Salón de los rechazos

El Palacio de la Industria, donde tuvo lugar el evento. Foto de Édouard Baldus.

El Salon des Refusés, francés para "exhibición de rechazos" (Pronunciación en francés: [salɔ̃ dɜ ʁəfyze]), se conoce generalmente como una exposición de obras rechazadas por el jurado del Salón oficial de París, pero el término se utiliza sobre todo para referirse al Salon des Refusés de 1863.

Hoy, por extensión, salon des refusés se refiere a cualquier exposición de obras rechazadas de una muestra de arte con jurado.

Antecedentes del Salón de 1863

El Salón de París, patrocinado por el gobierno francés y la Academia de Bellas Artes, se realizaba anualmente y era una muestra del mejor arte académico. Una medalla del Salón era garantía de una exitosa carrera artística; Los ganadores recibieron encargos oficiales del gobierno francés y fueron buscados para retratos y encargos privados. Desde el siglo XVIII, las pinturas se clasificaron por género, siguiendo una jerarquía específica; Las pinturas de historia ocuparon el primer lugar, seguidas del retrato, el paisaje, la "escena de género" y la naturaleza muerta. El jurado, encabezado por el conde de Nieuwerkerke, director de la Academia de Bellas Artes, fue muy conservador; Se esperaba un realismo casi fotográfico pero idealizado.

Muchas intrigas a menudo lograron la aceptación y un buen lugar en las galerías. En 1851, Gustave Courbet logró que un cuadro entrara en el Salón, Enterrement à Ornans, y en 1852 se aceptaron sus Baigneuses, escandalizando a la crítica y al público, que esperaban desnudos románticos en escenarios clásicos, pero en 1855 el Salón rechazó todo Courbet&# 39;s pinturas. Ya en la década de 1830, las galerías de arte de París organizaban exposiciones privadas a pequeña escala de obras rechazadas por los jurados del Salón. Courbet se vio obligado a organizar su propia exposición, llamada El pabellón del realismo, en una galería privada. Las exhibiciones privadas atrajeron mucho menos la atención de la prensa y los patrocinadores, y limitaron el acceso de los artistas a un público pequeño.

En 1863, el jurado del Salón rechazó dos tercios de las pinturas presentadas, incluidas las obras de Gustave Courbet, Édouard Manet, Camille Pissarro, Antoine Chintreuil y Johan Jongkind. Los artistas rechazados y sus amigos protestaron, y las protestas llegaron hasta el emperador Napoleón III. Los gustos artísticos del Emperador eran tradicionales; encargó y compró obras de artistas como Alexandre Cabanel y Franz Xaver Winterhalter, pero también fue sensible a la opinión pública. Su oficina emitió un comunicado: "Numerosas quejas han llegado al Emperador sobre el tema de las obras de arte que fueron rechazadas por el jurado de la Exposición. Su Majestad, deseando dejar que el público juzgue la legitimidad de estas quejas, ha decidido que las obras de arte que fueron rechazadas se muestren en otra parte del Palacio de la Industria."

Más de mil visitantes al día visitaron el Salon des Refusés. El periodista Émile Zola relató que los visitantes empujaban para entrar a las abarrotadas galerías donde estaban colgados los cuadros rechazados, y las salas se llenaban de las risas de los espectadores. Los críticos y el público ridiculizaron los rechazados, que incluían pinturas ahora famosas como Déjeuner sur l'herbe de Édouard Manet y James McNeill Whistler' s Sinfonía en blanco, n.° 1: La niña blanca. Pero la atención crítica también legitimó la emergente vanguardia en pintura.

Los impresionistas exhibieron con éxito sus obras fuera del Salón tradicional a partir de 1874. Los Salones des Refusés posteriores se montaron en París en 1874, 1875 y 1886, momento en el que la popularidad del Salón de París había disminuido para aquellos que estaban más interesados. en el impresionismo.

Obras en la exposición

Le déjeuner sur l'herbe

Rechazado por el jurado del Salón de 1863, Manet aprovechó la oportunidad para exhibir Déjeuner sur l'herbe y otras dos pinturas en el Salón des Refusés de 1863. Déjeuner sur l'herbe representa la yuxtaposición de un desnudo femenino y una bañista con poca ropa en el fondo, en un picnic con dos hombres completamente vestidos en un entorno rural. La pintura despertó notoriedad pública y suscitó controversia y sigue siendo controvertida, incluso hasta el día de hoy. Hay una discusión al respecto, desde este punto de vista, en la Remembranza de cosas pasadas de Proust.

Una interpretación de la obra es que representa la prostitución desenfrenada en el Bois de Boulogne, un gran parque en las afueras del oeste de París, en ese momento. Esta prostitución era de conocimiento común en París, pero se consideraba un tema tabú inadecuado para una pintura.

Émile Zola comenta sobre Déjeuner sur l'herbe:

El Luncheon en el Grass es la obra más grande de Édouard Manet, en la que realiza el sueño de todos los pintores: colocar figuras de grandeza natural en un paisaje. Sabemos el poder con el que ha vencido esta dificultad. Hay algunas hojas, algunos troncos de árboles, y, en el fondo, un río en el que se baña una mujer que calienta la cereza; en primer plano, dos jóvenes están sentados frente a una segunda mujer que acaba de salir del agua y que seca su piel desnuda en el aire abierto. Esta mujer desnuda ha escandalizado al público, que sólo la ve en el lienzo. ¡Dios mío! ¡Qué indecencia: una mujer sin la menor cobertura entre dos hombres vestidos! Eso nunca ha sido visto. Y esta creencia es un grave error, porque en el Louvre hay más de cincuenta pinturas en las que se encuentran mezclas de personas vestidas y desnudas. Pero nadie va al Louvre para ser escandalizado. La multitud se ha mantenido más allá de juzgar El Luncheon en el Grass como una verdadera obra de arte debe ser juzgada; ellos ven en ella sólo algunas personas que están teniendo un picnic, terminando el baño, y ellos creían que el artista había colocado una intención obscena en la disposición del sujeto, mientras que el artista simplemente había procurado obtener oposición vibrante y un público directo. Los pintores, especialmente Édouard Manet, que es un pintor analítico, no tienen esta preocupación con el tema que atormenta sobre todo a la multitud; el sujeto, para ellos, es simplemente un pretexto para pintar, mientras que para la multitud, el sujeto solo existe. Así, seguramente, la mujer desnuda de El Luncheon en el Grass es sólo allí para proporcionar al artista la ocasión de pintar un poco de carne. Lo que debe ser visto en la pintura no es un almuerzo en la hierba; es todo el paisaje, con sus vigores y sus finuras, con sus primer plano tan grande, tan sólido, y sus antecedentes de una ligera delicadeza; es esta carne modelada firme bajo grandes manchas de luz, estos tejidos suplementarios y fuertes, y en particular esta deliciosa silueta de una mujer que lleva un fondo adorable que dau Es, en definitiva, este vasto conjunto, lleno de atmósfera, este rincón de la naturaleza rendido con una sencillez tan justa, toda esta admirable página en la que un artista ha colocado todos los elementos particulares y raros que están en él.

Émile Zola incorporó un relato ficticio del escándalo de 1863 en su novela L'Œuvre (La obra maestra) (1886).

Sinfonía en Blanco nº 1

En 1861, después de regresar a París por un tiempo, James Abbott McNeill Whistler pintó su primera obra famosa, Sinfonía en blanco, n.° 1: La chica blanca. Este retrato de su amante y directora comercial, Joanna Hiffernan, se creó como un simple estudio en blanco; sin embargo, otros lo vieron diferente. El crítico Jules-Antoine Castagnary pensó que la pintura era una alegoría de la inocencia perdida de una nueva novia. Otros lo relacionaron con La mujer de blanco de Wilkie Collins, una novela popular de la época, o con otras fuentes literarias. En Inglaterra, algunos lo consideraron una pintura a la manera prerrafaelita. En la pintura, Hiffernan sostiene un lirio en su mano izquierda y se para sobre una alfombra de piel de lobo (algunos interpretan que representa la masculinidad y la lujuria) con la cabeza del lobo mirando amenazadoramente al espectador.

En contra de las críticas de los tradicionalistas, los partidarios de Whistler insistieron en que la pintura era "una aparición con un contenido espiritual" y que resumía su teoría de que el arte debería preocuparse esencialmente por la disposición de los colores en armonía, no por una representación literal del mundo natural.

Whistler comenzó a trabajar en The White Girl poco después del 3 de diciembre de 1861, con la intención de presentarla en la prestigiosa exposición anual de la Royal Academy. A pesar de los episodios de enfermedad, terminó la pintura en abril. La pintura blanca que usó Whistler contenía plomo, y su trabajo en el lienzo de dos metros de alto le había dado al artista una dosis de envenenamiento por plomo. El retrato fue rechazado para exhibición en la conservadora Royal Academy de Londres. Whistler luego presentó la pintura al Salón de París de 1863, donde también fue rechazada. El público pudo ver el cuadro expuesto junto a otras obras rechazadas, en el Salon des Refusés. El Salon des Refusés fue un evento sancionado por el emperador Napoleón III, para apaciguar a la gran cantidad de artistas que se unieron para protestar por las duras decisiones del jurado en 1863. De las más de 5.000 pinturas presentadas en 1863, 2.217 fueron rechazadas.

En una carta a George du Maurier a principios de 1862, Whistler escribió sobre la pintura:

... una mujer en un hermoso vestido de cambric blanco, de pie contra una ventana que filtra la luz a través de una cortina transparente de muslo blanco – pero la figura recibe una luz fuerte de la derecha y por lo tanto la imagen, barriendo el pelo rojo, es una hermosa masa de blanco brillante.

Whistler envió la pintura a la Academia, pero según Joanna Hiffernan, esperaba que fuera rechazada. El año anterior, en 1861, otro cuadro había provocado un pequeño escándalo. The Shrew Tamed de Edwin Henry Landseer mostraba un caballo con una mujer descansando en el suelo cerca. La modelo fue nombrada como Ann Gilbert, una destacada jinete de la época, sin embargo, pronto se rumoreó que en realidad era Catherine Walters, la notoria cortesana de Londres. La pintura de Whistler recordaba tanto a la de Landseer que los jueces desconfiaron de admitirlo. White Girl se envió a la Academia junto con tres aguafuertes, los tres fueron aceptados, mientras que la pintura no. Whistler lo exhibió en la pequeña Berners Street Gallery de Londres. Al año siguiente, Whistler intentó exhibir la pintura en el Salon de París, la exposición de arte oficial de la Académie des Beaux-Arts, pero también fue rechazada allí. En cambio, fue aceptado en el Salon des Refusés alternativo: la "exposición de rechazos" que abrió el 15 de mayo, dos semanas después del Salón oficial.

Aunque la pintura de Whistler fue ampliamente notada, fue eclipsada por la pintura más impactante de Manet Le déjeuner sur l'herbe. La controversia en torno a las pinturas se describe en la novela L'Œuvre de Émile Zola (1886). Sin embargo, la acogida que recibió la pintura de Whistler fue en su mayoría favorable y lo reivindicó en gran medida después del rechazo que había experimentado tanto en Londres como en París. La pintura fue muy admirada por sus colegas y amigos Manet, el pintor Gustave Courbet y el poeta Charles Baudelaire. El crítico de arte Théophile Thoré-Bürger lo vio en la tradición de Goya y Velázquez. Sin embargo, hubo quienes fueron menos favorables; ciertos críticos franceses vieron la tendencia prerrafaelita inglesa como algo excéntrica.

Legado

El historiador de arte Albert Boime escribió: "El Salon des Refusés introdujo el concepto democrático de un sistema multiestilo (muy parecido a un sistema multipartidista) sujeto a la revisión del jurado general del público.&# 34;