Sonrisas y lágrimas (película)

Sonrisas y lágrimas es una película dramática musical estadounidense de 1965 producida y dirigida por Robert Wise a partir de un guion escrito por Ernest Lehman y protagonizada por Julie Andrews y Christopher Plummer, con Richard Haydn, Peggy Wood, Charmian Carr y Eleanor Parker. La película es una adaptación del musical de 1959 compuesto por Richard Rodgers, con letras de Oscar Hammerstein II y un libreto de Lindsay y Crouse. Está basada en las memorias de 1949 La historia de los cantantes de la familia Trapp de Maria von Trapp y está ambientada en Salzburgo, Austria. Es un relato ficticio de sus experiencias como institutriz de siete niños, su eventual matrimonio con el padre de estos, el capitán Georg von Trapp, y su huida durante el Anschluss en 1938.

El rodaje se llevó a cabo entre marzo y septiembre de 1964 en Los Ángeles y Salzburgo. La novicia rebelde se estrenó en Estados Unidos el 2 de marzo de 1965, inicialmente como un estreno itinerante limitado en salas de cine. La respuesta crítica inicial a la película fue mixta, pero fue un gran éxito comercial, convirtiéndose en la película número uno en taquilla después de cuatro semanas, y la película más taquillera de 1965. En noviembre de 1966, La novicia rebelde se había convertido en la película más taquillera de todos los tiempos, superando a Lo que el viento se llevó, y mantuvo esa distinción durante cinco años. La película fue popular en todo el mundo, rompiendo récords de taquilla anteriores en 29 países. Tuvo un estreno en salas de cine que duró cuatro años y medio y dos reestrenos exitosos. Vendió 283 millones de entradas en todo el mundo y recaudó una recaudación total mundial de 286 millones de dólares.

La novicia rebelde recibió cinco premios de la Academia, incluidos los de mejor película y mejor director. La película también recibió los Globos de Oro a la mejor película y mejor actriz, el premio del Sindicato de Directores de Estados Unidos a la mejor dirección y el premio del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos al mejor musical estadounidense escrito. En 1998, el Instituto de Cine Americano (AFI) clasificó a La novicia rebelde como la 55.ª mejor película estadounidense de todos los tiempos y la cuarta mejor película musical. En 2001, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos seleccionó la película para su preservación en el Registro Nacional de Cine, al considerarla "cultural, histórica o estéticamente significativa".

En 1938, en Salzburgo, María es una joven austríaca de espíritu libre que estudia para convertirse en monja en la abadía de Nonnberg. Sin embargo, su entusiasmo juvenil y su falta de disciplina causan cierta preocupación. La madre abadesa envía a María a la villa del oficial naval retirado, el capitán Georg von Trapp, para que sea la nueva institutriz de sus siete hijos: Liesl, Friedrich, Louisa, Kurt, Brigitta, Marta y Gretl. El capitán ha estado criando a sus hijos utilizando una estricta disciplina militar tras la muerte de su esposa; ellos han asustado a varias institutrices haciéndoles bromas. Aunque los niños se portan mal al principio, María responde con amabilidad y paciencia, y pronto los niños comienzan a confiar en ella y a respetarla.

Mientras el capitán está en Viena, María hace ropa de juego para los niños a partir de cortinas que se van a cambiar. Los lleva por Salzburgo y las montañas mientras les enseña a cantar. Cuando el capitán regresa a la villa con la baronesa Elsa Schraeder, una adinerada mujer de la alta sociedad, y su amigo en común Max Detweiler, son recibidos por María y los niños que regresan de un paseo en bote por el lago, que termina abruptamente cuando su bote vuelca. Disgustado por la ropa y las actividades de sus hijos y por el apasionado llamado de María para que se acerque a ellos, el capitán intenta despedir a María. Sin embargo, oye cantos desde el interior de la casa y se sorprende al ver a sus hijos cantando para la baronesa. Lleno de emoción, el capitán se une a sus hijos, cantando por primera vez en años. El capitán se disculpa con María y le pide que se quede.

Impresionado por el canto de los niños, Max propone que los inscriba en el próximo Festival de Salzburgo, pero el capitán desaprueba que sus hijos canten en público. Durante una gran fiesta en la villa, donde los invitados con atuendo formal bailan el vals en el salón de baile, María y los niños miran desde la terraza del jardín. Cuando el capitán se da cuenta de que María le enseña a Kurt la danza folclórica tradicional de los Ländler, interviene y se une a María en una elegante actuación que culmina en un fuerte abrazo. Confundida sobre sus sentimientos, María se sonroja y se aleja. Más tarde, la baronesa, que notó la atracción del capitán por María, oculta sus celos convenciendo indirectamente a María de que debe regresar a la abadía.

La madre abadesa se entera de que María se ha quedado recluida para evitar que sus sentimientos románticos por el capitán crezcan, por lo que la anima a volver a la villa para buscar su propósito en la vida. Cuando María regresa a la villa, se entera del compromiso del capitán con la baronesa y acepta quedarse hasta que encuentren una institutriz sustituta. Sin embargo, la baronesa se entera de que los sentimientos del capitán por María no han cambiado, por lo que cancela pacíficamente el compromiso y regresa a Viena mientras anima al capitán a expresar sus sentimientos por María, quien se casa con él.

Mientras la pareja está de luna de miel, Max inscribe a los niños en el Festival de Salzburgo contra los deseos de su padre. Al enterarse de que Austria ha sido anexionada por el Tercer Reich, la pareja regresa a su casa, donde el capitán recibe un telegrama en el que se le ordena presentarse en la base naval alemana de Bremerhaven para aceptar un puesto en la Kriegsmarine. El capitán, que se opone firmemente a los nazis y a su ideología, le dice a su familia que deben abandonar Austria inmediatamente.

Esa noche, la familia von Trapp intenta huir a Suiza, pero son detenidos por un grupo de camisas pardas, liderados por el Gauleiter Hans Zeller, que los espera fuera de la villa. Para borrar las huellas de su familia, el capitán sostiene que se dirigen al Festival de Salzburgo para actuar. Zeller insiste en escoltarlos hasta el festival, después de lo cual sus hombres acompañarán al capitán a Bremerhaven.

Más tarde esa noche en el festival, durante su último número, la familia von Trapp se escapa y busca refugio en la abadía, donde la Madre Abadesa los esconde en la cripta del cementerio. Zeller y sus hombres llegan pronto y registran la abadía, pero la familia logra escapar usando el auto del cuidador. Cuando los hombres de Zeller intentan perseguirlos, descubren que sus autos no arrancan, ya que dos de las monjas han saboteado sus motores. A la mañana siguiente, después de conducir hasta la frontera suiza, la familia von Trapp cruza a pie la frontera hacia Suiza en busca de seguridad y libertad.

La verdadera Maria von Trapp tiene un breve cameo no acreditado como transeúnte, junto a su hija Rosmarie y la hija de Werner von Trapp, durante "Tengo confianza".

La historia de Sonrisas y lágrimas está basada en las memorias de Maria von Trapp, La historia de los cantantes de la familia Trapp, publicadas en 1949 para ayudar a promocionar el grupo de canto de su familia tras la muerte de su marido Georg en 1947. Los productores de Hollywood expresaron su interés en comprar solo el título, pero Maria se negó, pues quería que se contara toda su historia. En 1956, el productor alemán Wolfgang Liebeneiner compró los derechos cinematográficos por 9.000 dólares (equivalentes a 101.000 dólares en 2023), contrató a George Hurdalek y Herbert Reinecker para escribir el guion y a Franz Grothe para supervisar la banda sonora, que consistía en canciones folclóricas tradicionales austriacas. La familia Trapp se estrenó en Alemania Occidental el 9 de octubre de 1956 y se convirtió en un gran éxito. Dos años después, Liebeneiner dirigió una secuela, La familia Trapp en América, y las dos películas se convirtieron en las más exitosas en Alemania Occidental durante los años de posguerra. Su popularidad se extendió por toda Europa y Sudamérica.

En 1956, Paramount Pictures compró los derechos cinematográficos de Estados Unidos, con la intención de producir una versión en inglés con Audrey Hepburn como María. El estudio finalmente descartó su opción, pero uno de sus directores, Vincent J. Donehue, propuso la historia como un musical teatral para Mary Martin. Los productores Richard Halliday y Leland Heyward consiguieron los derechos y contrataron a los dramaturgos Howard Lindsay y Russel Crouse, que habían ganado el premio Pulitzer por State of the Union. Se pusieron en contacto con Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II para que compusieran una canción para el musical, pero los compositores sintieron que los dos estilos (las canciones folclóricas tradicionales austríacas y su composición) no funcionarían juntos. Ofrecieron escribir una banda sonora completamente nueva para toda la producción si los productores estaban dispuestos a esperar mientras terminaban el trabajo en Flower Drum Song. Los productores respondieron rápidamente que esperarían tanto como fuera necesario. El musical teatral The Sound of Music se estrenó el 16 de noviembre de 1959 en el Teatro Lunt-Fontanne de la ciudad de Nueva York y se representó en Broadway durante 1.443 funciones, ganando seis premios Tony, incluido el de Mejor musical. En junio de 1960, Twentieth Century-Fox compró los derechos de adaptación cinematográfica del musical teatral por 1,25 millones de dólares (12,9 millones de dólares en 2023) a cambio del diez por ciento de la recaudación.

En diciembre de 1962, el presidente de 20th Century-Fox, Richard D. Zanuck, contrató a Ernest Lehman para escribir el guión de la adaptación cinematográfica del musical. Lehman revisó el guión original del musical, reorganizó la secuencia de canciones y comenzó a transformar una obra diseñada para el teatro en una película que pudiera utilizar la cámara para enfatizar la acción y el estado de ánimo y abrir la historia a las hermosas ubicaciones de Salzburgo y los Alpes austríacos. La secuencia "Do-Re-Mi" de la obra, por ejemplo, originalmente era un número estático; Lehman la transformó en un montaje animado que mostraba algunos de los hermosos lugares de Salzburgo, así como a María y los niños acercándose con el tiempo. Lehman también eliminó dos canciones, "¿Cómo puede sobrevivir el amor?" y "No hay manera de detenerlo", cantadas por los personajes de Elsa y Max. En enero de 1963, vio la versión doblada al inglés de Fox de las dos películas alemanas. No muy impresionado, decidió utilizar el musical de teatro y las memorias de Maria como material de origen. Mientras Lehman desarrollaba el guion, él y Zanuck comenzaron a buscar un director. Su primera opción fue Robert Wise, con quien Lehman había trabajado en la adaptación cinematográfica de West Side Story, pero Wise estaba ocupado preparando el trabajo para otra película, The Sand Pebbles. Se acercaron a otros directores, que rechazaron la oferta, entre ellos Stanley Donen, Vincent J. Donehue, George Roy Hill y Gene Kelly.

En enero de 1963, Lehman invitó a uno de sus directores favoritos, William Wyler, a viajar a Nueva York con él para ver el musical de Broadway. Después de ver el espectáculo, Wyler dijo que lo odiaba, pero después de dos semanas de persuasión por parte de Lehman, Wyler aceptó a regañadientes dirigir y producir la película. Después de contratar al supervisor musical Roger Edens, Wyler, Lehman y Edens viajaron a Salzburgo para buscar lugares de rodaje. En dos semanas lograron ver aproximadamente setenta y cinco lugares, una experiencia que ayudó a Lehman a conceptualizar varias secuencias importantes. Durante ese viaje, Lehman comenzó a tener reservas sobre el compromiso de Wyler con el proyecto y se lo comunicó a Zanuck, quien le dio instrucciones al escritor para que finalizara el primer borrador del guion lo más rápido posible. Lehman completó el primer borrador el 10 de septiembre de 1963 y se lo envió a Wyler, quien no tuvo sugerencias ni cambios que agregar. En ese momento, Lehman también le dio en secreto una copia del guión al agente de Robert Wise, a quien Lehman todavía quería como director. Más tarde ese mes, el agente de Wyler se acercó a Zanuck para pedirle que se retrasara la producción de la película para que Wyler pudiera dirigir The Collector. Zanuck le dijo que le dijera a Wyler que hiciera la otra película y que seguirían adelante según lo programado con otro director, poniendo fin a la participación de Wyler.

Mientras tanto, Wise, cuya película The Sand Pebbles se había pospuesto, leyó el primer borrador de Lehman, quedó impresionado por lo que leyó y aceptó dirigir la película, incorporándose a la película en octubre de 1963, y voló a Salzburgo con el productor asociado Saul Chaplin y miembros de su equipo de producción para buscar lugares de rodaje, incluidos muchos que Wyler había identificado. Cuando regresó, Wise comenzó a trabajar en el guion. Wise compartía la visión de Lehman de que la película se centrara en la música, y los cambios que realizó fueron coherentes con el enfoque del escritor, principalmente reduciendo la cantidad de dulzura y sentimentalismo que se encuentran en el musical. Tenía reservas sobre la secuencia aérea inicial de Lehman porque West Side Story, cuyo guion también había escrito Lehman, había utilizado una secuencia inicial similar, pero no se le ocurrió una mejor y decidió quedarse con la de Lehman. Otros cambios incluyeron la sustitución de "An Ordinary Couple" por un número más romántico y una nueva canción para la salida de Maria de la abadía: Rodgers proporcionó "Something Good" y "I Have Confidence", especialmente para la película. Lehman completó el segundo borrador el 20 de diciembre de 1963, pero se realizarían cambios adicionales basados en los aportes de Maria von Trapp y Christopher Plummer sobre el personaje del Capitán. Plummer ayudó especialmente a cambiar un personaje carente de sustancia en una figura compleja más fuerte y enérgica con un irónico sentido del humor y un tono más oscuro. Lehman completó su borrador final el 20 de marzo de 1964.

La primera y única opción de Lehman para el papel de María fue Julie Andrews. Cuando Wise se unió al proyecto, hizo una lista de sus opciones para el papel, que incluía a Andrews como su primera opción, Grace Kelly y Shirley Jones. Wise y Lehman fueron a Disney Studios para ver imágenes de Mary Poppins, que aún no se había estrenado. A los pocos minutos de empezar la película, Wise le dijo a Lehman: "¡Firmemos con esta chica antes de que alguien más vea esta película y la pille!". Andrews tenía algunas reservas, principalmente sobre la cantidad de dulzura en la versión cinematográfica, pero cuando se enteró de que Wise y Lehman compartían sus preocupaciones y cuál era su visión, firmó un contrato con Fox para protagonizar The Sound of Music y otra película por 225.000 dólares (2,21 millones de dólares en 2023). Wise tuvo más dificultades para encontrar a la actriz para el papel de la Capitana. Muchos actores fueron considerados para el papel, entre ellos Bing Crosby, Yul Brynner, Sean Connery y Richard Burton. Wise había visto a Christopher Plummer en Broadway y lo quería para el papel, pero el actor de teatro rechazó la oferta varias veces. Wise voló a Londres para reunirse con Plummer y explicarle su concepto de la película; el actor aceptó después de que le aseguraran que podría trabajar con Lehman para mejorar el personaje.

Wise también dedicó mucho tiempo y esfuerzo a la selección de los personajes secundarios. Para el papel de Max Detweiler, Wise consideró inicialmente a Victor Borge, Noël Coward y Hal Holbrook, entre otros, antes de decidirse por Richard Haydn. Para el personaje de la baronesa Elsa Schraeder, Wise buscó una actriz de renombre (Andrews y Plummer aún no eran muy conocidos entre el público cinematográfico) y se decidió por Eleanor Parker. La selección de los personajes infantiles comenzó en noviembre de 1963 e implicó más de doscientas entrevistas y audiciones en Estados Unidos e Inglaterra. Algunos de los actores infantiles entrevistados o evaluados, que no fueron seleccionados, incluyeron a Mia Farrow, Patty Duke, Lesley Ann Warren, Geraldine Chaplin, Shelley Fabares, Teri Garr, Kurt Russell y The Osmonds. La mayoría de los actores seleccionados tenían alguna experiencia en actuación, canto o baile. Charmian Carr, sin embargo, era una modelo que trabajaba a tiempo parcial en un consultorio médico y no tenía ninguna ambición de seguir una carrera como actriz. Después de que un amigo enviara su foto al consultorio de Wise, le pidieron que participara en una entrevista. Wise recordó más tarde: "Era tan bonita y tenía tanto aplomo y encanto que nos gustó de inmediato". Marni Nixon, que había doblado los papeles de varias actrices de cine en musicales cinematográficos, fue elegida para interpretar un personaje, la hermana Sophia, en lugar de doblar otra voz. La última persona elegida fue Daniel Truhitte para el papel de Rolfe.

Los ensayos para las secuencias de canto y baile comenzaron el 10 de febrero de 1964. El equipo formado por Marc Breaux y Dee Dee Wood, marido y mujer, que habían trabajado con Andrews en Mary Poppins, elaboró la coreografía con Saul Chaplin al piano; los arreglos no podían modificarse según el contrato de Rodgers y Hammerstein. La coreografía del escenario no se utilizó porque era demasiado restrictiva. Breaux y Wood elaboraron una coreografía completamente nueva que se adaptaba mejor a la película y que incorporaba muchas de las localizaciones y escenarios de Salzburgo. Incluso coreografiaron la nueva secuencia de baile de marionetas para "El cabrero solitario". La coreografía de los Ländler siguió estrictamente la danza folclórica tradicional austríaca. El arreglista musical Irwin Kostal pregrabó las canciones con una gran orquesta y cantantes en un escenario antes del inicio del rodaje. En su libro, The Sound of Music: The Making of America's Favorite Movie, Julia Antopol Hirsch dice que Kostal utilizó siete niños y cinco adultos para grabar las voces de los niños; la única escena en la que se escucha cantar a los niños actores en la versión estrenada de la película es cuando cantan 'The Sound of Music' solos después de que María se va. Charmian Carr refutó la afirmación de que las voces de los niños actores fueron dobladas en la película y en la banda sonora. Carr sostuvo que todos los niños que están en la película cantan en la pista, pero otros cuatro niños fueron agregados a la mayoría de las canciones para darles un sonido más completo; no los reemplazaron como cantantes. Las voces de algunos de los actores adultos tenían dobles de voz, incluidos los de Peggy Wood y Christopher Plummer.

El rodaje principal comenzó el 26 de marzo de 1964 en los estudios de 20th Century-Fox en Los Ángeles, donde se filmaron escenas en el dormitorio de María y en el claustro y el cementerio de la abadía. Luego, la compañía voló a Salzburgo, donde se reanudó el rodaje el 23 de abril en la Abadía de Mondsee para las escenas de la boda. Desde el 25 de abril hasta el 22 de mayo, se filmaron escenas en la Felsenreitschule, la Abadía de Nonnberg, los jardines del palacio de Mirabell, la fuente de la residencia y varias ubicaciones en la calle de la zona de Altstadt (Casco Antiguo) de la ciudad. Wise se enfrentó a la oposición de los líderes de la ciudad que no querían que montara escenas con pancartas con esvásticas. Ellos cedieron después de que amenazara con incluir en su lugar imágenes de noticieros antiguos con las pancartas. Los días lluviosos eran un desafío constante para la compañía, por lo que Wise organizó que se filmaran escenas en la Capilla de Santa Margarita y en los Estudios Durero (oficina de la Reverenda Madre). Del 23 de mayo al 7 de junio, la compañía trabajó en el castillo de Leopoldskron y en una propiedad adyacente llamada Bertelsmann para las escenas que representan la terraza junto al lago y los jardines de la villa de los von Trapp. Del 9 al 19 de junio, se rodaron escenas en el palacio de Frohnburg, que representaba las fachadas delantera y trasera de la villa. Karath no sabía nadar y estuvo en peligro durante la escena del barco que vuelca. La escena del picnic "Do-Re-Mi" en las montañas se filmó sobre la ciudad de Werfen en el valle del río Salzach el 25 y el 27 de junio. La secuencia inicial de María en su montaña se filmó del 28 de junio al 2 de julio en la montaña Mehlweg cerca de la ciudad de Marktschellenberg en Baviera. Durante el rodaje, se añadieron y quitaron abedules. El arroyo por el que camina estaba lleno de plástico con agua que se colocó allí durante el rodaje. La última escena de la huida de la familia von Trapp por las montañas se filmó en Obersalzberg, en los Alpes bávaros.

El reparto y el equipo volaron de vuelta a Los Ángeles y reanudaron la filmación en Fox Studios el 6 de julio para todas las escenas restantes, incluidas las del comedor de la villa, el salón de baile, la terraza, la sala de estar y el cenador. Después de las dos últimas escenas filmadas en el cenador (para las canciones "Something Good" y "Sixteen Going on Seventeen"), la fotografía principal concluyó el 1 de septiembre de 1964. Se filmaron un total de 83 escenas en poco más de cinco meses. El trabajo de posproducción comenzó el 25 de agosto con tres semanas de doblaje de diálogos para corregir líneas que se arruinaron por varios ruidos de la calle y la lluvia. En octubre, la voz de Christopher Plummer fue doblada por el veterano cantante de playback de Disney Bill Lee. Wise y el editor de cine William Reynolds luego editaron la película. Irwin Kostal orquestó los números musicales y acompañó la película con música de fondo compuesta por variaciones de las canciones originales de Rodgers y Hammerstein para amplificar o añadir matices a las imágenes visuales. Wise organizó dos proyecciones previas en Minneapolis el viernes 15 de enero de 1965, en el Teatro Mann, y en Tulsa, Oklahoma, la noche siguiente. A pesar de las respuestas "sensacionales" de los espectadores de las proyecciones previas, Wise realizó algunos cambios finales de edición antes de completar la película. Según la información original de la impresión de la película, la duración de la versión de estreno en cines fue de 174 minutos. La película todavía se estaba estrenando cuando se implementó el sistema de clasificación de películas de la Motion Picture Association en 1968, y se le dio una clasificación "G" (para público general) en 1969.

Sonrisas y lágrimas fue filmada en Todd-AO por Ted McCord y producida con el procesamiento DeLuxe Color. Las imágenes aéreas fueron fotografiadas con una cámara MCS-70. El sonido fue grabado en una pista de seis pistas de 70 mm utilizando un sistema de grabación Westrex. Los decorados utilizados para la película se basaron en los guiones gráficos del dibujante Maurice Zuberano, quien acompañó a Wise a Austria para explorar lugares de rodaje en noviembre de 1963. Wise se reunió con el artista durante diez semanas y le explicó su objetivo para cada escena, el sentimiento que quería transmitir y las imágenes visuales que quería utilizar. Cuando Zuberano terminó, le proporcionó a Wise un conjunto completo de guiones gráficos que ilustraban cada escena y escenario que el director utilizó como guía durante el rodaje. Los guiones gráficos de Zuberano y las fotos de los lugares también fueron utilizados por el director artístico Boris Leven para diseñar y construir todos los decorados interiores originales en los estudios Fox, así como algunos decorados exteriores en Salzburgo. La villa von Trapp se filmó en varias localizaciones: las fachadas delantera y trasera se filmaron en el Palacio de Frohnburg, la terraza y los jardines junto al lago fueron un decorado construido en una propiedad adyacente al Schloss Leopoldskron llamada Bertelsmann, y el interior fue un decorado construido en los estudios Fox. Las escenas del cenador de "Something Good" y "Sixteen Going on Seventeen" se filmaron en un decorado reconstruido más grande en los estudios Fox, mientras que algunas tomas del cenador original se filmaron en los terrenos del Schloss Leopoldskron en Salzburgo.

La mayor parte de la banda sonora de The Sound of Music fue escrita por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II y arreglada y dirigida por Irwin Kostal, quien también adaptó los pasajes instrumentales de fondo. Tanto la letra como la música de dos nuevas canciones fueron escritas por Rodgers, ya que Hammerstein murió en 1960. El álbum de la banda sonora fue lanzado por RCA Victor en 1965 y es uno de los álbumes de bandas sonoras más exitosos de la historia, habiendo vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo.

El álbum alcanzó la posición número uno en el Billboard 200 ese año en los Estados Unidos. Permaneció entre los diez primeros durante 109 semanas, desde el 1 de mayo de 1965 hasta el 16 de julio de 1967, y permaneció en la lista Billboard 200 durante 238 semanas. El álbum fue el álbum más vendido en el Reino Unido en 1965, 1966 y 1968 y el segundo más vendido de toda la década, pasando un total de 70 semanas en el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido. También permaneció 73 semanas en las listas noruegas, convirtiéndose en el séptimo álbum con mejor clasificación de todos los tiempos en ese país. En 2015, Billboard nombró al álbum el segundo mejor álbum de todos los tiempos.

El álbum ha sido reeditado varias veces, incluidas ediciones de aniversario con temas adicionales en 1995, 2000, 2005, 2010 y 2015.

The Sound of Music: Original Soundtrack Recording (Super Deluxe Edition) se lanzó el 1 de diciembre de 2023 y recopila toda la música publicada anteriormente, así como la banda sonora instrumental completa, versiones demo, canciones con bandas sonoras alternativas (es decir, únicamente instrumentales), voces alternativas de Christopher Plummer grabadas antes de su eliminación para la película final y entrevistas con Richard Rodgers, Robert Wise y Charmian Carr.

Wise contrató a Mike Kaplan para dirigir la campaña publicitaria de la película. Después de leer el guión, Kaplan se decidió por el anuncio "El sonido más feliz del mundo", que aparecería en el material promocional y las ilustraciones. Kaplan también contrató a agencias externas para que trabajaran con el departamento de publicidad del estudio para desarrollar las ilustraciones promocionales, y finalmente seleccionó un cuadro de Howard Terpning de Andrews en un prado alpino con su bolso de mano y su funda de guitarra en la mano, con los niños y Plummer al fondo. En febrero de 1964, Kaplan comenzó a colocar anuncios en los periódicos comerciales Daily Variety, Weekly Variety y The Hollywood Reporter para atraer el interés de los futuros exhibidores en el proyecto. El estudio pretendía que la película tuviera un estreno itinerante inicial en salas de cine en ciudades grandes seleccionadas que pudieran acomodar las proyecciones de 70 mm y el sonido estereofónico de seis pistas. El concepto del roadshow incluía dos funciones al día con asientos reservados y un intermedio similar a los musicales de Broadway. Kaplan identificó cuarenta ciudades clave que probablemente se incluirían en el estreno del roadshow y desarrolló una estrategia promocional dirigida a los principales periódicos de esas ciudades. Durante la fase de producción de Salzburgo, 20th Century-Fox organizó viajes de prensa para periodistas estadounidenses para entrevistar a Wise, su equipo y los miembros del elenco.

La película se estrenó el 2 de marzo de 1965 en el Teatro Rivoli de la ciudad de Nueva York. Las críticas iniciales fueron variadas. Bosley Crowther, en The New York Times, criticó el "romance sin sentido y sentimentalismo" de la película, los "papeles artificiales" de los niños y la dirección "agradable y cursi" de Robert Wise. Judith Crist, en una crítica mordaz en el New York Herald Tribune, descartó la película como "repulsiva y pegajosa" y diseñada para "el grupo de cinco a siete años y sus mamás". En su reseña para la revista McCall, Pauline Kael calificó la película como "la mentira edulcorada que la gente parece querer comer", y dijo que el público se ha "convertido en imbéciles emocionales y estéticos cuando nos oímos tararear las canciones enfermizas y empalagosas". Wise recordó más tarde: "La Costa Este, los periódicos y revistas intelectuales nos destruyeron, pero los periódicos locales y los del sector nos dieron excelentes críticas". De hecho, críticos como Philip K. Scheuer, del Los Angeles Times, describieron la película como "tres horas de brillantez visual y vocal", y Variety la calificó como "un drama cálido, vibrante y cautivador ambientado en el uso más imaginativo de las melodías cadenciosas de R-H, magníficamente montado y con un reparto brillante". Según The Oxford Companion to the American Musical, las "críticas cinematográficas muy variadas" reflejaron la respuesta crítica al musical teatral. Después de su estreno en Los Ángeles el 10 de marzo, The Sound of Music se estrenó en 131 cines de los Estados Unidos, incluidos algunos eventos itinerantes. Después de cuatro semanas, se convirtió en la película número uno en taquilla del país y mantuvo esa posición durante treinta de las siguientes cuarenta y tres semanas en 1965. El estreno original de la película en los cines de Estados Unidos duró cuatro años y medio.

Unos meses después de su estreno en Estados Unidos, La novicia rebelde se estrenó en 261 cines de otros países, siendo la primera película estadounidense en ser doblada completamente a un idioma extranjero, tanto en diálogos como en música. Las versiones en alemán, francés, italiano y español fueron dobladas completamente, la versión japonesa tenía diálogos en japonés con canciones en inglés y otras versiones se estrenaron con subtítulos en otros idiomas. La película fue un éxito de público en todos los países en los que se estrenó, excepto en los dos países donde se originó la historia, Austria y Alemania.

En estos dos países, la película tuvo que competir con la muy querida Die Trapp-Familie (1956), que sirvió de inspiración original para el musical de Broadway, y su secuela Die Trapp-Familie in Amerika (1958); ambas películas siguen siendo muy populares en la Europa de habla alemana y se consideran la historia autorizada de von Trapp. Los austriacos se opusieron a las libertades que se tomaron los cineastas con respecto al vestuario, que no reflejaba el estilo tradicional, y a la sustitución de canciones populares austriacas tradicionales por melodías de espectáculos de Broadway. El tema nazi de la película fue especialmente impopular en Alemania, donde el director de la sucursal de Múnich de 20th Century-Fox aprobó el corte no autorizado de todo el tercer acto de la película después de la secuencia de la boda: las escenas que mostraban Salzburgo después del Anschluss. Robert Wise y el estudio intervinieron, se restauró la película original y el director de la sucursal fue despedido.

En el sitio web de recopilación de reseñas Rotten Tomatoes, The Sound of Music tiene un índice de aprobación del 83% basado en 77 reseñas, con una calificación promedio de 8,1/10. El consenso de los críticos del sitio web dice: "Sin complejos, dulce y tal vez incluso un poco cursi, The Sound of Music conquistará a todos los espectadores, excepto a los más cínicos, con sus canciones clásicas y su calidez irresistible". Metacritic, que utiliza un promedio ponderado, le asignó a la película una puntuación de 63 sobre 100, basada en 11 críticos, lo que indica críticas "generalmente favorables".

La novicia rebelde es una de las películas de mayor éxito comercial de todos los tiempos. Cuatro semanas después de su estreno en cines, se convirtió en la película número uno en taquilla en los Estados Unidos, gracias a los ingresos generados por veinticinco salas, cada una de las cuales proyectaba sólo diez funciones itinerantes por semana. Mantuvo la posición número uno durante treinta de las siguientes cuarenta y tres semanas, y terminó siendo la película más taquillera de 1965. Un factor que contribuyó al éxito comercial inicial de la película fue la recompra de muchos espectadores. En algunas ciudades de los Estados Unidos, el número de entradas vendidas superó a la población total. En enero de 1966, la película había recaudado 20 millones de dólares en alquileres de distribuidores por tan sólo 140 compromisos de exhibición itinerante en los Estados Unidos y Canadá. En todo el mundo, The Sound of Music batió récords de taquilla en veintinueve países, incluido el Reino Unido, donde se proyectó durante tres años en el Dominion Theatre de Londres, lo que batió récords, y recaudó cuatro millones de libras en alquileres y seis millones, más del doble de lo que había recaudado cualquier otra película. También fue un gran éxito en los Países Bajos, Hong Kong y Tokio, donde se proyectó durante dos años en algunos cines. Sin embargo, no fue un éxito universal: la película solo tuvo un éxito modesto en Francia y fue un fracaso en Alemania. Al principio también tuvo un mal desempeño en Italia, pero un reestreno después de los Oscar arrojó mejores resultados. Fue número uno en la taquilla de Estados Unidos durante once semanas más en 1966, para un total de cuarenta y una semanas en el número uno. En noviembre de 1966, The Sound of Music se había convertido en la película más taquillera de todos los tiempos, con más de 67,5 millones de dólares en alquileres en todo el mundo (125 millones de dólares en ingresos brutos), superando a Lo que el viento se llevó, que mantuvo esa distinción durante veinticuatro años. Todavía estaba entre las diez primeras en la taquilla estadounidense en su centésima semana de estreno.

The Sound of Music completó su primera exhibición de cuatro años y medio en los cines de los Estados Unidos el Día del Trabajo de 1969, la exhibición inicial más larga de una película en los Estados Unidos, habiendo recaudado 68.313.000 dólares en alquileres en los Estados Unidos y Canadá. Se proyectó durante 142 semanas en el Teatro Eglinton de Toronto. Fue la primera película en recaudar más de 100 millones de dólares. Para diciembre de 1970, había recaudado 121,5 millones de dólares en alquileres en todo el mundo, lo que era más de cuatro veces más que el punto de equilibrio estimado de la película de 29,5 millones de dólares en alquileres. La película se reestrenó en 1973 y aumentó sus alquileres en América del Norte a 78,4 millones de dólares. A finales de los años 70, se situó en el séptimo puesto en cuanto a ingresos por taquilla en Norteamérica de todos los tiempos, tras haber recaudado 79 millones de dólares. El relanzamiento de la película en 1990 aumentó el total de entradas vendidas en Norteamérica a 142.415.400 (la tercera cifra más alta de entradas vendidas, detrás de Lo que el viento se llevó y La guerra de las galaxias), y a unos 283,3 millones de entradas en todo el mundo. La novicia rebelde finalmente recaudó una recaudación total en Estados Unidos de 163.214.076 dólares y una recaudación total en todo el mundo de 286.214.076 dólares. Ajustada a la inflación, la película recaudó unos 2.366 millones de dólares a precios de 2014, lo que la sitúa entre las diez películas más taquilleras de todos los tiempos.

Premio	Categoría	Recipiente(s)	Resultado	Ref.
Premios Academia	Mejor imagen	Robert Wise	Won
	Best Director		Won
	La mejor actriz	Julie Andrews	Nominado
	Best Supporting Actress	Peggy Wood	Nominado
	Mejor dirección de arte – Color	Dirección de arte: Boris Leven; Decoración de conjunto: Walter M. Scott y Ruby R. Levit	Nominado
	Mejor Cinematografía – Color	Ted D. McCord	Nominado
	Mejor diseño de vestuario – Color	Dorothy Jeakins	Nominado
	Mejor edición de películas	William H. Reynolds	Won
	Best Scoring of Music – Adaptation or Treatment	Irwin Kostal	Won
	El mejor sonido	James Corcoran y Fred Hynes	Won
Premios American Cinema Editors	Mejor película editada	William H. Reynolds	Won
British Academy Film Awards	La mejor actriz británica	Julie Andrews	Nominado
David di Donatello Premios	Best Foreign Actress		Won
Directores Guild of America Awards	Destacados logros en imágenes de movimiento	Robert Wise	Won
Golden Globe Awards	Mejor imagen de movimiento – Musical o comedia	El sonido de la música	Won
	Mejor actriz en un cuadro de Moción – Musical o Comedia	Julie Andrews	Won
	Best Supporting Actress – Motion Picture	Peggy Wood	Nominado
	Best Director – Motion Picture	Robert Wise	Nominado
Premios Laurel	Top General Entertainment	El sonido de la música	Won
	Rendimiento musical femenino	Julie Andrews	Won
National Board of Review Awards	Top Ten Films	El sonido de la música	Won
National Film Preservation Board	National Film Registry		Inducted
Premios Círculos de Cine de Nueva York	La mejor actriz	Julie Andrews	Segundo lugar
Escritores Guild of America Awards	Mejor Escrito por American Musical	Ernest Lehman	Won

La novicia rebelde ha sido incluida en numerosas listas de las mejores películas del American Film Institute.

• 100 años...100 películas – No. 55
• 100 años...100 películas (10 Edición Aniversaria) – No. 40
• AFI's 100 Years...100 Cheers – No 41
• 100 años de música de AFI – No. 4
• 100 años...100 Pasiones – No. 27
• 100 años de AFI...100 canciones:
  • "El sonido de la música" – No. 10
  • "Mis cosas favoritas" – No. 64
  • "Do-Re-Mi" – No. 88

La primera emisión televisiva estadounidense de Sonrisas y lágrimas fue el 29 de febrero de 1976 en ABC, que pagó 15 millones de dólares (84,9 millones de dólares en 2023) por una emisión única que se convirtió en una de las 20 películas mejor valoradas en televisión hasta ese momento, con una calificación Nielsen de 33,6 y una cuota de audiencia del 49%. La película no se volvió a proyectar hasta que NBC adquirió los derechos de transmisión en junio de 1977 por 21,5 millones de dólares por 20 proyecciones a lo largo de 22 años. La primera emisión de la película por NBC fue el 11 de febrero de 1979. NBC continuó emitiendo la película anualmente durante veinte años. Durante la mayor parte de su emisión en NBC, la película fue editada en gran medida para que encajara en un espacio de tiempo de tres horas, aproximadamente 140 minutos sin anuncios, lo que inevitablemente cortaba unos 30 minutos de la película original.

El 9 de abril de 1995, Julie Andrews presentó una emisión especial de cuatro horas de la NBC de The Sound of Music sin cortes (menos el entreacto) con los números musicales mostrados en un formato letterbox. La disponibilidad de la película en video doméstico provocó una caída en sus índices de audiencia televisiva; como resultado, NBC dejó que su contrato para mostrar la película caducara en 2001. Ese año, The Sound of Music se transmitió una vez en la cadena Fox, en la versión muy editada de 140 minutos. Desde 2002, la película se ha emitido en ABC el último domingo antes de Navidad y se ha emitido en su cadena de cable hermana, Freeform, periódicamente alrededor de Pascua y otros días festivos. La mayoría de sus exhibiciones más recientes han sido la versión completa en un espacio de tiempo de cuatro horas, completa con el entreacto. ABC emitió por primera vez una versión en alta definición el 28 de diciembre de 2008. El 22 de diciembre de 2013, la emisión anual tuvo sus índices de audiencia más altos desde 2007; el aumento en los índices de audiencia se atribuyó a la transmisión de NBC de The Sound of Music Live!, una adaptación televisiva en vivo del musical original que se emitió a principios de ese mes. La transmisión del 17 de diciembre de 2023 marcó la primera vez que ABC emitió la película completa en su formato original Todd-AO, utilizando la restauración 4K de 2010 como base.

En el Reino Unido, la BBC adquirió los derechos cinematográficos, pagando una cifra récord de 4,1 millones de dólares. Sonrisas y lágrimas se emitió por primera vez en BBC One el 25 de diciembre de 1978 y, a fecha de diciembre de 2016, se ha emitido quince veces desde entonces, la mayoría en Navidad. Como los canales de la BBC en Gran Bretaña no se financian con publicidad, no hubo necesidad de cortar escenas para que encajaran en un horario y la película se proyectó en su versión completa de 174 minutos sin cortes. La película también estaba destinada a formar parte de la programación de la BBC durante el estallido de la guerra nuclear.

The Sound of Music se ha publicado en VHS, LaserDisc y DVD en numerosas ocasiones. La primera versión en DVD se lanzó el 29 de agosto de 2000 para conmemorar el 35.º aniversario del estreno de la película. La película suele incluirse en cajas con otras adaptaciones cinematográficas de Rodgers & Hammerstein. El 15 de noviembre de 2005 se publicó un DVD del 40.º aniversario, con documentales sobre el proceso de producción y material especial. La película se publicó por primera vez en Blu-ray Disc el 2 de noviembre de 2010, para su 45.º aniversario. Para el lanzamiento en Blu-ray, los negativos originales de 70 mm se volvieron a escanear a una resolución de 8K, luego se restauraron y remasterizaron a una resolución de 4K para la transferencia a Blu-ray, lo que dio como resultado la copia más detallada de la película vista hasta el momento. El 10 de marzo de 2015, 20th Century Fox Home Entertainment lanzó la edición definitiva para coleccionistas del 50.º aniversario de The Sound of Music, un conjunto de cinco discos que incluye trece horas de material adicional, incluido un nuevo documental, The Sound of a City: Julie Andrews Returns to Salzburg. Un episodio de marzo de 2015 de 20/20 de ABC titulado The Untold Story of the Sound of Music presentó un avance del documental y entrevistas de Diane Sawyer.

Tras la adquisición de 21st Century Fox por parte de Disney, The Sound of Music se puso a disposición en el servicio de streaming Disney+ tras su debut el 12 de noviembre de 2019, y luego en Hulu el 18 de diciembre de 2023.

La adaptación cinematográfica de The Sound of Music, al igual que el musical, presenta una historia de la familia von Trapp que no es completamente exacta. El musical se basó en la película de Alemania Occidental The Trapp Family (1956) en lugar de las memorias de Maria von Trapp de 1949, ya que el director Vincent J. Donehue había visto la película y decidió que sería un buen vehículo para Mary Martin. El musical siguió la trama de la película tan de cerca que la reseña del New York Times de la película de Alemania Occidental señaló que "sugiere fuertemente 'The Sound of Music', a menudo escena por escena". Los guionistas de Alemania Occidental hicieron varios cambios significativos a la historia de la familia que se mantuvieron en el musical. Maria había sido contratada para enseñar solo a un niño, pero la película de 1956 la convirtió en institutriz de los siete niños.

La adaptación cinematográfica de 1965 estuvo influenciada por otros musicales de su época, como Mary Poppins, la producción televisiva de Cenicienta de Rodgers y Hammerstein y la producción teatral de Camelot de Lerner y Loewe (todas ellas protagonizadas por Julie Andrews). El guionista Ernest Lehman se inspiró en el inicio de West Side Story y vio el musical como "un cuento de hadas casi real". La película incorporó muchos tropos de "cuentos de hadas", entre ellos las imágenes idílicas de las colinas de Salzburgo, las villas europeas y el romance entre María y el capitán Von Trapp, al estilo de Cenicienta. Mientras María camina hacia el altar para casarse, el espectáculo es explícitamente tanto de Ginebra como de Cenicienta.

En consonancia con este tono, los realizadores utilizaron licencias artísticas para transmitir la esencia y el significado de su historia. Georg Ludwig von Trapp era, en efecto, un antinazi que se oponía al Anschluss y vivía con su familia en una villa en un distrito de Salzburgo llamado Aigen. Sin embargo, el estilo de vida que se retrata en la película exageraba enormemente su nivel de vida. La villa familiar real, situada en Traunstraße 34, Aigen 5026, era grande y cómoda, pero no tan grandiosa como la mansión que se muestra en la película. La casa tampoco era su hogar ancestral, como se muestra en la película. La familia había vivido anteriormente en casas de Zell am See y Klosterneuburg después de verse obligada a abandonar su verdadero hogar ancestral en Pula después de la Primera Guerra Mundial. Georg trasladó a la familia a la villa de Salzburgo poco después de la muerte de su esposa Agathe Whitehead en 1922.

En la película se hace referencia a Georg como "capitán", pero tenía el título nobiliario de "Ritter" (caballero hereditario), que le otorgaba un estatus social más alto que el de oficial naval. La nobleza austríaca fue abolida legalmente en 1919 y el título de "von" fue proscrito; sin embargo, ambos continuaron siendo ampliamente utilizados de manera no oficial como una cuestión de cortesía social. A Georg se le ofreció un puesto en la "Kriegsmarine" alemana; la Alemania nazi buscaba expandir su flota de submarinos, y el "Korvettenkäpitan" (Teniente Comandante) von Trapp fue el comandante de submarinos austrohúngaro más exitoso de la Primera Guerra Mundial, habiendo hundido 11 buques mercantes aliados con un total de 47.653 TRB y dos buques de guerra aliados con un desplazamiento total de 12.641 toneladas. Como su familia se encontraba en una situación económica desesperada, consideró seriamente la oferta antes de decidir que no podía servir al régimen nazi.

Georg es representado en la película como un padre emocionalmente distante y sin sentido del humor. En realidad, la tercera hija, Maria Franziska von Trapp (llamada "Louisa" en la película), describió a su padre como un padre cariñoso que hacía regalos hechos a mano para los niños en su taller de carpintería y que a menudo dirigía los musicales familiares con su violín. Tiene un recuerdo diferente de su madrastra, Maria Augusta Kutschera, a quien describió como malhumorada y propensa a los arrebatos de ira. En una entrevista de 2003, Maria recordó que "tenía un temperamento terrible" y "de un momento a otro, no sabíamos qué la golpeaba. No estábamos acostumbrados a esto. Pero lo tomamos como una tormenta que pasaría, porque al minuto siguiente ella podía ser muy agradable".

Maria Kutschera había sido novicia en la abadía de Nonnberg, en Salzburgo, y había sido contratada por la familia von Trapp. Sin embargo, sólo la habían contratado para ser tutora de la joven Maria Franziska, que había contraído la escarlatina y necesitaba recibir sus lecciones en casa; no la habían contratado para ser institutriz de todos los niños. Maria y Georg se casaron por razones prácticas, más que por amor y afecto mutuo. Georg necesitaba una madre para sus hijos, y Maria necesitaba la seguridad de un marido y una familia una vez que decidiera abandonar la abadía. "Realmente no estaba enamorada", escribió Maria en sus memorias, "me gustaba él, pero no lo amaba. Sin embargo, amaba a los niños, así que, en cierto modo, me casé con ellos. Aprendí a amarlo más de lo que nunca antes o después lo había amado". Se casaron en 1927, no en 1938, como se muestra en la película. En el momento del Anschluss, llevaban casados más de una década y ya tenían dos de sus tres hijos juntos. Maria y Georg disfrutaban de un matrimonio feliz.

La familia von Trapp perdió la mayor parte de su riqueza durante la depresión mundial de principios de los años 30, cuando el banco nacional austriaco cerró. Para sobrevivir, la familia despidió a los sirvientes y comenzó a aceptar huéspedes. También comenzaron a cantar en el escenario para ganar dinero, un hecho que causó mucha vergüenza al orgulloso Georg. En la película, la familia von Trapp camina por los Alpes desde Austria hasta Suiza para escapar de los nazis, lo que no habría sido posible; Salzburgo está a más de trescientos kilómetros de Suiza. La villa de los von Trapp, sin embargo, estaba a solo unos kilómetros de la frontera entre Austria y Alemania, y la escena final muestra a la familia caminando por Obersalzberg, cerca de la ciudad alemana de Berchtesgaden, a la vista del retiro del Nido del Águila de la casa de retiro Kehlsteinhaus de Adolf Hitler. En realidad, la familia simplemente caminó hasta la estación de tren local y subió a un tren a Italia, donde cruzaron a Suiza y Francia, haciendo escala en Londres. Los Trapp tenían derecho a la ciudadanía italiana porque Georg había nacido en Zadar, Dalmacia, Austria-Hungría, que había sido anexada a Italia después de la Primera Guerra Mundial. Pudieron emigrar a los Estados Unidos a través del Reino Unido con sus pasaportes italianos.

El personaje ficticio Max Detweiler actuó como el intrigante director musical de la familia en la película. Está basado en el reverendo padre Franz Wasner, un clérigo secular que fue su director musical durante más de 20 años mientras también servía como capellán de la familia y los acompañó cuando dejaron Austria. El personaje de Friedrich, el segundo hijo mayor en la versión cinematográfica, estaba basado en Rupert, el mayor de los hijos reales de los von Trapp. Liesl, la hija mayor de la película, estaba basada en Agathe von Trapp, la segunda mayor de la familia real. Los nombres y las edades de los niños fueron cambiados, en parte porque la tercera hija también se llamaba María, por lo que los productores cambiaron su nombre a Liesl porque pensaron que sería confuso tener dos personajes llamados María en la película. La familia von Trapp no tenía control sobre cómo se los representaba en la película y el musical teatral, ya que habían cedido los derechos de su historia a un productor alemán en la década de 1950, que luego los vendió a productores estadounidenses. Robert Wise se reunió con Maria von Trapp y le dejó en claro, según un memorando a Richard Zanuck, que no estaba haciendo un "documental o película realista" sobre su familia, y que haría la película con "total libertad dramática" para producir una "película fina y conmovedora", de la que todos pudieran estar orgullosos.

La novicia rebelde se desarrolla en Salzburgo, pero en Austria no se le prestó demasiada atención. La adaptación cinematográfica fue un éxito de taquilla en todo el mundo, pero sólo se proyectó durante tres días en los cines de Salzburgo, y los habitantes locales mostraron su "desdén" por una película que "no era auténtica". En 1966, American Express creó la primera visita guiada de "La novicia rebelde en Salzburgo. Desde 1972, Panorama Tours ha sido la principal empresa de viajes en autobús de "La novicia rebelde en la ciudad, y lleva a unos 50.000 turistas al año a varios lugares de rodaje de películas en Salzburgo y la región circundante. La industria turística de Salzburgo se aprovechó de la atención de los turistas extranjeros, aunque los residentes de la ciudad se mostraban apáticos ante "todo lo que es dudoso en el turismo". Los guías del recorrido en autobús "parecen tener poca idea de lo que realmente sucedió en el set". Incluso el encargado de la venta de entradas para la cena con espectáculo de Sonrisas y lágrimas intentó disuadir a los austriacos de asistir a una función destinada a turistas estadounidenses, diciendo que "no tiene nada que ver con la verdadera Austria". En 2007, Sonrisas y lágrimas atraía a 300.000 visitantes al año a Salzburgo, más de lo que la ciudad considera la cuna de Wolfgang Amadeus Mozart. En 2005 se representó por primera vez en el escenario nacional una traducción alemana del musical en la Volksoper de Viena, que recibió críticas negativas de los críticos austriacos, que lo calificaron de "aburrido" y se refirieron a "Edelweiss" como "un insulto a la creación musical austriaca". El musical se estrenó finalmente en Salzburgo en 2011 en el Salzburger Landestheater, pero en el estreno en Salzburgo, Maria fue interpretada por una actriz holandesa que "creció con las canciones". Sin embargo, la mayoría de las funciones en Viena y Salzburgo agotaron las entradas y el musical ahora está en el repertorio de ambas compañías.

En 1999, en el Festival de Cine Lésbico y Gay de Londres, se estrenó una proyección de la película Sonrisas y lágrimas para cantar a coro, que luego se prolongó con éxito en el Prince Charles Cinema, que se prolongó hasta 2018. Durante las proyecciones, los espectadores suelen ir vestidos de monjas y niños von Trapp y se les anima a cantar las letras superpuestas en la pantalla. En julio de 2000, se estrenaron proyecciones de Sonrisas y lágrimas para cantar a coro en Boston (Massachusetts) y Austin (Texas). Algunos espectadores se disfrazaron de miembros del reparto e interactuaron con la acción que se mostraba en la pantalla. La película comenzó a exhibirse con éxito en el Teatro Ziegfeld de la ciudad de Nueva York en septiembre de 2000, y en la inauguración estuvieron presentes los miembros del reparto Charmian Carr (Liesl), Daniel Truhitte (Rolfe) y Kym Karath (Gretl). Desde entonces, las proyecciones de Sonrisas y lágrimas para cantar a coro se han convertido en un fenómeno internacional.

En 2001, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos seleccionó la película para su conservación en el Registro Nacional de Cine, por considerarla "cultural, histórica y estéticamente significativa". El Archivo de Cine de la Academia conservó "La novicia rebelde" en 2003.

• El sonido de la música en IMDb
• El sonido de la música en AllMovie
• El sonido de la música en Box Office Mojo
• El sonido de la música en Metacrítica
• El sonido de la música en los tomates Rotten
• El sonido de la música en el AFI Catálogo de Películas de Característica
• El sonido de la música en la base de datos de películas TCM