Sara Vaughan

Sarah Lois Vaughan (27 de marzo de 1924 - 3 de abril de 1990) fue una cantante de jazz estadounidense.

Apodado "Sassy" y 'The Divine One', ganó dos premios Grammy, incluido el Lifetime Achievement Award, y fue nominada a un total de nueve premios Grammy. Recibió un premio NEA Jazz Masters en 1989. El crítico Scott Yanow escribió que tenía "una de las voces más maravillosas del siglo XX".

Primeros años

Vaughan nació en Newark, Nueva Jersey, hijo de Asbury "Jake" Vaughan, un carpintero de oficio que tocaba la guitarra y el piano, y Ada Vaughan, una lavandera que cantaba en el coro de la iglesia, inmigrantes de Virginia. Los Vaughan vivieron en una casa en Brunswick Street en Newark durante toda la infancia de Vaughan. Jake era profundamente religioso. La familia estaba activa en la Iglesia Bautista New Mount Zion en 186 Thomas Street. Vaughan comenzó a tomar lecciones de piano a la edad de siete años, cantó en el coro de la iglesia y tocó el piano en los ensayos y servicios.

Desarrolló un amor temprano por la música popular en los discos y la radio. En la década de 1930, veía con frecuencia bandas locales y de gira en la pista de patinaje de Montgomery Street. A mediados de su adolescencia, comenzó a aventurarse ilegalmente en los clubes nocturnos de Newark y a actuar como pianista y cantante en el Piccadilly Club y el aeropuerto de Newark.

Vaughan asistió a East Side High School y luego se transfirió a Newark Arts High School, que abrió sus puertas en 1931. Como sus aventuras nocturnas como intérprete abrumaron sus actividades académicas, abandonó la escuela secundaria durante su tercer año para concentrarse en la música.

Carrera

1942-1943: carrera temprana

Vaughan solía estar acompañada por una amiga, Doris Robinson, en sus viajes a la ciudad de Nueva York. En el otoño de 1942, cuando tenía 18 años, Vaughan sugirió que Robinson participara en el concurso Apollo Theatre Amateur Night. Vaughan tocó el acompañamiento de piano para Robinson, quien ganó el segundo premio. Más tarde, Vaughan decidió volver y competir como cantante. Ella cantó 'Cuerpo y alma' y ganó, aunque la fecha de esta actuación victoriosa es incierta. El premio, como le recordó Vaughan a Marian McPartland, era de $10 y la promesa de una semana de compromiso en el Apollo. El 20 de noviembre de 1942, regresó al Apollo para abrir para Ella Fitzgerald.

Durante su semana de presentaciones en el Apollo, Vaughan conoció al director de orquesta y pianista Earl Hines, aunque los detalles de esa presentación son discutidos. Billy Eckstine, Hines' cantante en ese momento, Vaughan y otros le han dado crédito por escucharla en el Apollo y recomendarla a Hines. Hines afirmó más tarde haberla descubierto él mismo y le ofreció un trabajo en el acto. Después de una breve prueba en el Apollo, Hines reemplazó a su cantante femenina con Vaughan el 4 de abril de 1943.

1943-1944: Earl Hines y Billy Eckstine

Vaughan pasó el resto de 1943 y parte de 1944 de gira por el país con la gran banda de Earl Hines, que incluía a Billy Eckstine. La contrataron como pianista para que Hines pudiera contratarla bajo la jurisdicción de los músicos. sindicato (Federación Estadounidense de Músicos) en lugar del sindicato de cantantes (Sindicato Estadounidense de Artistas de Variedades). Pero después de que Cliff Smalls se uniera a la banda como trombonista y pianista, sus deberes se limitaron a cantar. La banda de Earl Hines en este período es recordada como una incubadora de bebop, ya que incluía al trompetista Dizzy Gillespie, al saxofonista Charlie Parker (tocando el saxofón tenor en lugar del alto) y el trombonista Bennie Green. Gillespie arregló para la banda, aunque la prohibición contemporánea de grabación por parte de los músicos' unión significó que no existen grabaciones comerciales.

Eckstine dejó la banda de Hines a fines de 1943 y formó una gran banda con Gillespie, dejando a Hines como director musical de la banda. Parker se unió a Eckstine y, durante los años siguientes, la banda incluía a Gene Ammons, Art Blakey, Miles Davis, Kenny Dorham, Dexter Gordon y Lucky Thompson. Vaughan aceptó la invitación de Eckstine para unirse a su banda en 1944, dándole la oportunidad de grabar por primera vez el 5 de diciembre de 1944, en la canción 'I'll Wait and Pray'. para De Luxe. El crítico y productor Leonard Feather le pidió que grabara ese mismo mes para Continental con un septeto que incluía a Dizzy Gillespie y Georgie Auld. Dejó la banda Eckstine a fines de 1944 para seguir una carrera en solitario, aunque permaneció cerca de Eckstine y grabó con él con frecuencia.

Al pianista John Malachi se le atribuye haber dado a Vaughan el apodo de 'Sassy', un apodo que coincidía con su personalidad. Le gustó, y el nombre y su variante abreviada "Sass" atrapado con los colegas y la prensa. En las comunicaciones escritas, Vaughan a menudo lo deletreaba "Sassie".

1945-1948: carrera en solitario temprana

En Café Society, septiembre de 1946

Vaughan comenzó su carrera en solitario en 1945 trabajando de forma independiente en la calle 52 de la ciudad de Nueva York en Three Deuces, Famous Door, Downbeat y Onyx Club. Pasó un tiempo en Braddock Grill al lado del Teatro Apollo en Harlem. El 11 de mayo de 1945 grabó "Lover Man" para Guild con un quinteto de Gillespie y Parker con Al Haig al piano, Curly Russell al contrabajo y Sid Catlett a la batería. Más tarde ese mes, entró en el estudio con una agregación de Gillespie/Parker ligeramente diferente y más grande y grabó tres caras más.

Después de ser invitado por el violinista Stuff Smith para grabar la canción "Time and Again" en octubre de 1945, el propietario Albert Marx le ofreció a Vaughan un contrato para grabar para Musicraft, aunque no comenzaría a grabar como líder de Musicraft hasta el 7 de mayo de 1946. Mientras tanto, grabó para Crown y Gotham y comenzó a actuar regularmente. en Café Society Downtown, un club integrado en Sheridan Square de Nueva York.

Mientras trabajaba en Café Society, Vaughan se hizo amiga del trompetista George Treadwell, quien se convirtió en su manager. Ella le delegó la mayor parte de las responsabilidades de directora musical de sus sesiones de grabación, lo que le permitió concentrarse en el canto. Durante los siguientes años, Treadwell hizo cambios en la apariencia de Vaughan en el escenario. Aparte de un nuevo vestuario y peinado, se cubrió los dientes, eliminando un espacio entre sus dos dientes frontales.

Sus grabaciones para Musicraft incluyen "If You Could See Me Now" (escrita y arreglada por Tadd Dameron), 'Don't Blame Me', 'I've Got a Crush on You', 'Everything I Have Is tuyo" y 'Cuerpo y alma'. Con la relación profesional de Vaughan y Treadwell sobre una base sólida, la pareja se casó el 16 de septiembre de 1946.

En 1947, Vaughan actuó en el tercer concierto Cavalcade of Jazz celebrado en Wrigley Field en Los Ángeles, que fue producido por Leon Hefflin, Sr. el 7 de septiembre de 1947. The Valdez Orchestra, The Blenders, T-Bone Walker, Slim Gaillard, The Honeydrippers, Johnny Otis y su Orquesta, Woody Herman y los Three Blazers también actuaron ese mismo día.

El éxito discográfico de Vaughan para Musicraft continuó durante 1947 y 1948. Su grabación de 'Tenderly' (se enorgullecía de ser la primera en grabar ese estándar de jazz) se convirtió en un éxito pop inesperado en finales de 1947. Su grabación del 27 de diciembre de 1947 de 'It's Magic' (de la película de Doris Day Romance on the High Seas) alcanzó el éxito en las listas de éxitos a principios de 1948. Su grabación de "Nature Boy" del 8 de abril de 1948, se convirtió en un éxito en la época en que se lanzó la popular versión de Nat King Cole. Debido a una segunda prohibición de grabación por parte de los músicos' unión, "Nature Boy" fue grabado con un coro a cappella.

1948–1953: estrellato y los años de Columbia

Los músicos' la prohibición sindical llevó a Musicraft al borde de la bancarrota. Vaughan utilizó los pagos de regalías perdidos como una oportunidad para firmar con el sello discográfico más grande de Columbia. Después de resolver los problemas legales, sus éxitos en las listas continuaron con "Black Coffee" en el verano de 1949. Mientras estuvo en Columbia hasta 1953, se dedicó casi exclusivamente a las baladas pop comerciales, varias con éxito en las listas de éxitos: 'That Lucky Old Sun', 'Make Believe (You Are Me alegro cuando lo sientes), 'Estoy loco por amarte', 'Nuestro propio', 'Amo al chico' #34;, "Pensando en ti" (con el pianista Bud Powell), 'Lloré por ti', 'Estas cosas que te ofrezco', 'Vanidad', 'Corrí todo el camino Hogar, 'Santo o pecador', 'Mi corazón atormentado' y 'Tiempo'.

Ganó el premio New Star de la revista Esquire en 1947, premios de la revista Down Beat de 1947 a 1952 y de Metronome revista de 1948 a 1953. El éxito de la grabación y la crítica generó oportunidades de actuación, con Vaughan cantando ante grandes multitudes en clubes de todo el país a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950. En el verano de 1949, hizo su primera aparición con una orquesta sinfónica en un evento benéfico para la Orquesta de Filadelfia titulado "100 Men and a Girl." Por esta época, el disc jockey de Chicago, Dave Garroway, acuñó un segundo apodo para ella, 'The Divine One', que la seguiría a lo largo de su carrera. Una de sus primeras apariciones en televisión fue en el programa de variedades de DuMont Stars on Parade (1953–54) en el que cantó "My Funny Valentine" y "Linger Awhile".

En 1949, con sus finanzas mejorando, Vaughan y Treadwell compraron una casa de tres pisos en 21 Avon Avenue en Newark, ocupando el último piso durante sus horas libres cada vez más raras en casa y mudando a los padres de Vaughan a la dos plantas inferiores. Sin embargo, las presiones comerciales y los conflictos de personalidad llevaron a un enfriamiento en la relación de Treadwell y Vaughan. Treadwell contrató a un road manager para que se encargara de sus necesidades de gira y abrió una oficina de gestión en Manhattan para poder trabajar con otros clientes.

La relación de Vaughan con Columbia se agrió cuando ella se sintió insatisfecha con el material comercial y su mediocre éxito financiero. Hizo algunas grabaciones de grupos pequeños en 1950 con Miles Davis y Bennie Green, pero eran atípicas de lo que grabó para Columbia.

Radio

En 1949, Vaughan tenía un programa de radio, Songs by Sarah Vaughan, en WMGM en la ciudad de Nueva York. Los programas de 15 minutos se transmitieron por las noches de miércoles a domingo desde The Clique Club, descrito como "un encuentro de la multitud bebop". La acompañaron George Shearing al piano, Oscar Pettiford al contrabajo y Kenny Clarke a la batería.

1954–1959: años de Mercurio

Vaughan en 1955

En 1953, Treadwell negoció un contrato para Vaughan con Mercury en el que grabaría material comercial para Mercury y material orientado al jazz para su subsidiaria, EmArcy. Fue emparejada con el productor Bob Shad y su relación de trabajo produjo éxito comercial y artístico. Su sesión de grabación debut en Mercury tuvo lugar en febrero de 1954. Permaneció con Mercury hasta 1959. Después de grabar para Roulette de 1960 a 1963, regresó a Mercury de 1964 a 1967.

Su éxito comercial en Mercury comenzó con el éxito de 1954 "Make Yourself Comfort", grabado en el otoño de 1954, y continuó con "How Important Can It Be" (con Count Basie), "Whatever Lola Wants", "The Banana Boat Song", "Deberías tener una esposa" y "Misty" 34;. Su éxito comercial alcanzó su punto máximo en 1959 con "Broken Hearted Melody", una canción que ella consideraba "cursi" que, sin embargo, se convirtió en su primer disco de oro y en una parte habitual de su repertorio de conciertos en los años venideros. Vaughan se reunió con Billy Eckstine para una serie de grabaciones a dúo en 1957 que produjeron el éxito 'Passing Strangers'. Sus grabaciones comerciales estuvieron a cargo de varios arreglistas y directores, principalmente Hugo Peretti y Hal Mooney.

La "pista" de jazz de su carrera discográfica avanzó a buen ritmo, respaldada por su trío de trabajo o combinaciones de músicos de jazz. Uno de sus álbumes favoritos fue una fecha de sexteto de 1954 que incluía a Clifford Brown.

En la segunda mitad de la década de 1950, siguió un programa de giras casi ininterrumpidas. Apareció en el primer Festival de Jazz de Newport en el verano de 1954 y protagonizó ediciones posteriores de ese festival en Newport y en la ciudad de Nueva York durante el resto de su vida. En el otoño de 1954, actuó en el Carnegie Hall con la Count Basie Orchestra en un proyecto de ley que también incluía a Billie Holiday, Charlie Parker, Lester Young y el Modern Jazz Quartet. Ese otoño, volvió a realizar una gira por Europa antes de embarcarse en un "Big Show" gira por Estados Unidos, una sucesión de actuaciones que incluyeron a Count Basie, George Shearing, Erroll Garner y Jimmy Rushing. En el Festival de Jazz de Nueva York de 1955 en Randalls Island, Vaughan compartió cartel con el cuarteto de Dave Brubeck, Horace Silver, Jimmy Smith y la Johnny Richards Orchestra.

Aunque la relación profesional entre Vaughan y Treadwell fue bastante exitosa durante la década de 1950, su relación personal finalmente llegó a un punto de ruptura y ella solicitó el divorcio en 1958. Vaughan había delegado completamente los asuntos financieros a Treadwell y, a pesar de las importantes cifras de ingresos reportadas hasta la década de 1950, en el acuerdo, Treadwell dijo que solo quedaban $ 16,000. La pareja dividió en partes iguales la cantidad y sus bienes personales, poniendo fin a su relación comercial.

Hizo su debut en el Reino Unido en 1958 en Sunday Night en el London Palladium con varias canciones, incluida 'Who's Got the Last Laugh Now'.

1959-1969: Atkins y la ruleta

La salida de Treadwell de la vida de Vaughan fue precipitada por la entrada de Clyde "C.B." Atkins, un hombre de antecedentes inciertos a quien conoció en Chicago y se casó el 4 de septiembre de 1959. Aunque Atkins no tenía experiencia en gestión de artistas o música, Vaughan deseaba tener una relación profesional y personal mixta como la que tenía con Treadwell. Nombró a Atkins su gerente, aunque todavía sentía el aguijón de los problemas que tenía con Treadwell e inicialmente vigiló más de cerca a Atkins. Vaughan y Atkins se mudaron a una casa en Englewood, Nueva Jersey.

Cuando el contrato de Vaughan con Mercury finalizó a fines de 1959, ella firmó con Roulette, un pequeño sello propiedad de Morris Levy, quien era uno de los patrocinadores de Birdland, donde aparecía con frecuencia. Comenzó a grabar para Roulette en abril de 1960, haciendo una serie de álbumes de grandes conjuntos arreglados o dirigidos por Billy May, Jimmy Jones, Joe Reisman, Quincy Jones, Benny Carter, Lalo Schifrin y Gerald Wilson. Tuvo éxito en las listas de éxitos en 1960 con "Serenata" en Ruleta y "Eternamente" y 'You're My Baby', un par de temas residuales de su contrato con Mercury. Grabó After Hours (1961) con el guitarrista Mundell Lowe y el contrabajista George Duvivier y Sarah + 2 (1962) con el guitarrista Barney Kessel y el contrabajista Joe Comfort.

En 1961, Vaughan y Atkins adoptaron una hija, Deborah Lois Atkins, conocida profesionalmente como Paris Vaughan. Sin embargo, la relación con Atkins resultó difícil y violenta. Después de varios incidentes, solicitó el divorcio en noviembre de 1963. Recurrió a dos amigos para que la ayudaran a resolver los asuntos financieros del matrimonio. El propietario del club, John "Preacher" Wells, un conocido de la infancia, y Clyde "Pumpkin" Golden Jr. descubrió que Atkins' El juego y el gasto habían puesto a Vaughan en una deuda de alrededor de $ 150,000. La casa de Englewood fue incautada por el IRS por falta de pago de impuestos. Vaughan retuvo la custodia de su hijo y Golden se hizo cargo de Atkins. lugar como manager y amante de Vaughan por el resto de la década.

Cuando finalizó su contrato con Roulette en 1963, Vaughan regresó a los confines más familiares de Mercury. En el verano de 1963, viajó a Dinamarca con el productor Quincy Jones para grabar Sassy Swings the Tivoli, un álbum de presentaciones en vivo con su trío. Durante el año siguiente, hizo su primera aparición en la Casa Blanca para el presidente Lyndon Johnson. La grabación de Tivoli sería el momento más brillante de su segunda etapa con Mercury. Los cambios demográficos y de gustos en la década de 1960 dejaron a los músicos de jazz con audiencias reducidas y material inapropiado. Aunque mantuvo un número de seguidores lo suficientemente grande y leal como para mantener su carrera, la calidad y cantidad de su producción grabada disminuyó a medida que su voz se oscurecía y su habilidad no disminuía. Al concluir su contrato con Mercury en 1967, carecía de un contrato de grabación para el resto de la década.

1970–1982: Fisher y corriente principal

Dizzy Gillespie y Sarah Vaughan realizan en la Casa Blanca en honor del Sha de Irán el 15 de noviembre de 1977.

En 1971, en el Tropicana de Las Vegas, Marshall Fisher era un fanático y empleado de un puesto de comida cuando le presentaron a Sarah Vaughan. Se sintieron atraídos el uno por el otro de inmediato. Fisher se mudó con ella a Los Ángeles. Aunque era blanco y siete años mayor, se llevaba bien con sus amigos y familiares. Aunque no tenía experiencia en el negocio de la música, se convirtió en su road manager y luego en su manager personal. Pero a diferencia de otros hombres y gerentes, Fisher se dedicó a ella y manejó meticulosamente su carrera y la trató bien. Él le escribió poemas de amor.

En 1971, Bob Shad, que había trabajado con ella como productor en Mercury, le pidió que grabara para su sello, Mainstream, que él había fundado después de dejar Mercury. Rompiendo una pausa de cuatro años, Vaughan firmó un contrato con Mainstream y regresó al estudio para A Time in My Life, un paso del jazz a la música pop con canciones de Bob Dylan, John Lennon y Marvin Gaye arreglado por Ernie Wilkins. No se quejó de este ecléctico cambio de dirección, pero eligió el material para su próximo álbum después de admirar el trabajo de Michel Legrand. Dirigió una orquesta de más de cien músicos para Sarah Vaughan con Michel Legrand, un álbum de composiciones de Legrand con letras de Alan y Marilyn Bergman. Las canciones hicieron llorar a algunos de los músicos durante las sesiones. Pero Shad quería un éxito y el álbum no dio ninguno. Cantó una versión del éxito pop "Rainy Days and Mondays" por los carpinteros para Feelin' Bien. A esto le siguió Live in Japan, su primer álbum en vivo desde 1963. Sarah Vaughan and the Jimmy Rowles Quintet (1974) fue más experimental, con improvisación libre y algo de scatting poco convencional..

Send in the Clowns fue otro intento de aumentar las ventas irrumpiendo en el mercado de la música pop. A Vaughan no le gustaban las canciones y odiaba la portada del álbum que mostraba a un payaso con un afro. Ella presentó una demanda contra Shad en 1975 por creer que la portada no era consistente con la imagen formal y sofisticada que proyectaba en el escenario. También sostuvo que el álbum Sarah Vaughan: Live at the Holiday Inn Lesotho tenía un título incorrecto y que Shad había estado dañando su carrera. Aunque no le gustó el álbum, le gustó la canción "Send in the Clowns" escrita por Stephen Sondheim para el musical A Little Night Music. La aprendió en el piano, hizo muchos cambios con la ayuda del pianista Carl Schroeder y se convirtió en su canción principal.

Sarah Vaughan, 1978

En 1974, interpretó música de George Gershwin en el Hollywood Bowl con la Filarmónica de Los Ángeles. La orquesta estuvo dirigida por Michael Tilson Thomas, quien era fanático de Vaughan y la invitó a actuar. Thomas y Vaughan repitieron la actuación con Thomas' orquesta local en Buffalo, Nueva York, seguida de apariciones en 1975 y 1976 con otras orquestas sinfónicas en los Estados Unidos.

Después de dejar Mainstream, firmó con Atlantic y trabajó en un álbum de canciones de John Lennon y Paul McCartney que fueron arregladas por Marty Paich y su hijo, David Paich, de la banda de rock Toto. Estaba entusiasmada por involucrarse más en la creación de un álbum, pero Atlantic lo rechazó alegando que no contenía éxitos. 'No sé cómo pueden reconocer los golpes por adelantado', dijo. Atlantic canceló su contrato. Ella dijo: 'Ya no me importan un carajo las compañías discográficas'.

Río y Norman Granz

En 1977, el cineasta Thomas Guy siguió a Vaughan de gira para filmar el documental Listen to the Sun. Viajó por Sudamérica: Argentina, Colombia, Chile, Ecuador y Perú. Estaba enamorada de Brasil, ya que esta era su tercera gira por Brasil en seis años. En el documental, llamó a la ciudad de Río "el mejor lugar que creo que 'he estado en la tierra". El público estaba tan entusiasmado que ella dijo: 'No creo que les guste tanto'. Tras el rechazo de Atlantic, quiso intentar producir su propio álbum de música brasileña. Le pidió a Aloísio de Oliveira que dirigiera las sesiones y grabó I Love Brazil! con Milton Nascimento, Jose Roberto Bertrami, Dorival Caymmi y Antonio Carlos Jobim.

Tenía un álbum, pero no tenía un sello discográfico para publicarlo, así que firmó con Pablo, dirigido por Norman Granz. Conocía a Granz desde 1948 cuando actuó en una de sus giras Jazz at the Philharmonic. Fue productor discográfico y manager de Ella Fitzgerald y propietario de Verve. Después de vender Verve, fundó Pablo. Se dedicó al jazz acústico, mainstream y había grabado a Count Basie, Duke Ellington y Clark Terry. En 1978 grabó How Long Has This Been Going On? de Vaughan, un conjunto de estándares de jazz con los veteranos músicos de jazz Oscar Peterson, Joe Pass, Ray Brown y Louis Bellson. El álbum fue nominado a un premio Grammy. Pablo lanzó I Love Brazil! y también fue nominado a un Grammy.

1982–1989: carrera tardía

Vaughan y Billy Eckstine en Monterey Jazz Festival en 1981

En el verano de 1980, recibió una placa en la calle 52 frente al edificio CBS (Black Rock) en conmemoración de los clubes de jazz que había frecuentado en "Swing Street" y que hacía tiempo que habían sido reemplazados por edificios de oficinas. Una actuación de su programa sinfónico Gershwin con la Sinfónica de Nueva Jersey en 1980 fue transmitida por PBS y le valió un premio Emmy al año siguiente por Logro individual, Clase especial. Se reunió en 1982 con Tilson Thomas para una versión modificada del programa Gershwin, interpretada nuevamente por la Filarmónica de Los Ángeles pero esta vez en su salón de actos, el Pabellón Dorothy Chandler; la grabación de CBS del concierto Gershwin Live! ganó un Grammy a la Mejor Interpretación Vocal de Jazz Femenina.

Después de la finalización de su contrato con Pablo en 1982, se comprometió con un número limitado de grabaciones de estudio. Apareció como invitada en 1984 en 2:00 AM Paradise Cafe de Barry Manilow, un álbum de composiciones de pastiche con músicos de jazz consagrados. En 1984 participó en El planeta está vivo, déjalo vivir, pieza sinfónica compuesta por Tito Fontana y Sante Palumbo sobre traducciones al italiano de poemas polacos de Karol Wojtyla, más conocido como el Papa Juan Pablo II. La grabación se realizó en Alemania con una traducción al inglés del escritor Gene Lees y fue lanzada por Lees en su etiqueta privada después de que la grabación fuera rechazada por las principales discográficas.

En 1985, Vaughan se volvió a conectar con su audiencia europea de larga data y en continuo crecimiento durante un concierto de celebración en el Teatro Chatelet de París. Lanzado póstumamente en el sello Justin Time, In the City of Lights es una grabación de dos discos del concierto, que cubre los aspectos más destacados de la carrera de Vaughan mientras captura a una amada cantante en el apogeo de sus poderes. Gracias en parte al apoyo telepático del pianista Frank Collett (quien responde a cada uno de sus desafíos y luego convence a ella de que haga lo mismo), Sarah repite 'If You Could See Me Now' de Tad Dameron. con un poder poco común, su flujo de aliento efectuando una conexión perfecta entre el coro y el puente. Para el Gershwin Medley, el baterista Harold Jones cambia sus escobillas por baquetas para igualar la energía y contundencia que no afloja hasta el último de muchos bises. El 16 de junio de 1985, Vaughan apareció en el Festival de Jazz de Playboy.

En 1986, Vaughan cantó "Happy Talk" y "Bali Ha'i" en el papel de Bloody Mary en una grabación de estudio de Kiri Te Kanawa y José Carreras de la partitura del musical de Broadway South Pacific, mientras estaba sentado en el suelo del estudio. El último álbum de Vaughan fue Brazilian Romance, producido por Sérgio Mendes con canciones de Milton Nascimento y Dori Caymmi. Fue grabado principalmente a principios de 1987 en Nueva York y Detroit. En 1988, contribuyó con la voz en un álbum de villancicos navideños grabado por el Mormon Tabernacle Choir con la Utah Symphony Orchestra y vendido en las tiendas Hallmark Cards. En 1989, Quincy Jones' el álbum Back on the Block incluyó a Vaughan en un breve dúo scatting con Ella Fitzgerald. Esta fue su última grabación de estudio. Fue su única grabación de estudio con Fitzgerald en una carrera que había comenzado 46 años antes como telonera de Fitzgerald en el Apollo.

El video Sarah Vaughan Live from Monterey fue grabado en 1983 o 1984 con su trío y solistas invitados. Sass and Brass se grabó en 1986 en Nueva Orleans con los invitados Dizzy Gillespie y Maynard Ferguson. Sarah Vaughan: The Divine One fue parte de la serie American Masters en PBS. También en 1986, el Día de la Independencia en un programa televisado a nivel nacional por PBS actuó con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Mstislav Rostropovich, en un popurrí de canciones compuestas por George Gershwin.

Muerte

En 1989, la salud de Vaughan comenzó a decaer, aunque rara vez revelaba indicios de esto en sus actuaciones. Canceló una serie de compromisos en Europa en 1989, citando la necesidad de buscar tratamiento para la artritis de la mano, aunque pudo completar una serie de actuaciones en Japón. Durante una presentación en el Blue Note Jazz Club de Nueva York en 1989, le diagnosticaron cáncer de pulmón y estaba demasiado enferma para terminar el último día de lo que sería su última serie de actuaciones públicas. Ella había sido una gran fumadora.

Vaughan regresó a su hogar en California para comenzar la quimioterapia y pasó sus últimos meses alternando estadías en el hospital y en el hogar. Se cansó de la lucha y exigió que la llevaran a casa, donde a la edad de 66 años murió la noche del 3 de abril de 1990, mientras miraba Laker Girls, una película para televisión con su hija.

Su funeral se llevó a cabo en la Iglesia Bautista Mount Zion en Newark, Nueva Jersey. Después de la ceremonia, un carruaje tirado por caballos transportó su cuerpo al cementerio de Glendale, Bloomfield.

Comentario vocal

Se han establecido paralelismos entre la voz de Vaughan y la de los cantantes de ópera. La cantante de jazz Betty Carter dijo que con el entrenamiento Vaughan podría haber 'llegado tan lejos como Leontyne Price'. Bob James, el director musical de Vaughan en la década de 1960, dijo que "el instrumento estaba ahí". Pero el conocimiento, la legitimidad de todo ese mundo no eran para ella... Pero si el aria estuviera en el rango de Sarah, podría aportarle algo que una cantante de formación clásica no podría."

En un capítulo dedicado a Vaughan en su libro Visions of Jazz (2000), el crítico Gary Giddins la describió como la "voz eterna del jazz moderno, de vertiginoso virtuosismo de posguerra, ingenio mordaz". e intrépido capricho". Concluyó diciendo que "No importa qué tan de cerca analicemos los detalles de su talento... inevitablemente debemos terminar contemplando en silencioso asombro el más fenomenal de sus atributos, el que recibió al nacer, la voz que sucede una vez en la vida, quizás una vez en varias vidas."

Su obituario en The New York Times la describió como una "cantante que aportó un esplendor operístico a sus interpretaciones de estándares populares y jazz". La cantante de jazz Mel Tormé dijo que tenía "el mejor instrumento vocal individual de cualquier cantante que trabaja en el campo popular". Su habilidad fue envidiada por Frank Sinatra, quien dijo: "Sassy es tan buena ahora que cuando la escucho quiero cortarme las venas con una navaja sin filo". El crítico del New York Times, John S. Wilson, dijo en 1957 que ella poseía 'lo que bien podría ser la mejor voz jamás aplicada al jazz'. Estuvo cerca de su apogeo hasta poco antes de su muerte a la edad de 66 años. Al final de su vida, conservó una "flexibilidad juvenil y un timbre notablemente delicioso" y era capaz de proyectar pasajes de coloratura descritos como "delicados y resonantemente altos".

Vaughan tenía un amplio rango vocal de soprano a través de un barítono femenino, cuerpo excepcional, volumen, una variedad de texturas vocales y un control vocal soberbio y muy personal. Su oído y sentido del tono eran casi perfectos y no hubo intervalos difíciles.

En sus últimos años, su voz se describió como una "contralto bruñida" y a medida que su voz se hizo más profunda con la edad, se describió que su registro más bajo tenía "matices de un barítono brusco a un contralto rico y jugoso". Su uso de su registro de contralto se comparó con "zambullirse en un pozo profundo y misterioso para recoger un tesoro de riquezas enterradas". El musicólogo Henry Pleasants señaló: "Vaughan, que canta con facilidad hasta un re bajo de contralto, asciende hasta un do alto [soprano] puro y preciso".

El vibrato de Vaughan se describió como "un adorno de tamaño, forma y duración excepcionalmente flexibles," un vibrato descrito como "voluptuoso" y "pesado" Vaughan fue consumada en su habilidad para "deshilacharse" o "doblar" notas en los extremos de su rango vocal. Se notó en una interpretación de 1972 de "¿Dónde está el amor?" de Lionel Bart. que "A mitad de la melodía, ella comenzó a torcer la canción, balanceándose desde los increíbles tonos de violonchelo de su registro inferior, hasta los tenues pianissimos de su parte superior."

Sostuvo un micrófono en una presentación en vivo y usó su ubicación como parte de su presentación. Sus ubicaciones del micrófono le permitieron complementar su volumen y textura vocal, a menudo sosteniendo el micrófono con el brazo extendido y moviéndolo para alterar su volumen.

Usaba con frecuencia la canción "Send in the Clowns" para demostrar sus habilidades vocales en presentaciones en vivo. La actuación se denominó "tour de force de tres octavas de pirotecnia semi-improvisada en la que los lados jazz, pop y operístico de su personalidad musical se unieron y encontraron expresión completa" por The New York Times.

Los cantantes influenciados por Vaughan incluyen a Phoebe Snow, Anita Baker, Sade y Rickie Lee Jones. Las cantantes Carmen McRae y Dianne Reeves grabaron álbumes tributo a Vaughan después de su muerte; Sarah: Dedicated to You (1991) y The Calling: Celebrating Sarah Vaughan (2001) respectivamente.

Aunque normalmente se la considera una cantante de jazz, Vaughan evitó clasificarse a sí misma como tal. Discutió el término en una entrevista de 1982 para Down Beat:

No sé por qué la gente me llama cantante de jazz, aunque supongo que la gente me asocia con el jazz porque me criaron, desde atrás. No voy a bajar el jazz, pero no soy cantante de jazz... He grabado todo tipo de música, pero (a ellos) o soy cantante de jazz o cantante de blues. No puedo cantar un blues – sólo un blues de derecha-out – pero puedo poner los blues en lo que canto. Podría cantar "Enviar en los payasos" y podría meter una pequeña parte azul en ella, o cualquier canción. Lo que quiero hacer, con música, es todo tipo de música que me gusta, y me gusta todo tipo de música.

Vida privada

Vaughan se casó tres veces: con George Treadwell (1946–1958), con Clyde Atkins (1958–1961) y con Waymon Reed (1978–1981). Incapaz de tener hijos, Vaughan adoptó a una niña (Debra Lois) en 1961. Debra trabajó en las décadas de 1980 y 1990 como actriz bajo el nombre de Paris Vaughan. Como resultado del matrimonio de su hija, Vaughan era la suegra de la ex estrella de la NHL Russ Courtnall.

En 1977, Vaughan terminó su relación personal y profesional con Marshall Fisher. Aunque en ocasiones se hace referencia a Fisher como el tercer marido de Vaughan, nunca se casaron legalmente. Vaughan comenzó una relación con Waymon Reed, un trompetista 16 años menor que ella que tocaba con la banda de Count Basie. Reed se unió a su trío de trabajo como director musical y trompetista y se convirtió en su tercer marido en 1978.

Era miembro de la hermandad de mujeres Zeta Phi Beta.

Premios y distinciones

El álbum Sarah Vaughan con Clifford Brown y el sencillo "If You Could See Me Now" fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Grammy, un premio establecido en 1973 para honrar las grabaciones que tienen al menos veinticinco años y tienen un "significado cualitativo o histórico". En 1985 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 1988 fue incluida en el Salón de la Fama del Jazz Americano.

En 1978, Berklee College of Music le otorgó un Doctorado Honoris Causa en Música.

En 2012, fue incluida en el Salón de la Fama de Nueva Jersey. En 2004-2006, New Jersey Transit rindió homenaje a Vaughan en el diseño de sus estaciones de tren ligero de Newark. Los pasajeros que se detengan en cualquier estación de esta línea pueden leer la letra de "Body and Soul" a lo largo del borde de la plataforma de la estación.

Recibió el premio George e Ira Gershwin a la trayectoria musical en el UCLA Spring Sing.

En 2003, San Francisco y Berkeley, California, proclamaron el 27 de marzo el Día de Sarah Lois Vaughan.

Discografía

Filmografía

• Disco Jockey (1951)
• Asesinato, Inc. (1960)
• Schlager-Raketen (1960)