Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein (27 de octubre de 1923 - 29 de septiembre de 1997) fue un artista pop estadounidense. Durante la década de 1960, junto con Andy Warhol, Jasper Johns y James Rosenquist, entre otros, se convirtió en una figura destacada del nuevo movimiento artístico. Su trabajo definió la premisa del arte pop a través de la parodia. Inspirándose en la tira cómica, Lichtenstein produjo composiciones precisas que documentaban mientras parodian, a menudo de manera irónica. Su trabajo estuvo influenciado por la publicidad popular y el estilo de los cómics. Su obra de arte se consideró "perturbadora". Describió el arte pop como "no 'estadounidense' pintura pero en realidad pintura industrial". Sus pinturas fueron exhibidas en la Galería Leo Castelli en la ciudad de Nueva York.

Whaam! y Drowning Girl se consideran generalmente como las obras más famosas de Lichtenstein. Drowning Girl, Whaam! y Look Mickey son consideradas sus obras más influyentes. Su obra más cara es Masterpiece, que se vendió por 165 millones de dólares en enero de 2017.

Primeros años

Lichtenstein nació en una familia judía alemana de clase media alta en la ciudad de Nueva York. Su padre, Milton, era corredor de bienes raíces, su madre, Beatrice (Werner), ama de casa. Se crió en el Upper West Side de la ciudad de Nueva York y asistió a la escuela pública hasta los doce años. Luego asistió a la Escuela Dwight de Nueva York, donde se graduó en 1940. Lichtenstein se interesó por primera vez en el arte y el diseño como pasatiempo, en la escuela. Era un ávido fanático del jazz, y a menudo asistía a conciertos en el Apollo Theatre de Harlem. Con frecuencia dibujaba retratos de los músicos tocando sus instrumentos. En su último año de secundaria, 1939, Lichtenstein se matriculó en clases de verano en la Art Students League de Nueva York, donde trabajó bajo la tutela de Reginald Marsh.

Carrera

Cap de Barcelona, 1992 escultura, medios mixtos, Barcelona

Luego, Lichtenstein se fue de Nueva York para estudiar en la Universidad Estatal de Ohio, que ofrecía cursos de estudio y una licenciatura en bellas artes. Sus estudios se vieron interrumpidos por un período de tres años en el Ejército durante y después de la Segunda Guerra Mundial entre 1943 y 1946. Después de estar en programas de formación de idiomas, ingeniería y entrenamiento de pilotos, todos los cuales fueron cancelados, se desempeñó como ordenanza, dibujante y artista.

Lichtenstein regresó a casa para visitar a su padre moribundo y fue dado de baja del ejército con elegibilidad para el G.I. Cuenta. Regresó a sus estudios en Ohio bajo la supervisión de uno de sus maestros, Hoyt L. Sherman, quien es ampliamente considerado por haber tenido un impacto significativo en su trabajo futuro (Lichtenstein luego nombraría un nuevo estudio que fundó en OSU como Hoyt L. Centro de Arte Sherman Studio).

Lichtenstein ingresó al programa de posgrado en Ohio State y fue contratado como instructor de arte, cargo que ocupó de forma intermitente durante los siguientes diez años. En 1949, Lichtenstein recibió una Maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de Ohio.

En 1951, Lichtenstein realizó su primera exposición individual en la Carlebach Gallery de Nueva York. Se mudó a Cleveland en el mismo año, donde permaneció durante seis años, aunque viajaba con frecuencia de regreso a Nueva York. Durante este tiempo realizó trabajos tan variados como de dibujante a decorador de ventanas entre periodos de pintura. Su obra en esta época fluctuó entre el cubismo y el expresionismo. En 1954 nació su primer hijo, David Hoyt Lichtenstein, ahora compositor. Su segundo hijo, Mitchell Lichtenstein, nació en 1956.

En 1957, regresó al norte del estado de Nueva York y comenzó a enseñar nuevamente. Fue en este momento que adoptó el estilo del expresionismo abstracto, siendo un converso tardío a este estilo de pintura. Lichtenstein comenzó a enseñar en el estado de Nueva York en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. Por esa época, comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus obras abstractas.

Llegar a la prominencia

En 1960, comenzó a enseñar en la Universidad de Rutgers, donde fue fuertemente influenciado por Allan Kaprow, quien también era profesor en la universidad. Este entorno ayudó a reavivar su interés por las imágenes proto-pop. En 1961, Lichtenstein comenzó sus primeras pinturas pop utilizando imágenes de dibujos animados y técnicas derivadas de la aparición de la impresión comercial. Esta fase continuaría hasta 1965 e incluía el uso de imágenes publicitarias que sugerían consumismo y ama de casa. Su primer trabajo que presentó el uso a gran escala de figuras de bordes duros y puntos de Ben-Day fue Look Mickey (1961, Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.). Esta pieza surgió de un desafío de uno de sus hijos, quien señaló un cómic de Mickey Mouse y dijo; "Apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿eh, papá?" En el mismo año produjo otras seis obras con personajes reconocibles de envoltorios de goma de mascar y dibujos animados.

En 1961, Leo Castelli comenzó a exhibir el trabajo de Lichtenstein en su galería de Nueva York. Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la galería Castelli en 1962; toda la colección fue comprada por coleccionistas influyentes incluso antes de que se inaugurara la exposición. Un grupo de pinturas producidas entre 1961 y 1962 se centró en objetos domésticos solitarios como zapatillas, perritos calientes y pelotas de golf. En septiembre de 1963 se ausentó de su puesto docente en el Douglass College de Rutgers.

Sus obras se inspiraron en historietas que presentaban historias románticas y de guerra. "En ese momento", relató Lichtenstein más tarde, "estaba interesado en cualquier cosa que pudiera usar como un tema emocionalmente fuerte, generalmente el amor, la guerra o algo que fuera tema altamente cargado y emocional para ser opuesto a las técnicas de pintura eliminadas y deliberadas".

Periodo del perfil más alto de Liechtenstein

Drowning Girl (1963). En exhibición en el Museo de Arte Moderno, Nueva York

Fue en este momento que Lichtenstein comenzó a encontrar fama no solo en Estados Unidos sino en todo el mundo. Regresó a Nueva York para estar en el centro de la escena artística y renunció a la Universidad de Rutgers en 1964 para concentrarse en su pintura. Lichtenstein utilizó pintura al óleo y Magna (acrílico temprano) en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que se apropió de la historia principal de DC Comics' Secret Hearts No. 83, dibujado por Tony Abruzzo. (Drowning Girl ahora cuelga en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.) Drowning Girl también presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day, como si fueran creados por fotografías. reproducción. De su propio trabajo, Lichtenstein diría que los expresionistas abstractos “colocaban las cosas sobre el lienzo y respondían a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo se ve completamente diferente, pero la naturaleza de escribir líneas es más o menos la misma; el mío simplemente no se ve caligráfico, como el de Pollock o el de Kline."

En lugar de intentar reproducir sus temas, el trabajo de Lichtenstein abordó la forma en que los medios de comunicación los retratan. Sin embargo, nunca se tomaría a sí mismo demasiado en serio y dijo: “Creo que mi trabajo es diferente de las tiras cómicas, pero no lo llamaría transformación; No creo que lo que sea que signifique sea importante para el arte." Cuando se exhibió por primera vez la obra de Lichtenstein, muchos críticos de arte de la época cuestionaron su originalidad. Su obra fue duramente criticada por vulgar y vacía. El título de un artículo de la revista Life de 1964 preguntaba: '¿Es él el peor artista de los EE. UU.?' Lichtenstein respondió a tales afirmaciones ofreciendo respuestas como las siguientes: "Cuanto más cerca está mi trabajo del original, más amenazador y crítico es el contenido". Sin embargo, mi trabajo se transforma por completo en que mi propósito y percepción son completamente diferentes. Creo que mis pinturas se transforman críticamente, pero sería difícil demostrarlo mediante una línea de argumentación racional." Habló de experimentar esta fuerte crítica en una entrevista con April Bernard y Mimi Thompson en 1986. Sugiriendo que a veces era difícil ser criticado, Lichtenstein dijo: "No dudo cuando estoy realmente pintura, es la crítica la que te hace dudar, lo hace."

Podría decirse que su imagen más célebre es Whaam! (1963, Tate Modern, Londres), uno de los primeros ejemplos conocidos de arte pop, adaptado de un panel de cómic dibujado por Irv Novick en un Número de 1962 de DC Comics' Hombres de guerra estadounidenses. La pintura representa un avión de combate disparando un cohete contra un avión enemigo, con una explosión roja y amarilla. El estilo de dibujos animados se realza con el uso de letras onomatopéyicas "¡Whaam!" y la leyenda enmarcada "Presioné el control de disparo... y adelante de mis cohetes resplandecieron en el cielo..." Este díptico es de gran escala, mide 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam sigue los temas basados en tiras cómicas de algunas de sus pinturas anteriores y es parte de un cuerpo de trabajo con temas bélicos creado entre 1962 y 1964. Es una de sus dos grandes pinturas notables con temas bélicos.. Fue comprado por la Tate Gallery en 1966, después de haber sido exhibido en la Leo Castelli Gallery en 1963, y (ahora en la Tate Modern) ha permanecido en su colección desde entonces. En 1968, el empresario de Darmstadt Karl Ströher adquirió varias obras importantes de Lichtenstein, como Nurse (1964), Compositions I (1964), We levantamos lentamente< /i> (1964) y Pinceladas amarillas y verdes (1966). Después de estar varios años en préstamo en el Hessiches Landesmuseum Darmstadt, el director fundador del Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, pudo adquirir un total de 87 obras de la colección Ströher en 1981, principalmente American Pop Art y Minimal Art. para el museo en construcción hasta 1991.

Lichtenstein comenzó a experimentar con la escultura alrededor de 1964, demostrando un don para la forma que contrastaba con la insistente planitud de sus pinturas. Para Head of Girl (1964) y Head with Red Shadow (1965), colaboró con un ceramista que esculpió la forma de la cabeza en arcilla. Luego, Lichtenstein aplicó un esmalte para crear el mismo tipo de motivos gráficos que usó en sus pinturas; la aplicación de líneas negras y puntos de Ben-Day a objetos tridimensionales resultó en un aplanamiento de la forma.

La mayoría de las obras más conocidas de Lichtenstein son copias relativamente cercanas, pero no exactas, de viñetas de historietas, un tema que abandonó en gran medida en 1965, aunque ocasionalmente incorporaría historietas en su trabajo de diferentes maneras en años posteriores. décadas. Estos paneles fueron dibujados originalmente por artistas de cómics como Jack Kirby y los artistas de DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick y Jerry Grandenetti, quienes rara vez recibieron crédito. Jack Cowart, director ejecutivo de la Fundación Lichtenstein, cuestiona la noción de que Lichtenstein era un copista y dice: "El trabajo de Roy fue una maravilla de las fórmulas gráficas y la codificación del sentimiento que habían elaborado otros".. Los paneles fueron cambiados en escala, color, tratamiento y en sus implicaciones. No hay copia exacta." Sin embargo, algunos han criticado el uso que hace Lichtenstein de imágenes y piezas de arte de cómics, especialmente en la medida en que ese uso se ha visto como un respaldo a una visión condescendiente de los cómics por parte de la corriente principal del arte; el caricaturista Art Spiegelman comentó que "Lichtenstein no hizo ni más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa".

Las obras de Lichtenstein basadas en viñetas ampliadas de cómics generaron un amplio debate sobre sus méritos como arte. El propio Lichtenstein admitió: "Nominalmente estoy copiando, pero en realidad estoy reafirmando lo copiado en otros términos". Al hacer eso, el original adquiere una textura totalmente diferente. No son pinceladas gruesas o finas, son puntos y colores planos y líneas inflexibles. Eddie Campbell escribió en su blog que "Lichtenstein tomó una imagen diminuta, más pequeña que la palma de la mano, impresa con tintas de cuatro colores en papel periódico y la amplió al tamaño convencional en el que 'art' se hace y se exhibe y se termina en pintura sobre lienzo." Con respecto a Lichtenstein, Bill Griffith dijo una vez: "Hay arte elevado y arte bajo". Y luego está el arte elevado que puede tomar el arte bajo, llevarlo a un contexto de arte elevado, apropiarse de él y elevarlo a otra cosa."

Aunque el trabajo basado en cómics de Lichtenstein ganó cierta aceptación, los críticos aún expresan su preocupación y dicen que Lichtenstein no acreditó, pagó regalías ni buscó el permiso de los artistas originales o titulares de los derechos de autor. En una entrevista para un documental de BBC Four en 2013, Alastair Sooke le preguntó al dibujante de cómics Dave Gibbons si consideraba a Lichtenstein un plagiario. Gibbons respondió: "Yo diría 'imitador'. En la música, por ejemplo, no se puede simplemente silbar la melodía de otra persona o interpretar la melodía de otra persona, sin importar cuán mal, sin de alguna manera acreditar y pagar al artista original. Es decir, esto es '¡WHAAM! por Roy Lichtenstein, después de Irv Novick'." El propio Sooke sostiene que "Lichtenstein transformó la obra de arte de Novick de varias maneras sutiles pero cruciales".

El fundador de la revista, profesor de la City University London y doctorado en el University College London, Ernesto Priego, señala que el hecho de que Lichtenstein no acreditara a los creadores originales de sus cómics fue un reflejo de la decisión de National Periodical Publications, el predecesor de DC Comics, para omitir cualquier crédito para sus escritores y artistas:

Además de encarnar el prejuicio cultural contra los cómics como vehículos de arte, ejemplos como la apropiación de Lichtenstein del vocabulario de los cómics resaltan la importancia de tomar formato de publicación en consideración al definir cómics, así como la economía política implícita por tipos específicos de publicaciones históricas, en este caso el historieta estadounidense. ¿En qué medida fueron las Publicaciones Periódicos Nacionales (más tarde DC) responsables del rechazo de los roles de Kanigher y Novick como artistas en su propio derecho al no otorgarles crédito autorial completo en la propia publicación?"

Además, Campbell señala que hubo una época en la que los dibujantes de historietas a menudo rechazaban la atribución de su trabajo.

En un relato publicado en 1998, Novick dijo que había conocido a Lichtenstein en el ejército en 1947 y, como su oficial superior, había respondido a las llorosas quejas de Lichtenstein sobre las tareas serviles que le habían asignado recomendándolo para un trabajo mejor. Jean-Paul Gabilliet ha cuestionado este relato, diciendo que Lichtenstein había dejado el ejército un año antes del momento en que Novick dice que ocurrió el incidente. Bart Beaty, señalando que Lichtenstein se había apropiado de Novick para obras como Whaam! y Okay Hot-Shot, Okay!, dice que la historia de Novick " parece ser un intento de disminuir personalmente" el artista más famoso.

En 1966, Lichtenstein dejó atrás su célebre imaginería de principios de la década de 1960 y comenzó su serie Modern Paintings, que incluye más de 60 pinturas y dibujos que las acompañan. Usando sus característicos puntos de Ben-Day y formas y líneas geométricas, creó imágenes incongruentes y desafiantes a partir de estructuras arquitectónicas familiares, patrones tomados del Art Déco y otros motivos sutilmente evocadores, a menudo secuenciales. La serie Modern Sculpture de 1967–8 hizo referencia a motivos de la arquitectura Art Déco.

Trabajo posterior

Van Gogh Dormitorio en Arles (1888)

Lichtenstein's Dormitorio en Arles (1992)

A principios de la década de 1960, Lichtenstein reprodujo obras maestras de Cézanne, Mondrian y Picasso antes de embarcarse en la serie Brushstrokes en 1965. Lichtenstein continuó revisando este tema más adelante en su carrera con obras como Dormitorio en Arles que derivó del Dormitorio en Arles de Vincent van Gogh.

En 1970, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles encargó a Lichtenstein (dentro de su programa de Arte y Tecnología desarrollado entre 1967 y 1971) que hiciera una película. Con la ayuda de Universal Film Studios, el artista concibió y produjo Three Landscapes, una película de paisajes marinos, directamente relacionada con una serie de collages con temas paisajísticos que realizó entre 1964 y 1966. Aunque Lichtenstein había planeado producir 15 cortometrajes, la instalación de tres pantallas, realizada con el cineasta independiente con sede en Nueva York Joel Freedman, resultó ser la única incursión del artista en el medio.

También en 1970, Lichtenstein compró una antigua cochera en Southampton, Long Island, construyó un estudio en la propiedad y pasó el resto de la década de 1970 en relativa reclusión. En las décadas de 1970 y 1980, su estilo comenzó a aflojarse y amplió lo que había hecho antes. Lichtenstein comenzó una serie de pinturas Mirrors en 1969. En 1970, mientras continuaba con la serie Mirrors, comenzó a trabajar en el tema de los entablamentos. Los Entablamentos consistieron en una primera serie de pinturas de 1971 a 1972, seguida de una segunda serie en 1974–76, y la publicación de una serie de grabados en relieve en 1976. Produjo una serie de &# 34;Estudios de artistas" que incorporó elementos de su trabajo anterior. Un ejemplo notable es Artist's Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) que incorpora otras cinco obras anteriores, encajadas en la escena.

Durante un viaje a Los Ángeles en 1978, Lichtenstein quedó fascinado con la colección de grabados y libros ilustrados del expresionista alemán del abogado Robert Rifkind. Comenzó a producir obras que tomaban prestados elementos estilísticos que se encuentran en las pinturas expresionistas. The White Tree (1980) evoca paisajes líricos de Der Blaue Reiter, mientras que Dr. Waldmann (1980) recuerda el Dr. Mayer-Hermann (1926). Se utilizaron pequeños dibujos a lápiz de colores como plantillas para grabados en madera, un medio preferido por Emil Nolde y Max Pechstein, así como por Dix y Ernst Ludwig Kirchner. También a fines de la década de 1970, el estilo de Lichtenstein fue reemplazado por obras más surrealistas como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Una importante serie de pinturas pop surrealistas de 1979 a 1981 se basa en temas de los nativos americanos. Estas obras van desde Amerind Figure (1981), una estilizada escultura de tamaño natural que recuerda a un tótem aerodinámico en bronce patinado en negro, hasta el monumental tapiz de lana Amerind Landscape (1979). El "indio" las obras tomaron sus temas, como las otras partes de la serie surrealista, del arte contemporáneo y otras fuentes, incluidos libros sobre diseño indio americano de la pequeña biblioteca de Lichtenstein.

Las pinturas, esculturas y dibujos Bodegones de Lichtenstein, que abarcan desde 1972 hasta principios de la década de 1980, cubren una variedad de motivos y temas, incluidos los más tradicionales, como frutas, flores, y jarrones. En 1983, Lichtenstein hizo dos carteles contra el apartheid, titulados simplemente "Contra el apartheid". En su serie Reflection, producida entre 1988 y 1990, Lichtenstein reutilizó sus propios motivos de obras anteriores. Interiors (1991–1992) es una serie de obras que representan ambientes domésticos banales inspirados en anuncios de muebles que el artista encontró en guías telefónicas o vallas publicitarias. Inspirándose en los grabados monocromáticos de Edgar Degas presentados en una exposición de 1994 en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, los motivos de su serie Landscapes in the Chinese Style están formados con puntos y bloques simulados de Benday. contornos, renderizados en colores vivos y duros, con todos los rastros de la mano eliminados. El desnudo es un elemento recurrente en la obra de Lichtenstein de la década de 1990, como en Collage for Nude with Red Shirt (1995).

Además de pinturas y esculturas, Lichtenstein también realizó más de 300 grabados, la mayoría en serigrafía.

Comisiones

Grupo 5 Racing Version de BMW 320i, pintado en 1977 por Roy Lichtenstein

En 1989, Lichtenstein creó un mural gigante de dos paneles especialmente para el Museo de Arte de Tel Aviv

En 1969, Gunter Sachs encargó a Lichtenstein que creara Composición y Leda y el cisne, para el dormitorio Pop Art del coleccionista en el Palace Hotel. en San Moritz. A fines de la década de 1970 y durante la de 1980, Lichtenstein recibió importantes encargos para obras en lugares públicos: las esculturas Lamp (1978) en St. Mary's, Georgia; Sirena (1979) en Miami Beach; Brushstrokes in Flight (1984, trasladado en 1998) de 26 pies de altura en el Aeropuerto Internacional John Glenn Columbus; el Mural with Blue Brushstroke de cinco pisos de altura (1984–85) en el Equitable Center, Nueva York; y El Cap de Barcelona (1992) en Barcelona. En 1994, Lichtenstein creó el Mural de Times Square de 53 pies de largo, esmaltado sobre metal, en la estación de metro de Times Square. En 1977, BMW le encargó que pintara una versión de carreras del Grupo 5 del BMW 320i para la tercera entrega del BMW Art Car Project. El logotipo de DreamWorks Records fue su último proyecto completado. "No estoy en el negocio de hacer algo así (un logotipo corporativo) y no tengo la intención de volver a hacerlo" permite Liechtenstein. "Pero conozco a Mo Ostin y David Geffen y me pareció interesante".

Reconocimiento

• 1977 Medalla Skowhegan para Pintura, Escuela Skowhegan, Skowhegan, Maine.
• 1979 American Academy of Arts and Letters, Nueva York.
• 1989 Academia Americana en Roma, Roma, Italia. Artista en residencia.
• 1991 Premio de Artes Creativas en Pintura, Universidad de Brandeis, Waltham, Massachusetts.
• 1993 Amici de Barcelona, del alcalde Pasqual Maragall, L'Alcalde de Barcelona.
• 1995 Kyoto Prize, Inamori Foundation, Kyoto, Japan.
• 1995 Medalla Nacional de las Artes, Washington D.C.

Lichtenstein recibió numerosos doctorados honorarios de, entre otros, la Universidad George Washington (1996), el Bard College, el Royal College of Art (1993), la Universidad Estatal de Ohio (1987), el Southampton College (1980) y el Instituto de California. de las Artes (1977). También sirvió en la junta directiva de la Academia de Música de Brooklyn.

En 2023, 5 de las pinturas de Lichtenstein aparecerán en las estampillas Forever de USPS: Standing Explosion (Red), Modern Painting I, Still Vida con cuenco de cristal, Naturaleza muerta con pez de colores y Retrato de mujer. Derry Noyes sirvió como la serie de sellos' directora de arte y diseñadora.

Vida privada

En 1949, Lichtenstein se casó con Isabel Wilson, quien anteriormente había estado casada con el artista de Ohio Michael Sarisky. Sin embargo, los brutales inviernos del norte del estado afectaron a Lichtenstein y su esposa, después de que comenzó a enseñar en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. La pareja vendió la casa familiar en Highland Park, Nueva Jersey, en 1963 y se divorciaron en 1965..

Lichtenstein se casó con su segunda esposa, Dorothy Herzka, en 1968. A fines de la década de 1960, alquilaron una casa en Southampton, Nueva York, que Larry Rivers había comprado a la vuelta de la esquina de su propia casa. Tres años más tarde, compraron una cochera de 1910 frente al océano en Gin Lane. Desde 1970 hasta su muerte, Lichtenstein dividió su tiempo entre Manhattan y Southampton. También tenía una casa en Captiva Island.

En 1991, Lichtenstein comenzó una aventura con la cantante Erica Wexler, quien se convirtió en la musa de su serie Nudes, incluida "Nudes with Beach Ball" de 1994. Ella tenía 22 años y él 68. La aventura duró hasta 1994 y terminó cuando Wexler se fue a Inglaterra con su futuro esposo Andy Partridge de XTC. Según Wexler, Lichtenstein y su esposa Dorothy tenían un entendimiento y ambos tenían otras personas importantes además de su matrimonio.

Lichtenstein murió de neumonía el 29 de septiembre de 1997 en el Centro Médico de la Universidad de Nueva York, donde estuvo hospitalizado durante varias semanas, cuatro semanas antes de cumplir 74 años. Le sobrevivieron su segunda esposa, Dorothy Herzka, y sus hijos, David y Mitchell, de su primer matrimonio.

Relevancia

El arte pop sigue influyendo en el siglo XXI. Pop Art from the Collection presenta una amplia selección de serigrafías de Andy Warhol y Roy Lichtenstein, así como una variedad de fotografías Polaroid de Warhol conocidas como las principales figuras del movimiento Pop Art de las décadas de 1960 y 1970.. Warhol y Lichtenstein son célebres por explorar la relación entre las bellas artes, la publicidad y el consumismo. Lichtenstein y Andy Warhol se utilizaron en el PopMart Tour de U2 de 1997 y 1998 y en una exposición de 2007 en la British National Portrait Gallery.

Entre muchas otras obras de arte perdidas en los ataques al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, una pintura de La serie del entablamento de Lichtenstein fue destruida en el incendio posterior.

Su obra Crying Girl fue una de las obras de arte que cobraron vida en Night at the Museum: Battle of the Smithsonian.

Exposiciones

En 1964, Lichtenstein se convirtió en el primer estadounidense en exponer en la Tate Gallery de Londres, con motivo de la muestra "'54–'64: Painting and Sculpture of a Decade.& #34; En 1967, se llevó a cabo su primera exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Pasadena en California. El mismo año, tuvo lugar su primera exposición individual en Europa en museos de Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover. Lichtenstein participó posteriormente en las documentas IV (1968) y VI en (1977). Lichtenstein tuvo su primera retrospectiva en el Museo Guggenheim en 1969, organizada por Diane Waldman. El Guggenheim presentó una segunda retrospectiva de Lichtenstein en 1994. Lichtenstein se convirtió en el primer artista vivo en tener exposiciones de dibujo individuales en el Museo de Arte Moderno de marzo a junio de 1987. Las encuestas retrospectivas recientes incluyen 'All About Art' de 2003. 34; Louisiana Museum of Modern Art, en Dinamarca (que viajó a la Hayward Gallery de Londres, al Museo Reina Sofía de Madrid y al Museo de Arte Moderno de San Francisco, hasta 2005); y "Clásico de lo nuevo", Kunsthaus Bregenz (2005), "Roy Lichtenstein: Meditaciones sobre el arte" Museo Triennale, Milán (2010, viajó al Museo Ludwig, Colonia). A fines de 2010, The Morgan Library & El museo mostró Roy Lichtenstein: los dibujos en blanco y negro, 1961–1968. Otra importante retrospectiva se inauguró en el Instituto de Arte de Chicago en mayo de 2012 antes de ir a la Galería Nacional de Arte de Washington, la Tate Modern de Londres y el Centro Pompidou de París en 2013. 2013:Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Esculturas íntimas, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo, Turín. 2018: Exposición en The Tate Liverpool, Merseyside, Reino Unido.

Colecciones

En 1996, la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C. se convirtió en el depósito individual más grande del trabajo del artista cuando Lichtenstein donó 154 grabados y 2 libros. El Art Institute of Chicago tiene varias obras importantes de Lichtenstein en su colección permanente, incluidas Brushstroke with Spatter (1966) y Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Las propiedades personales de la viuda de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, y de la Fundación Roy Lichtenstein se cuentan por cientos. En Europa, el Museo Ludwig de Colonia tiene una de las colecciones de Lichtenstein más completas con Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), además del Frankfurt Museum für Moderne Kunst con Nos levantamos lentamente (1964) y Yellow and Green Brushstrokes (1966). Fuera de los Estados Unidos y Europa, la Colección Kenneth Tyler de la Galería Nacional de Australia tiene una gran cantidad de grabados de Lichtenstein, que suman más de 300 obras. En total hay unas 4.500 obras que se cree están en circulación.

Fundación Roy Lichtenstein

Después de la muerte del artista en 1997, se estableció la Fundación Roy Lichtenstein en 1999. En 2011, la junta directiva de la fundación decidió que los beneficios de la autenticación eran superados por los riesgos de juicios prolongados.

A fines de 2006, la fundación envió una tarjeta navideña con una imagen de Electric Cord (1961), una pintura que había estado desaparecida desde 1970 después de que la directora la enviara al restaurador de arte Daniel Goldreyer. Galería Leo Castelli. La tarjeta instó al público a reportar cualquier información sobre su paradero. En 2012, la fundación autenticó la pieza cuando apareció en un almacén de la ciudad de Nueva York.

Entre 2008 y 2012, tras la muerte del fotógrafo Harry Shunk en 2006, la Fundación Lichtenstein adquirió la colección de material fotográfico realizado por Shunk y su János Kender, así como los fotógrafos' derechos de autor. En 2013, la fundación donó el tesoro de Shunk-Kender a cinco instituciones: Getty Research Institute en Los Ángeles; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la Galería Nacional de Arte de Washington; el Centro Pompidou de París; y la Tate de Londres, que permitirán que cada museo tenga acceso a los demás' Cuota.

Mercado del arte

Desde la década de 1950, el trabajo de Lichtenstein se ha exhibido en Nueva York y en otros lugares con Leo Castelli en su galería y en Castelli Graphics, así como con Ileana Sonnabend en su galería de París y en Ferus Gallery, Pace Gallery., Galería Gagosian, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon y Sperone Westwater Galleries, entre otras. La Galería Leo Castelli representó a Lichtenstein exclusivamente desde 1962, cuando se agotaron las entradas para una exposición individual del artista antes de su inauguración.

A partir de 1962, la Galería Leo Castelli, Nueva York, realizó exposiciones periódicas de la obra del artista. Gagosian Gallery ha estado exhibiendo obras de Lichtenstein desde 1996.

Big Painting No. 6 (1965) se convirtió en la obra de Lichtenstein de mayor precio en 1970. Al igual que toda la serie Brushstrokes, el tema de la pintura es el proceso de la pintura expresionista abstracta a través de pinceladas de barrido y gotas., pero el resultado de la simplificación de Lichtenstein que utiliza un fondo de puntos de Ben-Day es una representación de la reproducción de impresión mecánica/industrial en color.

La pintura de Lichtenstein Torpedo... Los! (1963) se vendió en Christie's por 5,5 millones de dólares en 1989, una suma récord en ese momento, lo que lo convirtió en uno de los únicos tres artistas vivos que hayan atraído sumas tan enormes. En 2005, In the Car se vendió por un precio récord de 16,2 millones de dólares (10 millones de libras esterlinas).

En 2010, su pintura estilo caricatura de 1964 Ohhh... Muy bien..., anteriormente propiedad de Steve Martin y más tarde de Steve Wynn, se vendió por un precio récord de 42,6 millones de dólares (26,7 libras esterlinas). m) en una venta en Christie's en Nueva York.

Basado en un dibujo de William Overgard de 1961 para una historieta de Steve Roper, Puedo ver toda la habitación... y no hay nadie en ella de Lichtenstein ! (1961) representa a un hombre mirando a través de un agujero en una puerta. La coleccionista Courtney Sale Ross la vendió por 43 millones de dólares, el doble de su estimación, en Christie's en la ciudad de Nueva York en 2011; el marido de la vendedora, Steve Ross, la había adquirido en una subasta en 1988 por 2,1 millones de dólares. La pintura mide cuatro pies por cuatro pies y está en grafito y óleo.

La pintura cómica Niña durmiendo (1964) de la colección de Beatrice y Phillip Gersh estableció un nuevo récord de Lichtenstein de $44,8 millones en Sotheby's en 2012.

En octubre de 2012, su cuadro Cable eléctrico (1962) fue devuelto a la viuda de Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, después de haber estado desaparecido durante 42 años. Castelli había enviado la pintura a un restaurador de arte para que la limpiara en enero de 1970 y nunca la recuperó. Murió en 1999. En 2006, la Fundación Roy Lichtenstein publicó una imagen de la pintura en su tarjeta de felicitación navideña y pidió a la comunidad artística que ayudara a encontrarla. El cuadro fue encontrado en un almacén de Nueva York, luego de haber sido exhibido en Bogotá, Colombia.

En 2013, la pintura Mujer con sombrero de flores estableció otro récord con 56,1 millones de dólares cuando la compró el joyero británico Laurence Graff al inversor estadounidense Ronald O. Perelman.

Esto se vio superado en 2015 por la venta de Nurse por 95,4 millones de dólares en una subasta de Christie's.

En enero de 2017, Masterpiece se vendió por 165 millones de dólares. El producto de esta venta se utilizará para crear un fondo para la reforma de la justicia penal.