Rey del jazz

Rey del Jazz es una película musical estadounidense anterior al Código en color de 1930 protagonizada por Paul Whiteman y su orquesta. El título de la película hace referencia al apelativo cultural popular de Whiteman. En el momento en que se hizo la película, "jazz", para el público en general, significaba música de baile sincopada con influencia del jazz que se escuchaba en discos fonográficos, transmisiones de radio y salones de baile. En la década de 1920, Whiteman contrató y presentó a músicos de jazz blancos, incluidos Joe Venuti y Eddie Lang (ambos se ven y se escuchan en la película), Bix Beiderbecke (que se había ido antes de que comenzara el rodaje), Frank Trumbauer y otros.

King of Jazz fue filmada en el primer proceso Technicolor de dos colores y fue producida por Carl Laemmle Jr. para Universal Pictures. La película contó con varias canciones cantadas frente a la cámara por los Rhythm Boys (Bing Crosby, Al Rinker y Harry Barris), así como voces solistas fuera de cámara de Crosby durante los créditos iniciales y, muy brevemente, durante una secuencia de dibujos animados. King of Jazz todavía sobrevive en una copia en color casi completa y no es una película perdida, a diferencia de muchos musicales contemporáneos que ahora existen sólo en forma incompleta o como copias reducidas en blanco y negro. Existe la posibilidad de que una de las personas que aparecen en la película sea el tío abuelo de Kurt Cobain (el fallecido vocalista y guitarrista de Nirvana).

En 2013, la película fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Parcela

King of Jazz es una revista. No hay continuidad narrativa, sólo una serie de números musicales que se alternan con "apagones" (breves bocetos de comedia con finales abruptos) y otros segmentos breves introductorios o de enlace.

Los números musicales tienen estilos diversos y adoptan un tono 'algo para todos' enfoque para atraer al público familiar. Atienden a jóvenes, mayores y personas de mediana edad, cada uno por turno. El lento número Bridal Veil, que presenta (según Universal) el velo más grande jamás creado, exhibe un sentimentalismo victoriano que podría atraer mejor a las personas mayores. Las personas de mediana edad eran cortejadas con una melodía de John Boles en un entorno exuberante cantando Sucedió en Monterey al ritmo de un vals, o en un granero con un coro de peones del rancho con camisas rojas cantando a todo pulmón el Canción del Alba. El "jazzy" El número Happy Foot fue diseñado para atraer a los espectadores más jóvenes.

Un segmento al principio de la película sirve para presentar a varios de los músicos virtuosos de la banda (que no están acreditados por su nombre). Otro ofrece al público la oportunidad de ver a los Rhythm Boys, ya famosos por el sonido pero no por la vista debido a sus grabaciones y transmisiones de radio, actuando en un ambiente hogareño. Hay números novedosos y de comedia que van desde el ligeramente arriesgado (Ragamuffin Romeo, que presenta bailes contorsionistas de Marion Stadler y Don Rose) hasta el humorísticamente sadomasoquista (el segundo coro de Me gusta hacer cosas por ti) hasta los simplemente tontos (Soy pescador). Hay una fila de coristas, prácticamente obligatoria en los primeros musicales, pero en su lugar destacado la novedad es que realizan la coreografía sentadas.

El gran final es el Pot de fusión de la música número de producción, en el que varios grupos de inmigrantes en traje nacional ofrecen breves entregas de canciones características de sus tierras nativas, después de lo cual todos son consignados al American Melting Pot. Los intérpretes de algunos de los números musicales anteriores reprisionan brevemente sus actos mientras informan por el deber como combustible bajo la olla. Whiteman mueve el estofado de vapor. Cuando la cocina está completa, todos emergen transformados en un americano de jazz-happy.

Hay un par de ejemplos tempranos de las vistas aéreas que Busby Berkeley luego elaboró y hizo famosas, pero esta película tiene poco parecido con sus películas y otros musicales de finales de la década de 1930. Es en gran medida una presentación escénica, aunque en un escenario muy grande, y el interés visual se mantiene sólo mediante cambios de punto de vista. Las cámaras no se mueven. Esto no se debe a que las cámaras Technicolor fueran pesadas y voluminosas. Las cámaras utilizadas para este primer proceso Technicolor contenían un solo rollo de película y eran de tamaño y peso casi normales.

King of Jazz fue la decimonovena película totalmente hablada filmada íntegramente en tecnicolor de dos colores en lugar de incluir simplemente secuencias de colores. En ese momento, el proceso de dos colores de Technicolor empleaba tintes rojos y verdes, cada uno con una pizca de otros colores mezclados, pero ningún tinte azul. King of Jazz iba a presentar una presentación espectacular de Rhapsody in Blue de George Gershwin, por lo que esto presentaba un problema. Afortunadamente, el tinte verde Technicolor utilizado puede parecer azul pavo real (cian) en algunas condiciones, pero en este caso, unos resultados aceptables requerirían un manejo muy cuidadoso. El director de arte Herman Rosse y el director de producción John Murray Anderson propusieron soluciones. Se hicieron pruebas con varios tejidos y pigmentos, y al utilizar un fondo totalmente gris y plateado se realzó al máximo el aspecto azulado del tinte. También se utilizaron filtros para inyectar azules pálidos en la escena que se estaba filmando. El objetivo era producir una película terminada con tonos pastel en lugar de colores brillantes. Sin embargo, como aparece en una impresión original en tecnicolor a dos colores, la secuencia podría describirse mejor como una "Rapsodia en turquesa". Las impresiones posteriores realizadas a partir del negativo original de dos componentes, que había sobrevivido, hacen que el blues parezca más verdadero y más saturado de lo que parecía al público en 1930.

King of Jazz marcó la primera aparición cinematográfica del popular crooner y cantante Bing Crosby, quien, en ese momento, era miembro de The Rhythm Boys, el trío vocal de la Whiteman Orchestra. . Crosby estaba programado para cantar "Song of the Dawn" en la película, pero un accidente automovilístico lo llevó a ser encarcelado por un tiempo y la canción le fue entregada a John Boles.

El compositor Ferde Grofé, mejor conocido por su Grand Canyon Suite, fue, en estos primeros años, un conocido arreglista y compositor de Whiteman. Está documentado que arregló parte de la música y, de hecho, es posible que haya compuesto parte de la música incidental.

La película conserva una pieza de vodevil del trombonista de la banda Whiteman, Wilbur Hall, quien toca de forma novedosa el violín y la bomba de bicicleta, así como el baile excéntrico de "Rubber Legs" Al Norman con la melodía de Happy Foot.

Hubo al menos nueve versiones diferentes de la película en idiomas extranjeros. Según se informa, la versión sueca tiene al menos algo de música diferente.

Segmentos animados

La película incluyó el primer segmento de dibujos animados en Technicolor, realizado por los animadores Walter Lantz (más tarde famoso por Woody Woodpecker y otros personajes) y Bill Nolan. En esta caricatura, Whiteman está cazando "en el África más oscura", donde lo persigue un león al que calma tocando una melodía en un violín (Music Hath Charms, interpretado por Joe Venuti y Eddie Lang). Después de que un elefante arroja agua a un mono en un árbol, el mono le arroja un coco al elefante. Falla y golpea a Whiteman en la cabeza. El bulto en su cabeza forma una corona. El maestro de ceremonias Charles Irwin luego comenta: "Y así fue como Paul Whiteman fue coronado Rey del Jazz".

Uno de los personajes que aparece brevemente en la caricatura es Oswald the Lucky Rabbit, la estrella del departamento de animación de Universal Studios dirigido por Lantz. Una caricatura sonora en blanco y negro con Oswald, titulada My Pal Paul, también lanzada en 1930 por Universal, promovió King of Jazz al incluir canciones de la película y un personaje de dibujos animados de Paul Whiteman.

Algunas de las escenas de la secuencia de dibujos animados se reutilizarían más tarde para una caricatura posterior de Walter Lantz Oswald, África.

Banda sonora

King of Jazz fue el primer largometraje que utilizó una banda sonora mayoritariamente pregrabada realizada independientemente del rodaje real. Whiteman insistió en que los números musicales de su orquesta debían pregrabarse para obtener el mejor sonido, evitando las malas condiciones de grabación y los ruidos extraños típicos del escenario sonoro de un estudio de cine. Universal se opuso a la idea, pero Whiteman prevaleció sobre los reacios ejecutivos del estudio. Después de grabar el sonido, se reprodujo a través de un altavoz mientras se filmaba la escena y los artistas relacionaban sus acciones con la grabación. Posteriormente, la película resultante se sincronizó con la banda sonora. Esto también permitió rodar la escena de la misma manera que una película muda, con el director libre de gritar instrucciones durante el rodaje y la cámara sin la necesidad de silenciar sus ruidos con voluminosas insonorizaciones.

Delbert Cobain, uno de los cantantes de la película, se destaca por ser el tío abuelo del músico Kurt Cobain (el fallecido vocalista y guitarrista de Nirvana).

Los chicos del ritmo

Los Rhythm Boys (Bing Crosby, Harry Barris y Al Rinker) cantaron Mississippi Mud, So the Bluebirds and the Blackbirds Got Together, I&#39 ;soy pescador, Un banco en el parque y Happy feet en la película. Este trío de canto también grabó como parte de la banda de Whiteman y solo con Barris al piano. Bing Crosby estuvo de juerga durante el rodaje, chocó su auto en Hollywood Boulevard, casi mata a su pasajera, y después de presentarse vestido de golf y bromear con un juez, fue enviado a prisión durante 60 días. Whiteman lo reemplazó con John Boles para "La canción del amanecer".

Liberación

La película se estrenó el 19 de abril de 1930 en el Criterion Theatre de Los Ángeles. La recaudación de taquilla en este teatro estuvo por debajo de las expectativas en las dos primeras semanas.

El 2 de mayo de 1930 se celebró un gran estreno en el Roxy Theatre de la ciudad de Nueva York, donde la Whiteman Orchestra, junto con George Gershwin y la Roxy Symphony Orchestra de 125 músicos, montaron un espectáculo. Contó con Rhapsody in Blue y Mildred Bailey con el respaldo del Roxy Chorus y se presentó cinco veces al día, entre proyecciones de la película, durante una semana. La película continuó proyectándose en el Roxy solo durante una semana más.

Tal como se estrenó originalmente, la película tenía una duración de 105 minutos. La reedición de 1933 duró 65 minutos. Se eliminaron varias secuencias y números completos para la reedición, mientras que otros se eliminaron de solo unas pocas tomas. Un corte para el relanzamiento de 1933 fue un boceto con William Kent sobre un flautista suicida, con la Whiteman Orchestra interpretando Caprice Viennois como música de fondo.

La restauración de 2016 dura 98 minutos con dos minutos de música reproducida. Algunas secciones fueron eliminadas antes del estreno de la película en 1930 y nunca fueron vistas por el público en general. Incluyen:

• Un número de especialidad con Nell O'Day, con música desconocida, ubicado en un cabaret lobby.
• Un segmento con el canto de Grace Hayes Mi amante.

Una versión de 93 minutos, improvisada a partir del negativo de 65 minutos y una impresión de 16 mm. se utilizó para el estreno en videocasete de la película en 1983. Aún sobreviven copias de la versión original sin cortes. The Criterion Collection lanzó la película en DVD y Blu-ray en marzo de 2018. La versión Blu-ray tiene una restauración 4K de la película e incluye tanto la película original como dos dibujos animados de Oswald the Lucky Rabbit, así como la versión teatral de 1929 y Cortometraje de 1933 protagonizado por Whiteman y su banda.

Recepción

Universal esperaba que esta revista repitiera o superara los resultados de taquilla de un musical titulado Broadway que había estrenado en 1929. Esa fastuosa película había incluido secuencias en Technicolor y había sido un éxito. Lamentablemente, los retrasos en el inicio del rodaje de King of Jazz provocaron que su estreno se produjera tras dos acontecimientos imprevistos. En primer lugar, el público se había cansado de la avalancha de películas musicales que comenzó como un lento goteo con The Jazz Singer a finales de 1927 y rápidamente se convirtió en un torrente tras el éxito de The Broadway Melody. > a principios de 1929. Particularmente desaprobadas fueron las operetas ambientadas en épocas pasadas, las comedias musicales que fueron producciones teatrales de Broadway filmadas sin imaginación y las "revistas" como Rey del Jazz. En segundo lugar, aunque los efectos de la caída del mercado de valores en octubre de 1929 aún no habían producido la depresión en toda regla que pronto sería dolorosamente obvia, la gente ya estaba gastando con menos libertad y los efectos comenzaban a sentirse en la taquilla. Durante su estreno nacional, King of Jazz recaudó menos de 900.000 dólares. En Hollywood, la película pasó a llamarse "Rapsodia en rojo de Universal". Debido a los bajos ingresos de taquilla de la película y la cancelación de su lucrativo programa de radio transmitido a nivel nacional por parte de su patrocinador en abril de 1930, Whiteman tuvo que despedir a diez miembros de la banda y recortar los salarios de los miembros restantes de la banda en un quince por ciento.

La película recibió críticas mixtas. Un crítico de The New Movie lo calificó como una "decepción" lujosa y sobreproducida; una mezcla demasiado larga y opaca. cuyos únicos intérpretes eficaces fueron Whiteman y John Boles. Por el contrario, el New York Times afirmó que "la contribución inicial de John Murray Anderson a la pantalla audible, 'King of Jazz' con el rotundo Paul Whiteman, revela que este director es un mago con poderes mucho mayores de los que uno imaginaba, incluso a partir de sus composiciones escénicas." Este popurrí en tecnicolor de canciones, bailes y diversión es una maravilla de la magia de la cámara, combinaciones de colores alegres, trajes encantadores y efectos de iluminación seductores. El crítico, Mordaunt Hall, elogió además la película por no tener "nada imitativo". agregó que "Sr. Anderson ha visualizado todas las posibilidades de la cámara en relación con sus vuelos de fantasía”, dijo. y concluyó "no hay secuencia que no valga la pena presenciar ni actuación que no sea capaz en esta película trepidante".

En el extranjero, donde nunca hubo una reacción violenta contra los musicales, les fue mejor y finalmente obtuvieron ganancias. Durante la década de 1930, la película encontró su mejor audiencia en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, donde presentó diecisiete compromisos de retorno.

La película ganó un Premio de la Academia a la Mejor Dirección Artística de Herman Rosse. Otras películas nominadas en esta categoría fueron Bulldog Drummond, The Love Parade, Sally y The Vagabond King.

En 2016, la película se incluyó en el Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso después de una importante restauración en 2013.