Revólver (álbum de los Beatles)

Revolver es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock inglesa The Beatles. Fue lanzado el 5 de agosto de 1966, acompañado por el sencillo de doble cara A "Eleanor Rigby" / "Submarino Amarillo". El álbum era de los Beatles' proyecto de grabación final antes de su retiro como artistas en vivo y marcó el uso más abierto de la tecnología de estudio del grupo hasta la fecha, basándose en los avances de su lanzamiento de finales de 1965 Rubber Soul. Desde entonces, ha sido considerado como uno de los álbumes más grandes e innovadores en la historia de la música popular, con un reconocimiento centrado en su gama de estilos musicales, diversos sonidos y contenido lírico.

Los Beatles grabaron Revolver después de tomarse un descanso de tres meses a principios de 1966, y durante un período en el que Londres era celebrada como la capital cultural de la época. Considerado por algunos comentaristas como el comienzo del período psicodélico del grupo, las canciones reflejan su interés por la droga LSD, la filosofía oriental y la vanguardia al tiempo que abordan temas como la muerte y la trascendencia de las preocupaciones materiales. Sin planes de reproducir su nuevo material en concierto, la banda hizo un uso liberal del doble seguimiento automático, la velocidad variable, las cintas invertidas, la microfonía de audio cercana y los instrumentos fuera de su configuración estándar en vivo. Entre sus temas se encuentran 'Tomorrow Never Knows', que incorpora un pesado zumbido indio y un collage de bucles de cinta; 'Eleanor Rigby', una canción sobre la soledad con un octeto de cuerdas como único acompañamiento musical; y 'Love You To', una incursión en la música clásica indostaní. Las sesiones también produjeron un sencillo que no pertenece al álbum, "Paperback Writer" respaldado con "Lluvia".

En el Reino Unido, las 14 pistas del álbum se distribuyeron gradualmente a las estaciones de radio en las semanas previas a su lanzamiento. En América del Norte, Revolver fue reducido a 11 canciones por Capitol Records, y las tres omitidas aparecieron en el LP de junio de 1966 Yesterday and Today. El lanzamiento allí coincidió con los Beatles & # 39; gira final de conciertos y la controversia en torno al comentario de John Lennon de que la banda se había vuelto 'más popular que Jesús'. El álbum encabezó la lista Record Retailer en el Reino Unido durante siete semanas y la lista Billboard Top LPs de EE. UU. durante seis semanas. La reacción de la crítica fue muy favorable en el Reino Unido, pero menos en los EE. UU. en medio de la inquietud de la prensa por la franqueza de la banda sobre temas contemporáneos.

Revolver expandió los límites de la música pop, revolucionó las prácticas estándar en la grabación de estudio, avanzó los principios propugnados por la contracultura de la década de 1960 e inspiró el desarrollo del rock psicodélico, la electrónica, el rock progresivo y la música mundial. La portada del álbum, diseñada por Klaus Voormann, combinó el dibujo lineal inspirado en Aubrey Beardsley con un collage de fotos y ganó el premio Grammy de 1967 a la Mejor Portada de Álbum, Artes Gráficas. Con la ayuda del lanzamiento internacional del CD de 1987, que estandarizó su contenido a la versión original de Parlophone, Revolver ha superado a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band en muchos críticos' estimación como los Beatles' mejor Album. Ocupó el primer lugar en las ediciones de 1998 y 2000 del libro All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin y el tercero en las ediciones de 2003 y 2012 de la revista Rolling Stone. La lista de 39 de los '500 mejores álbumes de todos los tiempos'. Ha sido certificado doble platino por el BPI y 5× platino por la RIAA. En 2022 se lanzó una edición remezclada y ampliada del álbum.

Antecedentes

En diciembre de 1965, los Beatles' El álbum Rubber Soul fue lanzado con gran éxito de crítica. Según el autor David Howard, los límites de la música pop "se habían elevado hasta la estratosfera" por el lanzamiento, lo que resultó en un cambio de enfoque de los sencillos a la creación de álbumes de alta calidad constante. En enero siguiente, los Beatles realizaron sobregrabaciones de grabaciones en vivo tomadas de su gira estadounidense de 1965, para incluirlas en la película del concierto The Beatles at Shea Stadium. El mánager del grupo, Brian Epstein, tenía la intención de que 1966 siguiera el patrón de los dos años anteriores, en cuanto a que la banda hiciera un largometraje y un álbum que lo acompañara, seguido de giras de conciertos durante los meses de verano. Después de que los Beatles vetaron el proyecto cinematográfico propuesto, el tiempo asignado para filmar se convirtió en tres meses más libres de compromisos profesionales. Este fue el período más largo que los miembros de la banda habían experimentado fuera del grupo colectivo desde 1962, y desafió la convención de que los actos pop deberían estar trabajando casi permanentemente. Por lo tanto, el grupo tuvo una cantidad de tiempo sin precedentes para prepararse para un nuevo álbum.

El biógrafo de los Beatles, Nicholas Schaffner, cita 1966 como el comienzo del 'período psicodélico' de la banda, al igual que los musicólogos Russell Reising y Jim LeBlanc. Schaffner agrega: "Ese adjetivo [psicodélico] implica no solo la influencia de ciertas sustancias químicas que alteran la mente, sino también el espectro desenfrenado de una amplia gama de colores que su nueva música parecía evocar". La periodista musical Carol Clerk describe a Revolver como "influido decisivamente por el ácido", tras el uso continuado de la droga LSD por parte de John Lennon y George Harrison desde la primavera de 1965. A través de estas experiencias, los dos músicos desarrollaron una fascinación por los conceptos filosóficos orientales, particularmente con respecto a la naturaleza ilusoria de la existencia humana. A pesar de sus compañeros de banda' instando, después de que Ringo Starr también había tomado la droga, Paul McCartney se negó a probar el LSD. Con la intención de superarse a sí mismo, McCartney se inspiró en la estimulación intelectual que experimentó en la escena artística de Londres, en particular en su próspera comunidad de vanguardia. Con Barry Miles como guía, se sumergió en el naciente movimiento contracultural británico, que pronto emergió como underground.

Mientras arreglaba las fechas para la gira mundial de la banda, Epstein aceptó una propuesta de la periodista Maureen Cleave para que los Beatles fueran entrevistados por separado para una serie de artículos que explorarían cada uno de los miembros de la banda. personalidad y estilo de vida más allá de su identidad como Beatle. Los artículos se publicaron en entregas semanales en el periódico Evening Standard de Londres a lo largo de marzo de 1966 y reflejaban la transformación que estaba en marcha durante los meses de inactividad del grupo. De los dos compositores principales, Cleave encontró a Lennon intuitivo, perezoso e insatisfecho con la fama y su entorno en el campo de Surrey, mientras que McCartney transmitía confianza y hambre de conocimiento y nuevas posibilidades creativas. En su libro Revolver: How the Beatles Reimagined Rock 'n' Roll, Robert Rodriguez escribe que, mientras que Lennon había sido los Beatles' fuerza creativa dominante antes de Revolver, McCartney ahora alcanzó una posición aproximadamente igual a la de él. En un desarrollo posterior, el interés de Harrison por la música y la cultura de la India, y su estudio del sitar indio, lo habían inspirado como compositor. Según el autor Ian Inglis, Revolver es visto como "el álbum en el que Harrison alcanzó la mayoría de edad como compositor".

Historial de grabación

Harrison, McCartney y Lennon con George Martin en EMI Studios a mediados de los años 60

Los Beatles esperaban trabajar en una instalación más moderna que los estudios londinenses de EMI en Abbey Road y quedaron impresionados con el sonido de los discos creados en Stax Studio en Memphis. En marzo de 1966, Epstein investigó la posibilidad de grabar el nuevo álbum en Stax, donde, según una carta escrita por Harrison dos meses después, el grupo tenía la intención de trabajar con el productor Jim Stewart. La idea se abandonó después de que los lugareños comenzaran a llegar al edificio Stax, al igual que los planes alternativos para usar Atlantic Studios en Nueva York o las instalaciones de Motown's Hitsville USA en Detroit.

En cambio, la grabación del álbum comenzó en EMI Studio 3 en Londres el 6 de abril, con George Martin nuevamente como productor. La primera pista que se intentó fue 'Tomorrow Never Knows' de Lennon, cuyo arreglo cambió considerablemente entre la toma inicial de ese día y la nueva versión posterior. Esta primera versión de "Tomorrow Never Knows", junto con varias otras tomas descartadas de las sesiones del álbum, se incluyó en la compilación de 1996 Anthology 2. También se grabaron durante las sesiones de Revolver "Paperback Writer" y 'Rain', que se publicaron como cara A y B de un sencillo que no pertenece al álbum a finales de mayo.

Swinging London, Carnaby Street, c.1966. La creación del álbum coincidió con el reconocimiento internacional del papel de Londres como capital cultural. Según Philip Norman, Revolver capturó la confianza del verano 1966: "Era pavimentos calientes, ventanas abiertas, bistros King's Road y rayas de fútbol de Inglaterra. Era el acento británico, una vez más todo conquistador."

La banda había trabajado en diez canciones, incluidas las dos caras del próximo sencillo, el 1 de mayo, cuando interrumpieron las sesiones para actuar en el NME's Concierto anual de ganadores de encuestas. En un momento en que la revista Time apodó a Londres como "la ciudad cambiante", reconociendo tardíamente su ascendencia como la capital cultural de la era, los Beatles se inspiraron en asistir a conciertos de artistas visitantes., así como estrenos de cine, obras de teatro y otros eventos culturales. De febrero a junio, estos actos musicales incluyeron a Stevie Wonder, Roy Orbison, The Lovin' Cucharada, las Mamas & the Papas, Bob Dylan (con quien socializaban extensamente), Luciano Berio y Ravi Shankar. A mediados de mayo, Lennon y McCartney asistieron a una fiesta privada para escuchar a los Beach Boys' Pet Sounds, y McCartney conoció al director italiano Michelangelo Antonioni, quien filmó Blowup en Londres, inspirado en la escena de la moda contemporánea.

El 16 de mayo, Epstein respondió a una solicitud de Capitol Records, la contraparte norteamericana de EMI, para proporcionar tres nuevas canciones para un próximo lanzamiento en Estados Unidos, titulado Yesterday and Today. Publicado el 20 de junio, este álbum combinó pistas que Capitol había omitido de los Beatles. lanzamientos anteriores en EE. UU. Con canciones que la banda había publicado originalmente en sencillos que no eran álbumes. De las seis grabaciones completas de Revolver, Martin seleccionó tres canciones escritas por Lennon, ya que las sesiones habían favorecido sus composiciones hasta el momento. Deseosos de limitar la interrupción de la grabación que crearían múltiples apariciones en televisión, los Beatles pasaron dos días haciendo películas promocionales para 'Paperback Writer'. soltero. El primer conjunto de clips fue filmado en EMI Studio 1 el 19 de mayo por Michael Lindsay-Hogg, director del popular programa de televisión Ready Steady Go! Al día siguiente, el grupo grabó más clips para las dos canciones. en los terrenos de Chiswick House, en el oeste de Londres. En la cara de los fans' las quejas de un distanciamiento en su nuevo trabajo, sin embargo, la banda accedió a hacer una aparición en vivo en Top of the Pops el 16 de junio.

La camaradería entre los cuatro Beatles estuvo en su punto más alto durante este período. Sin embargo, un desacuerdo entre McCartney y sus compañeros de banda resultó en que McCartney abandonara el estudio durante la sesión final, para 'She Said She Said' de Lennon, el 21 de junio, dos días antes de la fecha prevista para la banda. para volar a Alemania Occidental para la primera etapa de su gira mundial. Los Beatles dedicaron más de 220 horas a grabar Revolver, una cifra que excluye las sesiones de mezcla y se compara con menos de 80 horas para Rubber Soul. La mezcla final del álbum tuvo lugar el 22 de junio. Los Beatles celebraron la finalización del proyecto asistiendo a la inauguración de Sibylla's, un club nocturno en el que Harrison tenía una participación financiera.

Técnicas de producción

Estética de estudio

Las sesiones de Revolver fomentaron el espíritu de experimentación de estudio evidente en Rubber Soul. Con los Beatles cada vez más involucrados en la producción de su música, el papel de Martin como productor había cambiado a uno de facilitador y colaborador, por lo que la banda ahora confiaba en él para hacer realidad sus ideas. Según Rodríguez, Revolver marcó la primera vez que los Beatles integraron tecnología de estudio en la "concepción de las grabaciones que hicieron". Él ve este enfoque como un reflejo del interés menguante del grupo en las presentaciones en vivo ante multitudes de fanáticos que gritan, "a favor de crear paisajes sonoros sin limitaciones". en un ambiente de estudio. Por primera vez en EMI Studios, las máquinas de cinta de cuatro pistas de la compañía se colocaron en la sala de control del estudio, junto con el productor y el ingeniero de balance, en lugar de una sala de máquinas dedicada. Los Beatles' El nuevo ingeniero de grabación del proyecto fue Geoff Emerick, de diecinueve años, a quien el autor y crítico Ian MacDonald describe como un "experimentalista de audio inglés" en la tradición de Joe Meek. Emerick recordó que no se llevó a cabo ningún proceso de preproducción o ensayo para Revolver; en cambio, la banda usó el estudio para crear cada canción a partir de lo que a menudo era solo un esquema de una composición. Hablando poco antes del inicio de las sesiones, Lennon dijo que habían considerado hacer del álbum un flujo continuo de pistas, sin espacios para diferenciar cada canción.

EMI's Abbey Road Studios (foto en 2005). La mayoría de los períodos de sesiones Revolver tuvo lugar en el íntimo estudio 3 del complejo.

La disposición del grupo a experimentar también fue evidente en su dedicación a encontrar o inventar sonidos que capturaran la percepción intensificada que experimentaron a través de las drogas alucinógenas. El álbum hizo un uso liberal de la compresión y la ecualización tonal. Emerick dijo que los Beatles alentaron al personal del estudio a romper con las prácticas estándar de grabación, y agregó: "Se implantó cuando comenzamos Revolver que cada instrumento debería sonar diferente a sí mismo: un piano no debería hacerlo' No suena como un piano, una guitarra no debería sonar como una guitarra."

En su búsqueda de nuevos sonidos, la banda incorporó por primera vez a su trabajo instrumentos musicales como la tambura y la tabla indias, el clavicordio, el vibráfono y la tachuela de piano. El sonido de guitarra en el álbum era más robusto que antes, gracias al uso de nuevos amplificadores Fender; la elección de guitarras, que incluía a Harrison usando una Gibson SG como su instrumento preferido; y la introducción de limitadores Fairchild 660 para grabación. Sin expectativas de poder recrear su nueva música dentro de los límites de sus shows en vivo, los Beatles recurrieron cada vez más a colaboradores externos mientras hacían el álbum. Esto incluyó el primer uso de una sección de vientos por parte de la banda, en 'Got to Get You into My Life', y la primera vez que incorporaron efectos de sonido de forma extensiva, durante una sesión de sobregrabación estilo fiesta para & #34;Submarino amarillo".

Innovaciones

El autor Mark Brend escribe que, con Revolver, los Beatles impulsaron la estrategia de Meek de emplear el estudio de grabación como un instrumento musical y "formalizaron este enfoque en lo que ahora es un opción aceptada para la creación de música pop". Una técnica de producción clave que utilizaron fue el doble seguimiento automático (ADT), que el ingeniero técnico de EMI, Ken Townsend, inventó el 6 de abril. Esta técnica empleó dos grabadoras de cinta vinculadas para crear automáticamente una pista vocal duplicada. El método estándar había sido duplicar la voz cantando la misma pieza dos veces en una cinta multipista, una tarea que a Lennon no le gustaba especialmente. Los Beatles estaban encantados con el invento y lo usaron ampliamente en Revolver. ADT pronto se convirtió en una técnica de producción pop estándar y condujo a desarrollos relacionados, como el efecto de coro artificial.

El trabajo más experimental de la banda durante las sesiones se canalizó en la primera canción que intentaron, "Tomorrow Never Knows". Lennon cantó su voz para la canción a través de los parlantes gemelos giratorios dentro de un gabinete Leslie, que fue diseñado para usarse con un órgano Hammond. El efecto se empleó durante la toma inicial de la canción, pero solo durante la segunda mitad de la nueva versión. Según el autor Andy Babiuk, "Tomorrow Never Knows" marcó la primera vez que se grabó una voz usando un micrófono conectado a la entrada de un altavoz Leslie. Gran parte de la pista de acompañamiento de la canción consiste en una serie de bucles de cinta preparados, una idea que se originó en McCartney, quien, influenciado por el trabajo de artistas de vanguardia como Karlheinz Stockhausen, experimentaba regularmente con cintas magnéticas y técnicas de música concreta. Cada uno de los Beatles preparó loops en casa, y luego se agregó una selección de estos sonidos al acompañamiento musical de 'Tomorrow Never Knows'. El proceso se llevó a cabo en vivo, con varias grabadoras funcionando simultáneamente y algunos de los bucles más largos se extendían fuera de la sala de control y por el pasillo.

La inclusión de sonidos de cinta invertida en "Rain" (específicamente, una parte de la parte vocal de Lennon) marcó el primer lanzamiento pop en usar esta técnica, aunque los Beatles la habían usado por primera vez, en algunos de los bucles de la cinta y el solo de guitarra sobregrabado, en 'Tomorrow'. Nunca se sabe". El solo de guitarra al revés (o enmascarado) en 'I'm Only Sleeping' tampoco tuvo precedentes en la música pop, en el sentido de que Harrison compuso y grabó deliberadamente sus partes de guitarra con miras a cómo sonarían las notas cuando se corrigiera la dirección de la cinta. La experimentación con sonidos al revés fue un aspecto clave de las sesiones de Revolver, al igual que el uso del efecto de altavoz Leslie. El interés de la banda en los tonos que resultaron de la variación de la velocidad de la cinta (o velocidad variable) se extendió a la grabación de una pista básica a un tempo más rápido de lo que pretendían que sonara la canción en el disco.

Un compresor estéreo Fairchild 670. El mono equivalente de Fairchild, el 660, fue utilizado ampliamente durante el Revolver sesiones y contribuyó a los sonidos robustos capturados en el álbum.

Durante las sesiones, Emerick grabó el amplificador de bajo de McCartney a través de un altavoz, que Townsend había reconfigurado para que sirviera como micrófono, con el fin de dar al bajo más protagonismo que en versiones anteriores de los Beatles. Aunque esta técnica en particular se usó solo en las dos canciones seleccionadas para el sencillo de mayo de 1966, un sonido de bajo mejorado fue una característica de gran parte del álbum. Emerick también garantizó una mayor presencia del bombo de Starr, insertando una prenda de ropa dentro de la estructura para amortiguar el sonido y luego moviendo el micrófono a solo 3 pulgadas del parche y comprimiendo la señal a través de un limitador Fairchild.. MacDonald escribe que, a pesar de que EMI Studios era técnicamente inferior a muchas instalaciones de grabación en los Estados Unidos, la batería de Starr en el álbum pronto llevó a que los estudios 'se desarmaran y se volvieran a armar', como Los ingenieros buscaron replicar los sonidos innovadores logrados por los Beatles. La preferencia por los instrumentos de microfonía cercana se extendió a las cuerdas orquestales utilizadas en 'Eleanor Rigby', para lograr el pedido de McCartney de un sonido 'realmente mordaz'. y los cuernos de 'Got to Get You into My Life'. Esta fue otra ruptura con las convenciones y el motivo de alarma entre los músicos de cuerda de formación clásica.

Según los autores Kevin Ryan y Brian Kehew, ADT, la grabación al revés y la percusión con micrófono cerrado se encontraban entre las nueve técnicas que las sesiones de Revolver introdujeron en el mundo de la grabación por primera vez. Ryan y Kehew citan a Emerick diciendo: "Sé con certeza que, desde el día en que salió, Revolver cambió la forma en que todos los demás hacían discos".

Canciones

Resumen

El autor Steve Turner escribe que Revolver encapsula no solo "el espíritu de los tiempos" sino la red de pensadores sociales y culturales progresistas en la que los Beatles se habían sumergido recientemente en Londres. Según Reising y LeBlanc, junto con 'Rain', marca el comienzo del cuerpo de trabajo de la banda que abarca la psicodelia, que continuó a través de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Magical Mystery Tour y las nuevas canciones grabadas en 1967 para la película de animación Yellow Submarine, junto con sus singles over esos dos años. Los autores ven las composiciones de Lennon y Harrison como las más abiertamente psicodélicas y encuentran los rasgos del género evidentes en la instrumentación y los paisajes sonoros del álbum, y en su imaginería lírica. El crítico musical Jim DeRogatis ve el LP como un trabajo temprano en el género del rock psicodélico, que acompañó el surgimiento de la ideología de la contracultura en la década de 1960.

A través de sus pistas individuales, Revolver cubre una amplia gama de estilos, que incluyen acid rock, música de cámara, R&B, raga rock, musique concrète, así como rock y pop contemporáneo estándar. En opinión de Rodríguez, la influencia de la música india impregna el álbum. Además de los sonidos y el estilo vocal utilizados en gran parte de la grabación, esta influencia es evidente en los cambios de acordes limitados en algunas de las canciones, lo que sugiere un zumbido de estilo indio. Según el historiador cultural Simon Philo, Revolver contenía "[el] despliegue más sostenido de instrumentos indios, forma musical e incluso filosofía religiosa" oído en la música popular hasta ese momento. Escribiendo para Slate, Jack Hamilton llama a la música del álbum "R&B de vanguardia", mostrando a los músicos' deuda con la música afroamericana.

En sus temas líricos, el álbum marca un alejamiento radical de los Beatles' trabajo pasado, ya que la gran mayoría de las canciones evitan el tema del amor. De acuerdo con Reising y LeBlanc, la letra de este y los discos psicodélicos posteriores de la banda capturan la creencia de la cultura psicodélica en las cualidades reveladoras de la verdad del LSD sobre las ilusiones del pensamiento burgués; rechazar el materialismo a favor de la espiritualidad de inspiración asiática; y explorar la superposición de significado entre un "viaje" y viajes, dando como resultado narraciones en las que el tiempo y el espacio se desdibujan. Cuando las canciones se presentan como canciones de amor, continúan los autores, el amor a menudo se transmite como una fuerza unificadora entre muchos, en lugar de entre dos individuos, o como una "forma de vida".

El autor y crítico Kenneth Womack escribe sobre los Beatles explorando "fenomenologías de la conciencia" en Revolver, y cita como ejemplos "I'm Only Sleeping"&# Su preocupación por los sueños y las referencias a la muerte en la letra de 'Tomorrow Never Knows'. En opinión de Womack, las canciones representan dos elementos importantes del ciclo de la vida humana que son "opuestos filosóficos". Haciéndose eco de este punto, el crítico musical Tim Riley escribe que, así como "abrazar la vida significa aceptar la muerte", las catorce pistas "vinculan una visión desilusionada del mundo moderno < /span>... con una creencia en la trascendencia metafísica". Philo encuentra a los Beatles' "compromiso contracultural" evidente incluso en las canciones que se presentan como pop estándar. En opinión de Reising, todas las canciones de Revolver están vinculadas, en el sentido de que cada línea de 'Tomorrow Never Knows', la canción final, se alude o se explora en el letra de una o más de las pistas que la preceden.

Lado uno

"Recaudador de impuestos"

El solo de guitarra de "Taxman"

Womack caracteriza al solo como "nada más en el cuerpo de los Beatles hasta la fecha; por eso, apenas soporta ningún parecido a nada en la historia de la música grabada". Él acredita la pista con "announc[ing] un cambio radical en la naturaleza esencial" del sonido de los Beatles.

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Harrison escribió "Taxman" como una protesta contra las altas tasas impositivas marginales pagadas por las personas con mayores ingresos como los Beatles, que, bajo el gobierno laborista de Harold Wilson, ascendieron al 95 por ciento de los ingresos no laborales (es decir, intereses sobre ahorros e inversiones) por encima del umbral máximo. El conteo hablado de la canción está fuera de ritmo con la interpretación que sigue, un recurso al que Riley atribuye el establecimiento de la "nueva estética de estudio de Revolver". La voz de Harrison en la pista se trató con una gran compresión y ADT. Además de tocar una parte de bajo con inflexiones de glissandi que recuerda a Motown's James Jamerson, McCartney interpretó la canción's solo de guitarra al estilo indio. La última sección también se editó al final de la grabación original, asegurando que la pista se cerrara con el solo repetido sobre un desvanecimiento. Rodríguez reconoce a 'Taxman' como la primera canción de los Beatles escrita sobre "preocupaciones de actualidad"; también cita su "burla abrasiva" como precursor del movimiento punk rock de la década de 1970. Completada con aportes de Lennon, la letra se refiere por su nombre a Wilson, quien acababa de ser reelegido como primer ministro en las elecciones generales de 1966, y Edward Heath, el líder conservador de la oposición.

"Eleanor Rigby"

Womack describe la 'Eleanor Rigby' de McCartney; como una "narrativa sobre los peligros de la soledad". La historia involucra al personaje principal, que es una solterona anciana, y un sacerdote solitario llamado Padre McKenzie que escribe "sermones que nadie escuchará". Preside el funeral de Rigby y reconoce que a pesar de sus esfuerzos, 'nadie se salvó'. La primera composición de McCartney que se apartó de los temas de una canción de amor estándar, su letra fue producto de un esfuerzo grupal, con la contribución de Harrison, Starr, Lennon y el amigo de este último, Pete Shotton. Si bien Lennon y Harrison proporcionaron armonías además de la voz principal de McCartney, ningún Beatle tocó en la grabación; en cambio, Martin arregló la pista para un octeto de cuerdas, inspirándose en la banda sonora de Bernard Herrmann de 1960 para Psycho de Alfred Hitchcock. En opinión de Riley, "la corrupción de 'Taxman' y la absoluta finalidad del destino de Eleanor hace que el mundo de Revolver sea más siniestro que cualquier otro par de canciones de apertura.

"Solo estoy durmiendo"

El solo de guitarra atrasada de "Sólo estoy durmiendo"

"Solo estoy durmiendo" cuenta con un solo de guitarra de estilo indio que Harrison tocó en orden inverso durante la grabación. Martin entonces revirtió la cinta y la apuñaló en la pista, logrando lo que MacDonald describe como "smeared crescendi" y "womblike sucking noises".

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El autor Peter Doggett describe "Solo estoy durmiendo" como "Mitad sueño ácido, mitad latente personificación de la pereza de Lennon". Al igual que con 'Rain', la pista básica se grabó a un tempo más rápido antes de someterla a velocidad variable. Este último tratamiento, junto con ADT, también se aplicó a la voz de Lennon mientras buscaba replicar, en la descripción de MacDonald, una 'voz de anciano como el papel'. Para el solo de guitarra, Harrison grabó dos líneas separadas: la primera con un sonido limpio, mientras que en la segunda tocó su Gibson SG a través de un fuzzbox. El biógrafo de los Beatles, Jonathan Gould, considera que el solo parece "suspender las leyes del tiempo y el movimiento para simular la coherencia a medias del estado entre la vigilia y el sueño". El musicólogo Walter Everett compara la canción con una "pintura de texto particularmente expresiva".

"Te amo"

"Te amo" marcó la primera incursión de Harrison en la música clásica indostaní como compositor, luego de su introducción del sitar en "Norwegian Wood" en 1965. Grabó la pista con solo contribuciones mínimas de Starr y McCartney, y sin aportes de Lennon; Músicos indios del Asian Music Circle proporcionaron instrumentación como tabla, tambura y sitar. El autor Peter Lavezzoli reconoce la canción como "el primer intento consciente en el pop de emular una forma de música no occidental en estructura e instrumentación". Además de tocar el sitar en la pista, las contribuciones de Harrison incluyeron la guitarra eléctrica con efecto fuzztone. Everett identifica el cambio de compás de la canción como algo sin precedentes en los Beatles. trabajo y una característica que pasaría a ocupar un lugar destacado en Sgt. Pimienta. En parte influenciada por el uso de LSD de Harrison, la letra aborda el deseo del cantante de 'gratificación sexual inmediata', según Womack, y sirve como un 'llamado a unirse para aceptar nuestro hedonismo interior y liberar nuestras inhibiciones mundanas".

"Aquí, allá y en todas partes"

"Aquí, allá y en todas partes" es una balada que McCartney escribió hacia el final de las sesiones de Revolver. Su inspiración para la canción fueron los Beach Boys' La pista de Pet Sounds "God Only Knows", que, a su vez, Brian Wilson se inspiró para escribir después de escuchar repetidamente Rubber Soul. La voz de doble pista de McCartney se trató con velocidad variable, lo que resultó en un tono más alto en la reproducción. Las primeras líneas de la canción se cantan en el tiempo libre antes de que se establezca su compás de 4/4; según Everett, "en ningún otro lugar una introducción de los Beatles prepara tan bien al oyente para los eventos tonales más sorprendentes y expresivos que se avecinan". Womack caracteriza la canción como una balada romántica "sobre vivir en el aquí y ahora" y "experimentar plenamente el momento consciente". Señala que, con la canción anterior, "Love You To", el álbum expresa "examenes correspondientes de la experiencia humana del amor físico y romántico".

"Submarino Amarillo"

McCartney y Lennon escribieron "Yellow Submarine" como una canción infantil y por el lugar vocal de Starr en el álbum. La letra fue escrita con la ayuda del cantante escocés Donovan y cuenta la vida en un viaje por mar acompañado de amigos. Gould considera que las cualidades infantiles de la canción son "engañosas" y que, una vez en el estudio, se convirtió en "un pastiche sonoro sofisticado".

El 1 de junio, los Beatles y algunos de sus amigos mejoraron la atmósfera náutica festiva agregando sonidos como cadenas, campanas, silbatos, tinas de agua y vasos tintineando, todos provenientes de la sala de trampas de Studio 2. Para llenar la porción después de que la letra hace referencia a una banda de música tocando, Martin y Emerick usaron una grabación de la biblioteca de EMI, empalmando la copia grabada y reorganizando la melodía. Lennon gritó parte de las órdenes del barco a mitad de la canción en una cámara de eco. En el verso final, repite las líneas vocales de Starr de una manera que Gould compara con 'un viejo vodevil con la multitud en la palma de su mano'. Riley reconoce que la canción mezcla la comedia de The Goon Show con la sátira de Spike Jones. Donovan dijo más tarde que "Yellow Submarine" representó a los Beatles' situación como prisioneras de su fama internacional, a lo que reaccionaron entonando una canción edificante y comunal.

"Ella dijo que ella dijo"

La atmósfera luminosa de "Yellow Submarine" se rompe por lo que Riley denomina 'la guitarra exteriormente enjaezada, pero furiosa por dentro'. que presenta 'She Said She Said' de Lennon. La canción marca la segunda vez que un arreglo de los Beatles usa una métrica cambiante, después de 'Love You To', ya que la base de 4/4 cambia brevemente a 3/4. Harrison recordó que ayudó a Lennon a terminar la composición, lo que implicó unir tres fragmentos separados de la canción. Habiendo salido de la sesión, McCartney pudo o no haber contribuido con el bajo a la grabación. Además de la guitarra principal y la armonía vocal, Harrison posiblemente interpretó la parte del bajo. La letra se inspiró en parte en una conversación que Lennon y Harrison tuvieron con el actor Peter Fonda en Los Ángeles en agosto de 1965, mientras los tres, junto con Starr y los miembros de Byrds, estaban bajo la influencia del LSD. Durante la conversación, Fonda comentó: 'Sé lo que es estar muerto', porque cuando era niño, técnicamente había muerto durante una operación.

Lado dos

"Buenos días Sol"

"Buenos días, sol" fue escrita por McCartney, cuya interpretación del piano domina la grabación. La canción fue una de varias canciones contemporáneas que evocaron el inusualmente cálido y soleado verano inglés de 1966. El crítico musical Richie Unterberger la describe como una canción que transmite "uno de los primeros días hermosos de la primavera, justo después de ti". me he enamorado o he empezado unas vacaciones". Los versos reflejan aspectos del vodevil, mientras que McCartney también reconoció la influencia de Lovin' Cucharada de la composición. Sobregrabado por Martin, el solo de piano en la pista recuerda el estilo ragtime de Scott Joplin. La canción termina con armonías grupales que repiten la frase del título, creando un efecto que Riley compara con una "cascada" de voces "entr[ando] desde diferentes direcciones, como el sol asomándose entre los árboles".

"Y tu pájaro puede cantar"

"Y tu pájaro puede cantar" fue escrita principalmente por Lennon, y McCartney dijo que ayudó con la letra y estimó la canción como "80–20" a Lennon. Harrison y McCartney tocaron partes duales de guitarra principal en la grabación, incluido un riff ascendente que Riley llama "magnético... todo se adhiere a él". Riley describe la composición como una "humillación sombreada" al estilo de "Positively 4th Street" de Dylan, donde Lennon le canta a alguien que ha visto "seven wonders" sin embargo, es incapaz de empatizar con él y sus sentimientos de aislamiento. Según Gould, la canción estaba dirigida a Frank Sinatra después de que Lennon leyera un artículo hagiográfico sobre el cantante en la revista Esquire, en el que se alababa a Sinatra como "el hombre totalmente emancipado"... el hombre que puede tener cualquier cosa que quiera".

"Para nadie"

"Para nadie" se inspiró en la relación de McCartney con la actriz inglesa Jane Asher. Junto con 'Good Day Sunshine', que prescindió de manera similar de las partes de guitarra de Harrison y Lennon, Rodríguez cita la canción como un ejemplo de cómo McCartney evita la dinámica de grupo al grabar sus canciones, una tendencia que resultaría impopular entre sus seguidores. compañeros de banda en años posteriores. La grabación presenta a McCartney tocando el piano, el bajo y el clavicordio, acompañado por Starr en la batería y la percusión. El solo de trompa francesa fue agregado por Alan Civil, el trompetista principal de la Philharmonia Orchestra, quien recordó haber tenido que tocar en la calle. su parte, con poca orientación de McCartney o Martin en la sesión de doblaje. Si bien reconoce la "lógica habitual" de McCartney en la estructura musical de la canción, MacDonald comenta sobre la sensación de desapego que se transmite en la letra de este "relato curiosamente flemático del final de una aventura amorosa". MacDonald sugiere que McCartney estaba intentando emplear el mismo 'ojo cinemático seco'; que el director John Schlesinger había adoptado en su película de 1965 Darling.

"Doctor Roberto"

"Doctor Robert" fue escrito por Lennon, aunque desde entonces McCartney ha declarado que es coautor. Una canción de rock basada en la guitarra al estilo de "And Your Bird Can Sing", su letra celebra a un médico de Nueva York conocido por dispensar inyecciones de anfetamina a sus pacientes. En la grabación, la interpretación dura se ve interrumpida por dos secciones de puente donde, sobre el armonio y los acordes de guitarra, las voces del grupo sugieren un coro que alaba al médico por sus servicios.

"Quiero decirte"

Harrison dijo que escribió "Quiero decirte" sobre "la avalancha de pensamientos" que le resultaba difícil expresar con palabras. Apoyando la letra, su riff tartamudo de guitarra, combinado con la disonancia empleada en la melodía de la canción, transmite las dificultades de lograr una comunicación significativa. Los destacados coros de Lennon y McCartney incluyen una ornamentación gamak de estilo indio en la alta armonía de McCartney, similar al efecto melisma utilizado en 'Love You To'. Reising y LeBlanc citan la canción como un ejemplo temprano de cómo desde 1966 en adelante los Beatles & # 39; la letra "adoptó un tono urgente, con la intención de canalizar algunos conocimientos esenciales, las epifanías psicológicas y/o filosóficas de la experiencia con LSD" a su audiencia cada vez más consciente. Según el autor y académico Nick Bromell, "I Want to Tell You" y las siguientes dos pistas de Revolver son los primeros ejemplos de la música pop "dando voz a las complejidades de la experiencia revolucionaria" proporcionada por el LSD y otras drogas psicodélicas.

"Tengo que meterte en mi vida"

Descrito por Riley como el "corte más derivado" del álbum, "Got to Get You into My Life" fue influenciado por Motown Sound y escrito por McCartney después de haber visto a Stevie Wonder actuar en el club nocturno Scotch of St James en febrero. Los trompetistas en la pista incluían miembros del grupo de Georgie Fame, los Blue Flames. Para capturar el sonido deseado, se colocaron micrófonos en las campanas de los instrumentos de metal y las señales se limitaron en gran medida. Un mes después, se superpuso una copia en cinta de estas partes de cuerno con un ligero retraso, duplicando así la presencia de las contribuciones de metales. Rodríguez llama a la pista completa "un gritón al estilo R&B". Aunque en forma de canción de amor, McCartney describió la letra como "una oda a la marihuana, como si alguien más pudiera escribir una oda al chocolate o a un buen clarete". La versión inicial de la canción, tal como se emitió en Anthology 2, contó con respaldo acústico y órgano, y un estribillo armonizado de 'I need your love', que fue reemplazado por Harrison'. La guitarra de;s rompe en la nueva versión más uptempo.

"El mañana nunca se sabe"

Rodríguez describe 'Tomorrow Never Knows' de Lennon como "el mayor salto hacia el futuro" de los Beatles' carrera discográfica hasta este punto. La grabación incluye guitarra inversa, voces procesadas y efectos de cinta en bucle, que acompañan un ritmo de batería repetitivo y fuertemente sincopado. Lennon adaptó la letra del libro de Timothy Leary The Psychedelic Experience: A Manual Based on The Tibetan Book of the Dead, que equipara las realizaciones provocadas a través del LSD con el estado de iluminación espiritual logrado a través de la meditación. Originalmente conocido como 'Mark I', y luego brevemente 'The Void', el título final llegó a través de uno de los errores de Starr.

Muestra de "Tomorrow Never Knows"

Según el autor Colin Larkin, la canción inspirada en drogas de Lennon "se ha descrito como la evocación más efectiva de una experiencia LSD jamás grabada".

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Lennon pretendía que la canción fuera una evocación de una ceremonia budista tibetana. La estructura armónica de la canción se deriva de la música india y se basa en un dron en C de alto volumen interpretado por Harrison en una tambura. Sobre la base de tambura, bajo y batería, los cinco bucles de cinta comprenden varios sonidos manipulados: dos pasajes de sitar separados, tocados al revés y acelerados; una orquesta tocando un B♭ acorde; la risa de McCartney, acelerada para parecerse al grito de una gaviota; y un Mellotron tocado en su flauta, cuerda o latón. El tratamiento de altavoz Leslie aplicado a la voz de Lennon se originó a partir de su pedido de que Martin lo hiciera sonar como si fuera el Dalai Lama cantando desde la cima de una alta montaña. Reising describe 'El mañana nunca se sabe' como inspiración para un álbum que "ilumina un camino dedicado a la libertad personal y la expansión de la mente". Él ve el mensaje de la canción como un precursor de las declaraciones más explícitamente políticas que los Beatles harían durante los próximos dos años, en 'All You Need Is Love'. y 'Revolución'.

Formato norteamericano

"Solo estoy durmiendo", "Y tu pájaro puede cantar" y "Doctor Robert" fueron las pistas omitidas de la versión de Capitol de Revolver. En el caso de "I'm Only Sleeping", la versión emitida en Yesterday and Today fue una mezcla diferente a la incluida en Revolver de EMI . Debido a la exclusión de las tres pistas de Lennon, solo había dos canciones en el lanzamiento de Capitol de las que él era el escritor principal, en comparación con tres de Harrison y seis de McCartney. En opinión de Riley, además de restar importancia a la contribución de Lennon, su voz se limita a un "repentino giro hacia lo surrealista" al final de cada lado del LP, lo que distorsiona el estado de ánimo previsto en todo el álbum.

El LP norteamericano de once canciones fue el décimo álbum de la banda en Capitol Records y el duodécimo álbum en Estados Unidos en total. El lanzamiento de Revolver marcó la última vez que Capitol publicó un álbum modificado de los Beatles del Reino Unido para el mercado norteamericano. Cuando los Beatles volvieron a firmar con EMI en enero de 1967, su contrato estipulaba que Capitol ya no podía alterar las listas de canciones de sus álbumes.

Embalaje

Ilustraciones

Para la cubierta de Revolver, Klaus Voormann se inspiró en El Libro Amarillo ilustrador Aubrey Beardsley.

La portada de Revolver fue creada por el bajista y artista nacido en Alemania Klaus Voormann, uno de los miembros de los Beatles. amigos más antiguos de su tiempo en Hamburgo a principios de la década de 1960. La obra de arte de Voormann era en parte dibujo lineal y en parte collage, utilizando fotografías tomadas principalmente entre 1964 y 1965 por Robert Freeman. En sus dibujos lineales de los cuatro Beatles, Voormann se inspiró en el trabajo del ilustrador del siglo XIX Aubrey Beardsley, quien fue el tema de una exposición de larga duración en el Victoria and Albert Museum de Londres en 1966 y tuvo una gran influencia en temas de moda y diseño de la época. Voormann colocó las diversas fotos dentro de la maraña de cabello que conecta las cuatro caras. Turner escribe que los dibujos muestran a cada Beatle 'en otro estado de conciencia', de modo que las imágenes más antiguas parecen estar saliendo de ellos.

El objetivo de Voormann era reflejar el cambio radical en el sonido representado, particularmente por 'Tomorrow Never Knows', y su elección de una portada en blanco y negro fue un desafío deliberado a la preferencia para colores vivos. Cuando envió su trabajo a los Beatles, Epstein lloró, encantado de que Voormann hubiera logrado capturar el tono experimental de los Beatles. música nueva. Voormann también diseñó una serie de cuatro imágenes, titulada "Wood Face", "Wool Face", "Triangle Face" y 'Sun Face', que apareció en la portada de la partitura de Northern Songs para cada una de las canciones del álbum.

Salida de color de la sesión de fotos de Robert Whitaker que produjo la imagen de back-cover utilizada en el LP. George Harrison (tercero de izquierda) se ve con una transparencia de la polémica "cubrición de carniceros" para Ayer y hoy.

La contraportada del LP incluía una fotografía de los Beatles, según la descripción de Riley, "sombreada por la modestia moderna de las gafas de sol y el humo del cigarrillo". La foto fue parte de una serie tomada por Robert Whitaker durante el rodaje en Abbey Road el 19 de mayo y demostró que los Beatles & # 39; adopción de modas de boutiques que habían abierto recientemente en Chelsea, en lugar de los diseñadores de Carnaby Street que habían favorecido anteriormente. De estas boutiques de Chelsea, Lennon usó una camisa de cachemira de cuello largo de Granny Takes a Trip, mientras que Harrison vestía una chaqueta de terciopelo con solapas anchas diseñada por Hung on You. Turner ve la selección de atuendos como un reflejo de los Beatles "todavía vistiéndose de manera similar pero con un sello individual"; identifica la elección de las gafas de sol como otro ejemplo de un aspecto unificado pero personalizado, en el que los estilos iban desde lentes de forma oblonga, para Lennon, hasta un par de forma ovalada usado por Starr. Gould, quien describe las gafas de Starr como 'ridículamente con ojos saltones', considera que el diseño de la portada es coherente con la 'ruptura con el pasado'. ethos que había guiado la creación del álbum.

Durante la misma sesión de fotos, Whitaker tomó fotos de los Beatles examinando las transparencias naranjas de su "portada de carnicero" diseño para Ayer y Hoy. La última imagen resultó instantáneamente controvertida en Estados Unidos debido a su representación de muñecas desmembradas y carne cruda.

Título

El título del álbum, al igual que el de Rubber Soul, es un juego de palabras que se refiere tanto a una especie de pistola como a la "giratoria" movimiento de un disco mientras se reproduce en un tocadiscos. Gould ve el título como un "juego de palabras de McLuhanesque", ya que, más que en sus álbumes anteriores, el enfoque de Revolver parece rotar de un Beatle a otro con cada canción.

El grupo originalmente había querido llamar al álbum Abracadabra, hasta que descubrieron que otra banda ya lo había usado. Al discutir posibles alternativas, durante su gira alemana, Lennon optó por Four Sides to the Circle en respuesta al Magic Circle de McCartney, y Starr sugirió en broma After Geography, una obra de teatro sobre el título de los Rolling Stones' lanzado recientemente Aftermath LP. Otras sugerencias incluyeron Bubble and Squeak, Beatles on Safari, Freewheelin' Beatles y Pendulum antes de que la banda se decidiera por Revolver. Confirmaron su elección en un telegrama a EMI, enviado desde el Tokyo Hilton el 2 de julio.

Liberar

A mediados de mayo de 1966, Tony Hall de Record Mirror escribió un adelanto de The Beatles' nuevas grabaciones en las que opinaba que algunas de ellas eran "las más revolucionarias jamás hechas por un grupo de pop". Si bien evitó mencionar los títulos oficiales de las canciones, destacó 'The Void' de Lennon. por sus efectos electrónicos, junto con una "canción de McCartney sobre gente solitaria" con orquestación de cuerdas y un "número de Harrison en el que toca un largo y exótico solo de sitar". En Gran Bretaña, EMI distribuyó gradualmente las canciones del álbum a las estaciones de radio a lo largo de julio, una estrategia que MacDonald describe como "crear anticipación para lo que claramente sería una nueva fase radical en la carrera discográfica del grupo". 34;. Revolver fue lanzado allí el 5 de agosto y el 8 de agosto en los Estados Unidos. 'Eleanor Rigby' se publicó como sencillo de doble cara A con 'Yellow Submarine'. La combinación de una balada sin instrumentación interpretada por un Beatle y una canción novedosa marcó una desviación significativa del contenido habitual de los sencillos de la banda.

Schaffner compara a los Beatles' Grabaciones de 1966 hasta el momento de la transformación en la película El mago de Oz, "donde, cuando Dorothy se descubre transportada de Kansas a Oz, la película cambia drásticamente del blanco y negro al glorioso tecnicolor". El álbum apareció un año antes de que las drogas psicodélicas se convirtieran en un fenómeno en la cultura juvenil, y fue fuente de confusión para los fans más conservadores del grupo. Más tarde, una escritora se quejó en Beatles Monthly de que 1966 representó el final de 'Los Beatles que conocíamos antes de que se volvieran completamente locos'. De esta forma, Revolver marcó el inicio de un cambio en la vida de los Beatles. público principal, ya que su base de fans joven, dominada por mujeres, dio paso a un grupo de seguidores cada vez más integrado por oyentes masculinos más serios.

El lanzamiento coincidió con un período de desafíos de relaciones públicas para la banda, cuya combinación llevó a su decisión de retirarse de las giras luego del final de su gira por Norteamérica, el 29 de agosto. En EE. UU., el lanzamiento del álbum fue un evento secundario a la controversia en torno a la reciente publicación allí de la entrevista de Cleave con Lennon, en la que comentó que los Beatles se habían vuelto 'más populares que Jesús'. #34;. Este episodio siguió a la reacción desfavorable a la portada de carnicero Ayer y hoy, por parte de la prensa, las estaciones de radio y los puntos de venta. Como resultado, en las conferencias de prensa durante la gira, las preguntas generalmente se enfocaban en asuntos religiosos en lugar de la nueva música de la banda. Además, el grupo expresó su oposición a la Guerra de Vietnam, una posición que redefinió aún más su imagen pública en los EE. UU. Los Beatles no intentaron interpretar ninguna de las canciones de Revolver durante la gira.

Reportaje sobre "Swinging London" para The Village Voice, Richard Goldstein dijo que, como en respuesta al antagonismo que se muestra hacia la banda en los EE. >Revólver." El autor Howard Sounes escribe que, en medio del buen tiempo del verano de 1966 y la reciente victoria de Inglaterra en la Copa del Mundo, Revolver fue el álbum de la banda sonora de la nación. temporada".

Rendimiento comercial

En el Reino Unido, donde "Eleanor Rigby" fue el lado favorito, el sencillo se convirtió en la canción más vendida de 1966, luego de encabezar la lista nacional durante cuatro semanas durante agosto y septiembre. En la lista de LP de Record Retailer' (más tarde la lista de álbumes del Reino Unido), Revolver entró en el número 1 y permaneció allí durante siete semanas durante su carrera de 34 semanas entre los 40 primeros. En la lista nacional compilada por Melody Maker, el álbum fue el número 1 durante nueve semanas. Para octubre, al menos diez de las canciones del LP habían sido versionadas por otros artistas y revisadas por Melody Maker. Entre estos, Cliff Bennett y los Rebel Rousers' La versión de 'Got to Get You into My Life', que McCartney coprodujo, fue un éxito entre los diez primeros. Las baladas de McCartney 'Here, There and Everywhere' y "Para nadie" se hizo muy popular entre los principales artistas discográficos. En el Reino Unido, Revolver fue el segundo álbum más vendido de 1966, detrás de The Sound of Music. En los lectores de NME' encuesta de 1966, Revolver y Pet Sounds fueron reconocidos conjuntamente como el "Álbum del año" de la revista.

Anuncio comercial del Capitolio para el single A-side doble del álbum, favoreciendo "Yellow Submarine" sobre "Eleanor Rigby"

En Estados Unidos, Capitol desconfió de las referencias religiosas en 'Eleanor Rigby', dada la controversia en curso, y en su lugar impulsó 'Yellow Submarine'. Este último alcanzó el puesto número 2 en el Billboard Hot 100, lo que lo convierte, según la descripción de Gould, en "el primer 'designado' Sencillo de los Beatles desde 1963" no encabezar esa tabla. En la lista Billboard Top LPs, Revolver alcanzó el número 1 el 10 de septiembre, una semana después del final de Yesterday and Today's cinco semanas en la cima. Los Beatles recibieron discos de oro de la Recording Industry Association of America (RIAA), reconociendo el álbum como 'vendedor millonario', durante su conferencia de prensa del 24 de agosto en la Torre del Capitolio en Hollywood. Revolver fue el número 1 allí durante seis semanas y permaneció en la lista hasta mediados de febrero de 1968. En marzo de 1967, Revolver fue nominado al premio Grammy por Álbum del año. El diseño de portada de Voormann ganó el Grammy a la Mejor Portada de Álbum, Artes Gráficas.

Según las ventas minoristas hasta principios de octubre de 1966, Revolver fue el octavo álbum más vendido del año en los Estados Unidos. Aunque tuvo éxito comercial, ocupó el décimo lugar (con Help!) en la lista de los Beatles. álbumes más vendidos en los EE. UU., suministrados por Allen Klein en 1970. Según las cifras publicadas en 2009 por el ex ejecutivo de Capitol David Kronemyer, además de las estimaciones que dio en la revista MuseWire, el álbum había vendido 1.187.869 copias en los EE. UU. al 31 de diciembre de 1966 y 1.725.276 copias al final de la década.

El lanzamiento en CD de abril de 1987 de Revolver estandarizó la lista de canciones a la versión original del Reino Unido. Revolver volvió a la lista de álbumes del Reino Unido el mes siguiente, alcanzando el puesto 55, mientras que el álbum remasterizado de 2009 alcanzó el puesto 9. En 2013, después de que la industria fonográfica británica modificara su protocolo de premios de ventas, el álbum fue certificado Platino basado en las ventas en el Reino Unido desde 1994. En enero de 2014, la versión Capitol de Revolver se publicó en CD por primera vez, ambas como parte de The Beatles' Estados Unidos Álbumes box set y como lanzamiento individual. A partir de ese año, Revolver había sido certificado 5 veces Platino por la RIAA.

Recepción crítica

Reseñas contemporáneas

En Gran Bretaña, la acogida de Revolver fue muy favorable. Habiendo encontrado Rubber Soul "casi monótono" en ocasiones, Melody Maker elogió el nuevo lanzamiento y dijo que era un trabajo que "cambiaría la dirección de la música pop". El crítico destacó sus "efectos electrónicos", la "predilección por los clásicos" de McCartney; y el 'impresionante uso del sitar' de Harrison. como diversos elementos que distinguieron al LP como un esfuerzo de grupo, tal que los cuatro miembros de la banda & # 39; "las personalidades individuales ahora se muestran alto y claro". El escritor concluyó: "Este es un álbum brillante que subraya de una vez por todas que los Beatles definitivamente han roto los límites de lo que solíamos llamar pop". Peter Clayton, crítico de jazz de la revista Gramophone, lo describió como "una colección asombrosa" eso desafió la categorización fácil ya que gran parte del LP no tenía precedentes en el contexto de la música pop. Clayton concluyó: 'si hay algo malo con el disco es que tal dieta de novedad podría causarle indigestión al selector de pop común'.

Edward Greenfield de The Guardian tituló su reseña "Thinking Pop" y escribió que los tres compositores de los Beatles "habitualmente van fuera del ámbito del tema del amor descuidado y encuentran inspiración en su lugar (como siempre deben hacer los artistas serios) en sentimientos específicos y experiencias específicas". Destacando la importancia de la estética clásica de McCartney, reconoció el éxito continuo de la banda como una 'justa reivindicación'. para el gusto popular en cuanto a su alineamiento con el mérito artístico. En su revisión conjunta de Record Mirror, Richard Green y Peter Jones encontraron el álbum "lleno de ingenio musical" aún 'controvertido', y agregó: 'Hay partes que dividirán la fraternidad pop claramente por la mitad'. En su resumen de 1966 para el Evening Standard, Maureen Cleave nombró a Revolver y al sencillo como los mejores discos del año, aunque lamentaba eso, junto con Mick Jagger, los Beatles se habían vuelto distantes en eso, "A diferencia de cualquier otra persona, parecían saber lo que querían".

El grupo (con el disc jockey Jim Stagg) durante su gira final, en agosto de 1966

Debido a las controversias que rodearon a los Beatles durante su gira, la reacción crítica en los EE. UU. fue silenciada en relación con los lanzamientos anteriores de la banda. Según Rodríguez, al redefinir los límites de la música pop, Revolver enfatizó la necesidad de una crítica de rock genuina, una forma de periodismo que solo se volvió común a partir de 1967. KRLA Beat's describió a Revolver como "una creación musical de excelencia excepcional" pero lamentó que, en medio de la continua aclamación de Rubber Soul, "está recibiendo solo una fracción de la atención y el respeto debidos", y algunos estadounidenses se estaban enfocando demasiado en la banda'.;s "puntos de vista políticos". Escribiendo en el recientemente lanzado Crawdaddy!, Paul Williams le dio al LP estadounidense una crítica mixta, en la que admiró "Love You To" y "Eleanor Rigby" pero se burló de 'Tomorrow Never Knows' y 'Submarino amarillo'. Williams elogió el rango musical del álbum, pero encontró que carecía de una calidad integral, que reconoció estaba fuera del control del grupo.

Según Turner, la combinación del álbum de sonidos novedosos y temas inusuales "desafió todas las convenciones del pop" y fue la próxima generación de escritores la que "lo entendió de inmediato". En su artículo para The Village Voice, Richard Goldstein describió a Revolver como "un disco revolucionario" que fue "tan importante para la expansión del pop como lo fue Rubber Soul", y que exigió que los "límites del género ... ser renegociado". Agregó: "parece que ahora veremos este álbum en retrospectiva como un trabajo clave en el desarrollo del rock and roll en una búsqueda artística...". Otro escritor identificado por Turner, Jules Siegel, comparó a Revolver con las obras de John Donne, John Milton y William Shakespeare, y dijo que las letras de la banda proporcionarían la base para el análisis académico en el futuro..

Recordando el lanzamiento de Revolver'en su libro Revolution in the Head, Ian MacDonald dice que los Beatles "iniciaron una segunda revolución pop, una que, si bien impulsó a sus rivales existentes e inspiró a muchos nuevos, los dejó a todos muy atrás". En una reseña de febrero de 1967, Hit Parader declaró: "Revolver representa el pináculo de la música pop. Ningún grupo ha sido tan consistentemente creativo como los Beatles, aunque [Lovin'] Spoonful y Beach Boys se están acercando todo el tiempo... En lugar de analizar la música, solo sugerimos que escuches Revolver tres o cuatro veces al día y maravilla..." Más tarde ese año, en Esquire, Robert Christgau dijo que el álbum era "dos veces mejor y cuatro veces más sorprendente que Rubber Soul, con efectos de sonido, drones orientales, bandas de jazz, letras trascendentalistas, todo tipo de sorpresas rítmicas y armónicas, y un filtro que hacía que John Lennon sonara como Dios cantando a través de una sirena de niebla".

Evaluaciones retrospectivas

Evaluaciones profesionales

Puntuación de la crítica
Fuente	Valoración
AllMusic
El Club A.V.	A+
Blender
El Daily Telegraph
Enciclopedia de Música Popular
MusicHound Rock	4.5/5
Pegado	100/100
Pitchfork	10/10
The Rolling Stone Album Guide
Sputnikmusic	5/5

En la edición de 2004 de The Rolling Stone Album Guide, Rob Sheffield escribió que Revolver encontró a los Beatles "en la cima de sus poderes, compitiendo con uno otro porque nadie más podía tocarlos"; lo describió como "el mejor álbum que jamás hayan hecho los Beatles, lo que significa que es el mejor álbum de nadie". Escribiendo para PopMatters ese año, David Medsker dijo que Revolver mostraba a los cuatro miembros de la banda "alcanzando su punto máximo exactamente al mismo tiempo", y consideró que era "lo mejor del grupo, la carta que quedó sin respuesta" entre una serie de declaraciones musicales recíprocamente influyentes intercambiadas entre los Beatles y los Beach Boys entre 1965 y 1967. En una evaluación de 2007 de los álbumes de la banda, Henry Yates de la revista Classic Rock los combinó con Sgt. Pepper's como los dos "clásicos esenciales" en los Beatles' canon y lo describió como "Siempre el favorito de la fraternidad del rock (y el modelo para la carrera de Noel Gallagher)". Escribiendo en Paste, Mark Kemp dice que el álbum "completaba la transformación [de los Beatles'] de los trapeadores de tres años antes a audaces e innovadores rockeros experimentales", mientras que Paul Du Noyer, en una reseña para Blender, dijo que marcó la llegada del grupo como "gurús psicodélicos" y fue un trabajo en el que los Beatles "revolucionaron su propio estilo y la propia música rock ... con las innovaciones más audaces de la carrera de la banda".

Stephen Thomas Erlewine de AllMusic describe Revolver como "el último álbum pop moderno". Si bien señala las diversas direcciones musicales adoptadas por Lennon, McCartney y Harrison en sus respectivas contribuciones, afirma: "El mayor milagro de Revolver puede ser que los Beatles cubrieron tanto terreno estilístico nuevo y ejecutaron perfectamente en un registro, o puede ser que todo se mantenga unido perfectamente." En su reseña para The Daily Telegraph, Neil McCormick dice que el álbum muestra a la banda en su forma más unificada y es un trabajo en el que "presentan perspectivas de sonido completamente nuevas pero aún las contienen dentro". canciones fuertemente estructuradas e interpretadas." También le atribuye al álbum una calidad mordaz de la que careció la psicodelia una vez que el género sucumbió a 'la política lanosa del flower power'. Scott Plagenhoef de Pitchfork ve a Revolver como un "punto de referencia sónico" que, en sus letras, "pop maduro[ed] desde el material de los sueños adolescentes a una búsqueda más seria que reflejaba activamente y moldeaba los tiempos en los que vivieron sus creadores". Considera que es el "récord de maduración" de McCartney. como compositor de la misma manera que Rubber Soul lo había sido para Lennon.

Chris Coplan de Consequence of Sound está menos impresionado con el álbum, calificándolo con una "B" y "la oveja negra de los Beatles' catálogo". Aunque admira el tono psicodélico, considera que este experimentalismo hace que las canciones pop más estándar, como "Got to Get You into My Life" y "Aquí, allá y en todas partes", "aparentemente fuera de lugar" dentro de la colección. Escribiendo para Rough Guides, Chris Ingham lo describe como "claramente brillante" pero agrega: "Hay un borde en el sonido y un peligro en el aire ... que hace que escucharlo sea un viaje incómodo. Es fácil de admirar, incluso de asombrarse, pero algunos oyentes encuentran que Revolver es un poco más difícil de amar." En retrospectiva, Christgau dice que prefiere Sgt. Pepper, Rubber Soul y Abbey Road a Revolver, encontrando este último "algo desordenado" pero sin embargo digno de un "alto A menos".

Influencia y legado

Desarrollo de la música popular y la contracultura de los 60

MacDonald considera que el comentario de Lennon sobre los Beatles' "estado divino" en marzo de 1966 por haber sido "bastante realista", dada la reacción a Revolver. Agrega: "La invención auditiva del álbum fue tan magistral que a la juventud occidental le pareció que The Beatles sabían: que tenían la clave de los acontecimientos actuales y que de alguna manera los estaban orquestando a través de sus registros." MacDonald destaca "lo radicalmente subversivo" mensaje de "El mañana nunca se sabe" – exhortando a los oyentes a vaciar sus mentes de todo pensamiento relacionado con el ego y el material – como la inauguración de un concepto de expansión de la mente en el pop, preservado hasta entonces por la élite, llamando simultáneamente la atención sobre las drogas que mejoran la conciencia y el antiguas filosofías religiosas de Oriente". El autor Shawn Levy escribe que el álbum presentó una realidad alternativa que los oyentes contemporáneos se sintieron obligados a explorar más; lo describe como "el primer verdadero álbum de drogas, no un disco pop con algunas insinuaciones de drogadictos, sino un viaje sincero, inmerso en el mundo exterior desde el aquí y ahora hasta quién sabe dónde". #34;.

Según Simon Philo, Revolver anunció la llegada del "underground London" sonido, suplantando al de Swinging London. Barry Miles describe el álbum como un "anuncio para el underground", y recuerda que resonó al nivel del jazz experimental entre los miembros del movimiento, incluidos los que pronto fundaron el UFO Club. Dice que estableció el rock 'n' rodar como una forma de arte e identifica su "pionero" calidad como el ímpetu de The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd y de Brian Wilson para completar el álbum de los Beach Boys. "mini-sinfonía", "Buenas Vibraciones". Citando el libro del compositor y productor Virgil Moorefield The Producer as Composer, el autor Jay Hodgson destaca Revolver como un "punto de inflexión dramático" en la historia de la grabación a través de su dedicación a la exploración de estudio sobre la "performabilidad" de las canciones, ya que este y los siguientes álbumes de los Beatles reformaron a los oyentes. ideas preconcebidas de una grabación pop. En su reseña de Pitchfork, Plagenhoef dice que el álbum no solo "redefine[ed] lo que se esperaba de la música popular", sino que reformuló a los Beatles como "avatares para un movimiento cultural transformador". MacDonald cita a Revolver como una declaración musical que, además de la pista de Rubber Soul "The Word" y "Rain", ayudaron a guiar a la contracultura hacia el Verano del amor de 1967 debido a la gran popularidad de los Beatles.

Revolver ha sido reconocido por haber inspirado nuevos subgéneros musicales, anticipando la electrónica, el punk rock, el rock barroco y la world music, entre otros estilos. Según Rolling Stone, el álbum "señaló que en la música popular, cualquier cosa, cualquier tema, cualquier idea musical, ahora podía realizarse". A través de los Beatles' Por ejemplo, la psicodelia pasó de sus raíces clandestinas a la corriente principal, originando así el estilo pop psicodélico de mayor duración. Russell Reising y Jim LeBlanc dan crédito a las canciones de Revolver por "preparar el escenario para un importante subgénero de la música psicodélica, el de la declaración mesiánica". Al igual que con Rubber Soul, Walter Everett ve los 'timbres experimentales, ritmos, estructuras tonales y textos poéticos" como inspiración para muchas de las bandas que formaron el género de rock progresivo a principios de la década de 1970. También considera que Revolver es "un ejemplo innovador de música electrónica" tanto como abrió nuevos caminos en el pop al ser "fundamentalmente diferente a cualquier álbum de rock que lo haya precedido". Rolling Stone atribuye el desarrollo de las escenas musicales de Los Ángeles y San Francisco, incluidos los lanzamientos posteriores de Beach Boys, Love y Grateful Dead, a la influencia de Revolver, en particular 'Ella dijo que ella dijo'.

Steve Turner se parece a los Beatles' enfoque creativo en 1966 al de los músicos de jazz modernos, y reconoce que la canalización de estilos musicales indios y occidentales, soul sureño y electrónicos en su trabajo no tiene precedentes en la música popular. Dice que, a través de los esfuerzos de la banda por traducir fielmente su visión inspirada en el LSD a la música, "Revolver abrió las puertas al rock psicodélico (o rock ácido)", mientras que los medios primitivos por los que se grabó (en un equipo de cuatro pistas) inspiraron el trabajo que artistas como Pink Floyd, Genesis, Yes y Electric Light Orchestra pudieron lograr con los avances en la tecnología de estudio. Turner también destaca el muestreo pionero y la manipulación de cintas empleados en 'Tomorrow Never Knows'. por tener 'un efecto profundo en todos, desde Jimi Hendrix hasta Jay-Z'.

Rodríguez elogia la contribución de Martin y Emerick al álbum y dice que su talento fue tan esencial para su éxito como el de los Beatles. Aunque también destaca la importancia de la producción, David Howard escribe que Revolver fue un "álbum que transformó el género", en el que Martin y los Beatles habían "borrado las convenciones de los estudios de grabación& #34;. Combinado con el "visionario" obra del productor estadounidense Phil Spector, prosigue Howard, a través de Revolver, el estudio de grabación se había convertido en "su propio instrumento; la producción discográfica se había elevado a la categoría de arte."

Ascendencia sobre el sargento. Pimienta

Mientras que el sargento. Pepper había sido identificado durante mucho tiempo como The Beatles' mejor álbum, desde la década de 2000, Revolver a menudo lo ha superado en las listas de los mejores trabajos del grupo. Sheffield cita el lanzamiento del CD del álbum en 1987, con el complemento completo de las composiciones de Lennon, como el comienzo de un proceso mediante el cual Revolver "ascendió constantemente en la estimación del público" ser reconocido como los Beatles' mejor trabajo. Everett también atribuye el "problema" con respecto a la posición del álbum en los EE. UU. a la "lista de canciones inferior" disponible para los estadounidenses hasta el lanzamiento del CD. En Gran Bretaña, su supremacía sobre Sgt. Pepper fue una de las revisiones culturales que instauró el fenómeno Britpop en los años noventa. Escribiendo en el sitio web de la BBC en agosto de 2016, Greg Kot identificó el "Más popular que Cristo" controversia y la atención que posteriormente se prestó a la liberación de Sgt. Pepper en 1967 como los dos factores que habían contribuido a que Revolver se pasara relativamente por alto. Kot llegó a la conclusión de que en las décadas siguientes se había invertido esta impresión, ya que Revolver "hace todo lo que hacía Sgt. Pepper, excepto que lo hacía primero y, a menudo, mejor. Simplemente no estaba tan bien empaquetado ni comercializado."

Rodríguez escribe que, mientras que la mayoría de los actos contemporáneos evitan intentar un álbum conceptual en la línea de Sgt. Pepper, el prototipo establecido por Revolver, según el cual un álbum sirve como una "colección ecléctica de diversas canciones", sigue influyendo en la música popular moderna. Caracteriza a Revolver como "los Beatles' marca artística de marea alta" y dice que, a diferencia de Sgt. Pepper, fue el producto de un esfuerzo colaborativo, con "el grupo como un todo totalmente dedicado a crear música Beatle".

Apariciones en listas de mejores álbumes y mayor reconocimiento

Revolver ha aparecido en lo más alto de muchas listas de los mejores álbumes jamás realizados, a menudo en la primera posición. Fue votado como el tercer mejor álbum de todos los tiempos en la 'Música del Milenio' de 1998. encuesta realizada por HMV y Channel 4, y en la encuesta ampliada del año siguiente, que encuestó a 600.000 personas en todo el Reino Unido. También en 1998, ocupó el primer lugar en la lista All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin, directamente por delante de Sgt. Pepper y The Beatles, y volvió a aparecer por primera vez en la edición de 2000 del libro. Q lo colocó en el número 1 de su lista de los "50 mejores álbumes británicos de todos los tiempos" en 2000; cuatro años más tarde, el álbum encabezó la lista de la misma revista 'La música que cambió el mundo'. En 2001, encabezó la lista de los '100 mejores álbumes' de VH1, compilada a partir de una encuesta de más de 500 periodistas, ejecutivos musicales y artistas. En 2003, Rolling Stone clasificó a Revolver en el tercer lugar de su lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos", posición que mantuvo en la revista's lista revisada nueve años después.

En 2004, Revolver apareció en el número 2 en The Observer' La lista de "Los 100 mejores álbumes británicos", compilada por un panel de 100 colaboradores. En 2006, fue elegido por la revista Time como uno de los 100 mejores álbumes y encabezó una lista similar compilada por Hot Press. Ese mismo año, los lectores de Guitar World lo eligieron como el décimo mejor álbum de guitarra de todos los tiempos. En 2010, Revolver fue nombrado el mejor álbum pop por el diario oficial de la Santa Sede, L'Osservatore Romano. En 2013, Entertainment Weekly colocó el álbum en el número 1 de su lista "All-Time Greatest" álbumes A partir de 2020, Acclaimed Music lo incluyó como el álbum número 3 en el ranking de todos los tiempos del sitio. En septiembre de 2020, Rolling Stone clasificó a Revolver en el puesto 11 de su nueva lista de los '500 mejores álbumes de todos los tiempos'.

En 1999, Revolver fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy, un premio otorgado por la Academia Estadounidense de la Grabación "para honrar las grabaciones de importancia histórica o cualitativa duradera que duran al menos 25 años viejo". Según el periodista de arte y cultura Robin Stummer, que escribió en 2016, la portada de Voormann se reconoce de manera similar como "una de las mejores obras de arte pop". El álbum ha sido objeto de varios álbumes tributo, como Revolver Reloaded, un CD de varios artistas incluido en la edición de julio de 2006 de Mojo. Las bandas tributo a los Beatles se han nombrado a sí mismas en honor a Revolver, y Reising incluye a Revolver Records, la revista de heavy metal Revolver y Revolver Films como otros ejemplos que parecen honrar el álbum de 1966. En su opinión, "Como pocas otras grabaciones de rock and roll, Revolver ha asumido el estatus de ícono cultural, acercándose en sus múltiples avatares, su impacto y su permanencia al estatus de algunos de los definitivos. obras de la cultura angloamericana como Moby-Dick de Herman Melville y Ulysses de James Joyce."

Reediciones

Junto con el resto del catálogo de los Beatles, el álbum se publicó por primera vez en disco compacto en 1987. En 2009, Apple y EMI lanzaron versiones remasterizadas de los álbumes de los Beatles en CD. Revolver también se incluyó en los conjuntos de cajas lanzados en ese momento, The Beatles: Stereo Box Set y The Beatles in Mono Box Set.

El 28 de octubre de 2022, se lanzó una edición remezclada y ampliada de Revolver. Incluye un nuevo remix estéreo del álbum de Giles Martin, con la ayuda de la tecnología de desmezcla desarrollada por WingNut Films de Peter Jackson, así como la mezcla mono original, grabaciones de sesiones, demos y un EP con nuevas mezclas. de "Escritor de bolsillo" y "Lluvia".

Lista de pistas

La siguiente lista de canciones es para el lanzamiento original en todos los mercados excepto Norteamérica y posteriormente se adoptó como la versión estándar del álbum para su lanzamiento internacional en CD en 1987. La edición norteamericana original usaba este orden excepto por la omisión de & #34;Solo estoy durmiendo", "Y tu pájaro puede cantar" y 'Doctor Robert'. Todas las pistas escritas por Lennon–McCartney, excepto las canciones con asteriscos, que son de George Harrison.

Personal

Según Mark Lewisohn e Ian MacDonald, excepto donde se indique:

Los Beatles

• John Lennon – voz de plomo, armonía y respaldo; ritmo y guitarras acústicas; órgano Hammond, Mellotron, harmonio; bucles de cinta, efectos de sonido; tambourine, handclaps, snaps de los dedos
• Paul McCartney – vocales de plomo, armonía y respaldo; bajo, ritmo y guitarras de plomo; piano, clavichord; cintas de cinta, efectos de sonido; cajones, broches de dedo
• George Harrison – vocales de plomo, armonía y respaldo; guitarras de plomo, acústica, ritmo y bajo; sitar, tambura; cintas de cinta, efectos de sonido; maracas, tambourine, handclaps, snaps de los dedos
• Ringo Starr – tambores; tambourine, maracas, cowbell, shaker, handclaps, finger snaps; tape loops; lead and backing vocals on "Yellow Submarine"

Músicos y producción adicionales

• Anil Bhagwat – tabla en "Te amo"
• Alan Civil – cuerno francés en "Para nadie"
• George Martin – productor; ingeniero de mezcla; piano en "Good Day Sunshine" y "Tomorrow Never Knows"; órgano Hammond en "Got to Get You into My Life"; bucle de cinta de la banda de marcha en "Yellow Submarine"
• Geoff Emerick – ingeniero de grabación y mezcla; bucle de cinta de la banda de marcha en "Yellow Submarine"
• Mal Evans – bajo tambor y voces de fondo en "Yellow Submarine"
• Neil Aspinall – voces de fondo sobre "Yellow Submarine"
• Brian Jones – efectos de sonido, ocarina y voces de fondo en "Yellow Submarine"
• Pattie Boyd – voces de fondo sobre "Yellow Submarine"
• Marianne Faithfull – voces de fondo sobre "Yellow Submarine"
• Alf Bicknell – efectos de sonido y voces de fondo en "Yellow Submarine"
• Tony Gilbert, Sidney Sax, John. Sharpe, Jurgen Hess – violín; Stephen Shingles, John Underwood – violas; Derek Simpson, Norman Jones – cellos: string octet on "Eleanor Rigby", orquestado y dirigido por George Martin (con Paul McCartney)
• Eddie Thornton, Ian Hamer, Les Condon – trompeta; Peter Coe, Alan Branscombe – saxofono tenor: sección de cuernos sobre "Got to Get You into My Life" organizado y dirigido por George Martin (con Paul McCartney)

Gráficos

Certificaciones

Certificaciones de ventas para Revolver

Región	Certificación	Unidades certificadas/ventas
Australia (ARIA)	Platino	70.000^
Brasil (Pro-Música Brasil)	Oro	100.000*
Canadá (Canadá musica)	2× platino	200.000^
Italia (FIMI) ventas desde 2009	Oro	25.000
Nueva Zelandia (RMNZ) Reissue	Platino	15.000^
Reino Unido (BPI)	2× platino	600.000^
Estados Unidos (RIAA)	5× platino	5,000,000^
* Las cifras de ventas se basan en la certificación. ^ Figuras de envío basadas en la certificación por sí sola. Sales+streaming figures based on certification alone.

BPI certificado otorgado sólo por ventas desde 1994.