Sinfonía
Una sinfonía es una composición musical extendida en la música clásica occidental, más a menudo para orquesta. Aunque el término ha tenido muchos significados desde sus orígenes en la era griega antigua, a fines del siglo XVIII la palabra había adquirido el significado común hoy en día: una obra que generalmente consta de múltiples secciones o movimientos distintos, a menudo cuatro, con el primer movimiento en forma de sonata. Las sinfonías casi siempre se escriben para una orquesta que consta de una sección de cuerdas (violín, viola, violonchelo y contrabajo), metales, instrumentos de viento y percusión, que en total suman entre 30 y 100 músicos. Las sinfonías se anotan en una partitura musical, que contiene todas las partes del instrumento. Los músicos orquestales tocan partes que contienen solo la música anotada para su propio instrumento. Algunas sinfonías también contienen partes vocales (por ejemplo, la Novena Sinfonía de Beethoven).
Etimología y orígenes
La palabra sinfonía se deriva de la palabra griega συμφωνία (sinfonía), que significa "acuerdo o concordia de sonido& #34;, "concierto de música vocal o instrumental", de σύμφωνος (symphōnos), "armonioso". La palabra se refirió a una variedad de conceptos diferentes antes de decidirse finalmente por su significado actual que designa una forma musical.
En la teoría griega tardía y medieval, la palabra se usaba para consonancia, a diferencia de διαφωνία< /span> (diaphōnia), que era la palabra para " disonancia". En la Edad Media y más tarde, la forma latina symphonia se usaba para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente. Isidoro de Sevilla fue el primero en utilizar la palabra sinfonía como nombre de un tambor de dos parches, y desde c. 1155 a 1377 la forma francesa symphonie era el nombre del organistrum o organillo. En la Inglaterra medieval tardía, sinfonía se usaba en ambos sentidos, mientras que en el siglo XVI se equiparaba con el dulcémele. En alemán, Symphonie era un término genérico para espinetas y virginales desde finales del siglo XVI hasta el siglo XVIII.
En el sentido de "sonar juntos," la palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de compositores de los siglos XVI y XVII, incluidos Sacrae symphoniae de Giovanni Gabrieli y Symphoniae sacrae, liber secundus, publicado en 1597 y 1615, respectivamente; Eclesiastiche sinfonie, dette canzoni in aria francese, per sonare, et cantare de Adriano Banchieri, op. 16, publicado en 1607; La Sinfonie musicali de Ludovico Grossi da Viadana, op. 18, publicado en 1610; y Symphoniae sacrae de Heinrich Schütz, op. 6, y Symphoniarum sacrarum secunda pars, op. 10, publicado en 1629 y 1647, respectivamente. A excepción de la colección de Viadana, que contenía música puramente instrumental y profana, todas estas eran colecciones de obras vocales sacras, algunas con acompañamiento instrumental.
época barroca
En el siglo XVII, durante la mayor parte de la era barroca, los términos sinfonía y sinfonia se utilizaron para una variedad de composiciones diferentes, incluidas piezas instrumentales utilizadas en óperas, sonatas y conciertos, generalmente parte de una obra más grande. La opera sinfonia, u obertura italiana tenía, en el siglo XVIII, una estructura estándar de tres movimientos contrastantes: rápido, lento, rápido y parecido a una danza. Es esta forma la que a menudo se considera como la precursora directa de la sinfonía orquestal. Los términos "obertura", "sinfonía" y "sinfonía" fueron ampliamente considerados como intercambiables durante gran parte del siglo XVIII.
En el siglo XVII, las piezas compuestas para grandes conjuntos instrumentales no designaban con precisión qué instrumentos tocarían qué partes, como es la práctica desde el siglo XIX hasta el período actual. Cuando los compositores del siglo XVII escribieron piezas, esperaban que estas obras fueran interpretadas por cualquier grupo de músicos disponible. Para dar un ejemplo, mientras que la línea de bajo en una obra del siglo XIX está escrita para violonchelos, contrabajos y otros instrumentos específicos, en una obra del siglo XVII, una parte de bajo continuo para una sinfonía no especificaría qué instrumentos tocarían la parte. Se puede realizar una interpretación de la pieza con un grupo de bajo continuo tan pequeño como un violonchelo y un clavicémbalo. Sin embargo, si se dispusiera de un presupuesto mayor para una interpretación y se requiriera un sonido más amplio, un grupo de bajo continuo podría incluir múltiples instrumentos que tocan acordes (clavicémbalo, laúd, etc.) y una variedad de instrumentos bajos, incluidos violonchelo, contrabajo, viola bajo o incluso una serpiente, un instrumento de viento bajo temprano.
Épocas galantes y clásicas
LaRue, Bonds, Walsh y Wilson escriben en la segunda edición de The New Grove Dictionary of Music and Musicians que "la sinfonía se cultivó con extraordinaria intensidad" en el siglo 18. Desempeñó un papel en muchas áreas de la vida pública, incluidos los servicios de la iglesia, pero un área de apoyo particularmente fuerte para las representaciones sinfónicas fue la aristocracia. En Viena, quizás el lugar más importante de Europa para la composición de sinfonías, "literalmente, cientos de familias nobles apoyaron establecimientos musicales, generalmente dividiendo su tiempo entre Viena y su estado ancestral [en otras partes del Imperio]". Dado que el tamaño normal de la orquesta en ese momento era bastante pequeño, muchos de estos establecimientos cortesanos eran capaces de interpretar sinfonías. El joven Joseph Haydn, que asumió su primer trabajo como director musical en 1757 para la familia Morzin, descubrió que cuando la familia Morzin estaba en Viena, su propia orquesta era solo parte de una escena musical animada y competitiva, con múltiples aristócratas patrocinando conciertos. con sus propios conjuntos.
El artículo de LaRue, Bonds, Walsh y Wilson rastrea la expansión gradual de la orquesta sinfónica a lo largo del siglo XVIII. Al principio, las sinfonías eran sinfonías de cuerdas, escritas en solo cuatro partes: primer violín, segundo violín, viola y bajo (la línea de bajo la tomaban violonchelos, contrabajos que tocaban la parte una octava por debajo y quizás también un fagot). Ocasionalmente, los primeros sinfonistas incluso prescindieron de la parte de viola, creando así sinfonías de tres partes. También era posible una parte de bajo continuo que incluyera un fagot junto con un clavicémbalo u otro instrumento de acordes.
Las primeras adiciones a este conjunto simple fueron un par de trompas, ocasionalmente un par de oboes, y luego trompas y oboes juntos. A lo largo del siglo, se agregaron otros instrumentos a la orquesta clásica: flautas (a veces reemplazando a los oboes), partes separadas para fagotes, clarinetes y trompetas y timbales. Las obras variaron en su puntuación con respecto a cuál de estos instrumentos adicionales debía aparecer. La orquesta clásica a gran escala, desplegada a finales de siglo para las sinfonías de mayor escala, tiene el conjunto de cuerdas estándar mencionado anteriormente, pares de instrumentos de viento (flautas, oboes, clarinetes, fagotes), un par de trompas y timbales. Un instrumento de teclado continuo (clavicémbalo o piano) siguió siendo una opción.
El "italiano" El estilo de sinfonía, a menudo utilizado como obertura y entreacto en los teatros de ópera, se convirtió en una forma estándar de tres movimientos: un movimiento rápido, un movimiento lento y otro movimiento rápido. A lo largo del siglo XVIII se convirtió en costumbre escribir sinfonías en cuatro movimientos, siguiendo las líneas descritas en el siguiente párrafo. La sinfonía de tres movimientos se extinguió lentamente; aproximadamente la mitad de las primeras treinta sinfonías de Haydn están en tres movimientos; y para el joven Mozart, la sinfonía en tres movimientos era la norma, quizás bajo la influencia de su amigo Johann Christian Bach. Un destacado ejemplo tardío de la sinfonía clásica en tres movimientos es la Sinfonía de Praga de Mozart, de 1786.
La forma de cuatro movimientos que surgió de esta evolución fue la siguiente:
- Una sonata de apertura o alegro
- Un movimiento lento, como andante
- Un menuet o scherzo con trio
- Un alegro, rondo o sonata
Eran comunes las variaciones en este diseño, como cambiar el orden de los movimientos intermedios o agregar una introducción lenta al primer movimiento. Haydn, Mozart y sus contemporáneos restringieron el uso de la forma de cuatro movimientos a la música de cámara orquestal o de múltiples instrumentos, como los cuartetos, aunque desde Beethoven, las sonatas para solo se escriben con tanta frecuencia en cuatro como en tres movimientos.
La composición de las primeras sinfonías se centró en Milán, Viena y Mannheim. La escuela milanesa se centró en Giovanni Battista Sammartini e incluyó a Antonio Brioschi, Ferdinando Galimberti y Giovanni Battista Lampugnani. Los primeros exponentes de la forma en Viena incluyeron a Georg Christoph Wagenseil, Wenzel Raimund Birck y Georg Matthias Monn, mientras que los compositores de sinfonías vieneses importantes posteriores incluyeron a Johann Baptist Wanhal, Carl Ditters von Dittersdorf y Leopold Hofmann. La escuela de Mannheim incluía a Johann Stamitz.
Los sinfonistas más importantes de la última parte del siglo XVIII son Haydn, que escribió al menos 106 sinfonías en el transcurso de 36 años, y Mozart, con al menos 47 sinfonías en 24 años.
Época romántica
A principios del siglo XIX, Beethoven elevó la sinfonía de un género cotidiano producido en grandes cantidades a una forma suprema en la que los compositores se esforzaban por alcanzar el máximo potencial de la música en tan solo unas pocas obras. Beethoven comenzó con dos obras que emulaban directamente a sus modelos Mozart y Haydn, luego siete sinfonías más, comenzando con la Tercera Sinfonía ("Eroica") que amplió el alcance y la ambición del género. Su Sinfonía No. 5 es quizás la sinfonía más famosa jamás escrita; su transición del emocionalmente tormentoso movimiento de apertura en Do menor a un triunfante final en clave mayor proporcionó un modelo adoptado por sinfonistas posteriores como Brahms y Mahler. Su Sinfonía n.º 6 es una obra programática que presenta imitaciones instrumentales de cantos de pájaros y una tormenta; y, de manera poco convencional, un quinto movimiento (las sinfonías solían tener como máximo cuatro movimientos). Su Sinfonía No. 9 incluye partes para solistas vocales y coro en el último movimiento, convirtiéndola en una sinfonía coral.
De las sinfonías de Schubert, dos son elementos básicos del repertorio y se interpretan con frecuencia. De la Octava Sinfonía (1822), Schubert completó solo los dos primeros movimientos; esta obra sumamente romántica suele recibir el apodo de "La Inacabada". Su última sinfonía completa, la Novena (1826) es una obra masiva en el idioma clásico.
De los primeros románticos, Felix Mendelssohn (cinco sinfonías, más trece sinfonías de cuerda) y Robert Schumann (cuatro) continuaron escribiendo sinfonías en el molde clásico, aunque usando su propio lenguaje musical. Por el contrario, Berlioz prefería las obras programáticas, incluida su "sinfonía dramática" Roméo et Juliette, la sinfonía para viola Harold en Italie y la originalísima Symphonie fantastique. Este último también es una obra de programa y tiene tanto una marcha como un vals y cinco movimientos en lugar de los cuatro habituales. Su cuarta y última sinfonía, la Grande symphonie funèbre et triomphale (originalmente titulada Symphonie militaire) fue compuesta en 1840 para una banda militar de marcha de 200 piezas, para ser interpretada fuera de puertas, y es un ejemplo temprano de una banda sinfónica. Berlioz luego agregó partes de cuerda opcionales y un final coral. En 1851, Richard Wagner declaró que todas estas sinfonías posteriores a Beethoven no eran más que un epílogo, sin ofrecer nada sustancialmente nuevo. De hecho, después de la última sinfonía de Schumann, la "Rhenish" compuesto en 1850, durante dos décadas el poema sinfónico lisztiano pareció haber desplazado a la sinfonía como forma principal de la música instrumental a gran escala. Sin embargo, Liszt también compuso dos sinfonías corales programáticas durante este tiempo, Faust y Dante. Si la sinfonía se había eclipsado, no pasó mucho tiempo antes de que resurgiera en una "segunda era" en las décadas de 1870 y 1880, con las sinfonías de Bruckner, Brahms, Tchaikovsky, Saint-Saëns, Borodin, Dvořák y Franck, obras que evitaron en gran medida los elementos programáticos de Berlioz y Liszt y dominaron el repertorio de conciertos durante al menos un siglo.
A lo largo del siglo XIX, los compositores continuaron aumentando el tamaño de la orquesta sinfónica. Alrededor de principios de siglo, una orquesta completa constaría de la sección de cuerdas más pares de flautas, oboes, clarinetes, fagotes, trompas, trompetas y, por último, un conjunto de timbales. Esta es, por ejemplo, la partitura utilizada en las sinfonías de Beethoven numeradas 1, 2, 4, 7 y 8. Los trombones, que anteriormente se habían limitado a la música de iglesia y teatro, se agregaron a la orquesta sinfónica, notablemente en las sinfonías 5, 6 y 9 de Beethoven. La combinación de bombo, triángulo y platillos (a veces también: flautín), que los compositores del siglo XVIII emplearon como efecto colorista en la llamada "música turca", se utilizó cada vez más durante la segunda mitad del siglo XIX sin tales connotaciones de género. En la época de Mahler (ver más abajo), un compositor podía escribir una sinfonía compuesta para "un verdadero compendio de instrumentos orquestales". Además de aumentar la variedad de instrumentos, las sinfonías del siglo XIX se aumentaron gradualmente con más músicos de cuerda y más partes de viento, de modo que la orquesta creció sustancialmente en número, al igual que crecieron las salas de conciertos.
Épocas tardorromántica, modernista y posmodernista
Hacia finales del siglo XIX, Gustav Mahler comenzó a escribir sinfonías largas y de gran formato que continuó componiendo hasta principios del siglo XX. Su Tercera Sinfonía, completada en 1896, es una de las sinfonías más largas interpretadas regularmente con alrededor de 100 minutos de duración para la mayoría de las representaciones. La Octava Sinfonía fue compuesta en 1906 y recibe el sobrenombre de "Sinfonía de los Mil" por la gran cantidad de voces requeridas para realizar la obra.
El siglo XX vio una mayor diversificación en el estilo y el contenido de las obras que los compositores denominaron sinfonías. Algunos compositores, incluidos Dmitri Shostakovich, Sergei Rachmaninoff y Carl Nielsen, continuaron escribiendo en la forma tradicional de cuatro movimientos, mientras que otros compositores adoptaron enfoques diferentes: Jean Sibelius' La Sinfonía n.° 7, la última, está en un solo movimiento, Richard Strauss' Alpine Symphony, en un movimiento, dividido en veintidós partes, que detalla una caminata de once horas a través de las montañas y la Sinfonía n.º 9 de Alan Hovhaness, Saint Vartan, originalmente op. 80, cambiado a Op. 180, compuesta en 1949-1950, está en veinticuatro.
A fines del siglo XIX surgió una preocupación por la unificación de la sinfonía tradicional de cuatro movimientos en una sola concepción formal que subsumía. A esto se le ha llamado "forma sinfónica bidimensional", y encuentra su punto de inflexión clave en la Sinfonía de cámara n.° 1, op. 9 (1909), a la que siguieron en la década de 1920 otras notables sinfonías alemanas de un solo movimiento, como la Primera sinfonía de Kurt Weill (1921), la Sinfonía de cámara de Max Butting, op. 25 (1923) y la Sinfonía de 1926 de Paul Dessau.
Junto a esta experimentación, otras sinfonías del siglo XX intentaron deliberadamente evocar los orígenes del género en el siglo XVIII, en términos de forma e incluso estilo musical, con ejemplos destacados como la Sinfonía n.° 1 de Sergei Prokofiev. 34;Clásica" de 1916–17 y la Sinfonía en do de Igor Stravinsky de 1938–40.
Permanecieron, sin embargo, ciertas tendencias. Designar una obra como "sinfonía" todavía implicaba un grado de sofisticación y seriedad de propósito. La palabra sinfonietta se empezó a utilizar para designar una obra más corta, de objetivos más modestos o "más ligera" que una sinfonía, como la Sinfonietta para orquesta de Sergei Prokofiev.
En la primera mitad del siglo, compositores como Edward Elgar, Gustav Mahler, Jean Sibelius, Carl Nielsen, Igor Stravinsky, Bohuslav Martinů, Roger Sessions, Sergei Prokofiev, Rued Langgaard y Dmitri Shostakovich compusieron sinfonías "extraordinarias en alcance, riqueza, originalidad y urgencia de expresión". Una medida de la importancia de una sinfonía es el grado en que refleja conceptos de forma temporal particulares de la época en que fue creada. Cinco compositores de todo el siglo XX que cumplen con esta medida son Jean Sibelius, Igor Stravinsky, Luciano Berio (en su Sinfonia, 1968–69), Elliott Carter (en su Symphony of Three Orchestras, 1976), y Pelle Gudmundsen-Holmgreen (en Symphony/Antiphony, 1980).
Desde mediados del siglo XX hasta el XXI ha habido un resurgimiento del interés en la sinfonía con muchos compositores posmodernistas que se sumaron sustancialmente al canon, sobre todo en el Reino Unido: Peter Maxwell Davies (10), Robin Holloway (1), David Matthews (9), James MacMillan (4), Peter Seabourne (5) y Philip Sawyers (3).
Sinfonías para banda de concierto
Héctor Berlioz originalmente escribió la Grande symphonie funèbre et triomphale para banda militar en 1840. Anton Reicha había compuesto su 'Commemoration' Sinfonía (también conocida como Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française) para conjunto de viento grande incluso antes, en 1815, para ceremonias asociadas con el nuevo entierro de Luis XVI y María Antonieta
Después de esos primeros esfuerzos, se escribieron pocas sinfonías para bandas de viento hasta el siglo XX, cuando se escribieron más sinfonías para bandas de concierto que en siglos anteriores. Aunque existen ejemplos desde 1932, la primera sinfonía de importancia de este tipo es la Sinfonía n.º 19 de Nikolai Myaskovsky, op. 46, compuesta en 1939. Otros ejemplos son la Sinfonía en si bemol para banda de Paul Hindemith, compuesta en 1951; la Sinfonía n.º 4 'West Point' de Morton Gould, compuesta en 1952; Sinfonía n.º 6 de Vincent Persichetti, op. 69, compuesta en 1956; la Sinfonía n.º 3 de Vittorio Giannini, compuesta en 1958; Sinfonías n.º 4 de Alan Hovhaness, op. 165, núm. 7, "Nanga Parvat", op. 175, núm. 14, 'Ararat', op. 194 y núm. 23, 'Ani', op. 249, compuesta en 1958, 1959, 1961 y 1972 respectivamente; la Sinfonía n.º 2 de John Barnes Chance, compuesta en 1972; las sinfonías 2, 3, 4 y 5 de Alfred Reed, compuestas en 1979, 1988, 1992 y 1994 respectivamente; ocho de las diez sinfonías numeradas de David Maslanka; cinco sinfonías hasta la fecha de Julie Giroux (aunque actualmente está trabajando en una sexta); la Sinfonía n.° 1 'El señor de los anillos' de Johan de Meij, compuesta en 1988, y su Sinfonía n.° 2 'La gran manzana', compuesta en 1993; la Sinfonía en tres escenas 'La Vita' de Yasuhide Ito, compuesta en 1998, que es su tercera sinfonía para banda de viento; la Sinfonía n.º 3 'Circus Maximus' de John Corigliano, compuesta en 2004; la Sinfonía PachaMama de Denis Levaillant, compuesta en 2014 y 2015, y la Sinfonía n.° 2 de James M. Stephenson, estrenada por la United States Marine Band ("The President's Own&# 34;) y recibió los premios William D. Revelli (2017) de la National Band Association y Sousa/Ostwald (2018) de la American Bandmasters Association.
Otros usos modernos de "sinfonía"
En algunas formas del inglés, la palabra "sinfonía" también se usa para referirse a la orquesta, el gran conjunto que a menudo interpreta estas obras. La palabra "sinfonía" aparece en el nombre de muchas orquestas, por ejemplo, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Sinfónica de St. Louis, la Sinfónica de Houston o la Sinfónica del Nuevo Mundo de Miami. Para algunas orquestas, "(nombre de la ciudad) Symphony" proporciona una versión más corta del nombre completo; por ejemplo, el OED da "Vancouver Symphony" como una posible forma abreviada de Orquesta Sinfónica de Vancouver. Además, en el uso común, una persona puede decir que va a escuchar una sinfonía, una referencia a la orquesta y no a las obras del programa. Estos usos no son comunes en inglés británico.
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