Realismo (arte)

El realismo en las artes es generalmente el intento de representar el tema con veracidad, sin artificialidad y evitando la ficción especulativa y los elementos sobrenaturales. El término a menudo se usa indistintamente con naturalismo, aunque estos términos no son sinónimos. El naturalismo, como idea relacionada con la representación visual en el arte occidental, busca representar objetos con la menor cantidad posible de distorsión y está ligado al desarrollo de la perspectiva lineal y el ilusionismo en la Europa del Renacimiento.El realismo, aunque se basa en la representación naturalista y se aleja de la idealización del arte académico anterior, se refiere a un movimiento histórico del arte específico que se originó en Francia después de la Revolución Francesa de 1848. Con artistas como Gustave Courbet capitalizando lo mundano y feo. o sórdido, el realismo fue motivado por el renovado interés en el hombre común y el auge de la política de izquierda. Los pintores realistas rechazaron el romanticismo, que había llegado a dominar la literatura y el arte franceses, con raíces a finales del siglo XVIII.

En la Europa del siglo XIX, el naturalismo o la escuela naturalista se erigió de manera un tanto artificial como un término que representaba un submovimiento disidente del realismo, que intentaba (sin del todo éxito) distinguirse de su matriz evitando la política y los problemas sociales, y Le gustaba proclamar una base casi científica, jugando con el sentido de "naturalista" como estudiante de historia natural, como se conocía generalmente a las ciencias biológicas.

Ha habido varios movimientos que invocan el realismo en las otras artes, como el estilo de ópera del verismo, el realismo literario, el realismo teatral y el cine neorrealista italiano.

Artes visuales

Cuando se usa como adverbio, "realista" (generalmente relacionado con la apariencia visual) se distingue del arte "realista" que se refiere a un tema. De manera similar, el término "ilusionista" podría usarse cuando se hace referencia a la representación precisa de las apariencias visuales en una composición.En pintura, el naturalismo es la representación precisa, detallada y exacta en el arte de la apariencia de escenas y objetos. También se le llama mimesis o ilusionismo y se vuelve especialmente marcado en la pintura europea en la pintura holandesa temprana de Robert Campin, Jan van Eyck y otros artistas en el siglo XV. En el siglo XIX, los pintores del movimiento artístico del realismo, como Gustave Courbet, no se destacaron especialmente por la descripción completamente precisa y cuidadosa de las apariencias visuales; en la época de Courbet, eso era más a menudo una característica de la pintura académica, que muy a menudo representaba con gran habilidad y cuidado escenas que eran inventadas y artificiales, o escenas históricas imaginadas. Es la elección y el tratamiento del tema lo que define al Realismo como un movimiento en la pintura, más que la cuidadosa atención a las apariencias visuales.

Realismo o naturalismo como resistencia a la idealización

El realismo o el naturalismo como estilo que significa la representación honesta y no idealizada del tema, se puede utilizar para representar cualquier tipo de tema, sin ningún compromiso de tratar lo típico o lo cotidiano. A pesar del idealismo general del arte clásico, este también tenía precedentes clásicos, que resultaron útiles para defender tales tratamientos en el Renacimiento y el Barroco. Demetrius of Alopece fue un escultor del siglo IV a. C. cuya obra (toda ahora perdida) prefería el realismo a la belleza ideal, y durante la Antigua República Romana incluso los políticos preferían una representación veraz en los retratos, aunque los primeros emperadores favorecían el idealismo griego. Los retratos de Goya de la familia real española representan una especie de cumbre en la representación honesta y francamente poco favorecedora de personajes importantes.

Una tendencia recurrente en el arte cristiano fue el "realismo" que enfatizaba la humanidad de las figuras religiosas, sobre todo Cristo y sus sufrimientos físicos en su Pasión. Siguiendo las tendencias de la literatura devocional, esta se desarrolló en la Baja Edad Media, donde algunas esculturas de madera pintada en particular se desviaron hacia lo grotesco al representar a Cristo cubierto de heridas y sangre, con la intención de estimular al espectador a meditar sobre el sufrimiento que Cristo había sufrido. en su nombre. Estos se encontraron especialmente en Alemania y Europa Central. Tras amainar en el Renacimiento, obras similares reaparecieron en el Barroco, especialmente en la escultura española.

Los teóricos del Renacimiento abrieron un debate, que duraría varios siglos, sobre el equilibrio correcto entre dibujar arte a partir de la observación de la naturaleza y de formas idealizadas, típicamente las que se encuentran en los modelos clásicos, o la obra de otros artistas en general. Todos admitieron la importancia de lo natural, pero muchos creían que debería idealizarse en varios grados para incluir solo lo bello. Leonardo da Vinci fue uno de los que defendió el estudio puro de la naturaleza y deseaba representar toda la gama de variedades individuales de formas en la figura humana y otras cosas. Leon Battista Alberti fue uno de los primeros idealizadores, enfatizando lo típico, con otros como Miguel Ángel apoyando la selección de los más bellos; se negó a hacer retratos por ese motivo.

En el siglo XVII el debate continuó, en Italia generalmente centrado en el contraste entre el relativo "idealismo clásico" de los Carracci y el estilo "naturalista" de los Caravaggisti, o seguidores de Caravaggio, que pintaban escenas religiosas como si estuvieran ambientadas en el callejuelas de las ciudades italianas contemporáneas, y usó "naturalista" como autodescripción. Bellori, escribiendo algunas décadas después de la temprana muerte de Caravaggio, y sin ser partidario de su estilo, se refiere a "Aquellos que se glorían en el nombre de los naturalistas" (naturalisti).

Durante el siglo XIX, el naturalismo se desarrolló como un movimiento ampliamente definido en el arte europeo, aunque carecía de los fundamentos políticos que motivaron al artista realista. El creador del término fue el crítico de arte francés Jules-Antoine Castagnary, quien en 1863 anunció que: "La escuela naturalista declara que el arte es la expresión de la vida en todas las fases y en todos los niveles, y que su único objetivo es reproducir la naturaleza. llevándola a su máxima potencia e intensidad: es verdad equilibrada con ciencia". Émile Zola adoptó el término con un énfasis científico similar para sus objetivos en la novela. Gran parte de la pintura naturalista cubrió una gama de temas similar a la del impresionismo, pero utilizando estilos de pincelada más estrictos y tradicionales, y en paisajes a menudo con un clima más sombrío.

El término "continuó usándose indiscriminadamente para varios tipos de realismo" durante varias décadas, a menudo como un término general para el arte que estaba fuera del impresionismo y los movimientos posteriores del modernismo y que tampoco era arte académico. Los períodos posteriores de la escuela francesa de Barbizon y la escuela de pintura de Düsseldorf, con estudiantes de muchos países, y en el regionalismo estadounidense del siglo XX son movimientos que a menudo también se describen como "naturalistas", aunque el término rara vez se usa para la pintura británica.. Algunos historiadores del arte recientes han profundizado la confusión al reclamar a Courbet oa los impresionistas para la etiqueta.

• Piedad gótica tardía de Lubiąż en la Baja Silesia, Polonia, ahora en el Museo Nacional de Varsovia
• Jean-François Raffaëlli, Afueras de París, década de 1880
• William Bliss Baker, pintor naturalista estadounidense, Fallen Monarchs, 1886
• Pekka Halonen, naturalista finlandés, pioneros en Carelia, 1900

Ilusionismo

El desarrollo de una representación cada vez más precisa de las apariencias visuales de las cosas tiene una larga historia en el arte. Incluye elementos como la representación precisa de la anatomía de humanos y animales, de perspectiva y efectos de distancia, y de efectos detallados de luz y color. El Arte del Paleolítico Superior en Europa logró representaciones de animales notablemente realistas, y el arte del Antiguo Egipto desarrolló convenciones que involucraban tanto la estilización como la idealización que, sin embargo, permitieron producir representaciones muy efectivas de manera muy amplia y consistente. Se reconoce comúnmente que el arte griego antiguo hizo un gran progreso en la representación de la anatomía y se ha mantenido como un modelo influyente desde entonces. No sobreviven obras originales en paneles o paredes de los grandes pintores griegos, pero a partir de relatos literarios, y el corpus superviviente de obras derivadas (principalmente obras grecorromanas en mosaico) está claro que el ilusionismo era muy valorado en la pintura. La famosa historia de Plinio el Viejo de los pájaros picoteando uvas pintada por Zeuxis en el siglo V a. C. bien puede ser una leyenda, pero indica la aspiración de la pintura griega.

Además de la precisión en la forma, la luz y el color, las pinturas romanas muestran un conocimiento no científico pero efectivo de representar objetos distantes más pequeños que los más cercanos, y representar formas geométricas regulares como el techo y las paredes de una habitación con perspectiva. Este progreso en los efectos ilusionistas no significó en modo alguno un rechazo del idealismo; Las estatuas de dioses y héroes griegos intentan representar con precisión formas bellas e idealizadas, aunque se permitió que otras obras, como las cabezas del famoso y feo Sócrates, cayeran por debajo de estos estándares ideales de belleza. El retrato romano, cuando no está bajo demasiada influencia griega, muestra un mayor compromiso con una representación veraz de sus sujetos, llamada verismo.

Es bien sabido que el arte de la Antigüedad tardía rechazó el ilusionismo por la fuerza expresiva, un cambio que ya estaba en marcha cuando el cristianismo comenzó a afectar el arte de la élite. En Occidente, los estándares clásicos del ilusionismo no comenzaron a alcanzarse nuevamente hasta los períodos medieval tardío y renacentista temprano, y fueron ayudados, primero en los Países Bajos a principios del siglo XV y alrededor de la década de 1470 en Italia, por el desarrollo de nuevas técnicas. de la pintura al óleo que permitía pintar efectos de luz muy sutiles y precisos utilizando pinceles muy pequeños y varias capas de pintura y esmalte. Los métodos científicos para representar la perspectiva se desarrollaron en Italia a principios del siglo XV y se extendieron gradualmente por Europa, y la precisión en la anatomía se redescubrió bajo la influencia del arte clásico. Como en la época clásica, el idealismo siguió siendo la norma.

La representación precisa del paisaje en la pintura también se había desarrollado en la pintura del Renacimiento temprano holandés/del norte temprano y del Renacimiento italiano, y luego alcanzó un nivel muy alto en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII, con técnicas muy sutiles para representar una gama de condiciones climáticas y grados de luz natural. Después de ser otro desarrollo de la pintura holandesa temprana, en 1600 el retrato europeo podía dar una muy buena semejanza tanto en pintura como en escultura, aunque los sujetos a menudo se idealizaban suavizando los rasgos o dándoles una pose artificial. Las pinturas de bodegones y los elementos de bodegones en otras obras jugaron un papel considerable en el desarrollo de la pintura ilusionista, aunque en la tradición holandesa de la pintura de flores carecieron durante mucho tiempo de "realismo". en que se usaban típicamente flores de todas las estaciones, ya sea por la costumbre de ensamblar composiciones a partir de dibujos individuales, o como una convención deliberada; las grandes exhibiciones de ramos de flores en jarrones, aunque cercanas a las exhibiciones modernas de flores cortadas en las que han influido, eran completamente atípicas de los hábitos del siglo XVII, donde las flores se exhibieron una a la vez. Curiosamente, habiendo liderado el desarrollo de la pintura ilusionista, la naturaleza muerta iba a ser igualmente significativa en su abandono en el cubismo.

El realismo o el naturalismo como la representación de temas ordinarios y cotidianos.

La representación de temas ordinarios y cotidianos en el arte también tiene una larga historia, aunque a menudo se exprimía en los bordes de las composiciones o se mostraba a menor escala. Esto se debió en parte a que el arte era costoso y, por lo general, se encargaba por razones religiosas, políticas o personales específicas, lo que permitía dedicar solo una cantidad relativamente pequeña de espacio o esfuerzo a tales escenas. Las bromas en los márgenes de los manuscritos iluminados medievales a veces contienen pequeñas escenas de la vida cotidiana, y el desarrollo de la perspectiva creó grandes áreas de fondo en muchas escenas ambientadas al aire libre que podrían volverse más interesantes al incluir pequeñas figuras en su vida cotidiana. El arte medieval y del Renacimiento temprano por convención generalmente mostraba figuras no sagradas con vestimenta contemporánea,

La pintura holandesa temprana trajo la pintura de retratos tan abajo en la escala social como los prósperos comerciantes de Flandes, y en algunos de estos, en particular el Retrato de Arnolfini.de Jan van Eyck (1434), y más a menudo en escenas religiosas como el Retablo de Merode, de Robert Campin y su taller (circa 1427), incluyen representaciones muy detalladas de interiores de clase media llenos de objetos representados con amor. Sin embargo, estos objetos están ahí, al menos en gran parte, porque llevan capas de significado y simbolismo complejos que socavan cualquier compromiso con el realismo por sí mismo. Los ciclos de los trabajos de los meses en el arte medieval tardío, de los cuales sobreviven muchos ejemplos de los libros de horas, se concentran en los campesinos que trabajan en diferentes tareas a lo largo de las estaciones, a menudo en un rico fondo paisajístico, y fueron significativos tanto en el desarrollo del arte del paisaje como en el representación de la clase trabajadora cotidiana.

En el siglo XVI se puso de moda la representación en grandes cuadros de escenas de gente trabajando, sobre todo en mercados de abastos y cocinas: en muchos se da tanto protagonismo a la comida como a los trabajadores. Los artistas incluyeron a Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer en los Países Bajos, trabajando en un estilo esencialmente manierista, y en Italia, el joven Annibale Carracci en la década de 1580, usando un estilo muy realista sin pulir, con Bartolomeo Passerotti en algún lugar entre los dos. Pieter Bruegel el Viejo fue pionero en las grandes escenas panorámicas de la vida campesina. Tales escenas actuaron como un preludio de la popularidad de las escenas de trabajo en la pintura de género en el siglo XVII, que apareció en toda Europa, con la pintura holandesa de la Edad de Oro surgiendo varios subgéneros diferentes de tales escenas, los Bamboccianti (aunque en su mayoría de los Países Bajos) en Italia, y en España el género de los bodegones, y la introducción de campesinos no idealizados en la pintura de historia de Jusepe de Ribera y Velázquez. Los hermanos Le Nain en Francia y muchos artistas flamencos, incluidos Adriaen Brouwer y David Teniers el Viejo y el Joven, pintaron campesinos, pero rara vez gente del pueblo. En el siglo XVIII, las pequeñas pinturas de trabajadores que trabajaban siguieron siendo populares, en su mayoría inspiradas en la tradición holandesa, y especialmente con mujeres.

Gran parte del arte que representaba a la gente común, especialmente en forma de grabados, era cómico y moralista, pero la mera pobreza de los sujetos parece haber sido relativamente raramente parte del mensaje moral. A partir de mediados del siglo XIX esto cambió y se enfatizaron las dificultades de la vida de los pobres. A pesar de que esta tendencia coincidió con la migración a gran escala del campo a las ciudades en la mayor parte de Europa, los pintores todavía tendían a pintar a la gente pobre del campo, dejando en gran medida a ilustradores como Gustave Doré para mostrar los horrores de los barrios marginales de las ciudades. Las escenas de calles de ciudades llenas de gente eran populares entre los impresionistas y pintores relacionados, especialmente los que mostraban París.

A los iluminadores de manuscritos medievales a menudo se les pedía que ilustraran tecnología, pero después del Renacimiento, tales imágenes continuaron en la ilustración de libros y grabados, pero con la excepción de la pintura marina, desaparecieron en gran medida en las bellas artes hasta principios de la Revolución Industrial, escenas de las cuales fueron pintadas por algunos pintores. como Joseph Wright de Derby y Philip James de Loutherbourg. Tales temas probablemente no se vendieron muy bien, y hay una ausencia notable de industria, aparte de unas pocas escenas ferroviarias, en la pintura hasta finales del siglo XIX, cuando comenzaron a encargarse obras, generalmente por industriales o para instituciones en ciudades industriales. a menudo a gran escala y, a veces, recibe un tratamiento casi heroico.

El realismo estadounidense, un movimiento de principios del siglo XX, es uno de los muchos movimientos modernos que utilizan el realismo en este sentido.

• Diego Velázquez, El almuerzo del campesino, c. 1620
• Adriaen Brouwer, Interior de una taberna, c. 1630
• Quiringh van Brekelenkam, Interior de una sastrería, 1653
• Giacomo Ceruti, Mujeres trabajando en encaje de almohada, década de 1720
• Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Mujer limpiando nabos, c. 1738, Alta Pinacoteca.
• Jean-Baptiste Greuze, La lavandera, 1761
• Sir Luke Fildes, El viudo, 1876
• William Bell Scott Hierro y carbón, 1855–1860
• Juan Manuel Blanes, Episodio de fiebre amarilla. 1871
• Albert Edelfelt, Los Jardines de Luxemburgo. 1887

Movimiento realista

El movimiento realista se inició a mediados del siglo XIX como reacción al romanticismo y la pintura de historia. A favor de las representaciones de la vida "real", los pintores realistas utilizaron trabajadores comunes y personas comunes en entornos comunes que realizaban actividades reales como temas para sus obras. Sus principales exponentes fueron Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier y Jean-Baptiste-Camille Corot. Según Ross Finocchio, ex miembro del Departamento de Pinturas Europeas del Museo Metropolitano de Arte, los realistas utilizaron detalles sin adornos que representan la existencia de la vida contemporánea ordinaria, coincidiendo con la literatura naturalista contemporánea de Émile Zola, Honoré de Balzac y Gustave Flaubert.

• Gustave Courbet, Rompepiedras, 1849
• Jean-François Millet, Las espigadoras, 1857
• Honoré Daumier, Les Joueurs d'échecs (Los ajedrecistas), 1863
• Jean-Baptiste-Camille Corot, Niña leyendo, 1868
• Jules Bastien-Lepage, octubre de 1878, Galería Nacional de Victoria
• Aleksander Gierymski Fiesta de las Trompetas, 1884

El movimiento realista francés tuvo equivalentes en todos los demás países occidentales, y se desarrolló algo más tarde. En particular, el grupo Peredvizhniki o Wanderers en Rusia, que se formó en la década de 1860 y organizó exposiciones a partir de 1871, incluía a muchos realistas como Ilya Repin, Vasily Perov e Ivan Shishkin, y tuvo una gran influencia en el arte ruso. En Gran Bretaña, artistas como Hubert von Herkomer y Luke Fildes tuvieron un gran éxito con pinturas realistas que trataban temas sociales.

• Vasily Perov, Los ahogados, 1867
• Vladimir Makovsky, "Filántropos", 1874
• Ilya Repin, procesión religiosa en la provincia de Kursk, 1880–1883
• Hubert von Herkomer, Tiempos difíciles 1885

Literatura

Definido ampliamente como "la representación fiel de la realidad", el realismo como movimiento literario se basa en la "realidad objetiva". Se enfoca en mostrar las actividades y la vida cotidiana, principalmente entre la sociedad de clase media o baja, sin idealización o dramatización romántica. Según Kornelije Kvas, "la figuración realista y la refiguración de la realidad forman construcciones lógicas que son similares a nuestra noción habitual de la realidad, sin violar el principio de tres tipos de leyes: las de las ciencias naturales, las psicológicas y las sociales". Puede considerarse como el intento general de representar a los sujetos tal como se considera que existen en la realidad objetiva en tercera persona, sin adornos ni interpretaciones y "de acuerdo con reglas seculares y empíricas".Como tal, el enfoque implica inherentemente la creencia de que dicha realidad es ontológicamente independiente de los esquemas conceptuales, las prácticas lingüísticas y las creencias de la especie humana y, por lo tanto, puede ser conocida (o conocible) por el artista, quien a su vez puede representar esta 'realidad' fielmente. Como afirma Ian Watt, el realismo moderno "comienza desde la posición de que la verdad puede ser descubierta por el individuo a través de los sentidos" y como tal "tiene sus orígenes en Descartes y Locke, y recibió su primera formulación completa por Thomas Reid a mediados de el siglo XVIII".

Si bien la era romántica anterior también fue una reacción contra los valores de la Revolución Industrial, el realismo fue a su vez una reacción al romanticismo y, por esta razón, también se le conoce comúnmente despectivamente como "realismo burgués" "tradicional". Algunos escritores de la literatura victoriana produjeron obras de realismo. Las rigideces, convenciones y otras limitaciones del "realismo burgués" impulsaron a su vez la revuelta que luego se denominó modernismo; a partir de alrededor de 1900, el motivo impulsor de la literatura modernista fue la crítica del orden social burgués y la visión del mundo del siglo XIX, que se contrarrestó con un programa antirracionalista, antirrealista y antiburgués.

Teatro

Se dice que el realismo teatral surgió por primera vez en el drama europeo en el siglo XIX como una rama de la Revolución Industrial y la era de la ciencia. Algunos también citaron específicamente la invención de la fotografía como la base del teatro realista, mientras que otros ven que la asociación entre realismo y drama es mucho más antigua, como lo demuestran los principios de las formas dramáticas, como la presentación del mundo físico que se asemeja mucho a la realidad.

El logro del realismo en el teatro fue dirigir la atención a los problemas sociales y psicológicos de la vida ordinaria. En sus dramas, las personas emergen como víctimas de fuerzas más grandes que ellos mismos, como individuos que se enfrentan a un mundo que se acelera rápidamente. Estos dramaturgos pioneros no tenían miedo de presentar a sus personajes como ordinarios, impotentes e incapaces de encontrar respuestas a sus problemas. Este tipo de arte representa lo que vemos con nuestros ojos humanos. Anton Chekov, por ejemplo, usó trabajos de cámara para reproducir una parte de la vida sin inflexiones, exponiendo el carácter retórico y persuasivo de la teatralidad realista.Académicos como Thomas Postlewait señalaron que a lo largo de los siglos XIX y XX hubo numerosas uniones de formas y funciones melodramáticas y realistas, lo que podía demostrarse en la forma en que los elementos melodramáticos existían en formas realistas y viceversa.

En los Estados Unidos, el realismo en el drama precedió al realismo ficticio en unas dos décadas, ya que los historiadores del teatro identificaron el primer impulso hacia el realismo a fines de la década de 1870 y principios de la de 1880. Su desarrollo también se atribuye a William Dean Howells y Henry James, quienes sirvieron como portavoces del realismo y articuladores de sus principios estéticos.

El enfoque realista del teatro se derrumbó en el nihilismo y el absurdo después de la Segunda Guerra Mundial.

Cine

El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que incorporó elementos del realismo que se desarrolló en la Italia posterior a la Segunda Guerra Mundial. Los neorrealistas notables incluyeron a Vittorio De Sica, Luchino Visconti y Roberto Rossellini. Las películas realistas generalmente se enfocan en temas sociales. Hay dos tipos de realismo en el cine: realismo continuo y realismo estético. El realismo continuo intenta utilizar estructuras narrativas y técnicas cinematográficas para crear un "efecto de realidad" para mantener su autenticidad.El realismo estético, que fue solicitado por primera vez por los cineastas franceses en la década de 1930 y promovido por Andre Bazin en la década de 1950, reconoce que "no se puede arreglar una película para que signifique lo que muestra", ya que existen múltiples realismos; como tal, estos cineastas utilizan rodajes en exteriores, luz natural y actores no profesionales para garantizar que el espectador pueda hacer su propia elección en función de la película, en lugar de ser manipulado en una "lectura preferida". Siegfried Kracauer también se destaca por argumentar que el realismo es la función más importante del cine.

Los cineastas estéticamente realistas utilizan tomas largas, enfoque profundo y tomas de 90 grados a la altura de los ojos para reducir la manipulación de lo que ve el espectador. Los cineastas del neorrealismo italiano posteriores a la Segunda Guerra Mundial tomaron los enfoques cinematográficos realistas existentes en Francia e Italia que surgieron en la década de 1960 y los utilizaron para crear un cine de orientación política. Los cineastas franceses realizaron algunas películas realistas de orientación política en la década de 1960, como el cinéma vérité y los documentales de Jean Rouch, mientras que en las décadas de 1950 y 1960, las nuevas oleadas cinematográficas británicas, francesas y alemanas produjeron películas de "recuentos de la vida" (p., dramas de fregaderos de cocina en el Reino Unido).

Ópera

El verismo fue una tradición operística posromántica asociada con compositores italianos como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea y Giacomo Puccini. Intentaron llevar a la ópera el naturalismo de escritores influyentes de finales del siglo XIX, como Émile Zola, Gustave Flaubert y Henrik Ibsen. Este nuevo estilo presentaba un drama realista que presentaba protagonistas de clase baja descarnados y defectuosos, mientras que algunos lo describían como una representación realzada de un evento realista. Aunque un relato consideró a Luisa Miller y La Traviata de Giuseppe Verdi como los primeros movimientos del verismo, algunos afirmaron que comenzó en 1890 con la primera representación de Cavalleria rusticana de Mascagni., alcanzó su punto máximo a principios del siglo XX. Le siguió Pagliacci de Leoncavallo, que trataba los temas de la infidelidad, la venganza y la violencia.

El verismo también llegó a Gran Bretaña, donde los pioneros incluyeron la asociación teatral de la era victoriana del dramaturgo WS Gilbert y el compositor Arthur Sullivan (1842-1900). En concreto, su obra Iolanthe se considera una representación realista de la nobleza aunque incluía elementos fantásticos.