Roca de arte

Art rock es un subgénero de la música rock que generalmente refleja un enfoque desafiante o vanguardista del rock, o que hace uso de elementos modernistas, experimentales o no convencionales. Art rock aspira a elevar el rock de entretenimiento a una declaración artística, optando por una perspectiva más experimental y conceptual de la música. Las influencias pueden provenir de géneros como la música experimental, la música de vanguardia, la música clásica y el jazz.

Su música fue creada con la intención de escuchar y contemplar más que para bailar, y a menudo se distingue por el uso de efectos electrónicos y texturas fáciles de escuchar muy alejadas de los ritmos propulsores del rock temprano. El término a veces se puede usar indistintamente con "rock progresivo", aunque este último se caracteriza en particular por su empleo de técnicas instrumentales clásicas y texturas sinfónicas.

El mayor nivel de popularidad del género fue a principios de la década de 1970 a través de artistas británicos. La música, así como la naturaleza teatral de las representaciones asociadas con el género, fue capaz de atraer a adolescentes y adultos jóvenes con inclinaciones artísticas, especialmente debido a su virtuosismo y complejidad musical/lírica. El art rock está más asociado con un cierto período de la música rock, que comienza en 1966–67 y termina con la llegada del punk rock a mediados de la década de 1970. Después, el género se fusionaría con los géneros musicales populares posteriores de las décadas de 1970 y 1990.

Definiciones

The Velvet Underground, 1968

El crítico John Rockwell dice que el art rock es uno de los géneros más variados y eclécticos del rock, con su claro sentido de desapego creativo, pretensiones de música clásica y tendencias vanguardistas y experimentales. En la música rock de la década de 1970, el "arte" generalmente se entendía que el descriptor significaba "agresivamente vanguardista" o "pretenciosamente progresista". "Arte rock" se usa a menudo como sinónimo de rock progresivo. Históricamente, el término se ha utilizado para describir al menos dos tipos de música rock relacionados, pero distintos. El primero es rock progresivo, mientras que el segundo uso se refiere a grupos que rechazaron la psicodelia y la contracultura hippie en favor de un enfoque modernista y vanguardista definido por Velvet Underground. La ensayista Ellen Willis comparó estos dos tipos:

Desde principios de los sesenta... había una contra-tradición en el rock and roll que tenía mucho más en común con el arte alto —en particular el arte vanguardista— que la síntesis de rock-rock de ballyhooed [la roca progresista]; implicaba más o menos conscientemente el uso de los canones formales básicos del rock y el rollo como material (como los artistas pop utilizaron el arte de masas en general) y refinar, elaborar, reproducir ese material para producir... Mientras que la roca del arte se basaba implícitamente en la afirmación de que el rock and roll era o podía ser tan digno como formas de arte más establecidas, el arte rock-and-roll salió de un compromiso obsesivo con el lenguaje del rock y el rollo y un desprecio igualmente obsesivo para aquellos que rechazaron ese lenguaje o querían que se regara,... la nueva ola ha heredado la contra-tradición.

Pink Floyd interpretando su álbum de concepto El lado oscuro de la luna (1973)

El art rock enfatiza las tradiciones románticas y autónomas, a diferencia de la estética de lo cotidiano y lo desechable encarnado por el arte pop. La American Popular Music de Larry Starr y Christopher Waterman define el rock artístico como una "forma de música rock que combina elementos del rock y la música clásica europea", citando a las bandas de rock inglesas. King Crimson, Emerson, Lago & Palmer y Pink Floyd como ejemplos. Las características comunes incluyen música orientada a álbumes dividida en composiciones en lugar de canciones, con secciones instrumentales y orquestación sinfónica generalmente complicadas y largas. Su música se usaba tradicionalmente en el contexto de discos conceptuales, y sus temas líricos tendían a ser "imaginativos" y políticamente orientado.

Se han identificado diferencias entre el art rock y el rock progresivo, con el art rock enfatizando las influencias vanguardistas o experimentales y la "estructura sonora novedosa", mientras que el rock progresivo se ha caracterizado por poner un mayor énfasis en la formación clásica. técnica instrumental, contenido literario y rasgos sinfónicos. Comparado con el rock progresivo, el art rock es "más desafiante, ruidoso y poco convencional" y "menos influenciado por la música clásica", con más énfasis en la música de vanguardia. Las similitudes son que ambos describen un intento mayoritariamente británico de elevar la música rock a nuevos niveles de credibilidad artística y se convirtieron en el análogo instrumental de los álbumes conceptuales y las óperas rock, que generalmente estaban más orientados a la voz.

Art rock también puede referirse al rock clásico o a una fusión progresiva de rock y folk. El ensayo de Bruce Eder The Early History of Art-Rock/Prog Rock afirma que "'rock progresivo,' también conocido como 'art rock' o 'rock clásico'" es música en la que las "bandas [tocan] suites, no canciones; tomando prestados riffs de Bach, Beethoven y Wagner en lugar de Chuck Berry y Bo Diddley; y usar un lenguaje más cercano a William Blake o T. S. Eliot que a Carl Perkins o Willie Dixon."

Historia

Década de 1960

Antecedentes

Los límites entre el arte y la música pop se volvieron cada vez más borrosos a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. El primer uso del término 'art rock', según el Merriam-Webster Online Dictionary, fue en 1968. A medida que el formato dominante de la música pop pasaba de los sencillos a los álbumes, muchas bandas de rock crearon obras que aspiraban a para hacer grandes declaraciones artísticas, donde el arte rock florecería. A medida que avanzaba a fines de la década de 1960, junto con el desarrollo del rock progresivo, el art rock adquirió notoriedad junto con el rock experimental.

Proponentes

Phil Spector (centro) en el estudio con banda de rock popular Modern Folk Quartet, 1966

Se supone que la primera figura del art rock es el productor discográfico y compositor Phil Spector, quien se hizo conocido como autor por sus producciones Wall of Sound que aspiraban a una "grandiosidad clásica". Según el biógrafo Richard Williams: “[Spector] creó un nuevo concepto: el productor como director general del proceso creativo, de principio a fin. Tomó el control de todo, eligió a los artistas, escribió o eligió el material, supervisó los arreglos, les dijo a los cantantes cómo frasear, dirigió todas las fases del proceso de grabación con la más dolorosa atención a los detalles y lanzó el resultado por su cuenta. etiqueta." Williams también dice que Spector transformó la música rock como arte interpretativo en un arte que solo podía existir en el estudio de grabación, lo que "abrió el camino para el arte rock".

Brian Wilson en el estudio, 1976

Los Beach Boys' El líder Brian Wilson también se cita como uno de los primeros ejemplos del productor musical de autor. Al igual que Spector, Wilson era conocido como un solitario obsesivo del estudio que producía laboriosamente fantásticos paisajes sonoros a través de sus dominio de la tecnología de grabación. El biógrafo Peter Ames Carlin escribió que Wilson fue el precursor de "un nuevo tipo de art-rock que combinaría las posibilidades trascendentes del arte con la accesibilidad general de la música pop". A partir de la influencia del trabajo de Wilson y el trabajo de los Beatles. productor George Martin, los productores de música después de mediados de la década de 1960 comenzaron a ver el estudio de grabación como un instrumento musical utilizado para ayudar en el proceso de composición. El crítico Stephen Holden dice que las grabaciones de mediados de la década de 1960 de los Beatles, Spector y Wilson a menudo se identifican como el inicio del arte pop, que precedió a la "grandiloma, con inflexiones clásicas" art rock que comenzó a fines de la década de 1960.

Muchos de los principales grupos británicos durante la década de 1960, incluidos los miembros de los Beatles, los Rolling Stones, los Kinks, los Who, 10cc, los Move, los Yardbirds y Pink Floyd, llegaron a la música a través de la escuela de arte. Esta institución se diferenciaba de su contraparte estadounidense en términos de tener un plan de estudios menos aplicable a la industria y en su enfoque en fomentar el talento excéntrico. A mediados de la década de 1960, varios de estos actos adoptaron un enfoque basado en el arte y la originalidad, mientras que anteriormente se habían concentrado únicamente en la interpretación auténtica de estilos musicales derivados de los EE. UU., como el rock 'n' roll y R&B.

Según el periodista Richard Goldstein, muchos músicos populares de California (como Wilson) deseaban ser reconocidos como artistas y lucharon con esta aspiración. Goldstein dice que la línea entre violar las convenciones musicales y hacer "música verdaderamente popular" causó que aquellos que no tenían "egos lo suficientemente fuertes" (a diferencia de Bob Dylan y los Beatles) estar 'condenados a un respetuoso rechazo, y unos cuantos discos con ventas decepcionantes solían significar silencio... Anhelaban la fama, como sólo puede hacerlo la gente necesitada, pero también Quería hacer arte, y cuando ambos impulsos no pudieron lograrse, retrocedieron en una bola de frenética confusión."

El autor Matthew Bannister traza "la estética camp más tímida del art rock" al artista pop Andy Warhol y la Velvet Underground, quienes emularon la síntesis arte/pop de Warhol. En consecuencia: "Warhol tomó la combinación de Spector de desencarnación, 'distancia' y refinamiento de la alta cultura con la 'inmediatez' de formas culturales de masas como el rock and roll varios estadios más adelante... Pero la estética de Warhol estaba más elaborada que la de Spector, que representaba una fase de transición entre el autorismo pasado de moda y los principios completamente posmodernos y distantes del arte pop.... El enfoque de Warhol repercute en todo el art rock, más obviamente en su postura de distanciamiento y desconexión." En 1969, los Doors también exploraron el género art rock en su cuarto álbum, The Soft Parade.

Álbumes influyentes

1965–66

El lanzamiento en diciembre de 1965 de The Beatles' Rubber Soul significó un punto de inflexión para el álbum pop, transformándolo en alcance de una colección de sencillos con pistas de menor calidad a una forma de arte distinta, llena de composiciones originales de alta calidad. El álbum obtuvo el reconocimiento de los Beatles como artistas de la prensa estadounidense, anticipando la legitimación cultural de la música rock como una forma de arte. Escribiendo en 1968, Gene Sculatti de Jazz & Pop reconoció a Rubber Soul como "el 'rock como arte' definitivo; álbum" y "el prototipo necesario" que grandes artistas como los Rolling Stones (con Aftermath) y los Beach Boys se sintieron obligados a seguir.

El período en el que la música rock se alineó más estrechamente con el arte comenzó en 1966 y continuó hasta mediados de la década de 1970. El académico Michael Johnson asocia "los primeros momentos documentados de ascensión en la música rock" a los Beach Boys' Pet Sounds y los Beatles' Sargento. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967). Lanzado en mayo de 1966, Pet Sounds surgió del deseo de Wilson de hacer una "declaración completa", como creía que los Beatles habían hecho anteriormente con Rubber Soul. En 1978, el biógrafo David Leaf escribió que el álbum anunciaba el art rock, mientras que, según The New York Observer, "Pet Sounds demostró que un grupo de pop podía hacer un pieza de duración de álbum comparable con las mejores obras de formato largo de Bernstein, Copland, Ives y Rodgers and Hammerstein." Pet Sounds también se destaca como el primer álbum conceptual de rock. En 1971, la revista Cue describió a los Beach Boys como "entre la vanguardia" en lo que se refiere al art rock, entre otros muchos aspectos relacionados con la contracultura, hasta finales de 1967.

Frank Zappa y las Madres de la Invención, 1971

La enciclopedia Music in American Life de Jacqueline Edmondson de 2013 afirma que, aunque fue precedida por ejemplos anteriores, el álbum debut de Frank Zappa and the Mothers of Invention Freak Out! (junio de 1966) llegó a ser visto como "la primera incorporación exitosa de música culta en un contexto pop". Con Los Ángeles como base desde principios de la década de 1960, Zappa pudo trabajar en un entorno en el que el radicalismo estudiantil estaba estrechamente alineado con una escena vanguardista activa, un escenario que colocó a la ciudad por delante de otros centros contraculturales en ese momento y continuaría. para informar su música. El escritor y pianista Michael Campbell comenta que el álbum "contiene una larga lista no categórica de las influencias de Zappa, desde compositores clásicos de vanguardia hasta oscuros músicos folk".

Los Beatles' Revolver (agosto de 1966) promovió la perspectiva del álbum como arte y continuó la evolución de la música pop. Liderado por el sencillo art-rock 'Eleanor Rigby', amplió el alcance del género en términos de la variedad de estilos musicales, que incluían indio, vanguardista y clásico, y el contenido lírico de el álbum, y también en su alejamiento de las nociones previas de melodía y estructura en la composición de canciones pop. Según Rolling Stone, "Revolver señaló que en la música popular, cualquier cosa, cualquier tema, cualquier idea musical, podía realizarse ahora." Al igual que con Rubber Soul, el álbum inspiró a muchos de los artistas de rock progresivo de la década de 1970, y se ha reconocido que cada una de sus canciones anticipa un nuevo subgénero o estilo.

1967

Clash Music nombra el álbum debut de la Velvet Underground de marzo de 1967 The Velvet Underground & Nico "el disco art-rock original". Bannister escribe sobre Velvet Underground: "Ninguna otra banda ejerció el mismo control sobre las mentes de los artistas, escritores y audiencias de arte/rock alternativo de las décadas de 1970 y 1980". Su influencia se repetiría a partir de la década de 1970 en varias escenas independientes de todo el mundo, y en 2006, The Velvet Underground & Nico fue incluido en la Biblioteca del Congreso' National Recording Registry, quien comentó: “Durante décadas [ha] arrojado una gran sombra sobre casi todas las subvariedades del rock de vanguardia, desde el art-rock de los 70 hasta el no-wave, el new-wave y el punk. " Sin embargo, cuando la Velvet Underground apareció por primera vez a mediados de la década de 1960, se enfrentaron al rechazo y fueron comúnmente descartados como 'marica'. banda. En 1982, el músico Brian Eno declaró que mientras The Velvet Underground & Nico inicialmente vendió solo 30.000 copias, "todos los que compraron una de esas 30.000 copias comenzaron una banda."

Los Beatles' Paul McCartney consideró Pet Sounds "el disco de la época" y, en junio de 1967, la banda respondió con su propio álbum: Sgt. Pepper's, que también fue influenciado por Freak Out! AllMusic afirma que la primera ola de músicos de art rock se inspiró en Sgt. Pepper's y creían que para que la música rock creciera artísticamente, debían incorporar elementos de la música clásica y europea al género. Muchos grupos británicos florecieron tras el álbum; los que figuran en Music in American Life incluyen Moody Blues, Strawbs, Genesis y "sobre todo", Pink Floyd. El Roger Waters de la banda declaró más tarde que tanto Sgt. Pepper y Pet Sounds "cambiaron por completo todo sobre los discos" para él.

1970-1990

El mayor nivel de popularidad del art rock fue a principios de la década de 1970 a través de artistas británicos como King Crimson y Queen.

David Bowie fotografiado en 1974

A principios de la década, Pink Floyd lanzó Atom Heart Mother, con la canción principal de 23 minutos ocupando toda la primera cara del LP. Este experimento con el colaborador Ron Geesin produjo la canción ininterrumpida de Pink Floyd más larga que se haya registrado, una suite dividida en seis partes, que a veces requería que la banda utilizara un coro y una sección de metales en la gira. El álbum fue un éxito comercial y le dio a la banda su primer disco número uno en el Reino Unido. Señaló un cambio en su música desde las incursiones psicodélicas de sus álbumes de finales de los 60 hacia un período de creatividad renovada en forma de música rock más larga y progresiva.

El entusiasmo por las exploraciones de rocas artísticas se desvaneció a mediados de la década de 1970. Desde entonces hasta la década de 1990, el art rock se infundió en varios géneros de música popular. Encyclopædia Britannica afirma que las tendencias de su género fueron continuadas por algunos artistas británicos y estadounidenses de hard rock y pop rock, y que las colaboraciones de Brian Eno a finales de los 70 y principios de los 80 con David Bowie y Los Talking Heads son un ejemplo de "la exitosa infusión de las tendencias del art rock en otros géneros musicales populares". Bowie y Eno colaboraron en una serie de álbumes consecutivos llamados "Berlin Trilogy", caracterizados como una "art rock trifecta" por Consequence of Sound, quien señaló que en el momento de su lanzamiento, "Los discos experimentales no estaban conectando con el público en la escala a la que Bowie estaba acostumbrado... New Wave había explotado, y una generación de descendientes de Bowie había subido al escenario."

En la década de 1980, una nueva generación de art rockers ingleses ocupó el lugar de bandas de la década de 1970 como Roxy Music, Yes, Genesis, Jethro Tull y Emerson, Lake & Palmero. El periodista Roy Trakin dice: "Por supuesto, estos incondicionales aún pueden llenar el Madison Square Garden y vender una gran cantidad de discos, como siempre lo han hecho, pero sus días de aventura e innovación musical quedaron atrás, reemplazados por el satisfacción petulante del éxito comercial."