Sandy Skoglund

Sandy Skoglund (nacida el 11 de septiembre de 1946) es una fotógrafa y artista de instalaciones estadounidense. Sus contribuciones a la fotografía han hecho avanzar el medio como una forma de arte conceptual. Es conocida por sus entornos intrincadamente diseñados, que utilizan técnicas pictóricas y escultóricas dentro de escenas escénicas y performativas. El crítico de fotografía Andy Grundberg señala que el trabajo de Skoglund contiene “todas las características de la nueva actitud hacia las fotografías: abrazan la artificialidad descarada; aluden y se basan en un “mundo de imágenes” de infinitas fotografías preexistentes, y reducen el mundo al estado de un set de filmación”.

El impacto de la yuxtaposición de aspectos comerciales, dramatización y elementos de arte conceptual de Skoglund es descrito por el curador Marvin Heiferman, quien explica que “la obra se calma y recuerda a los espectadores su pequeñez en un mundo grande y sobredeterminado donde la cultura de consumo, la naturaleza, la ciencia y sus giroscopios interiores regularmente se salen de control”.

Biografía

Skoglund nació en Weymouth, Massachusetts, el 11 de septiembre de 1946. Pasó su infancia por todo el país, incluidos los estados de Maine, Connecticut y California. Estudió historia del arte y arte de estudio en el Smith College de Northampton, Massachusetts, graduándose en 1968. En 1967, estudió historia del arte a través del programa de estudios en el extranjero de su universidad en la Sorbona y la École du Louvre en París, Francia. Después de graduarse en Smith, Skoglund enseñó arte en una escuela secundaria en Batavia, Illinois, durante un año antes de asistir a la escuela de posgrado en la Universidad de Iowa, donde estudió cine, arte multimedia y grabado. En 1971, obtuvo su Maestría en Artes y en 1972 una Maestría en Bellas Artes en pintura de Iowa. Skoglund fue profesora de arte en la Universidad de Hartford entre 1973 y 1976.

Skoglund ocupa un puesto docente en el Departamento de Artes, Cultura y Medios de Comunicación de la Universidad Rutgers–Newark en Newark, Nueva Jersey.

En 1972, Skoglund comenzó a trabajar como artista conceptual en la ciudad de Nueva York. Aprendió fotografía por su cuenta para documentar sus esfuerzos artísticos y experimentar con el tema de la repetición. También se interesó en la publicidad y la alta tecnología, tratando de replantear la estética de los medios de comunicación masivos con un propósito no comercial mediante la combinación del enfoque técnico que se encuentra en el mundo comercial y su aplicación en el estudio de bellas artes. En una entrevista con el curador Luca Panaro, comparte que "mezclar lo natural y lo artificial es lo que hago todos los días de mi vida, y espero no estar sola en este proceso".

Obras de arte, estilo y temas

Skoglund crea a menudo composiciones construyendo decorados o cuadros elaborados y embelleciéndolos con muebles y otros objetos de colores cuidadosamente seleccionados, así como con modelos vivos. Luego fotografía el decorado. Las obras se caracterizan por una formidable cantidad de un objeto en particular, trazos pictóricos y colores brillantes y contrastantes o una combinación de colores monocromática. Las obras de Skoglund son extravagantes e idiosincrásicas y, como describe el ex crítico de fotografía de The New York Times Andy Grundberg, "evocan miedos adultos en un contexto lúdico e infantil".

La comida y los animales son elementos comunes en la obra de Skoglund. Ella explica la importancia y el atractivo de las imágenes tanto de comida como de animales, afirmando que: “Pienso en la comida como un lenguaje universal. Todo el mundo come. Para la cámara, la comida tiene colores y texturas que se pueden manipular para lograr un efecto fabuloso. Me encanta el comportamiento infantil de esculpir y pintar con comida. La comida como material me permite explorar los límites entre la naturaleza y el artificio... En mis obras con animales, me gusta preguntar: ¿quién está mirando a quién? Estoy especialmente interesada en explorar la conciencia vista desde una perspectiva no humana. La vida animal ofrece a las personas un alivio de sí mismas”.

La instalación de Skoglund de 1992, The Cocktail Party y Raining Popcorn (2001) son indicativas de sus sentimientos sobre el uso de la comida como materia prima artística. Cada una emplea de manera lúdica una gran cantidad de bocadillos populares para crear escenas fantásticas que también abordan la cultura y la historia populares. En The Cocktail Party, Cheez Doodles conservados en resina epoxi se adhieren a modelos humanos y objetos inanimados de la sala de estar para crear superficies con texturas ricas y una paleta de color predominantemente naranja, pero con franjas de violeta para crear una relación de colores complementaria. La pieza es un comentario ingenioso sobre la naturaleza artificial de ciertas reuniones sociales.

Raining Popcorn (2001) se basa en la experiencia de Skoglund viviendo en Iowa, como estudiante de la Universidad de Iowa, donde fue testigo de campos de maíz aparentemente interminables. La obra fue encargada por el Grinnell College of Art en 2001 y estuvo en exhibición en el museo de arte de la escuela desde el 1 de junio hasta el 16 de septiembre de 2001. Representa una composición de bosque donde los modelos vivos y el entorno circundante están envueltos en palomitas de maíz blancas con almidón. Skoglund investigó la historia de las palomitas de maíz en las Américas desde su uso indígena y colonial en celebraciones y rituales, hasta su asociación más reciente como un refrigerio de ocio y entretenimiento. La composición resultante es indicativa de la complicada relación del maíz con la historia y la progresión de la cultura estadounidense.

La utilización de técnicas repetitivas y orientadas al proceso comenzó en los inicios de la carrera de Skoglund. Su composición de 1973 Crumpled and Copied se manifestaba arrugando y fotocopiando repetidamente un trozo de papel. The Holes in a Saltine Cracker (1974) retrata cómo la repetición autorregulada influye en el valor estético de un objeto. Al fotografiar una sola galleta salada y luego reproducir esa imagen 77 veces, se obtuvo una composición que se volvió abstracta y oscura de acuerdo con los sutiles cambios mecánicos derivados del proceso de fotocopiado.

En 1978, Skoglund amplió este tema con la producción de una serie de imágenes repetitivas de naturaleza muerta con alimentos. Estas fotografías de alimentos se presentaron en entornos geométricos y de colores brillantes, de modo que la comida se convierte en una parte integral del diseño general, como en Cubed Carrots and Kernels of Corn (1978), con su tablero de ajedrez de zanahorias sobre un plato rojo con manchas blancas colocado sobre un paño con el mismo diseño.

Una de las obras más conocidas de Skoglund, titulada Radioactive Cats (1980), presenta gatos de arcilla de tamaño natural, pintados de verde brillante, que corren frenéticamente en una cocina gris. Un hombre mayor se sienta en una silla de espaldas a la cámara mientras su esposa, también mayor, mira dentro de un refrigerador del mismo color que las paredes. Los gatos fueron esculpidos con alambre de gallinero y yeso. La cocina está amueblada con muebles usados que Skoglund adquirió, y el hombre y la mujer que Skoglund usó como modelos eran sus vecinos en ese momento. El producto final es una fotografía muy evocadora. En un foro en línea de 2013 del Centro Getty para la Educación en las Artes, Terry Barrett y Sydney Walker identificaron dos interpretaciones viables de Radioactive Cats. La primera trata sobre la indiferencia social hacia los ancianos y la segunda sobre la guerra nuclear y sus consecuencias, sugerida por el título del artista.

Su obra de arte de 1989, Fox Games, tiene un aire imaginativo similar al de Radioactive Cats. La composición imagina una escena de restaurante donde las mesas, las sillas, las ventanas, la lámpara de araña y los alimentos están pintados en escala de grises. En la esquina trasera del comedor, un camarero atiende a dos personas, mientras se representan zorros rojos brillantes que se mueven juguetonamente por la habitación.

Otra composición muy conocida de Skoglund es un arreglo fantástico que presenta numerosos peces de colores flotando sobre dos personas en la cama a altas horas de la noche, llamado Revenge of the Goldfish (1981). La obra de arte se utilizó como portada del álbum Inspiral Carpets de 1992, también titulado Revenge of the Goldfish. Revenge of the Goldfish utiliza una variedad de elementos de arte y diseño, incluida la yuxtaposición de colores complementarios, escala y equilibrio. Todos estos aspectos contribuyen al efecto dramático de la obra de arte. El fondo consiste en un azul profundo monocromático, que recuerda tanto a la noche como al océano. Este azul contrasta con peces de colores de color naranja brillante que flotan en la habitación. Skoglund dispuso los modelos humanos desde un punto de vista que hace que sus identidades sean ambiguas para el espectador.

En 1985, Skoglund completó una serie titulada "True Fiction One". El proceso de creación de la serie incorporó la técnica del fotomontaje. Skoglund comenzó tomando fotografías espontáneas de escenas callejeras y domésticas en blanco y negro, a las que luego les agregó color en el cuarto oscuro. Luego, recortó y pegó fragmentos de las fotografías en composiciones de collage y las volvió a fotografiar con una cámara de gran formato de 8 x 10. En 2005, revisó la serie, esta vez utilizando herramientas digitales como Photoshop para alterar las imágenes. La serie renovada de composiciones se llama "True Fiction Two".

En 2002, Skoglund diseñó el baño masculino del Museo de Arte del Smith College, como una instalación llamada Orígenes líquidos, sueños fluidos. Para este entorno único, creó y dispuso motivos simbólicos sobre baldosas de cerámica basados en la mitología y el folclore.

En 2008, Skoglund comenzó una serie de obras de arte con temática de la naturaleza, titulada “El proyecto de las cuatro estaciones”. La serie incluye Fresh Hybrid y Winter. Fresh Hybrid (2008) es un paisaje artificial, donde los materiales orgánicos como las briznas de hierba y la corteza se sustituyen por limpiapipas y fibras de lana. La creación de Winter comenzó a través del proceso familiar de instalación y fotografía, pero Skoglund finalmente decidió crear una obra que fuera completamente renderizada digitalmente. Ella señala que: “Con el tema del invierno, imaginé copos de nieve. Inicialmente, los hice de arcilla, porque tengo experiencia con la cerámica y me gustaba la idea de la fragilidad. Trabajé durante dos años en ellos y luego los odié. Experimenté con materiales. Al final los corté digitalmente. En cierto sentido, Winter es una obra completamente digital, pero al mismo tiempo existe físicamente”.

En 2015, la galería Ryan Lee de la ciudad de Nueva York presentó una instalación en una ventana de la obra de Skoglund de 1979, Hangers. La obra se exhibió inicialmente en la galería Castelli. La composición de un hombre con pijama amarillo que entra en un entorno onírico con patitos de goma, sillas de plástico y perchas de plástico azules dispuestas sobre una pared amarilla, fue creada dentro de su antiguo estudio en un edificio de apartamentos en Elizabeth Street, en el bajo Manhattan. Skoglund recreó la obra como una instalación específica para el sitio que se exhibía de manera destacada para cualquiera que caminara por High Line, que está adyacente a la ventana de la galería Ryan Lee. Todos los sábados durante la exhibición de la instalación, un artista deambulaba por el espacio.

Colecciones y exposiciones

La venganza del pez dorado se presentó en la Bienal Whitney de 1981 y también se exhibió en el Museo de Arte de Saint Louis en 1981. Varias instituciones, incluido el Museo de Arte del Smith College, que también posee la instalación original, han exhibido y recopilado fotografías de la obra de arte.

En 2000, la Galerie Guy Bärtschi de Ginebra, Suiza, organizó una exposición de 30 obras de Skoglund. Las fotografías abarcaban desde su serie de platos sobre manteles de finales de los años setenta hasta obras de los años ochenta y noventa. Un crítico que reseñó la exposición, Richard Leydier, comentó que la crítica a Skoglund está plagada de interpretaciones de todo tipo, ya sean feministas, sociológicas, psicoanalíticas o de cualquier otro tipo. Skoglund ha sido indiferente a la forma en que se lee su obra, aunque ha sido franca sobre la intención detrás de su trabajo, diciendo: "¿Cuál es el significado de mi trabajo? Para mí, realmente está en hacerlo".

En 2019 se expuso otra retrospectiva de la obra de Skoglund en el Centro Italiano per la Fotografia de Turín, Italia. El título de la exposición era Sandy Skoglund: Visioni Ibride, que se traduce como Visiones híbridas, una referencia simbólica a su fusión de diversos medios e imágenes. La exposición fue comisariada por Germano Celant, quien también publicó una monografía completa sobre la obra de Skoglund desde la década de 1970 hasta la actualidad (2019).

Las obras de Skoglund se encuentran en numerosas colecciones de museos, entre ellos el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Brooklyn, el Museo de Arte de Denver, el Museo de Fotografía Contemporánea, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo de Arte Montclair, el Museo de Arte Nelson-Atkins, el Museo de Arte McNay, el Museo de Arte de San Luis, el High Museum of Art, el Museo Getty, el Colleges and Historic Deerfield Museum Consortium, el Smith College, el Museo de Arte del Grinnell College y el Dayton Art Institute.