Sinfonía No. 7 (Mahler)
La Sinfonía n.º 7 de Gustav Mahler se escribió entre 1904 y 1905, con repetidas revisiones de la partitura. A veces se hace referencia a él con el título Canción de la noche (en alemán: Lied der Nacht), que Mahler nunca conoció.. Aunque la sinfonía a menudo se describe como en la tonalidad de mi menor, su esquema tonal es más complicado. El primer movimiento de la sinfonía pasa de si menor (introducción) a mi menor, y la obra termina con un rondó final en do mayor. Así, como ha señalado Dika Newlin, "en esta sinfonía Mahler vuelve al ideal de 'tonalidad progresiva' que había abandonado en la Sexta'. La complejidad del esquema tonal de la obra se analizó en términos de "estructuras entrelazadas" por Graham George.
Antecedentes
En 1904, Mahler disfrutaba de un gran éxito internacional como director de orquesta, pero también, por fin, comenzaba a disfrutar de un éxito internacional como compositor. Su segunda hija nació ese junio, y durante su habitual descanso de verano lejos de Viena en su retiro junto al lago en Maiernigg, en las montañas de Carintia, terminó su Sinfonía n.º 6 y esbozó el segundo y el cuarto movimiento (los dos Nachtmusik movimientos) para la Sinfonía n.º 7 mientras traza gran parte del resto de la obra. Luego trabajó intensamente en el Séptimo el verano siguiente, alegando que solo le tomó cuatro semanas completar el primer, tercer y quinto movimiento.
La partitura completa estaba fechada el 15 de agosto de 1905 y la orquestación se terminó en 1906; dejó la Séptima a un lado para hacer pequeños cambios en la orquestación de la Sinfonía n. ° 6, mientras ensayaba para su estreno en mayo de 1906. La Séptima se estrenó el 19 de septiembre de 1908, en Praga con la Filarmónica Checa, en el festival que marca el Diamante. Jubileo del emperador Francisco José.
Los tres años que transcurrieron entre la finalización de la partitura y el estreno de la sinfonía fueron testigos de cambios dramáticos en la vida y la carrera de Mahler. En marzo de 1907 había renunciado a su dirección de la Ópera Estatal de Viena, ya que la comunidad musical de Viena se volvió contra él (razón por la cual eligió Praga para el debut de la obra); el 12 de julio su primera hija murió de escarlatina; y, mientras yacía en su lecho de muerte, Mahler se enteró de que padecía una afección cardíaca incurable. Los musicólogos suponen que esta es la razón por la que el optimismo y la alegría de la sinfonía se vieron atenuados posteriormente por las pequeñas pero significativas revisiones que Mahler hizo en los años previos a su estreno.
Instrumentación
La sinfonía está escrita para gran orquesta. Al igual que en algunas de sus otras sinfonías (particularmente la 5.ª y la 6.ª), el uso de instrumentos no convencionales por parte de Mahler se muestra en la 7.ª con la partitura de tenorhorn, cencerros, guitarra y mandolina. La orquesta está compuesta por los siguientes:
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- ^ La especificación de Mahler de un Tenorhorn en la puntuación de este trabajo a menudo ha causado confusión. En Gran Bretaña, el nombre de "cuerpo superior" se da a menudo al instrumento que en Estados Unidos se llama el cuerno alto (en E). o F); en Alemania esto (un contralto saxhorn) se conoce como el Althorn en E. o F, y no es el instrumento solicitado por Mahler. Tampoco Mahler tiene intención de un eufonio, que en alemán se llama Euphonium o Baryton. El Tenorhorn alemán es en realidad un B. instrumento similar al instrumento conocido en Gran Bretaña y EE.UU. como el cuerno de baritone.
Estructura
La duración de la sinfonía ronda los 80 minutos. Hay, sin embargo, una grabación excepcionalmente larga de Otto Klemperer, que dura 100 minutos. Otra grabación de Hermann Scherchen con la Orquesta Sinfónica de Toronto tiene una duración de 68 minutos.
La obra consta de cinco movimientos:
Yo. Langsam – Allegro risoluto, ma non troppo
(mi menor, si menor inicial)
El movimiento está en forma de sonata. Comienza con una introducción lenta en si menor, iniciada por una melodía oscura interpretada por un tenorhorn.
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El ritmo de acompañamiento
se dice que llegó a Mahler mientras remaba en el lago de Maiernigg después de un período de sequía compositiva. El tema principal, presentado por trompas al unísono en mi menor, se acompaña de manera similar, aunque mucho más rápido y en un registro más alto.
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El segundo tema es presentado luego por violines, acompañados de arpegios de violonchelo.
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Este tema está infectado de secuencias cromáticas. En un momento, los violines alcanzan un F♯7 (la F♯ en un piano). La exposición se cierra con un tema de marcha de la introducción, al que sigue una repetición del tema principal.
Esto conduce directamente al desarrollo, que continúa durante algún tiempo antes de ser interrumpido repentinamente por fanfarrias de trompetas pianissimo y un coral lento basado en el tema de la marcha de la introducción.
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Esta sección se ha interpretado como una "visión religiosa". También se ha afirmado que esta sección contiene las cadenas de cuartas que impresionaron a Arnold Schoenberg. Después de que se reproduce esta sección, un glissando de arpa impulsa la música a una nueva sección basada en el segundo tema y el tema de la marcha/coral. Pero antes de que se pueda articular un clímax, la cadencia final es interrumpida por la música de la introducción y el cuerno barítono arioso. Esto conduce a la recapitulación, pero antes de que ocurra la recapitulación real, hay una nota alta increíblemente difícil para la trompeta. De hecho, la trompeta principal para el estreno de la obra incluso se enfrentó a Mahler y le dijo: "Me gustaría saber qué tiene de hermoso tocar una trompeta parada en Do alto".." Mahler no tuvo respuesta, pero luego le señaló a Alma que el hombre no entendía la agonía de su propia existencia.
La recapitulación es muy similar a la exposición, aunque significativamente más agitada. Hay una gran pausa durante la primera sección temática que conduce a un clímax masivo. El segundo tema también se acorta considerablemente. El tema de la marcha de la introducción conduce directamente a una coda épica que presenta ritmos de marcha y múltiples puntos altos en la textura orquestal, antes de terminar con un acorde de mi mayor.
El primer movimiento largo y dramáticamente intenso es seguido por tres imágenes distintas de la noche: dos movimientos titulados "Nachtmusik" (es decir, nocturno) y un "sombreado" scherzo entre ellos.
II. Música nocturna I
- Allegro Moderato. Molto moderato ()Andante) C mayor - C menor
Se dice que el primero de los dos movimientos Nachtmusik representa una Nachtwanderung ("caminar de noche"). Mahler, que describió el movimiento en términos vagos, lo comparó con el cuadro La ronda de noche de Rembrandt, aunque no pretendía evocar el cuadro en sí. En general, el movimiento posee una cualidad grotesca, pero siempre con intenciones amistosas. El movimiento avanza a través de una serie de marchas y bailes y descripciones nocturnas naturalistas. Un aspecto notable del movimiento es su forma simétrica; es un rondó que sigue la estructura (I)–(A)–(B)–(I/A)–(C)–(I/A)–(B)–(A)–(I), donde (I) es una sección introductoria y (I/A) combina la música introductoria y el tema (A).
El segundo movimiento comienza con cuernos llamándose unos a otros.
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Sin embargo, el segundo cuerno está silenciado para crear la ilusión de distancia. Los instrumentos de viento de madera que corretean imitando cantos de pájaros un tanto grotescos se pierden en la distancia, mientras las trompetas hacen sonar el sello mayor/menor de la Sinfonía n.º 6. Los cuernos introducen un tema rico, algo bucólico (A), rodeado de cuerdas danzantes y un ritmo de marcha de su canción "Revelge".
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Este tema genera cierta confusión sobre la tonalidad, ya que cambia entre do mayor y do menor cada pocos tiempos. El ambiente rural se ve realzado por una danza suave y rústica para la sección (B), típica de Mahler en su forma más despreocupada e infantil, así como por el suave tintineo de cencerros distantes en los retornos de la sección introductoria. El tema malicioso (C), a su regreso, es arabesco por el "Revelge" ritmos y cantos de pájaros de antes en el movimiento.
III. Scherzo
- Schattenhaft. Fließend aber nicht zu schnell ("Shadowy. Flotando pero no demasiado rápido") D major
Hay un trasfondo de noche en el espeluznante tercer movimiento; mientras que "scherzo" significa "broma", este movimiento es notablemente espeluznante e incluso sombrío. Si la primera Nachtmusik poseía un humor amistoso disfrazado de grotescos, este movimiento es un demonio burlándose del oyente. Sin embargo, como señala el musicólogo español José L. Pérez de Arteaga, este movimiento es realmente "una burla morbosa y sarcástica del vals vienés".
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El movimiento comienza con un gesto extraño: un diálogo en pianissimo entre timbales y bajos y violonchelos en pizzicato con interjecciones sardónicas de los vientos. Después de un poco de preparación, la orquesta se pone en marcha en un vals amenazador, completo con chillidos de viento de madera sobrenaturales y reflejos fantasmales de los bajos, con un recurrente "lamentando" tema en los instrumentos de viento. El scherzo se contrasta con un trío más cálido en el modo mayor, presentado por y que contiene un "chillido" motivo que comienza en los oboes y desciende a través de la orquesta.
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La brillantez de este movimiento radica en su extraordinaria y original orquestación, lo que le da a este movimiento una fuerte cualidad de pesadilla. Múltiples solos de viola se elevan por encima de la textura, y hay un motivo persistente de timbales y pizzicato que impregna la danza. El tema y su acompañamiento se transmiten alrededor de la orquesta en lugar de ser tocados por un instrumento específico. En un momento memorable de la partitura, se indica a los violonchelos y contrabajos que toquen pizzicato con el volumen fffff, con la nota a pie de página, "pulse tan fuerte que las cuerdas golpeen la madera".
IV. Música nocturna II
- Andante amoroso. F
El cuarto movimiento (el segundo Nachtmusik) contrasta con el primero en que ilustra una escena más íntima y humana. Con su marcado amoroso e instrumentación reducida (trombones, tubas y trompetas son silenciosos y los instrumentos de viento de madera se reducen a la mitad) este movimiento ha sido descrito como "un largo tramo de música de cámara ambientado en medio de este enorme obra orquestal". Un solo de violín introduce el movimiento,
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mientras que un solo de trompa sobre los suaves tonos de una guitarra y una mandolina crean un carácter mágico de serenata.
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Sin embargo, las disonancias sardónicas le dan a este movimiento una sensación más satírica e incluso enfermiza. El trío contrasta con esto y refleja más el ambiente íntimo que se esperaría de una serenata vienesa. El movimiento termina en trascendencia, proporcionando un telón de fondo pacífico para la abrupta entrada del final.
V. Rondó final
Los bulliciosos timbales junto con los metales resplandecientes preparan el escenario para el desenfrenado movimiento final en do mayor.
El largo y arduo primer movimiento, después de tres movimientos más cortos de desarrollo del estado de ánimo, finalmente es igualado por una sustancial "luz del día" final. El movimiento es un rondó combinado con un conjunto de ocho variaciones, rematado por una coda dramática. Hay parodias de Die Meistersinger von Nürnberg de Wagner y The Merry Widow de Franz Lehár. Hay muchas interrupciones extrañas y abruptas de acumulaciones climáticas, incluso al final de la coda. La textura se basa, en su mayor parte, en un motivo de escala rota descendente banal.
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También hay un gran énfasis en los corales de metales mordaces y las danzas rústicas implacablemente satíricas. No es de extrañar que, de todos los movimientos de la sinfonía, este haya recibido la mayor cantidad de críticas y perplejidad. Ha sido visto por muchos como algo decepcionante y algo superficial, eludiendo las preguntas planteadas por los movimientos anteriores; su estado de ánimo de celebración prácticamente implacable parece bastante en desacuerdo con el carácter oscuro de los movimientos anteriores. "Un vigoroso desfile de afirmación de la vida de la descarada mahleriana", es como lo describe Michael Kennedy, y el mismo Mahler lo explicó con el aperçu "¡El mundo es mío!" El tema principal del primer movimiento surge en medio del final escandalosamente exuberante, pero pronto se sofoca y reaparece en el modo mayor. También aparecen los cencerros de la primera Nachtmusik y las campanas bajas sin tono de la Sinfonía n.° 6 de Mahler. El movimiento (y por tanto la sinfonía) termina de una manera muy extraña; un G♯ perdido aparentemente aleatorio cambia la calidad armónica de mayor a aumentada, la música desciende repentinamente a piano antes de un testarudo fff El acorde de do mayor termina la obra.
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Análisis crítico
La estructura armónica y estilística de la pieza puede verse como una representación del viaje desde el anochecer hasta el amanecer. La pieza evoluciona desde unos comienzos inciertos y vacilantes hasta un inequívoco final en Do mayor, con sus ecos de Die Meistersinger von Nürnberg de Wagner: de hecho, en el estreno se interpretó la obertura de esta ópera después de la sinfonía.
Este viaje de la noche al día procede a través del tercer movimiento scherzo, marcado como schattenhaft (sombreado), que puede haber sido lo que impulsó a Arnold Schoenberg a convertirse en un defensor particular de la obra. La abundancia de temas basados en el intervalo de cuarta tiene paralelos con la Primera Sinfonía de Cámara.
La pieza tiene varios motivos en común con la Sinfonía n.° 6, en particular la yuxtaposición de los acordes mayores con los menores, la figura de la marcha del primer movimiento y el uso de cencerros en ciertos episodios pastoriles.
Recepción
Mahler dirigió el estreno de su Sinfonía n.º 7 en Praga en 1908. Unas semanas más tarde la dirigió en Múnich y los Países Bajos. Tanto el público como los artistas en el estreno estaban confundidos por la obra y no fue bien recibida.
Estrenos
- Estreno mundial: 19 de septiembre de 1908, Praga, con la Orquesta Filarmónica Checa dirigida por el compositor.
- Estreno holandés: 2 de octubre de 1909, La Haya, con la Orquesta Concertgebouw realizada por el compositor.
- Estreno británico: 18 de enero de 1913, Londres, dirigido por Henry Wood.
- Estreno americano: 15 de abril de 1921, Chicago, dirigido por Frederick Stock.
Grabaciones
- Claudio Abbado grabó la sinfonía tres veces – primero con la orquesta sinfónica de Chicago en el estudio en 1984, y luego vivir con la Filarmónica de Berlín en 2002. También hay una grabación de DVD con la orquesta del Festival de Lucerna.
- Vladimir Ashkenazy con la orquesta sinfónica de Sydney, 2011
- Daniel Barenboim con el Staatskapelle Berlin
- Leonard Bernstein con la Filarmónica de Nueva York en 1965. Lo grabó dos veces más, con la Filarmónica de Nueva York en 1986, y con la Filarmónica de Viena en 1974 (un vídeo también fue grabado con la Filarmónica de Viena).
- Gary Bertini con Kölner Rundfunk-Sinfonie-Orchester
- Pierre Boulez con la Orquesta de Cleveland
- Riccardo Chailly con la Orquesta Real Concertgebouw
- Andreas Delfs con la orquesta sinfónica Milwaukee
- Gustavo Dudamel con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar en 2014
- Iván Fischer con la Orquesta del Festival de Budapest en 2019
- Valery Gergiev con la orquesta sinfónica de Londres
- Michael Gielen grabó un ciclo de Mahler durante los años 1990
- Bernard Haitink lo grabó dos veces, con la Orquesta de Concertgebouw y la Filarmónica de Berlín
- Michael Halász con la orquesta sinfónica de radio nacional polaca
- Jascha Horenstein con la Nueva Orquesta Filarmonía
- Eliahu Inbal ha grabado esta sinfonía tres veces – primero con la Orquesta Sinfónica de Frankfurt Radio en 1986 (Denon Blu-spec cd COCO-73087), luego con la Filarmónica Checa en 2011 (Exton SACD EXCL-00077) y finalmente con la Orquesta Sinfónica Metropolitana de Tokio en 2013. (Exton SACD OVCL-00517 " OVXL-00084 "Una versión de micrófono de punto")
- Mariss Jansons con la Filarmónica de Oslo, la Orquesta Sinfónica de Radio de Baviera y una grabación en vivo con la Orquesta Real Concertgebouw
- Neeme Järvi con la Filarmónica de La Haya
- Otto Klemperer con la Nueva Orquesta de Filarmonía, grabada en 1968
- Kirill Kondrashin con la Orquesta Filarmónica de Leningrado en 1975. También hay una grabación en vivo de 1979 con la Orquesta Concertgebouw.
- Rafael Kubelík lo grabó dos veces. La primera fue con la Orquesta Sinfónica de Radio de Baviera en 1970 como parte de su ciclo completo con la Orquesta Sinfónica de Radio de Baviera. El segundo fue una grabación en vivo en 1976.
- Yoel Levi con la orquesta sinfónica de Atlanta
- James Levine con la orquesta sinfónica de Chicago
- Lorin Maazel with the Vienna Philharmonic, New York Philharmonic and Philharmonia Orchestra
- Kurt Masur con la Orquesta de Leipzig Gewandhaus
- Václav Neumann lo grabó dos veces, primero en 1968 con la Orquesta Leipzig Gewandhaus, y en 1977–78 como parte de un ciclo completo de sinfonía con la Filarmónica Checa.
- Seiji Ozawa con la orquesta sinfónica de Boston
- Simon Rattle con la orquesta sinfónica de la ciudad de Birmingham
- Hans Rosbaud con la orquesta sinfónica de radio de Berlín, 1952
- Hermann Scherchen con la Sinfonía de Viena y otra grabación con la Orquesta Sinfónica de Toronto
- Giuseppe Sinopoli con la Filarmonía Orquesta, registrada en 1992.
- Sir Georg Solti con la orquesta sinfónica de Chicago, 1971
- Klaus Tennstedt con la orquesta filarmónica de Londres
- Michael Tilson Thomas con la Sinfonía de San Francisco. Ganador de dos premios Grammy para el mejor rendimiento orquestal y el mejor álbum clásico. (Michael Tilson Thomas también registró esta sinfonía con la London Symphony Orchestra en 1999.)
- Osmo Vänskä con la Orquesta de Minnesota
- Edo de Waart con la Filarmónica de Radio Holanda
- Hans Zender con el Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken
- David Zinman con el Tonhalle-Orchester Zürich
- Kirill Petrenko con la Orquesta Estatal de Baviera en 2021.
Otras apariciones
El tema de la trompeta inicial del segundo movimiento se utilizó en un anuncio del aceite Castrol GTX a principios de la década de 1980. Derivado del anuncio de Castrol, el mismo tema apareció en un anuncio británico del champú para hombres Alpecin en 2016.
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