal con los actores". #34; Añadió además: "Kubrick tenía su propio enfoque de la realización de películas. Quería ver las caras de los actores. No quería cámaras siempre en plano general a siete metros de distancia, quería primeros planos, quería mantener la cámara en movimiento. Ese era su estilo." Del mismo modo, Malcolm McDowell recuerda las largas conversaciones que tuvo con Kubrick para ayudarlo a desarrollar su personaje en La naranja mecánica, y señala que en el set se sentía completamente desinhibido y libre, que es lo que hizo que Kubrick " un gran director". Kubrick también permitió a los actores improvisar en ocasiones y "romper las reglas", particularmente con Peter Sellers en Lolita, que se convirtió en un punto de inflexión en su carrera, ya que le permitió trabajar creativamente. durante el rodaje, a diferencia de la etapa de preproducción. Durante una entrevista, Ryan O'Neal recordó el estilo de dirección de Kubrick: 'Dios, te hace trabajar duro'. Te conmueve, te empuja, te ayuda, se enfada contigo, pero sobre todo te enseña el valor de un buen director. Stanley sacó a relucir aspectos de mi personalidad e instintos de actuación que habían estado dormidos... Mi fuerte sospecha [era] que estaba involucrado en algo grandioso. Agregó además que trabajar con Kubrick fue "una experiencia impresionante" y que nunca se recuperó de trabajar con alguien de tal magnificencia.

Cinematografía

Kubrick atribuyó la facilidad con la que filmaba escenas a sus primeros años como fotógrafo. Rara vez añadía instrucciones de cámara en el guión, prefiriendo manejar eso después de crear una escena, ya que la parte visual de la realización de películas le resultaba más fácil. Incluso al decidir qué accesorios y escenarios se utilizarían, Kubrick prestó una atención meticulosa a los detalles y trató de recopilar la mayor cantidad de material de fondo posible, actuando como lo que él describió como "un detective". El director de fotografía John Alcott, que trabajó estrechamente con Kubrick en cuatro de sus películas y ganó un Oscar a la mejor fotografía por Barry Lyndon, comentó que Kubrick "cuestiona todo" y participó en los aspectos técnicos de la realización de películas, incluida la ubicación de la cámara, la composición de la escena, la elección de la lente e incluso el funcionamiento de la cámara, que normalmente se dejaría en manos del director de fotografía. Alcott consideraba a Kubrick como "lo más parecido a un genio con el que he trabajado, con todos los problemas de un genio".

Cámara de Kubrick, posiblemente usada en Barry Lyndon

Entre las innovaciones de Kubrick en cinematografía se encuentra el uso de efectos especiales, como en 2001, donde utilizó tanto la fotografía de escaneo de hendidura como la proyección de pantalla frontal, lo que le valió a Kubrick su único Oscar. para efectos especiales. Algunos críticos han descrito e ilustrado con clips de vídeo el uso que hace Kubrick de la "perspectiva de un punto", que dirige la mirada del espectador hacia un punto de fuga central. La técnica se basa en la creación de una simetría visual compleja utilizando líneas paralelas en una escena que convergen en ese único punto, alejándose del espectador. Combinado con el movimiento de la cámara, podría producir un efecto que un escritor describe como "hipnótico y emocionante". The Shining estuvo entre la primera media docena de largometrajes en usar la entonces revolucionaria Steadicam (después de las películas de 1976 Bound for Glory, Marathon Man y Rocoso). Kubrick lo usó en todo su potencial, lo que le dio a la audiencia un seguimiento de movimiento suave y estabilizado por parte de la cámara. Kubrick describió Steadicam como una "alfombra mágica", que permite "movimientos de cámara rápidos y fluidos". en el laberinto de El Resplandor que de otro modo hubiera sido imposible.

Kubrick fue uno de los primeros directores en usar la asistencia de video durante la filmación. En el momento en que comenzó a usarlo en 1966, se consideraba tecnología de punta, lo que le obligaba a construir su propio sistema. Al tenerlo instalado durante la filmación de 2001, pudo ver un video de una toma inmediatamente después de filmarla. En algunas películas, como Barry Lyndon, usó lentes con zoom hechos a la medida, lo que le permitió comenzar una escena con un primer plano y alejarla lentamente para capturar el panorama completo del paisaje y filmar largas toma bajo condiciones cambiantes de iluminación exterior haciendo ajustes de apertura mientras las cámaras rodaban. LoBrutto señala que el conocimiento técnico de Kubrick sobre lentes 'deslumbró a los ingenieros del fabricante, quienes encontraron que no tenía precedentes entre los cineastas contemporáneos'. Para Barry Lyndon, también utilizó una lente de cámara Zeiss de alta velocidad (f/0.7) especialmente adaptada, desarrollada originalmente para la NASA, para filmar numerosas escenas iluminadas solo con luz de velas. El actor Steven Berkoff recuerda que Kubrick quería que las escenas se filmaran usando "pura luz de velas" y, al hacerlo, Kubrick "hizo una contribución única al arte del cine que se remonta a la pintura... Casi posas como para retratos." LoBrutto señala que los directores de fotografía de todo el mundo querían saber acerca de la 'lente mágica' de Kubrick. y que se convirtió en una "leyenda" entre los camarógrafos de todo el mundo.

Edición y música

György Ligeti, cuya música Kubrick usaba 2001, El resplandor y Ojos de cierre ancho

Kubrick pasó muchas horas editando, a menudo trabajando los siete días de la semana, y más horas al día a medida que se acercaba a los plazos. Para Kubrick, el diálogo escrito era un elemento a equilibrar con la puesta en escena, la música y, sobre todo, el montaje. Inspirándose en el tratado de Pudovkin sobre el montaje de películas, Kubrick se dio cuenta de que se podía crear una actuación en la sala de montaje y, a menudo, "re-dirigir" una película, y comentó: "Me encanta editar. Creo que me gusta más que cualquier otra fase del cine... La edición es el único aspecto único del cine que no se parece a ninguna otra forma de arte, un punto tan importante que no se puede enfatizar demasiado... Puede hacer o deshacer una película& #34;. El biógrafo John Baxter afirmó que "en lugar de encontrar la columna vertebral intelectual de una película en el guión antes de comenzar a trabajar, Kubrick se abrió camino hacia la versión final de una película filmando cada escena desde muchos ángulos y exigiendo decenas de tomas en cada uno". línea. Luego, durante meses... ordenó y reorganizó las decenas de miles de fragmentos de película para que se ajustaran a una visión que en realidad solo comenzó a surgir durante la edición.

La atención de Kubrick por la música era un aspecto de lo que muchos llamaban su "perfeccionismo" y extrema atención a los detalles minuciosos, que su esposa Christiane atribuyó a una adicción a la música. En sus últimas seis películas, Kubrick solía elegir música de fuentes existentes, especialmente composiciones clásicas. Prefería seleccionar música grabada antes que componerla para una película, creyendo que ningún compositor contratado podría hacerlo tan bien como los compositores clásicos de dominio público. También sintió que construir escenas de buena música a menudo creaba las "escenas más memorables" en las mejores peliculas. En un caso, para una escena en Barry Lyndon que se escribió en el guión simplemente como "Barry se duele con Lord Bullingdon", pasó cuarenta y dos días hábiles en la fase de edición.. Durante ese período, escuchó lo que LoBrutto describe como "todas las grabaciones disponibles de música de los siglos XVII y XVIII, adquiriendo miles de discos para encontrar la sarabanda de Handel utilizada para componer la escena". Nicholson también observó su atención a la música, afirmando que Kubrick "escuchaba música constantemente hasta que descubría algo que sentía que era correcto o que lo emocionaba".

A Kubrick se le atribuye haber presentado al compositor húngaro György Ligeti a una amplia audiencia occidental al incluir su música en 2001, The Shining y Eyes Wide Shut. Según Baxter, la música en 2001 estaba "a la vanguardia de la mente de Kubrick" cuando concibió la película. Durante una proyección anterior, tocó música de Mendelssohn y Vaughan Williams, y Kubrick y el escritor Clarke habían escuchado la transcripción de Carl Orff de Carmina Burana, que consiste en canciones sagradas y seculares del siglo XIII. La música de Ligeti empleó el nuevo estilo de micropolifonía, que utilizaba acordes disonantes sostenidos que cambiaban lentamente con el tiempo, un estilo que él originó. Su inclusión en la película se convirtió en una "bendición para el compositor relativamente desconocido" en parte porque fue presentado junto con los antecedentes por Johann Strauss y Richard Strauss.

Además de Ligeti, Kubrick disfrutó de una colaboración con la compositora Wendy Carlos, cuyo álbum de 1968 Switched-On Bach, que reinterpretaba la música barroca mediante el uso de un sintetizador Moog, llamó su atención. En 1971, Carlos compuso y grabó la música para la banda sonora de La naranja mecánica. La música adicional que no se usó en la película se lanzó en 1972 como La naranja mecánica de Wendy Carlos. Posteriormente, Kubrick colaboró con Carlos en The Shining (1980). La apertura de la película emplea a Carlos' interpretación de "Dies Irae" (Día de la ira) de la Symphonie Fantastique de Héctor Berlioz.

Vida privada

Kubrick se casó con su novia de la escuela secundaria, Toba Metz, caricaturista, el 29 de mayo de 1948, cuando tenía 19 años. La pareja vivía junta en Greenwich Village y se divorciaron tres años después, en 1951. Conoció a su segunda esposa, la bailarina y diseñadora teatral nacida en Austria Ruth Sobotka, en 1952. Vivieron juntos en el East Village de la ciudad de Nueva York a partir de 1952, se casó en enero de 1955 y se mudó a Hollywood en julio de 1955, donde interpretó un breve papel como bailarina de ballet en la película de Kubrick, Killer's Kiss (1955). Al año siguiente, fue directora de arte de su película, The Killing (1956). Se divorciaron en 1957.

Durante la producción de Senderos de gloria en Múnich a principios de 1957, Kubrick conoció y se enamoró de la actriz alemana Christiane Harlan, quien interpretó un pequeño pero memorable papel en la película. Kubrick se casó con Harlan en 1958 y la pareja permaneció junta durante 40 años, hasta su muerte en 1999. Además de su hijastra, tuvieron dos hijas juntas: Anya Renata (6 de abril de 1959 - 7 de julio de 2009) y Vivian Vanessa (nacida el 5 de agosto)., 1960). En 1959, se instalaron en una casa en 316 South Camden Drive en Beverly Hills con la hija de Harlan, Katherina, de seis años. También vivieron en la ciudad de Nueva York, tiempo durante el cual Christiane estudió arte en la Art Students League de Nueva York, y luego se convirtió en artista independiente. La pareja se mudó al Reino Unido en 1961 para hacer Lolita, y Kubrick contrató a Peter Sellers para protagonizar su próxima película, Dr. Extraño amor. Sellers no pudo salir del Reino Unido, por lo que Kubrick hizo de Gran Bretaña su hogar permanente a partir de entonces. El movimiento fue bastante conveniente para Kubrick, ya que evitaba el sistema de Hollywood y su maquinaria publicitaria y él y Christiane se habían alarmado con el aumento de la violencia en la ciudad de Nueva York.

Stanley Kubrick Guest House en Abbots Mead, Borehamwood, donde editó sus películas más importantes

Manor Childwickbury de Kubrick en Hertfordshire, Inglaterra

En 1965, los Kubrick compraron Abbots Mead en Barnet Lane, justo al suroeste del complejo de estudios Elstree/Borehamwood en Inglaterra. Kubrick trabajó casi exclusivamente desde esta casa durante 14 años donde investigó, inventó técnicas de efectos especiales, diseñó lentes de luz ultrabaja para cámaras especialmente modificadas, preprodujo, editó, posprodujo, publicitó, distribuyó y administró cuidadosamente todos los aspectos de cuatro de sus películas. En 1978, Kubrick se mudó a Childwickbury Manor en Hertfordshire, una casa señorial principalmente del siglo XVIII, que una vez fue propiedad de un rico propietario de caballos de carreras, a unas 30 millas (50 km) al norte de Londres y a 10 minutos en auto de su casa anterior en Abbotts Mead. Su nuevo hogar se convirtió en un lugar de trabajo para Kubrick y su esposa, "una fábrica familiar perfecta" como lo llamó Christiane, y Kubrick convirtió los establos en salas de producción adicionales además de las dentro de la casa que usaba para editar y almacenar.

Adicto al trabajo, Kubrick rara vez se tomó vacaciones o salió de Inglaterra durante los cuarenta años anteriores a su muerte. LoBrutto señala que la forma de vida confinada y el deseo de privacidad de Kubrick han llevado a historias falsas sobre su reclusión, similares a las de Greta Garbo, Howard Hughes y J. D. Salinger. Michael Herr, coguionista de Kubrick en Full Metal Jacket, que lo conoció bien, considera que su "reclusión" ser un mito: "[Él] fue de hecho un completo fracaso como recluso, a menos que creas que un recluso es simplemente alguien que rara vez sale de su casa". Stanley vio a mucha gente... era uno de los hombres más sociables que he conocido y no cambió nada que la mayor parte de esta cordialidad se hacía por teléfono." LoBrutto afirma que una de las razones por las que adquirió fama de recluso fue que insistía en permanecer cerca de su casa pero la razón de esto era que para Kubrick solo había tres lugares en el planeta donde podía hacer películas de alta calidad con la técnica necesaria. experiencia y equipo: Los Ángeles, la ciudad de Nueva York o los alrededores de Londres. No le gustaba vivir en Los Ángeles y pensaba que Londres era un centro de producción cinematográfica superior a la ciudad de Nueva York.

Como persona, Norman Lloyd describió a Kubrick como "un tipo muy oscuro, una especie de ceño fruncido que era muy serio". Marisa Berenson, que protagonizó Barry Lyndon, recordó con cariño: “Había una gran ternura en él y le apasionaba su trabajo. Lo que llamaba la atención era su enorme inteligencia pero también tenía un gran sentido del humor. Era una persona muy tímida y autoprotectora, pero estaba lleno de aquello que lo impulsaba las veinticuatro horas del día." A Kubrick le gustaban especialmente las máquinas y los equipos técnicos, hasta el punto de que su esposa Christiane dijo una vez que "Stanley estaría feliz con ocho grabadoras y un par de pantalones". Kubrick había obtenido una licencia de piloto en agosto de 1947 y algunos han afirmado que más tarde desarrolló un miedo a volar, derivado de un incidente a principios de la década de 1950 cuando un colega murió en un accidente aéreo. A Kubrick le habían enviado los restos carbonizados de su cámara y cuadernos que, según Duncan, lo traumatizaron de por vida. Kubrick también desconfiaba mucho de los médicos y la medicina.

Muerte

El 7 de marzo de 1999, seis días después de proyectar un corte final de Eyes Wide Shut para su familia y las estrellas, Kubrick murió mientras dormía a la edad de 70 años, de un infarto. Su funeral se llevó a cabo cinco días después en Childwickbury Manor, con la asistencia de solo amigos cercanos y familiares, con un total de unas 100 personas. Los medios se mantuvieron a una milla de distancia fuera de la puerta de entrada. Alexander Walker, que asistió al funeral, lo describió como una "despedida familiar,... casi como un picnic inglés", con violonchelistas, clarinetistas y cantantes que interpretaron canciones y música de muchas de sus composiciones clásicas favoritas. Se recitó Kadish, la oración judía típicamente dicha por los dolientes y en otros contextos. Algunos de sus obituarios mencionaron su origen judío. Entre los que dieron elogios estaban Terry Semel, Jan Harlan, Steven Spielberg, Nicole Kidman y Tom Cruise. Fue enterrado junto a su árbol favorito en la finca. En su libro dedicado a Kubrick, su esposa Christiane incluyó una de sus citas favoritas de Oscar Wilde: "La tragedia de la vejez no es que uno sea viejo sino que uno sea joven".

Filmografía

Reconocimientos

Legado

Impacto cultural

Kubrick en el trailer de Dr. Strangelove (1964)

Parte de la ola cinematográfica del Nuevo Hollywood, las películas de Kubrick son consideradas por el historiador de cine Michel Ciment como "entre las contribuciones más importantes al cine mundial en el siglo XX", y él es citado con frecuencia como uno de los directores más grandes e influyentes de la historia del cine. Según el historiador de cine y estudioso de Kubrick, Robert Kolker, las películas de Kubrick eran "más rigurosas intelectualmente que el trabajo de cualquier otro cineasta estadounidense". Directores destacados, incluidos Martin Scorsese, Steven Spielberg, Wes Anderson, George Lucas, James Cameron, Terry Gilliam, los hermanos Coen, Ridley Scott y George A. Romero, han citado a Kubrick como fuente de inspiración y, además, en el caso de Spielberg y Scott, colaboración. En el DVD de Eyes Wide Shut, Steven Spielberg comenta que la forma en que Kubrick "cuenta una historia es la antítesis de la forma en que estamos acostumbrados a recibir historias" y que "nadie podría filmar una película mejor en la historia". Orson Welles, una de las mayores influencias personales de Kubrick y uno de los directores favoritos, dijo que: "Entre los que yo llamaría 'generación más joven', Kubrick me parece un gigante". #34;

Muchos directores siguen citando a Kubrick como una gran influencia, incluidos Christopher Nolan, Todd Field, David Fincher, Guillermo del Toro, David Lynch, Lars von Trier, Tim Burton, Michael Mann y Gaspar Noé. Muchos cineastas imitan el uso inventivo y único de Kubrick del movimiento de la cámara y el encuadre, así como su uso de la música, incluido Frank Darabont.

Artistas en campos distintos al cine también han expresado su admiración por Kubrick. El músico y poeta inglés PJ Harvey, en una entrevista sobre su álbum de 2011 Let England Shake, argumentó que "algo sobre [...] lo que no se dice en sus películas... hay&# 39;s tanto espacio, tantas cosas que están en silencio - y de alguna manera, en ese espacio y silencio todo se vuelve claro. Con cada película, parece capturar la esencia de la vida misma, particularmente en películas como Paths of Glory, 2001: A Space Odyssey, Barry Lyndon... esos son algunos de mis favoritos." El video musical de la canción 'Runaway' de Kanye West de 2010 se inspiró en Eyes Wide Shut. Los espectáculos de conciertos de la cantante pop Lady Gaga han incluido el uso de diálogos, disfraces y música de La naranja mecánica.

Homenajes

Entrada a la exposición del museo Kubrick en LACMA

En 2000, BAFTA renombró su premio Britannia a la trayectoria como "Premio Stanley Kubrick Britannia", uniéndose a D. W. Griffith, Laurence Olivier, Cecil B. DeMille e Irving Thalberg, todos los cuales tienen premios anuales premios que llevan su nombre. Kubrick ganó este premio en 1999, y los ganadores posteriores incluyen a George Lucas, Warren Beatty, Tom Cruise, Robert De Niro, Clint Eastwood y Daniel Day-Lewis. Muchas personas que trabajaron con Kubrick en sus películas crearon el documental de 2001 Stanley Kubrick: A Life in Pictures, producido y dirigido por el cuñado de Kubrick, Jan Harlan, quien fue productor ejecutivo. Las últimas cuatro películas de Kubrick.

La primera exhibición pública de material de los archivos personales de Kubrick fue presentada conjuntamente en 2004 por el Deutsches Filmmuseum y el Deutsches Architekturmuseum en Frankfurt, Alemania, en cooperación con Christiane Kubrick y Jan Harlan / The Stanley Kubrick Estate. En 2009, se llevó a cabo en Dublín, Irlanda, una exposición de pinturas y fotografías inspiradas en las películas de Kubrick, titulada "Stanley Kubrick: Taming Light". El 30 de octubre de 2012, se inauguró una exposición dedicada a Kubrick en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) y concluyó en junio de 2013. Las exhibiciones incluyen una amplia colección de documentos, fotografías y material del set recopilados a partir de 800 cajas de archivos personales. que se almacenaron en el lugar de trabajo de Kubrick en el Reino Unido. Muchas celebridades asistieron y hablaron en la gala previa a la inauguración del museo, incluidos Steven Spielberg, Tom Hanks y Jack Nicholson, mientras que la viuda de Kubrick, Christiane, apareció en la revista de prensa previa a la gala. En octubre de 2013, el Festival Internacional de Cine de São Paulo de Brasil rindió homenaje a Kubrick, organizando una exhibición de su trabajo y una retrospectiva de sus películas. La exhibición se inauguró en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) a fines de 2014 y finalizó en enero de 2015.

Kubrick es ampliamente mencionado en la cultura popular; por ejemplo, se dice que la serie de televisión Los Simpson contiene más referencias a las películas de Kubrick que cualquier otro fenómeno de la cultura pop. Cuando el Gremio de Directores de Gran Bretaña le otorgó a Kubrick un premio a la trayectoria, incluyeron una secuencia cortada de todos los homenajes del programa. Se han creado varios trabajos relacionados con la vida de Kubrick, incluido el falso documental para televisión Dark Side of the Moon (2002), que es una parodia de la omnipresente teoría de la conspiración de que Kubrick había estado involucrado en las imágenes falsas de los alunizajes de la NASA durante el rodaje de 2001: A Space Odyssey. Colour Me Kubrick (2005) fue autorizada por la familia de Kubrick y protagonizada por John Malkovich como Alan Conway, un estafador que asumió la identidad de Kubrick en la década de 1990. En la película de 2004 La vida y muerte de Peter Sellers, Kubrick fue interpretado por Stanley Tucci; la película documenta el rodaje de Dr. Extraño amor.

En abril de 2018, el mes que marcó el 50.º aniversario de 2001: Una odisea del espacio, la Unión Astronómica Internacional nombró a la montaña más grande de la luna de Plutón, Caronte, en honor a Kubrick.

Desde octubre de 2019 hasta marzo de 2020, el Centro Cultural Skirball acogió una exposición llamada A través de una lente diferente: fotografías de Stanley Kubrick, un espectáculo centrado en los inicios de la carrera de Kubrick.