Roberto Altman

Robert Bernard Altman (AWLT-mən; 20 de febrero de 1925 - 20 de noviembre de 2006) fue un director de cine, guionista y productor estadounidense. Fue cinco veces nominado al Premio de la Academia al Mejor Director y es considerado una figura perdurable de la era del Nuevo Hollywood.

El estilo cinematográfico de Altman abarcaba muchos géneros, pero por lo general con un tono "subversivo" giro que típicamente se basó en la sátira y el humor para expresar sus puntos de vista personales. Altman se ganó la reputación de ser "anti-Hollywood" e inconformista tanto en sus temas como en su estilo de dirección. Los actores disfrutaron especialmente trabajando bajo su dirección porque los animó a improvisar, inspirando así su propia creatividad.

Prefería grandes conjuntos de reparto para sus películas y desarrolló una técnica de grabación multipista que producía diálogos superpuestos de varios actores. Esto produjo una experiencia más natural, más dinámica y más compleja para el espectador. También utilizó un trabajo de cámara muy móvil y lentes de zoom para mejorar la actividad que se desarrollaba en la pantalla. La crítica Pauline Kael, al escribir sobre su estilo de dirección, dijo que Altman podía "hacer fuegos artificiales cinematográficos con casi nada". Los logros como director más famosos de Altman incluyen M*A*S*H (1970), McCabe & Sra. Miller (1971), El largo adiós (1973), Nashville (1975), 3 mujeres (1977), El jugador (1992), Atajos (1993) y Gosford Park (2001).

En 2006, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas reconoció el trabajo de Altman con un Premio Honorífico de la Academia. Nunca ganó un Oscar competitivo a pesar de las siete nominaciones. Sus películas M*A*S*H, McCabe & Mrs. Miller, The Long Goodbye y Nashville han sido seleccionadas para el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos. Altman es uno de los tres cineastas cuyas películas han ganado el Oso de Oro en Berlín, el León de Oro en Venecia y la Palma de Oro en Cannes (los otros dos son Henri-Georges Clouzot y Michelangelo Antonioni).

Primeros años

Altman nació el 20 de febrero de 1925 en Kansas City, Missouri, hijo de Helen (de soltera Matthews), una Mayflower descendiente de Nebraska, y Bernard Clement Altman, un rico vendedor de seguros y jugador aficionado, que provenía de una familia de clase alta. La ascendencia de Altman era alemana, inglesa e irlandesa; su abuelo paterno, Frank Altman Sr., anglicanizó la ortografía del apellido de "Altmann" a 'Altman'. Altman tuvo una educación católica, pero no siguió ni practicó la religión como adulto, aunque se le ha llamado "una especie de católico" y un director católico. Fue educado en escuelas jesuitas, incluida la escuela secundaria Rockhurst, en Kansas City. Se graduó de la Academia Militar Wentworth en Lexington, Missouri en 1943.

Poco después de graduarse, Altman se unió a las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos a la edad de 18 años. Durante la Segunda Guerra Mundial, Altman voló más de 50 misiones de bombardeo como copiloto de un B-24 Liberator con el 307th Bomb Group en Borneo y las Indias Orientales Holandesas. Tras su descarga en 1947, Altman se mudó a California. Trabajó en publicidad para una empresa que había inventado una máquina de tatuar para identificar perros. Comenzó a hacer cine por capricho, vendiendo un guión a RKO para la película de 1948 Bodyguard, que coescribió con George W. George. El éxito inmediato de Altman lo animó a mudarse a la ciudad de Nueva York, donde intentó forjar una carrera como escritor. Habiendo disfrutado de poco éxito, regresó a Kansas City en 1949; donde aceptó un trabajo como director y guionista de películas industriales para Calvin Company. Altman dirigió unas 65 películas industriales y documentales para Calvin Company. A través de sus primeros trabajos en películas industriales, Altman experimentó con técnicas narrativas y desarrolló su característico uso de diálogos superpuestos. En febrero de 2012, el cineasta Gary Huggins encontró una de las primeras películas de Calvin dirigida por Altman, Modern Football (1951).

Carrera

Década de 1950

Las primeras incursiones de Altman en la dirección de televisión fueron en la serie dramática de DuMont Pulse of the City (1953–1954) y en un episodio de la serie del oeste de 1956 The Sheriff of Cochise. En 1956, un empresario local lo contrató para escribir y dirigir un largometraje en Kansas City sobre la delincuencia juvenil. La película, titulada The Delinquents, realizada por $ 60,000, fue comprada por United Artists por $ 150,000 y estrenada en 1957. Aunque primitiva, esta película de explotación adolescente contenía los cimientos del trabajo posterior de Altman en su uso del diálogo casual y naturalista. Con su éxito, Altman se mudó de Kansas City a California por última vez. Codirigió La historia de James Dean (1957), un documental que se estrenó en los cines para capitalizar la reciente muerte del actor y comercializado entre sus seguidores de culto emergentes. Ambos trabajos llamaron la atención de Alfred Hitchcock, quien contrató a Altman como director para su serie de antología de CBS Alfred Hitchcock Presents. Después de solo dos episodios, Altman renunció debido a diferencias con un productor, pero esta exposición le permitió forjar una exitosa carrera televisiva. Durante la década siguiente, Altman trabajó prolíficamente en televisión (y casi exclusivamente en series dramáticas) dirigiendo múltiples episodios de Whirlybirds, The Millionaire, U.S. Marshal, Los solucionadores de problemas, Los felices años 20, Bonanza, Parada de autobús, Kraft Mystery Theatre, Combat!, así como episodios individuales de varias otras series destacadas, incluidas Hawaiian Eye, Maverick (la cuarta temporada episodio "Bolt From the Blue" también escrito por Altman y protagonizado por Roger Moore), Lawman, Surfside 6, Peter Gunn y Ruta 66.

Década de 1960

En la década de 1960, Altman se estableció como director de televisión debido a su capacidad para trabajar de manera rápida y eficiente con un presupuesto limitado. Aunque fue despedido con frecuencia de proyectos de televisión por negarse a cumplir con los mandatos de la red, Altman siempre pudo conseguir nuevas asignaciones. En 1964, los productores decidieron expandir "Once Upon a Savage Night", uno de sus episodios de Kraft Suspense Theatre, para estrenarlo como una película para televisión bajo el título Nightmare en Chicago. En un episodio de 1963, 'The Hunt', su elenco incluía a James Caan y Bruce Dern.

Dos años más tarde, Altman fue contratado para dirigir la función de viajes espaciales de bajo presupuesto Countdown, pero fue despedido a los pocos días de la conclusión del proyecto porque se había negado a editar la película para una longitud manejable. Trabajó nuevamente con Caan, quien lideró el elenco con Robert Duvall. No dirigió otra película hasta Ese día frío en el parque (1969), que fue un desastre de crítica y taquilla.

Durante la década, Altman comenzó a expresar subtextos políticos dentro de sus obras. En particular, expresó sentimientos contra la guerra con respecto a la guerra de Vietnam. Debido a esto, la carrera de Altman sufriría un poco cuando se le asoció con el movimiento contra la guerra.

Década de 1970

En 1969, a Altman se le ofreció el guión de MASH, una adaptación de una novela poco conocida de la era de la Guerra de Corea que satirizaba la vida en las fuerzas armadas; más de una docena de otros cineastas lo habían dejado pasar. Altman había dudado en aceptar la producción, y el rodaje fue tan tumultuoso que Elliott Gould y Donald Sutherland intentaron despedir a Altman por sus métodos de filmación poco ortodoxos. Sin embargo, MASH fue ampliamente aclamado como un clásico desde su lanzamiento en 1970. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1970 y obtuvo cinco nominaciones a los Premios de la Academia. Fue la película más taquillera de Altman, estrenada durante una época de creciente sentimiento contra la guerra en los Estados Unidos. El Archivo de Cine de la Academia conservó MASH en 2000.

Ahora reconocido como un gran talento, Altman obtuvo éxitos críticos con McCabe & Mrs. Miller (1971), un western revisionista en el que las canciones mordaces de Leonard Cohen subrayan una visión descarnada de la frontera estadounidense; The Long Goodbye (1973), una controvertida adaptación de la novela de Raymond Chandler (escrita por Leigh Brackett) ahora catalogada como una influencia fundamental en el subgénero neo-noir; Thieves Like Us (1974), una adaptación de la novela de Edward Anderson previamente filmada por Nicholas Ray como They Live by Night (1949); California Split (1974), una comedia dramática sobre apuestas filmada parcialmente en locaciones de Reno, Nevada; y Nashville (1975), que tenía un fuerte tema político frente al mundo de la música country. Las estrellas de la película escribieron sus propias canciones; Keith Carradine ganó un premio de la Academia por la canción 'I'm Easy'. Aunque sus películas a menudo se encontraron con avisos de división, muchos de los críticos de cine destacados de la época (incluidos Pauline Kael, Vincent Canby y Roger Ebert) se mantuvieron firmemente fieles a su estilo de dirección durante toda la década.

El público se tomó un tiempo para apreciar sus películas y él no quería tener que satisfacer a los funcionarios del estudio. En 1970, tras el lanzamiento de MASH, fundó Lion's Gate Films para tener libertad de producción independiente. La compañía de Altman no debe confundirse con la actual Lionsgate, una compañía de Canadá/EE. empresa de entretenimiento Las películas que realizó a través de su compañía incluyeron Brewster McCloud, A Wedding, 3 Women y Quintet.

Década de 1980

Altman con Lillian Gish y Lily Tomlin Nashville ceremonia de entrega de premios en 1976

En 1980, dirigió la película musical Popeye. Producida por Robert Evans y escrita por Jules Feiffer, la película se basó en la tira cómica/caricatura del mismo nombre y fue protagonizada por Shelley Duvall y el comediante Robin Williams en su debut cinematográfico. Diseñado como un vehículo para aumentar la influencia comercial de Altman después de una serie de películas de bajo presupuesto aclamadas por la crítica pero sin éxito comercial a fines de la década de 1970 (incluidas 3 Mujeres, A Boda y Quinteto), la producción fue filmada en locaciones de Malta. Pronto se vio acosado por el consumo excesivo de drogas y alcohol entre la mayoría del elenco y el equipo, incluido el director; Según los informes, Altman se enfrentó con Evans, Williams (quien amenazó con dejar la película) y el compositor Harry Nilsson (quien se fue a la mitad del rodaje, dejando a Van Dyke Parks para terminar las orquestaciones). Aunque la película recaudó $ 60 millones en todo el mundo con un presupuesto de $ 20 millones y fue la segunda película más taquillera que Altman había dirigido hasta ese momento, no cumplió con las expectativas del estudio y se consideró una decepción de taquilla.

En 1981, el director vendió Lion's Gate al productor Jonathan Taplin después de que su sátira política Health (filmada a principios de 1979 para un estreno navideño) fuera archivada por la distribuidora 20th Century Fox después de pruebas tibias y proyecciones en festivales a lo largo de 1980. La salida de Fox del antiguo partidario de Altman, Alan Ladd Jr., también desempeñó un papel decisivo en la prevención del estreno de la película.

Incapaz de asegurar una financiación importante en la era posterior a los éxitos de taquilla de New Hollywood debido a su reputación voluble y los eventos particularmente tumultuosos que rodearon la producción de Popeye, Altman comenzó a "dirigir propiedades dramáticas literarias". con presupuestos reducidos para escenarios, videos domésticos, televisión y estrenos limitados en cines," incluyendo el aclamado Secret Honor y Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, una adaptación críticamente antípoda de una obra que Altman había dirigido en Broadway.

En 1982, Altman realizó una producción de The Rake's Progress de Igor Stravinsky en la Universidad de Michigan, donde al mismo tiempo impartía un curso sobre sus películas. Poco después, volvió a filmar Secret Honor con estudiantes. En 2008, la Biblioteca de la Universidad de Michigan adquirió el archivo de Altman. También coescribió el exitoso sencillo de 1983 de John Anderson 'Black Sheep'.

La comedia adolescente O.C. and Stiggs (1985), un regreso fallido a la cinematografía de Hollywood caracterizado retrospectivamente por el British Film Institute como 'probablemente la película menos exitosa de Altman', recibió un lanzamiento comercial limitado tardío en 1987 después de siendo archivado por MGM.

Adaptada por Altman y Sam Shepard para The Cannon Group de la obra nominada al Premio Pulitzer de Shepard, Fool for Love (1985) contó con el dramaturgo y actor junto a Kim Basinger, Harry Dean Stanton y Randy Quaid; le fue mejor que a la mayoría de sus películas de la época, ganando $ 900,000 a nivel nacional con un presupuesto de $ 2 millones y críticas positivas de Roger Ebert y Vincent Canby. Aún así, la popularidad generalizada entre el público siguió eludiéndolo.

Continuó recuperando un mínimo de favor de la crítica por su falso documental televisivo Tanner '88 (1988), una colaboración con Garry Trudeau ambientada en el entorno de una campaña presidencial de los Estados Unidos, por que ganó un premio Primetime Emmy.

Década de 1990

En 1990, Altman dirigió Vincent & Theo, una película biográfica sobre Vincent van Gogh que fue concebida como una miniserie de televisión para su emisión en el Reino Unido. Una versión teatral de la película fue un éxito modesto en los Estados Unidos, marcando un punto de inflexión significativo en el resurgimiento crítico del director.

Altman en el Festival de Cine de Cannes 1992

Él revitalizó su carrera en serio con The Player (1992), una sátira de Hollywood. Coproducida por el influyente David Brown (The Sting, Tiburón, Cocoon), la película fue nominada a tres Premios de la Academia, incluido el de Mejor Director.. Si bien no ganó el Oscar, fue premiado como Mejor Director por el Festival de Cine de Cannes, BAFTA y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.

Altman luego dirigió Short Cuts (1993), una ambiciosa adaptación de varias historias cortas de Raymond Carver, que retrata la vida de varios ciudadanos de Los Ángeles a lo largo de varios días. El gran elenco de la película y el entrelazamiento de muchas historias diferentes fueron similares a sus películas de gran elenco de la década de 1970; ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 1993 y otra nominación al Oscar al Mejor Director.

El resto de la década de 1990 vio un éxito limitado para Altman. Su lanzamiento de 1994 Prêt-à-Porter (también conocido como Ready to Wear) obtuvo una importante publicidad previa al lanzamiento, pero fue un fracaso comercial y de crítica, aunque obtuvo varias nominaciones. para los premios de fin de año, incluidas dos nominaciones al Globo de Oro y ganó el premio de la Junta Nacional de Revisión a la Mejor Actuación de un Conjunto. En 1996, Altman dirigió Kansas City, expresando su amor por el jazz de los años 30 a través de una complicada historia de secuestro. La historia recibió críticas entre tibias y positivas, pero no logró casi nada en la taquilla, al igual que el thriller legal de 1998 The Gingerbread Man.

Cerró la década con una nota alta, con Cookie's Fortune de 1999, una peculiar comedia negra sobre el suicidio de una viuda adinerada, su primera película en casi 6 años para recuperar su presupuesto, y que le valió elogios generalmente positivos de la crítica. Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias en 1999.

Años 2000

Gosford Park (2001), un misterio de asesinato en una casa de campo británica de gran elenco, se incluyó en la lista de muchos críticos. listas de las diez mejores películas de ese año. Ganó el Premio de la Academia al Mejor Guión Original (Julian Fellowes) y seis nominaciones más, incluidas dos para Altman, como Mejor Director y Mejor Película.

Trabajar con estudios independientes como Fine Line, ahora cerrado, Artisan (que fue absorbido por el actual Lionsgate) y USA Films (ahora Focus Features), le dio a Altman la ventaja para hacer el tipo de películas que siempre quise hacer sin la interferencia del estudio. En junio de 2006 se estrenó una versión cinematográfica de la serie de radio pública de Garrison Keillor A Prairie Home Companion. Altman seguía desarrollando nuevos proyectos hasta su muerte, incluida una película basada en Hands sobre un cuerpo duro: el documental (1997).

En 2006, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas otorgó a Altman un Premio Honorario de la Academia por su Trayectoria. Durante su discurso de aceptación, reveló que había recibido un trasplante de corazón aproximadamente diez u once años antes. Luego, el director bromeó diciendo que tal vez la Academia había actuado prematuramente al reconocer el cuerpo de su trabajo, ya que sentía que podría tener cuatro décadas más de vida por delante.

Estilo y técnica de dirección

Inconformista y autor

retrato de Altman, tomada en 1983

Después de su exitosa carrera en la televisión, Altman comenzó su nueva carrera en la industria del cine cuando estaba en la mediana edad. Comprendió los límites creativos impuestos por el género televisivo y ahora se dispuso a dirigir y escribir películas que expresaran sus visiones personales sobre la sociedad estadounidense y Hollywood. Más tarde, sus películas serían descritas como "ataques autorísticos" y "variaciones idiosincrásicas" de las películas tradicionales, utilizando típicamente la comedia sutil o la sátira como una forma de expresar sus observaciones.

Sus películas generalmente estaban relacionadas con temas políticos, ideológicos y personales, y Altman era conocido por "negarse a comprometer su propia visión artística". Ha sido descrito como "anti-Hollywood," a menudo ignorando las presiones sociales que afectaban a otros en la industria, lo que le dificultaba que se vieran muchas de sus películas. Dijo que su independencia como cineasta lo ayudó en general:

No creo que haya un cineasta vivo, o que haya vivido, que haya tenido mejor sacudido de lo que he tenido. Nunca he estado sin un proyecto y siempre ha sido un proyecto de mi elección. Así que no sé cuánto mejor podría ser. No me he convertido en un mugul, no construyo castillos y no tengo una gran fortuna personal, pero he sido capaz de hacer lo que he querido hacer y lo he hecho mucho.

"Altman era un auténtico inconformista del cine," afirma el autor Ian Freer, porque iba en contra de la conformidad comercial de la industria del cine: "Era el azote del establecimiento cinematográfico, y su trabajo generalmente lanzó una mirada astuta y mordaz sobre la amplitud de la cultura estadounidense, a menudo géneros explosivos". y arquetipos de personajes; Altman estaba fascinado por las personas con imperfecciones, las personas como realmente son, no como las películas te hacen creer." El director Alan Rudolph, durante un tributo especial a Altman, se refiere a su estilo cinematográfico como 'Altmanesco'.

Con su estilo independiente de dirección, desarrolló una mala reputación entre los guionistas y aquellos en el lado comercial de las películas. Él admite: "Tengo una mala reputación con los escritores, desarrollada a lo largo de los años: 'Oh, él no hace lo que escribes, bla, bla, bla".... Ring Lardner estaba muy cabreado conmigo," por no seguir su guión. Altman tampoco se llevaba bien con los jefes de estudio, una vez golpeó a un ejecutivo en la nariz y lo arrojó a una piscina porque insistió en cortar seis minutos de una película en la que estaba trabajando.

Su reputación entre los actores era mejor. Con ellos, su independencia a veces se extendió a la elección de los actores, a menudo en contra del consenso. Cher, por ejemplo, le atribuye el lanzamiento de su carrera tanto con la obra de teatro como con la película Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). "Sin Bob, nunca hubiera tenido una carrera cinematográfica. Todos le dijeron que no me echara. Todos... Nadie me daría un respiro. Estoy convencido de que Bob fue el único que fue lo suficientemente valiente como para hacerlo." Otros, como Julianne Moore, describen trabajar con él:

Sabes, toda esta charla sobre Bob siendo este tipo de persona irascible y difícil? Bueno, nunca fue así con un actor o con una persona creativa que vi. Nunca, nunca, nunca. Él salvó todo eso por la gente del dinero.

El director Robert Dornhelm dijo que Altman "veía el cine como un lugar artístico puro." Con Short Cuts (1993), por ejemplo, el distribuidor "le rogó" para recortar unos minutos de la duración, para mantenerlo comercialmente viable: 'Bob simplemente pensó que el anticristo estaba tratando de destruir su arte'. Eran personas bien intencionadas que querían que él obtuviera lo que se merecía, lo cual fue un gran éxito comercial. Pero cuando se trataba del arte o del dinero, él estaba con el arte."

Sally Kellerman, notando la actitud obstinada de Altman, miró hacia atrás con pesar por haber renunciado a la oportunidad de actuar en una de sus películas:

Acabo de terminar de filmar. El último de los amantes calientes rojos cuando Bob me llamó un día en casa. "Sally, ¿quieres estar en mi foto después de lo siguiente?" preguntó. "Sólo si es una buena parte", dije. Me colgó.

Bob era tan terco y arrogante como yo era en ese momento, pero lo triste es que me engañé de trabajar con alguien que tanto amaba, alguien que hizo actuar divertido y fácil y que confiaba en sus actores. Bob amaba a los actores. Estrellas se alinearían para trabajar por nada para Bob Altman.

Temas y materias

A diferencia de los directores cuyo trabajo encaja en varios géneros cinematográficos, como westerns, musicales, películas de guerra o comedias, el trabajo de Altman se ha definido como más "antigénero" por varios críticos. Esto se debe en parte a la naturaleza satírica y cómica de muchas de sus películas. Geraldine Chaplin, hija de Charlie Chaplin, comparó el humor de sus películas con las de su padre:

Son graciosos de la manera correcta. Divertido de una manera crítica — de lo que es el mundo y del mundo en el que vivimos. Ambos eran genios en su camino. Ellos alteran su experiencia de la realidad. Tienen su mundo y tienen su humor. Ese humor es tan raro.

Altman dejó en claro que no le gustaba la "narración de historias" en sus películas, contrariamente a la forma en que se hacen la mayoría de las películas de televisión y comerciales. Según el biógrafo de Altman, Mitchell Zuckoff, "no le gustaba la palabra 'historia' creyendo que una trama debe ser secundaria a una exploración del comportamiento humano puro (o, mejor aún, impuro)." Zuckoff describe los propósitos que subyacen en muchas de las películas de Altman: "Le encantaba la naturaleza caótica de la vida real, con perspectivas conflictivas, giros sorprendentes, acciones inexplicables y finales ambiguos". Le encantaban especialmente muchas voces, a veces discutiendo, a veces acordando, idealmente superpuestas, un cóctel o una escena callejera capturada mientras la experimentaba. Julianne Moore, después de ver algunas de sus películas, le da crédito al estilo de dirección de Altman por su decisión de convertirse en actriz de cine, en lugar de actriz de teatro:

Lo sentí muy fuerte. Y pensé: "No sé quién es este tipo, pero eso es lo que quiero hacer. Quiero hacer ese tipo de trabajo." A partir de entonces vería sus películas cuando pudiera, y siempre era mi director favorito absoluto, por lo que dijo temática y emocionalmente y cómo se sentía por la gente.

El autor cinematográfico Charles Derry escribe que las películas de Altman "característicamente contienen observaciones perspicaces, intercambios reveladores y momentos de clara revelación de la locura humana". Debido a que Altman era un observador astuto de la sociedad y 'especialmente interesado en las personas', señala Derry, muchos de sus personajes cinematográficos tenían 'esa descuidada imperfección asociada con los seres humanos tal como son, con la vida tal como se vive'. Como resultado, sus películas suelen ser una crítica indirecta de la sociedad estadounidense.

Para muchas de las películas de Altman, el contenido satírico es evidente: MASH (1970), por ejemplo, es una comedia negra satírica ambientada durante la Guerra de Corea; McCabe &amperio; Mrs. Miller (1971) es una sátira del western; el autor Matthew Kennedy afirma que Nashville (1975) es una "brillante sátira de Estados Unidos inmediatamente antes del Bicentenario"; A Wedding (1978) es una sátira sobre los rituales y la hipocresía del matrimonio estadounidense; El mismo Altman dijo que The Player (1992) era "una sátira muy suave" sobre la industria cinematográfica de Hollywood, y Vincent Canby estuvo de acuerdo, afirmando que "como sátira, The Player hace cosquillas". No extrae sangre." La sátira de sus películas a veces condujo a su fracaso en la taquilla si la distribuidora no entendía su naturaleza satírica. Altman culpa del fracaso de taquilla de The Long Goodbye (1973), una historia de detectives, a la comercialización errónea de la película como un thriller:

Cuando la foto se abrió, fue un gran flop... Fui a David Picker y le dije: "No puedes hacer esto. No es de extrañar que la puta foto esté fallando. Da la impresión equivocada. Lo haces parecer un thriller y no lo es, es una sátira.

Del mismo modo, Altman también culpa al fracaso de O.C. &amperio; Stiggs sobre su comercialización como una típica 'película para adolescentes', en lugar de cómo lo filmó, una "sátira de una película de adolescentes", él dijo.

Diálogo de improvisación

Altman favorecía las historias que expresaban las interrelaciones entre varios personajes, estando más interesado en la motivación de los personajes que en las tramas intrincadas. Por lo tanto, tendía a esbozar solo una trama básica para la película, refiriéndose al guión como un "modelo" Para acción. Al animar a sus actores a improvisar diálogos, Altman se hizo conocido como un 'director de actores'. una reputación que atrajo a muchos actores notables para trabajar como parte de sus grandes elencos. Los artistas disfrutan trabajar con Altman en parte porque "les brinda la libertad de desarrollar sus personajes y, a menudo, alterar el guión a través de la improvisación y la colaboración" señala Derry. Richard Baskin dice que "Bob era bastante extraordinario en su forma de dejar que la gente hiciera lo que hacía". Él confió en ti para hacer lo que hiciste y por lo tanto matarías por él."

Geraldine Chaplin, que actuó en Nashville, recuerda una de sus primeras sesiones de ensayo:

Dijo: "¿Has traído tus guiones?" Dijimos que sí. Dijo: "Bueno, tíralos. No los necesitas. Necesitas saber quién eres y dónde estás y con quién estás."... Era como estar en el escenario con una casa completa cada segundo. Todos los actos de circo que tenías dentro de tu cuerpo harías solo por él.

Altman regularmente dejaba que sus actores desarrollaran un personaje a través de la improvisación durante el ensayo o, a veces, durante la filmación real. Tal improvisación era poco común en el cine debido al alto costo de producción de películas que requiere una planificación cuidadosa, guiones precisos y ensayos antes de exponer la costosa película. Sin embargo, Altman prefirió usar la improvisación como una herramienta para ayudar a sus actores a desarrollar su carácter. Altman dijo que "una vez que comenzamos a filmar, es algo muy establecido". La improvisación es mal entendida. No solo soltamos a la gente." Aunque trató de evitar dictar cada movimiento de un actor, prefiriendo dejar que tuvieran el control:

Cuando escribo una película, la mayoría de mi trabajo creativo se hace. Tengo que estar ahí para encender el interruptor y darles aliento como figura paterna, pero hacen todo el trabajo... Todo lo que intento hacer es hacerlo fácil en el actor, porque una vez que empiezas a disparar, el actor es el artista... Tengo que darles confianza y ver que tienen una cierta cantidad de protección para que puedan ser creativos... Les dejé hacer para lo que se convirtieron en actores en primer lugar: crear.

Carol Burnett recuerda que Altman admitió que muchas de las ideas de sus películas provenían de los actores. “Nunca escuchas a un director decir eso. Eso fue realmente algo asombroso," ella dijo. Otros, como Jennifer Jason Leigh, se volvieron creativos:

Él te inspiraría por la necesidad de inventar cosas de las que no sabías que eras capaz, que no sabías que tenías en ti. Era tan genuinamente travieso y tan gracioso.

Le gustaba trabajar con muchos de los mismos artistas, incluidos Shelley Duvall y Bert Remsen (7 películas cada uno); Paul Dooley (6 películas); Michael Murphy (5 películas); Jeff Goldblum, Lily Tomlin, Lyle Lovett, Henry Gibson, David Arkin y John Schuck (4 películas cada uno); Tim Robbins, Carol Burnett, Belita Moreno, Richard E. Grant, Geraldine Chaplin, Craig Richard Nelson, Sally Kellerman y Keith Carradine (3 películas cada uno). Krin Gabbard agrega que a Altman le gustaba usar actores 'que prosperan como improvisadores', ' como Elliott Gould, que protagonizó tres de sus películas, MASH, The Long Goodbye y California Split. Gould recuerda que cuando filmaba MASH, su primer trabajo actoral con Altman, él y su coprotagonista Donald Sutherland no creían que Altman supiera lo que estaba haciendo. Escribió años más tarde: "Creo que en retrospectiva, Donald y yo éramos dos actores elitistas y arrogantes que realmente no entendían el genio de Altman". Otros en el elenco apreciaron de inmediato el estilo de dirección de Altman. René Auberjonois explica:

Pensamos que así eran las películas. Que eran tan alegres una experiencia. Si tenías algún tipo de carrera, rápidamente viste que la mayoría de los directores no confían en los actores, realmente no quieren ver actores actuando. Esa fue la diferencia con Bob Altman. Amaba a los actores y quería ver actuar.

A diferencia de la televisión y las películas tradicionales, Altman también evitó la "narración convencional" y optaría por mostrar la "confusión ocupada de la vida real" observa Albert Lindauer. Entre las diversas técnicas para lograr este efecto, sus películas a menudo incluyen "una profusión de sonidos e imágenes, con grandes elencos o personajes locos, tramas múltiples o ninguna trama... y una confianza en la improvisación.&# 34; Unos meses antes de morir, Altman trató de resumir los motivos detrás de su estilo cinematográfico:

equiparar este trabajo más con la pintura que con el teatro o la literatura. Las historias no me interesan. Básicamente, estoy más interesado en el comportamiento. No me dirijo, veo. Tengo que estar emocionada si espero que el público esté emocionado. Porque lo que realmente quiero ver de un actor es algo que nunca he visto antes, así que no puedo decirles lo que es. Intento animar a los actores a no tomar turnos. Para tratar la conversación como conversación. Quiero decir, ese es el trabajo, creo. Es hacer un área de confort para que un actor pueda ir más allá de lo que pensó que podía hacer.

Técnicas de sonido

Altman fue uno de los pocos cineastas que "prestó toda su atención a las posibilidades del sonido" al filmar. Trató de replicar los sonidos de conversación naturales, incluso con grandes elencos, conectando micrófonos ocultos a los actores y luego grabándolos hablando entre sí con múltiples bandas sonoras. Durante la filmación, usó auriculares para asegurarse de que se pudieran escuchar los diálogos importantes, sin enfatizarlos. Esto produjo una "experiencia de audio densa" para los espectadores, permitiéndoles escuchar múltiples fragmentos de diálogo, como si estuvieran escuchando varias conversaciones privadas. Altman reconoció que aunque los grandes elencos perjudican comercialmente a una película, "me gusta ver que suceden muchas cosas".

Altman utilizó por primera vez bandas sonoras superpuestas en MASH (1970), una técnica de sonido que el autor de la película Michael Barson describe como "una innovación impresionante en ese momento". Lo desarrolló, dijo Altman, para obligar a los espectadores a prestar atención y participar en la película como si fueran participantes activos. Según algunos críticos, uno de los usos más extremos de la técnica se encuentra en McCabe and Mrs. Miller (1971), también considerada entre sus mejores películas.

El historiador y estudioso del cine Robert P. Kolker señaló que la simultaneidad auditiva y visual en las películas de Altman era fundamental, ya que representaba un énfasis en la pluralidad de eventos, lo que requería que los espectadores se convirtieran en espectadores activos.

Elencos de conjunto

La superposición de diálogos entre grandes grupos de actores añade complejidad a las películas de Altman, y a menudo se las criticaba por parecer desordenadas o desconectadas en la primera visualización. Algunos de sus críticos cambiaron de opinión después de volver a verlos. El crítico de cine británico David Thomson le dio a Nashville (1975) una mala crítica después de verla por primera vez, pero luego escribió: "Pero volviendo a Nashville y algunos de las películas anteriores... me hicieron reflexionar: sigue siendo enigmático cuán organizada o decidida es Nashville... El mosaico, o la mezcla, permite una libertad y una idiosincrasia humana que Renoir podría haber admirado. " Durante la realización de la película, los actores se inspiraron y la coprotagonista Ronee Blakley estaba convencida del éxito final de la película:

Sí, pensé que iba a ser genial, todo el trabajo era tan bueno, cada actor estaba inspirado, y el equipo de Altman era intensamente competente, y él era ese tipo raro de genio que sabe lo que funciona y lo que no está sucediendo en el momento.

Thomson luego reconoció esos aspectos como parte del estilo de Altman, comenzando con MASH (1970): "MASH comenzó a desarrollar el aspecto crucial Estilo Altman de superposición, sonido borroso e imágenes tan resbaladizas con el zoom que no había sentido de composición. Eso es lo que hace que Nashville sea tan absorbente." Altman explicó que, para él, ese diálogo superpuesto en sus películas estaba más cerca de la realidad, especialmente con grupos grandes: "Si tienes catorce personas en una mesa, me parece que es bastante improbable". que solo dos de ellos van a estar hablando." Pauline Kael escribe que Altman, "el maestro de los grandes conjuntos, la acción relajada y las voces superpuestas, demuestra que... puede hacer fuegos artificiales cinematográficos con casi nada".

Fotografía

El estilo distintivo de dirección de Altman se trasladó a sus preferencias para el trabajo de cámara. Entre ellos estaba su uso de composiciones de pantalla ancha, con la intención de capturar a muchas personas o actividades que tienen lugar en la pantalla al mismo tiempo. Para algunas películas, como McCabe and Mrs. Miller, creó una poderosa atmósfera visual con el director de fotografía Vilmos Zsigmond, como escenas con un trabajo de cámara fluido, lentes con zoom y un efecto ahumado con filtros de niebla especiales. El director Stanley Kubrick le dijo a Altman que "el trabajo de cámara fue maravilloso" y preguntó, "¿Cómo lo hiciste?"

En Nashville, Altman usó decorados con colores llamativos de rojos, blancos y azules. Para The Long Goodbye, insistió en que Zsigmond mantuviera la cámara en movimiento montándola en objetos en movimiento. Zsigmond afirma que Altman "quería hacer algo diferente" en esta película, y le dijo que "quería que la cámara se moviera, todo el tiempo". Hasta. abajo. dentro y fuera De lado a lado." El director de fotografía Roger Deakins, hablando de su uso de lentes con zoom, comentó: "Me resultaría bastante emocionante rodar una película con un lente con zoom si fuera ese tipo de mirada observadora y errante por la que Robert Altman era conocido". Él ponía la cámara en un brazo giratorio y flotaba a través de la escena y seleccionaba estas tomas a medida que avanzaba, una forma bastante agradable de trabajar."

Zsigmond también recuerda que trabajar con Altman fue divertido:

Preferimos hacer cosas "improv". Altman es un gran improvisador. Durante los primeros días del rodaje, "crearía" diferentes enfoques en el aviso de un momento. Me mostraría cómo quería que la cámara se moviera, siempre se mueve. Lo cual fue divertido. A los actores les encantaba, y siempre me desafiaban encontrar formas de disparar con lo que Altman se le ocurrió.

La cinematografía de Vilmos Zsigmond en McCabe and Mrs. Miller recibió una nominación de los British Academy Film Awards.

Partituras musicales

Cuando usaba música en sus películas, Altman era conocido por ser muy selectivo, a menudo eligiendo la música que le gustaba personalmente. El director Paul Thomas Anderson, que trabajó con él, señala que "el uso de la música por parte de Altman siempre es importante", y agregó: 'Bob amaba su música, ¿no es así? Dios mío, amaba su música". Como era un "gran fan" de la música de Leonard Cohen, por ejemplo, diciendo que "simplemente se drogaría y tocaría esas cosas". todo el tiempo usó tres de sus canciones en McCabe and Mrs. Miller (1971), y otra para la escena final en A Wedding (1978).

Para Nashville (1975), Altman hizo que su elenco escribiera numerosas canciones nuevas de música country para crear una atmósfera realista. Incorporó una "melodía inquietantemente repetida" en The Long Goodbye (1973), y empleó a Harry Nilsson y Van Dyke Parks para componer Popeye (1980).

Varios expertos en música han escrito sobre el uso de la música por parte de Altman, incluido Richard R. Ness, quien escribió sobre las partituras de muchas de las películas de Altman en un artículo, considerado un recurso valioso. para comprender la técnica cinematográfica de Altman. De manera similar, el profesor de estudios cinematográficos Krin Gabbard escribió un análisis del uso de la música jazz por parte de Altman en Short Cuts (1993), y señaló que pocos críticos han considerado la "importancia de la música" 34; en la película.

El jazz también fue significativo en Kansas City (1996). En esa película, la música se considera la base de la historia. Altman afirma que "la idea general era no ser demasiado específico sobre la historia" pero hacer que la película en sí sea "más bien una especie de jazz". La técnica de Altman de convertir el tema de una película en una forma de música se consideró "un experimento que nadie había probado antes" con Altman admitiendo que era arriesgado. "No sabía si funcionaría.... Si la gente 'lo entiende,' entonces realmente tiende a gustarles."

Influencia

Los directores influenciados por Altman incluyen a Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Judd Apatow, Richard Linklater, Alejandro González Iñárritu, Noah Baumbach, David Gordon Green, los hermanos Safdie, Harmony Korine y Michael Winterbottom.

Filmografía

Premios y distinciones

Altman recibió varios premios y nominaciones, incluidas siete nominaciones al Premio de la Academia y ganó el Oscar Honorario en 2006. Recibió siete nominaciones al Premio de Cine de la Academia Británica y ganó dos veces por The Player (1992) y Gosford Parque (2001). Recibió el premio Primetime Emmy a la mejor dirección en una serie dramática por Tanner '88 (1988). También recibió cinco nominaciones al Globo de Oro al ganar el Globo de Oro al Mejor Director por Gosford Park. También recibió varios premios de festivales de cine, incluida la prestigiosa Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes por M*A*S*H y el Premio del Festival de Cine de Cannes al Mejor Director por El jugador. También ha recibido el Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín y el León de Oro del Festival de Cine de Venecia. En 1994, recibió el Premio a la Trayectoria del Directors Guild of America.

Vida privada

Familia

Altman estuvo casado tres veces: su primera esposa fue LaVonne Elmer. Estuvieron casados de 1947 a 1949 y tuvieron una hija, Christine. Su segunda esposa fue Lotus Corelli. Estuvieron casados de 1950 a 1955 y tuvieron dos hijos, Michael y Stephen. A los catorce años, Michael escribió la letra de "Suicide Is Painless", el tema principal de la película de Altman, MASH. Stephen es un diseñador de producción que a menudo trabajaba con su padre. La tercera esposa de Altman fue Kathryn Reed. Estuvieron casados desde 1957 hasta su muerte en 2006. Tuvieron dos hijos, Robert y Matthew. Altman se convirtió en el padrastro de Konni Reed cuando se casó con Kathryn.

Kathryn Altman, quien murió en 2016, fue coautora de un libro sobre Altman que se publicó en 2014. Se desempeñó como consultora y narradora del documental Altman de 2014 y habló en muchos proyecciones retrospectivas de las películas de su marido.

Casas

En la década de 1960, Altman vivió durante años en Mandeville Canyon en Brentwood, California. Residió en Malibú durante la década de 1970, pero vendió esa casa y la productora Lion's Gate en 1981. "No tenía otra opción", dijo a The New York Times.. "Nadie contestaba el teléfono" tras el flop de Popeye. Trasladó la sede de su familia y su empresa a la ciudad de Nueva York, pero finalmente se mudó de regreso a Malibú, donde vivió hasta su muerte.

Puntos de vista políticos

En noviembre de 2000, Altman afirmó que se mudaría a París si George W. Bush resultaba elegido, pero bromeó diciendo que se refería a París, Texas, cuando sucediera. Señaló que 'el estado estaría mejor si él (Bush) estuviera fuera'. Altman era un consumidor de marihuana abierto y se desempeñó como miembro de la junta asesora de NORML. También era ateo y activista contra la guerra. Fue una de las numerosas figuras públicas, incluido el lingüista Noam Chomsky y la actriz Susan Sarandon, que firmaron el 'No en nuestro nombre'. Declaración de oposición a la invasión de Irak en 2003. Julian Fellowes cree que la postura contra la guerra y contra Bush de Altman le costó el Oscar al mejor director por Gosford Park.

Altman despreciaba la serie de televisión M*A*S*H que siguió a su película de 1970, citándola como la antítesis de lo que trataba su película y citando sus mensajes contra la guerra como siendo 'racista'. En el comentario del DVD de 2001 para MASH, declaró claramente las razones por las que desaprobaba la serie.

Muerte y legado

Altman murió de leucemia en el Centro Médico Cedars-Sinai de Los Ángeles el 20 de noviembre de 2006, a la edad de 81 años.

El director de cine Paul Thomas Anderson dedicó su película de 2007 There Will Be Blood a Altman. Anderson había trabajado como director suplente en A Prairie Home Companion para fines de seguros en caso de que Altman, de 80 años, no pudiera terminar de filmar.

Durante una celebración en homenaje a Altman unos meses después de su muerte, se lo describió como un "cineasta apasionado" y autor que rechazó lo convencional, creando lo que el director Alan Rudolph llamó un "altmanesco" estilo de películas. Prefería grandes elencos de actores y conversaciones superpuestas naturales, y animó a sus actores a improvisar y expresar su creatividad innata sin temor a fallar. Lily Tomlin lo comparó con 'un gran patriarca benigno que siempre estaba pendiente de ti como actor'. agregando que 'no tienes miedo de correr riesgos con él'.

Las huellas de Altman fuera del Palais des Festivals et des Congrès en Cannes, Francia

Muchas de sus películas se describen como "sátiras ácidas y estudios de personajes contraculturales que redefinieron y revitalizaron el cine moderno". Aunque sus películas abarcaban la mayoría de los géneros cinematográficos, como westerns, musicales, películas de guerra o comedias, se le consideraba un "antigénero" y sus películas eran 'francamente subversivas'. Se sabía que odiaba la "falsedad" vio en la mayoría de las películas convencionales, y "quería explotarlas" a través de la sátira.

El actor Tim Robbins, que protagonizó varias películas de Altman, describe algunos de los aspectos únicos de su método de dirección:

Creó un mundo único y maravilloso en sus sets, donde el padre malicioso desató a los "agentes niños" para jugar. Donde tu imaginación fue animada, nutrida, reída, abrazada y altmanizada. Una anarquía dulce que muchos de nosotros no habíamos sentido desde el patio de la escuela, desatada por el corazón salvaje de Bob.

Los archivos personales de Altman se encuentran en la Universidad de Michigan, e incluyen alrededor de 900 cajas de documentos personales, guiones, registros legales, comerciales y financieros, fotografías, accesorios y material relacionado. Altman había filmado Secret Honor en la universidad y también había dirigido varias óperas allí.

Desde 2009, el premio Robert Altman se otorga al director, al director de reparto y al elenco de películas en los premios anuales Independent Spirit.

En 2014, se estrenó un largometraje documental, Altman,, que analiza su vida y obra con fragmentos de películas y entrevistas.