Sacabuche

Izquierda a la derecha: réplica alto, tenor y bajo sacobuts, en Museu de la Música de Barcelona.

Cuatro sacos: dos tenores, izquierda y media; alto, arriba; bajo, derecho.

El término saco se refiere a las primeras formas del trombón comúnmente utilizadas durante las épocas del Renacimiento y el Barroco. Un sackbut tiene el deslizamiento telescópico característico de un trombón, que se usa para variar la longitud del tubo para cambiar el tono, pero se distingue de los trombones posteriores por su diámetro interior más pequeño y de proporciones más cilíndricas y su campana menos ensanchada. A diferencia de la trompeta deslizante anterior de la que evolucionó, el sackbut posee una diapositiva en forma de U con dos tubos deslizantes paralelos, en lugar de solo uno.

Los registros del término trombón son dos décadas anteriores al término saco, y la evidencia del término alemán Posaune es aún más antigua. Sackbut, originalmente un término francés, se usó en Inglaterra hasta que el instrumento cayó en desuso en el siglo XVIII; cuando regresó, el término italiano trombón se volvió dominante. En inglés moderno, un trombón antiguo o una réplica se llama sackbut.

La sección de la campana era más resonante, ya que no contenía la corredera de afinación y estaba flojamente sujeta en lugar de firmemente sujeta a sí misma. Este rasgo y su calibre y campana más pequeños producen un "sonido mezclado y cubierto que fue un timbre particularmente efectivo para trabajar con voces,... zincks y cromhorns", como en una alta cappella.

El instrumento revivido había cambiado de formas específicas. A mediados del siglo XVIII, la campana aumentó, los ladrones dejaron de usarse y los tirantes planos y removibles fueron reemplazados por tirantes tubulares. La nueva forma produjo un sonido más fuerte, adecuado para actuaciones al aire libre en las bandas de música donde los trombones volvieron a ser populares en el siglo XIX. Antes de principios del siglo XIX, la mayoría de los trombones ajustaban la afinación con una curva en la unión entre la campana y la corredera o, más raramente, entre la boquilla y la corredera, en lugar de la moderna corredera de afinación en la curva de la campana, cuyas secciones cilíndricas impiden que el instrumento se ensanche suavemente a través de esta sección. Los trombones más antiguos generalmente no tienen llaves de agua, medias, un tudel o un bloqueo deslizante, pero como estas partes no son críticas para el sonido, las réplicas pueden incluirlas. El tamaño del orificio se mantuvo variable, como todavía lo es hoy.

Historia terminológica

La primera referencia a un instrumento de diapositivas probablemente fue trompette des ménestrels, encontrada por primera vez en Borgoña en la década de 1420 y luego en otras regiones de Europa. El nombre distinguía al instrumento de las trompettes de guerre (trompetas de guerra), que tenían una longitud fija.

"Busaun" (trombone) y varias trompetas por diferentes nombres, del tratado de 1511 de Sebastian Virdung.

La siguiente palabra que apareció en el siglo XV que implicaba un deslizamiento fue el grupo de palabras sackbutt. Hay dos teorías para las fuentes: se deriva del francés medio sacquer (tirar) y bouter (empujar) o del español sacar (dibujar o tirar) y bucha (un tubo o tubería). El término sobrevive en numerosas variaciones ortográficas en inglés, que incluyen sacbutt, sackbutte, sagbut, shagbolt, sacabushe, shakbusse y shakbusshe.

Estrechamente relacionado con sackbutt estaba el nombre utilizado en Francia: sacqueboute y en España, donde era sacabuche. Estos términos se utilizaron en Inglaterra y Francia hasta el siglo XVIII.

En Escocia, en 1538, el instrumento deslizante se conoce como trompeta draucht (trompeta dibujada) en oposición a una trompeta weir (trompeta de guerra), que tenía una longitud fija.

En Alemania, la palabra original era Posaune, que apareció alrededor de 1450 y todavía se usa en la actualidad. Esto (así como bason) deriva de busine, que es latín y significa trompeta recta.

En Italia era (y sigue siendo) trombón, que deriva de trompeta en el latín tromba o drompten, usado en los Países Bajos. Los primeros registros de su uso son alrededor de 1440, pero no está claro si se trataba solo de un apodo para un trompetista. En 1487, un escritor vincula las palabras trompone y sacqueboute y menciona que el instrumento tocaba el papel de contratenor en una banda de baile.

Historia

Sackbut en un fresco de Filippino Lippi en Roma, La Asunción de la Virgen, que data de 1488 a 1493. Esta es la primera evidencia clara de un instrumento de doble deslizamiento.

El trombón se desarrolló a partir de la trompeta. Hasta 1375, las trompetas eran simplemente un tubo largo y recto con una campana acampanada.

Hay varios usos de palabras similares a saco en la Biblia, lo que ha llevado a una traducción defectuosa de la biblia latina que sugiere que los trombones se remontan al año 600 a. C., pero no hay evidencia de diapositivas en este momento.

A partir de 1375, la iconografía muestra trompetas hechas con curvas, y algunas en 'S' formas Alrededor de 1400, vemos aparecer la trompeta en forma de "bucle" en las pinturas y, en algún momento del siglo XV, se agregó un tobogán de un solo tubo. Esta trompeta deslizante se conocía como "trompette des ménestrels" en las bandas de alta capella.

La evidencia clara más antigua de un tobogán en forma de U que se mueve sobre dos cámaras de aire se encuentra en un fresco de Filippino Lippi en Roma, La Asunción de la Virgen, que data de 1488 a 1493.

Desde los siglos XV al XIX, los diseños de los instrumentos cambiaron muy poco en general, aparte de una ligera ampliación de la campana en la época clásica. Desde el siglo XIX, los tamaños de ánima y campanas de trombón han aumentado significativamente.

Fue uno de los instrumentos más importantes de la policoral barroca, junto con la corneta y el órgano.

Tamaños de instrumentos

Trombones en Syntagma Musicum (1614-20), de Michael Praetorius.

Los Sackbuts vienen en varios tamaños. Según Michael Praetorius, estos fueron:

Bass sackbut en G por Pierre Colbert, 1593. Rijksmuseum, Amsterdam

El tono de los trombones ha subido (teóricamente) un semitono desde el siglo XVII, y esto se explica en la sección sobre el tono.

Debido a que el instrumento tenor se describe como "Gemeine" (común u ordinario), este es probablemente el trombón más utilizado. Los bajos, debido a sus correderas más largas, tienen un asa articulada en el soporte de la corredera, que se utiliza para alcanzar las posiciones largas.

Contrabass sacobut en B becer por Georg Nikolaus Öller, 1639, Estocolmo. Museo Sueco de Artes Escénicas.

Un sacobut contrabajo gigante conocido como Octav-Posaun (lit. 'trombón de octava') era conocido en el siglo XVI y principios del XVII siglos, y está representado por sólo unos pocos instrumentos existentes. Un instrumento original sobreviviente en B ♭, una octava por debajo del tenor, construido en 1639 por Georg Nicolaus Öller en Estocolmo, se encuentra en el Scenkonstmuseet. Además, Ewald Meinl ha hecho una copia moderna de este instrumento, y actualmente es propiedad de Wim Becu y lo toca.

Construcción

El diámetro interior de los trombones renacentistas/barrocos es de aproximadamente 10 mm (0,39 pulgadas) y la campana rara vez supera los 10,5 cm (4,1 pulgadas) de diámetro. Esto se compara con los trombones tenor modernos, que comúnmente tienen calibres de 12,7 mm (0,50 pulgadas) a 13,9 mm (0,55 pulgadas) y campanas de 17,8 cm (7,0 pulgadas) a 21,6 cm (8,5 pulgadas).

Las reproducciones modernas de sacos sacrifican algo de autenticidad para aprovechar las técnicas de fabricación y los inventos que los hacen más cómodos para los músicos modernos, al tiempo que conservan gran parte del carácter original de los instrumentos antiguos.

Marin Mersenne, L'Harmonie Universelle (1636).

Algunos instrumentos originales se podían desmontar en los tubos rectos, tubos arqueados, campanas acampanadas y soportes constituyentes, con férulas en las articulaciones. Mersenne tiene un diagrama. (Se necesita un poco de imaginación para ver cómo podría volver a ensamblarse, con un tubo adicional, en algo parecido a una trompeta natural). Existe un debate sobre si usaron accesorios ajustados, cera u otra sustancia de unión. Las reproducciones modernas de saco pero generalmente se sueldan juntas. Algunas reproducciones modernas de saco pero usan pegamento como compromiso para dar un ajuste holgado para una alta resonancia sin riesgo de desmoronarse.

Las diapositivas de afinación aparecieron a finales del siglo XVIII. Los primeros trombonistas ajustaban el tono con la corredera y agregando ladrones de varias formas y tamaños. Las reproducciones modernas a menudo tienen una corredera de afinación de arco de campana o una corredera telescópica entre las secciones de corredera y campana. Todavía se utilizan ladrones, al igual que secciones de arco de campana de varios tamaños para cambios más grandes.

Las estancias en sacos de época son planas. Mientras que el soporte de la campana permaneció plano, desde aproximadamente 1660 los soportes deslizantes se volvieron tubulares. En muchas reproducciones modernas, los soportes de tobogán redondos son mucho más cómodos de jugar y más fáciles de hacer.

Se considera que una conexión floja entre el soporte de la campana y la campana es clave para una campana resonante y, por lo tanto, para un mejor sonido de saco. Los instrumentos originales tienen una articulación de bisagra (una conexión más floja ayudó a deslizar las diapositivas imperfectas). Las copias modernas con una corredera de afinación en la campana pueden necesitar más soporte para el funcionamiento de la corredera, por lo que se proporciona un soporte adicional en la corredera de afinación o se emplea una articulación sin juego en un solo eje.

La forma original de hacer los tubos deslizantes era enrollar una pieza plana de metal alrededor de un mandril de cilindro sólido y soldar los bordes de unión. Los fabricantes modernos ahora dibujan los tubos. También tienden a tener medias, que solo se inventaron alrededor de 1850. Además, los toboganes de fabricación moderna generalmente están hechos de alpaca con revestimiento de cromo, lo que brinda un acabado más suave y una acción más silenciosa que simplemente el latón que se habría utilizado originalmente.

La llave de agua se añadió en el siglo XIX, pero las reproducciones modernas suelen tenerla.

Presentación

Hasta algún momento del siglo XVIII, el trombón estaba en A y el tono de ese A era aproximadamente medio paso más alto de lo que es hoy: 460-480 Hz. Hubo una transición alrededor del siglo XVIII cuando se empezó a pensar en los trombones en B♭ a unos 440 Hz. Este cambio no requirió un cambio en el instrumento, simplemente un nuevo conjunto de posiciones de deslizamiento para cada nota. Pero sí significa que el repertorio barroco y renacentista estaba destinado a ser interpretado en un tono más alto. Hay muchos ejemplos de evidencia para esto:

• Instrumentos de iglesia que son de campo fijo -cornetts y órganos - fueron lanzados en aproximadamente A=460-480 Hz ("Chorton") en toda Europa en las épocas renacentista y barroca. También se observa un alto tono en bandas renacentistas.

El tratado de Virgiliano Il Dolcimeo c. 1600).

• Aurelio Virgiliano Il dolcimelo (c. 1600) enseña trombonistas que la primera posición da A, E, A, C, E y G.
• En 1687, Daniel Speer's Grund-richtiger concuerda con estas notas para la diapositiva todo el camino (mientras describiendo empujando la diapositiva un poco para conseguir la C).
• Praetorius describe un alto en D, tenor en A, y bajo en D.

Los trombones tenor que sobreviven tienen el tono más cercano a B♭ a A=440 Hz, que es lo mismo que A a A=466 Hz. Entonces, lo que ahora consideramos como un trombón tenor con B♭ en primera posición, afinado en A=440 en realidad se pensó como un trombón en A (en primera posición), afinado en A=466. Bajos supervivientes en D en A=466 (E♭ en 440), por ejemplo: Ehe, 1612 (Leipzig) y Hainlein, c.1630 (Nuremberg) confirman que Praetorius' descripción. También vale la pena señalar que "Suzanne ung jour" de Rognoni la configuración desciende repetidamente a BB♭, que es un tono más bajo que la nota más baja que se puede tocar en un bajo en F; en un bajo en D, cae en la quinta posición (moderna).

Muchos grupos ahora actúan a A=466 Hz en aras de una mayor precisión histórica.

Timbre

Una espera re-creada, un conjunto de instrumentos fuertes adecuados para jugar al aire libre. Centro, un saco.

El sackbut se describió como adecuado para jugar con el sonido 'ruidoso' conjuntos al aire libre, así como el 'suave' conjuntos en el interior.

Las bandas de alta capella se ven en los dibujos como entretenimiento al aire libre con conjuntos que incluyen chirimías, trompetas y trombones. Cuando se empujan, los sacos pueden hacer fácilmente un sonido fuerte y metálico.

El sacabuche también responde muy bien a una interpretación bastante suave, más que un trombón moderno. El sonido se caracteriza por un timbre vocal más delicado. Los bordes planos y las copas poco profundas de las boquillas más antiguas son fundamentales para proporcionar al músico una paleta mucho más amplia de articulaciones y colores tonales. Esta flexibilidad se presta a un estilo de interpretación vocal y facilita un fraseo con mucho carácter.

Mersenne escribió en 1636: "Debe ser tocado por un músico hábil para que no imite los sonidos de la trompeta, sino que se asemeje a la dulzura de la voz humana, para que no emita un sonido bélico. en lugar de un sonido pacífico."

Se dice que Lorenzo da Lucca tenía "al tocar cierta gracia y ligereza con una forma tan agradable".

Práctica de interpretación

En las tradiciones musicales que continuaron en el barroco desde prácticas anteriores, se esperaba que los músicos expresaran la música escrita ornamentándola con una mezcla de "gracias" y todo el pasaje "divisiones" (también conocido como "disminuciones"). Las sugerencias para producir adornos efectivos sin alterar la línea y la armonía se discuten junto con innumerables ejemplos en los tutores de división italianos del siglo XVI y principios del XVII. Las gracias como el acento, el portar della voce, el trémolo, el gruppo, el trillo, la esclamación y la entonación deben ser consideradas por los intérpretes de cualquier música en este período.

"Cornetts y trombones... tocan divisiones que no son rudimentarias, ni tan salvajes ni complicadas como para estropear la melodía subyacente y el diseño del compositor: pero se presentan en esos momentos y con tanta vivacidad y encanto que dan a la música la mayor belleza y espíritu" Bottrigari, Venecia 1594

Junto con la improvisación, muchos de estos tutores discuten la articulación. Francesco Rognoni en 1620 describe la lengua como la parte más importante para producir "un efecto bueno y hermoso al tocar instrumentos de viento, y principalmente la corneta" (que por supuesto tenía un papel muy similar al del trombón). Los tratados discuten las diversas fuerzas de las consonantes de "le" a través de "de" a "te". Pero el enfoque del texto es para tocar notas rápidas "similar al gorgia de la voz humana" con "suave y suave" lengua doble ("lingua riversa") usando "le re le re". Esto se opone al uso de "te che te che", que se describe como "duro, bárbaro y desagradable". El 'maridaje' natural de notas que proporcionan estas articulaciones es similar a las instrucciones para los músicos de cuerda a los que se les indica ligar ("lireggiar") pares de corcheas con un golpe de arco por cuarto de tiempo.

Otra parte integral del mundo sonoro de la música antigua es el temperamento musical. La música en la Edad Media favorece los intervalos de cuarta y quinta, razón por la cual se utilizó la afinación pitagórica. El intervalo de tercera se usó como choque hasta el Renacimiento, cuando se convirtió en consonante en las composiciones, lo que fue de la mano con el uso generalizado del temperamento de tono medio. Durante el siglo XVII, el temperamento de pozo comenzó a ser cada vez más popular a medida que aumentaba la gama de teclas. El temperamento afecta el color de una composición y, por lo tanto, las interpretaciones modernas, que generalmente emplean un temperamento igual, pueden no ser representaciones reales de los compositores. intenciones

Estas afinaciones antiguas son el resultado de la serie armónica natural de un instrumento de metal como el saco.

Serie armónica natural en C, 1 a 32, mostrando la F ligeramente afilada en 16,5 centavos Jugar(help·info)

Como la campana es más pequeña que un trombón moderno, la serie armónica se acerca más a una serie armónica perfecta, que es la base para la afinación. Sin ajustar el control deslizante, el armónico primero a segundo es una octava perfecta, el armónico segundo a tercero es una quinta ligeramente más ancha que en temperamento igual y el armónico cuarto a quinto es una tercera mayor ligeramente más estrecha que en temperamento igual. Estos intervalos ajustados hacen sonar los acordes y son la base del tono medio. De hecho, Daniel Speer dice "Una vez que haya encontrado una buena C (tercera posición), este es también el lugar donde encontrará su F♯.” Reproducir un sonido C y F♯ exactamente en la misma posición en una orquesta moderna suena desafinado, pero afina perfectamente en un coro de saco si todos tocan armónicos naturales.

Extracto de una parte trombón de un Picchi canzon (1625). El rótulo del barítono visto aquí es muy común para las partes trombón de esta era.

Se puede obtener mucha comprensión musical leyendo la impresión musical original. Editores como SPES y Arnaldo Forni Edition proporcionan copias facsímiles de mucha música para trombón de esta época. Para leerlos, es necesario familiarizarse con las antiguas claves, compases, ligaduras y convenciones de notación de la época.

Simbolismo

Trombone en una lápida de 1909, Iglesia de Cristo, Todmorden

Durante mucho tiempo se pensó que el sonido de los sacos (y trombones) era especialmente solemne y noble, tenía una asociación con la muerte y el más allá. El instrumento era símbolo de la presencia divina, la voz de los ángeles e instrumento de juicio. Este simbolismo se puede ver, por ejemplo, en L'Orfeo, Alceste, La flauta mágica, La Marcha de la Muerte de Saúl, y iguales funerarios.

Esta asociación probablemente fue alentada por la falta de distinción entre los cuernos naturales, las trompetas deslizantes y los trombones en este Renacimiento; se usaron y, a menudo, se nombraron indistintamente. La traducción de la Biblia al alemán de Martín Lutero en 1534 traduce el griego shophar y salpigx a Posaune. Posaune en ese momento podía referirse a un cuerno natural u otro instrumento de metal, pero luego pasó a significar exclusivamente "trombón" (De manera similar, las traducciones al inglés generalmente tienen "trompeta", y solo ocasionalmente "cuerno" o "shofar"). Esto le da al lector posterior de los textos bíblicos de Lutero tales como: “…todos seremos transformados, en un momento, en un abrir y cerrar de ojos, al último trombón; porque sonará el trombón y los muertos serán resucitados incorruptibles" (1 Corintios 15:52).

Repertorio

Antes de 1600

El sacobut reemplazó a la trompeta deslizante en las bandas de viento de alta capella del siglo XV que eran comunes en las ciudades de toda Europa y tocaban música de baile cortesano. Véase Espera.

Otro uso clave del trombón fue en las ceremonias, junto con la trompeta. En muchas ciudades de Alemania y el norte de Italia, 'piffari' Los gobiernos locales emplearon bandas a lo largo del siglo XVI para dar conciertos regulares en plazas públicas y encabezarían procesiones para festivales. Piffari generalmente contenía una mezcla de instrumentos de viento, metal y percusión y, a veces, violas.

El dux de Venecia tenía su propia compañía piffari y daban un concierto de una hora en la Piazza todos los días, y a veces actuaban para los servicios en San Marcos. Cada una de las seis cofradías de Venecia también tenía sus propios grupos piffari independientes, que tocarían en una lujosa procesión en la fiesta del Corpus Domini. Estos grupos se suman a los músicos empleados por St. Mark's para tocar en los balcones con el coro (los piffari tocarían en el nivel principal).

También se usó en la música de la iglesia tanto para la música de servicio instrumental como para doblar la música coral. Las partes de agudos y alto alto se tocaban con mayor frecuencia con cornetas o chirimías, y el violín a veces reemplazaba a la corneta en la música italiana del siglo XVII.

El primer registro del uso de trombones en iglesias data de Innsbruck en 1503. Los registros de la Catedral de Sevilla muestran el empleo de trombonistas en 1526, seguida de varias otras catedrales españolas durante el siglo XVI, utilizadas no solo para música ceremonial y procesiones., pero también para acompañamiento de los textos litúrgicos, doblando voces.

El uso sagrado de los trombones fue convertido en un arte por Andrea Gabrieli, Giovanni Gabrieli y sus contemporáneos c.1570-1620 Venecia y también hay evidencia de trombonistas empleados en iglesias y catedrales en Italia a veces durante el segundo mitad del siglo XVI en Bolonia, Roma, Padua, Mantua y Módena.

Dado que los conjuntos tenían instrumentación flexible en este momento, hay relativamente poca música antes de la publicación de Giovanni Gabrieli Symphoniae sacrae (1597) que menciona específicamente los trombones. El único ejemplo conocido actualmente es la música de Francesco Corteccia para la boda de los Medici en 1539.

1600–1700

Solo

El siglo XVII trae dos piezas de verdadero repertorio de trombón solista.

Giovanni Martino Cesare escribió La Hieronyma, (Musikverlag Max Hieber, MH6012) la pieza más antigua conocida para trombón solo acompañado. Proviene de la colección de Cesare Musicali Melodie per voci et instrumenti a una, due, tre, quattro, cinque, e sei publicada en Munich en 1621 de 28 piezas para una mezcla de violines, cornetas, trombón, solistas vocales y continuo de órgano. La colección también contiene La Bavara para cuatro trombones.

La otra pieza solista de trombón del siglo XVII, Sonata trombone & basso (edición moderna de H Weiner, Ensemble Publications), fue escrita alrededor de 1665. Esta pieza anónima también se conoce como 'St. Tomás Sonata' porque se conservaba en la biblioteca del Monasterio de Santo Tomás Agustino en Brno, República Checa.

Francesco Rognoni fue otro compositor que especificó el trombón en un conjunto de divisiones (variaciones) en la conocida canción Suzanne ung jour (London Pro Musica, REP15). Rognoni fue un maestro del violín y la gamba cuyo tratado Selva di Varie passaggi secondo l'uso moderno (Milán 1620 y reimpresión facsímil de Arnaldo Forni Editore 2001) detalla la improvisación de disminuciones y Suzanne se da como una ejemplo. Aunque la mayoría de las disminuciones están escritas para órgano, instrumentos de cuerda o corneta, Suzanne es "per violone over Trombone alla bastarda". Con virtuosos pasajes de semicorchea en todo el rango del instrumento, refleja la música de Praetorius. comentarios sobre la amplia gama de los trombones tenor y bajo, y los buenos intérpretes de Quartposaune (trombón bajo en fa) podían tocar carreras rápidas y saltos como una viola bastarda o un cornetto. El término "bastarda" describe una técnica que hacía variaciones en todas las diferentes voces de una parte de la canción, en lugar de solo la melodía o el bajo: "considerada ilegítima porque no era polifónica".

Música de cámara

En el siglo XVII, apareció un repertorio considerable de música de cámara usando sacobut con varias combinaciones de violines, cornetas y dulcianas, a menudo con continuo. Los compositores incluyeron a Dario Castello, Giovanni Battista Fontana, Giovanni Paolo Cima, Andrea Cima, Johann Heinrich Schmelzer y Matthias Weckmann.

Antonio Bertali escribió varias sonatas en trío para 2 violines, trombón y bajo continuo a mediados del siglo XVII. Una Sonata a 3 de este tipo está disponible gratuitamente en forma de facsímil en el sitio web de Düben Collection alojado por Uppsala universitet. A "Sonata a3 en C" está publicado por Musica Rara y atribuido a Biber, aunque la autoría no está clara y es más probable que haya sido escrito por Bertali.

Dario Castello, un músico de viento en la Venecia de San Marcos a principios del siglo XVII, publicó dos libros de Sonate Concertate en 1621 y 1629. Las sonatas de 1-4 partes con el bajo continuo a menudo especifica trombones, así como corneta, violín y fagot. Las numerosas reimpresiones durante el siglo XVII afirman su popularidad entonces, como quizás ahora.

Giuseppe Scarani se unió a la Venecia de San Marcos en 1629 como cantante y al año siguiente publicó Sonate concertate, un volumen de obras para 2 o 3 (no especificados) instrumentos (y a.c.). Se ha sugerido que el título se eligió para tratar de capturar parte del éxito de Castello.

Tiburtio Massaino escribió una Canzona para ocho trombones, publicada en la colección de 1608 de Raverio.

Johann Heinrich Schmelzer escribió varias sonatas que incluían trombones, como su Sonata à 7 para dos cornetas, dos trompetas, tres trombones y bajo continuo.

Daniel Speer publicó una sonata a cuatro voces en Neu-gebachene Taffel-Schnitz (1685). En 1687, Speer publicó la primera instrucción escrita para tocar sacobut (y varios otros instrumentos): Grund-richtiger/kurtz/leicht und noethiger Unterricht der Musicalischen Kunst. La segunda edición en 1697 proporciona dos sonatas de tres partes para trombones.

Una obra inglesa notable de este período es Music for His Majestys Sagbutts and Cornetts de Matthew Locke, una suite para la coronación de Carlos II en 1661.

Música ligera

La música no seria, a menudo basada en bailes para ocasiones festivas, rara vez tenía una instrumentación específica. A menudo encuentras algo como "per diversi musici". De hecho, los grupos que los interpretarían a menudo estarían llenos de multi-instrumentistas.

Johann Pezel escribió para Stadtpfeifer su Hora décima musicorum (1670), que contiene sonatas, así como Fünff-stimmigte blasende Music (1685) con intradas en cinco partes y piezas de danza.

Obras conocidas de Alemania incluyen Ludi Musici de Samuel Scheidt (1621) y Banchetto musicale de Johann Hermann Schein (1617).

La primera pieza en inglés compuesta para trombón es Courtly Masquing Ayres de John Adson (1611). Otra colección ligera adecuada para incluir trombones es Pavans, Galliards, Allmains, and other short Aeirs both Grave and Light in Five Parts for Viols, Violines u Other Musicall Winde Instruments de Anthony Holborne (1599).

Música sacra

Venecia

Los trombonistas formaron parte del conjunto habitual de la Venecia de San Marcos desde su formación en 1568 hasta que abandonaron la nómina en 1732. Los dos primeros directores del conjunto, maestro di concerti, Girolamo Dalla Casa (1568-1601) y Giovanni Bassano (1601-1617) eran músicos de corneta y el núcleo del grupo eran dos cornetas y dos trombones, aunque para las ceremonias más grandes se contrataron muchos intérpretes adicionales. Durante una misa a la que asistió el Dux, la evidencia sugiere que habrían tocado una canzona en el Gradual después de la Epístola y el Agnus Dei, una sonata en el Ofertorio, además de reforzar las partes vocales o sustituir a los cantantes ausentes.

Este conjunto fue utilizado ampliamente por Giovanni Gabrieli en piezas sustancialmente para metales, voces y órgano en Venecia hasta su muerte en 1612. Tuvo una gran influencia en los compositores venecianos de otras iglesias y cofradías, y su estilo barroco temprano y cori spezati se ve en contemporáneos como Giovanni Picchi y Giovanni Battista Grillo.

Se sugiere que Monteverdi escribió su Vespro della Beata Vergine (1610) como propuesta de empleo en San Marcos como sucesor de Giovanni Gabrieli. Además del Magnificat, dos movimientos especifican trombones: la apertura "Deus in adiutorium" es para seis voces, dos violines, dos cornetas, tres trombones, cinco violas da braccio y bajo continuo; Sonata sopra "Sancta Maria, ora pro nobis" es para soprano, dos violines, dos cornetas, tres trombones (uno de los cuales puede ser una viola da braccio) y bajo continuo. Monteverdi también deja la opción de utilizar trombones como parte de los "sex instrumentis" del Dixit Dominus y en el instrumental Ritornello a 5 entre versos de Ave maris stella.

Desde alrededor de 1617, cuando el maestro de' concerti en St. Marks cambió al violinista Francesco Bonfante y, en consecuencia, el conjunto pasó de ser básicamente un conjunto de metales a una mezcla más uniforme con instrumentos de viento, cuerda y metales.

Monteverdi llegó a St. Mark's en 1613 y no sorprende que incluya trombones y cuerdas para varias obras sagradas más durante su estancia aquí, publicadas en su Selva morale e spirituale 1641 De los c.40 elementos de esta colección, seis especifican tres o cuatro trombones (o viola da braccio, ad lib): SV268 Beatus vir I, SV263 Dixit Dominus I, SV263 Dixit Dominus II, SV261 Et iterum venturus est, SV258 Gloria in excelsis Deo, SV281 Magnificat I. Cada uno es para 3-8 voces con 3 violines (aparte de SV261), los trombones/violas y el bajo continuo. Monteverdi también especificó trombones en dos obras sacras más: SV198 Laetatus sum (i) (1650) para 6 voces, 2 violines, 2 trombones y fagot y SV272 Laudate Dominum omnes gentes I (1641) para 5 voces 'concertato', coro a 4 voces ad lib, 4 viola da braccio o trombones y bajo continuo.

Alemania/Austria

Un prolífico compositor de trombones en Alemania en el siglo XVII fue Heinrich Schütz. Su Fili me, Absalon (SWV 269) y Attendite, popule meus (SWV 270), están ambos compuestos para voz de bajo, cuatro trombones (de los cuales dos son opcionalmente violines) y el bajo continuo, son bien conocidos. Forman parte de su primera colección Symphoniae Sacrae que data de 1629 y los comentaristas han notado que el estilo refleja sus estudios en Venecia con Giovanni Gabrieli 1609–1612. Otras piezas que especifican trombones (según Grove) son (agrupadas por la colección en la que se publicaron): Concert mit 11 Stimmen (1618): SWV 21, in Psalmen Davids (Salmos de David) op. 2 (1619): SWV 38, 40–46, Symphoniae sacrae I Op.6 (1629): SWV 259, 269–271, 274, Symphoniae sacrae II Op.10 (1647): SWV 344, Symphoniae sacrae III Op. 12 (1650): SWV 398a, Historia (1664): SWV 435, 448, 449, 453, 461, 452, 466–470, 473, 474–476, Schwanengesang Salmo 119 (1671): SWV 500, aunque muchos otros son adecuado para trombones también.

Johann Hermann Schein especificó trombones en algunas de sus obras vocales sagradas de la colección Opella nova, ander Theil, geistlicher Concerten (Leipzig, 1626). Por ejemplo, Uns ist ein Kind geboren está escrito para violín, traversa, trombón alto, voz de tenor, fagotto y bajo continuo. Mach dich auf, werde licht, Zion usa el Canto 1: violino, cornetto, flauto picciolo e voce, Canto 2: voce e traversa, Alto: Trombone e Voce, Tenore: Voce e Trombone, Basso: Fagotto Trombone e Voce y Basso Continuo, durante los cuales se especifican los solos de cada uno de los trombonistas. De particular interés es Maria, gegrüsset seist du, Holdselige, que utiliza voces de soprano y tenor, trombón alto, 2 trombones tenor y en la línea de bajo "trombone grosso," que desciende hasta el pedal A, y un par de pasajes de escala diatónica desde la parte inferior C.

El compositor alemán Johann Rudolf Ahle escribió algunas piezas sacras notables para voces y trombones. Höre, Gott utiliza cinco cantantes favoritos, dos coros ripienos (que doblan otras partes en momentos intensos) y siete trombones, con bajo continuo. Y su más famoso Neu-gepflanzte Thüringische Lust-Garten.. (1657–65) contiene varias obras sacras con 3 o 4 trombones, incluido Magnificat a 8 para solistas de SATB, cornett, 3 trombones y continuo y Herr nun lässestu deinen Diener a 5 para bajo, 4 trombones y continuo.

Dieterich Buxtehude especifica trombones en algunos conciertos sacros usando un estilo derivado de obras policorales venecianas y una pieza secular. Por ejemplo, Gott fähret auf mit Jauchzen (BuxWV33 de CW v, 44) está escrito para voces de SSB, 2 violines, 2 violas, trombones, 2 cornetas, 2 trompetas, fagot y bajo continuo.

Hay algunas obras vocales que involucran trombones en obras de Andreas Hammerschmidt. Estos incluyen Lob- und Danck Lied aus dem 84. Psalm para 9 voces, 5 trompetas, 3 trombones, 5 violas y bajo continuo (Freiberg, 1652). También hay Hochzeitsgesang für Daniel Sartorius: Es ist nicht gut, dass der Mensch allein sei para 5 voces, 2 violines, 2 trombones, fagot y bajo continuo.

Johann Schelle tiene numerosas obras vocales sagradas que utilizan trombones. Por ejemplo, Vom Himmel kam der Engel Schar está compuesto por soprano, tenor, coro SSATB, 2 violines, 2 violas, 2 cornetas, 3 trombones, 2 trompetas, timbales, bajo continuo y Lobe den Herrn, meine Seele es para dos coros de SSATB e instrumentos similares al trabajo anterior.

El compositor austriaco menos conocido Christoph Strauss, maestro de capilla del emperador Habsburgo Mathias entre 1616 y 1620, escribió dos colecciones importantes para trombones, cornetas y voces. Sus motetes publicados en la composición Nova ac diversimoda sacrarum cantionum, seu motettae (Viena, 1613) tienen una tradición similar a la música de Gabrieli. De los dieciséis motetes de la colección, todos se titulan "concerto" además de la "sonata" Expectans Expectavi Dominum para 6 trombones, voz cantus y voz tenor. En 1631 publicó una serie de misas, mucho más barrocas, con bajo continuo, pintura de palabras retóricas y uso obligado de instrumentos.

Más tarde, en el siglo XVII, Heinrich Ignaz Franz Biber compuso obras sacras para voces y orquesta con trombones. Su misa Requiem (1692) utiliza una orquesta de cuerdas, 3 trombones y bajo continuo. Un conjunto similar acompaña 8 líneas vocales en su Lux perpetua (c1673), y tres obras más similares en la década de 1690.

Teatro

Monteverdi lleva a los sacos a la primera gran ópera, 'L'Orfeo' 1607. La orquesta en la primera actuación, como se muestra en la primera publicación, la lista de "stromenti" al principio de la partitura especifica cuatro trombones, pero en un momento del Acto 3, sin embargo, la partitura requiere cinco trombones.

1700–1750

Hay relativamente poco repertorio para trombón en el barroco tardío.

Johann Sebastian Bach utiliza trombones en catorce de sus cantatas de iglesia (BWV 2, 3, 4, 21, 23, 25, 28, 38, 64, 68, 96, 101, 121, 135), así como en el motete BWV 118 Él usa el sonido del trombón para reflejar los (a estas alturas) sonidos arcaicos de los trombones renacentistas doblando voces (con Cornett tocando la línea de soprano), pero también los usa de forma independiente, lo que, según John Eliot Gardiner, prepara el camino para su uso en Beethoven. #39;s Symphony No. 5. Las cantatas se compusieron en Leipzig durante 1723–1725, o (para BWV 4, 21 y 23) las partes de trombón se agregaron a la cantata existente durante el mismo período. Las partes de corneta y trombón habrían sido interpretadas por el Stadtpfeifer.

En Inglaterra, George Frideric Handel incluye trombones en tres de sus oratorios: Saul (1738), Israel en Egipto (1738) y Samson (1741). No hay otros grupos o actuaciones documentadas con trombonistas en Inglaterra en este momento, y se ha sugerido que los estrenos se llevaron a cabo con un grupo visitante de Alemania, como era costumbre en París en ese momento.

La corte imperial de Viena usaba trombones en la música sacra:

Johann Joseph Fux fue Hofkapellmeister en Viena desde 1715 hasta 1741. Muchas de sus misas utilizan el coro reforzado por cuerdas, cornetas y trombones, a menudo con momentos independientes para los instrumentistas y otras veces. Missa SS Trinitatis utiliza dos coros, lo que nuevamente apunta a las tradiciones que se remontan a Gabrieli. Su Réquiem de gran éxito es para cinco partes vocales, dos cornetas, dos trombones, cuerdas y bajo continuo. También utiliza el trombón en pequeños motetes y antífonas, como su versión de Alma Redemptoris mater para soprano, trombón alto, cuerdas y bajo continuo. Parte de su música de cámara involucra trombones, al igual que muchas de sus óperas, que se utilizan como instrumento obbligato.

También en la corte de Viena estuvo Antonio Caldara, vice-maestro de capilla entre 1717 y 1736. Entre su producción se encuentran dos composiciones de Semana Santa como arias de Da Capo: Deh sciogliete, o mesti lumi para soprano, violines al unísono, fagot, dos trombones y órgano y Dio, qual sia para soprano, trombón, fagot y bajo continuo.

1750–1800

Nuevamente, este período adolece de una falta de trombonistas. La mayoría de estas obras proceden de Viena y Salzburgo.

Joseph Haydn usa trombones en Il rotorno di Tobia, Die sieben letzten Worte, The Creation, Die Jahreszeiten, Der Sturm, Orfeo ed Euridice y coros de cantata profana.

Wolfgang Amadeus Mozart utiliza trombones en conexión con la muerte o lo sobrenatural. Esto incluye el Réquiem (K626, 1791), Gran Misa en Do menor (K423, 1783), Misa de Coronación (Do mayor) (K317, 1779), varias otras misas, Vesperae Solennes de Confessore (K339, 1780), Vesperae de Dominica, su arreglo del Messiah de Haendel más dos de sus tres grandes óperas: Don Giovanni (K527, 1787) y Die Zauberflöte (K620, 1791). El primer uso del trombón de Mozart fue una línea obligada en el oratorio Die Schuldigkeit des ersten Gebots (K35, 1767)

Christoph Willibald Gluck incluye trombones en cinco de sus óperas: Iphigénie en Aulide (1774), Orfeo ed Euridice (1774), Alceste (1776), Iphigénie en Tauride (1779) y Echo et Narcisse (1779), así como el ballet Don Juan (1761).

Alguna música de cámara de este período incluye el trombón en un papel obligado con la voz, y también como instrumento de concierto con orquesta de cuerdas. Entre los compositores se encuentran artistas como Leopold Mozart, Georg Christoph Wagenseil, Johann Albrechtsberger, Michael Haydn y Johann Ernst Eberlin.

Para obras para trombón posteriores a 1800, consulte trombón.

Grabaciones

Muchas grabaciones del auténtico saco ahora están disponibles de grupos como Concerto Palatino, HMSC, Gabrieli Consort y Toulouse Sacqueboutiers. Para un examen más detallado del instrumento, aquí hay algunas grabaciones recomendadas en las que el saco tiene una gran presencia en un "solo" capacidad.

• Canciones sin palabras. Adam Woolf. SFZMusic 2010.
• Tesoro de un Santo. Caecilia Concert, Challenge Records 2006.
• La Sacqueboute. Michel Becquet, Les Sacqueboutiers de Toulouse.
• Sackbutt. Jorgen Van Rijen. Channel Classics 2008.
• Schmelzer & Co. Caecilia-Concert. Challenge Records 2009.
• Buxtehude " Co. Caecilia-Concert. Challenge Records 2007.

Primeros instrumentos supervivientes

Los primeros instrumentos:

Otros sacos notables:

Para obtener más información, consulte Herbert (2006).

Fabricantes modernos

El moderno "trombón de iglesia" alemán también se asemeja a un saco.