Rashid Johnson

Rashid Johnson (nacido en 1977) es un artista estadounidense que produce arte conceptual posnegro. Johnson recibió atención de la crítica por primera vez en 2001, a los 24 años, cuando su obra se incluyó en Freestyle (2001), comisariada por Thelma Golden en el Studio Museum de Harlem. Estudió en el Columbia College Chicago y en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, y su obra se ha exhibido en todo el mundo.Johnson es conocido por su obra en diversos medios, como la fotografía y la pintura. Además de la fotografía, Johnson realiza instalaciones de audio, video y escultura. Es conocido tanto por sus inusuales producciones artísticas como por su proceso de combinar diversos aspectos de la ciencia con la historia afroamericana.

Johnson nació en Illinois, hijo de Cheryl Johnson-Odim, una académica e instruida, y Jimmy Johnson, un veterano de la guerra de Vietnam que era artista pero trabajaba en electrónica. Sus padres se divorciaron cuando él tenía dos años y su madre se volvió a casar con un hombre de ascendencia nigeriana. Johnson ha declarado que su familia se crio bajo un fuerte afrocentrismo y que celebraba Kwanzaa.Johnson se crió en el barrio de Wicker Park de Chicago, Illinois, y en Evanston, Illinois, un suburbio. Estudió fotografía y obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes en el año 2000 por el Columbia College Chicago y una Maestría en Bellas Artes en el año 2005 por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Durante sus estudios en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, uno de sus mentores fue Gregg Bordowitz.Johnson siguió a una generación de artistas negros que se centraron en la "experiencia negra" y creció en una generación influenciada por el hip hop y la televisión de entretenimiento negra. Debido a la alta exposición de su generación a la cultura negra dentro de la cultura pop, su público contemporáneo tiene una mayor comprensión de la "experiencia negra", lo que le ha permitido lograr una interacción más profunda con la raza y la identidad.Su obra se ha exhibido en el Instituto de Arte de Chicago; el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York; el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York; el Instituto de Artes de Detroit; el Centro de Arte Walker de Minneapolis; el Museo de Arte Corcoran de Washington, D.C.; el Instituto de Fotografía Contemporánea de Nueva York; el Museo de Arte de Brooklyn de Nueva York; el Museo Rubell de Miami, Florida; y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago.

Como estudiante universitario de tercer año, inauguró su primera exposición en la Galería Schneider. Para el año 2000, ya se había labrado una reputación por su singular proceso de impresión fotográfica y su contenido político. La exposición Freestyle en el Studio Museum en 2001 se considera el detonante de la carrera de Johnson. A la curadora de la muestra, Thelma Golden, se le atribuye la acuñación del término «arte posnegro» en relación con dicha exposición, aunque algunos sugieren que el término se atribuye al libro de 1995 The End of Blackness, de Debra Dickerson, una de sus obras favoritas. El término «posnegro» se refiere ahora al arte en el que la raza y el racismo son prominentes, pero donde se minimiza la importancia de la interacción entre ambos.La exposición más controvertida de Johnson se tituló Huesos de pollo y semillas de sandía: La experiencia afroamericana como arte abstracto. El tema central era una serie de elementos estereotípicos de la cultura gastronómica afroamericana, como semillas de sandía, frijoles de ojo negro, huesos de pollo y semillas de algodón, colocados directamente sobre papel fotográfico y expuestos a la luz mediante un proceso reactivo con hierro.En 2002, expuso en el Museo Sunrise de Charleston, Virginia Occidental. La exposición, titulada Papeles de Manumisión, recibió su nombre de los documentos que los esclavos liberados debían conservar para demostrar su libertad. La exposición se describió como un comentario cultural tanto como una exhibición de imágenes, y se relacionó con la anterior, "Huesos de Pollo". Dispuso geométricamente abstracciones de pies, manos y codos en formas como cubos, vidrieras y barcos. Esto se consideró un estudio sobre la identidad racial, ya que las partes del cuerpo no eran identificables. También en 2002, al presentar su trabajo fotográfico con huesos de pollo, Johnson expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, como parte de la serie UBS 12 x 12: Nuevos Artistas, Nueva Obra.En 2002, expuso sus obras sobre hombres sin hogar en la Galería Diggs de la Universidad Estatal de Winston-Salem. La exposición, titulada "Viendo en la Oscuridad", utilizó sujetos parcialmente iluminados sobre fondos negros intensos. También expuso sus obras sobre hombres sin hogar, incluyendo "George" (1999), en Atlanta, Georgia, como parte del Festival Nacional de Artes Negras en la City Gallery East, en julio y agosto de 2002. George formó parte de la exposición "Common Ground: Descubriendo la Comunidad en 150 Años de Arte, Selecciones de la Colección de Julia J. Norrell" de la Galería de Arte Corcoran, entre noviembre de 2004 y enero de 2005. George y la exposición "Common Ground" se presentaron en varios otros lugares, incluyendo el Museo de Arte de Carolina del Norte en 2006.Participó en la rotación de artistas del Programa de Estudio Abierto del Departamento de Asuntos Culturales de Chicago en el Edificio Page Brothers, Monumento Histórico de Chicago/Registro Nacional de Lugares Históricos, durante el verano de 2003, con una exposición de tres semanas. Exploró la "naturaleza histórica y contemporánea de la fotografía". En aquel entonces, lo representaba George N'Namdi, propietario de G.R. N'Namdi, la galería comercial de exhibición de propiedad afroamericana más antigua del país.En colaboración con la Sociedad Renacentista de la Universidad de Chicago, Rashid Johnson expuso «La evolución del traje político negro» en diciembre de 2004. Presentó réplicas de tres atuendos usados por políticos afroamericanos: un dashiki de finales de la década de 1960 usado por Jesse Jackson, un traje deportivo de la década de 1980 usado por Al Sharpton y un traje de negocios usado por el entonces senador electo de Estados Unidos, Barack Obama. La presentación, que invitaba a la observación, probablemente provocaría tanto una respuesta humorística al dashiki de Jackson como críticas sobre la presentación del traje político.Johnson exploró el tema del escapismo en el Museo de Arte Contemporáneo de Indianápolis en una exposición titulada «La Producción del Escapismo: Un Proyecto Individual de Rashid Johnson». Abordó la distracción y el alivio de la realidad a través del arte y la fantasía. Johnson utilizó fotografías, videos e instalaciones in situ para estudiar las tendencias escapistas, a menudo con un sentido del humor que rozaba lo absurdo.Durante el verano de 2005, participó en una exposición del programa de intercambio de artistas del Centro Cultural de Chicago, en la que participaron cinco artistas contemporáneos emergentes de Chicago y cinco de Kaohsiung, Taiwán. La mitad de los diez eran mujeres (cuatro de Taiwán). Como parte de la exposición Cruces, casi todos los artistas tuvieron la primera oportunidad de exponer en el país de los demás. En este foro, el crítico de arte del Chicago Tribune, Alan G. Artner, afirmó que la selección de audio de Johnson impuso su arte a todas las demás exposiciones, ya que eligió una canción de rap combinada con un video directo. Artner se convirtió en un detractor de Johnson en 2005, cuando Johnson presentó esta y otra exposición simultánea en Chicago. Describió la exploración de Johnson de las políticas raciales como "eslóganes o autopromoción simpática" en sus obras bidimensionales, y sus instalaciones tridimensionales apolíticas como representaciones "simplistas y superficiales". Clasificó la obra de Johnson como más adecuada para el público que busca únicamente la cultura pop estadounidense. Artner también ridiculizó la breve contribución de Johnson en video a la exposición Fool's Paradise del Instituto de Arte de Chicago, calificándola de "una fusión de canto gospel con beat boxing... que no dice nada valioso sobre la raza". Otros críticos de Chicago describen la obra posterior de Johnson como relativamente moderna.Al año siguiente, tras obtener su maestría, se mudó al Lower East Side de Nueva York, donde impartió clases en el Pratt Institute. Aunque generalmente se le conoce como fotógrafo y a veces como escultor, en ciertos contextos se le ha calificado como artista-mago.En una exposición conjunta de 2006 titulada Espantapájaros, Johnson exhibió un autorretrato fotográfico desnudo a tamaño natural que se suponía amenazante y abrasivo, pero que se percibió como interesante y divertido. Su obra de verano de 2007, "Stay Black and Die", en la exposición The Color Line de la galería Jack Shainman, dejó a un crítico de arte de The New York Times preguntándose si estaba viendo una advertencia o una exhortación. Sin embargo, al mismo tiempo participó en la exposición For Love of the Game: Race and Sport in America del Museo de Arte Wadsworth Atheneum, que parecía abordar con claridad las maneras en que se han planteado y respondido las preguntas sobre la raza en los campos deportivos estadounidenses.Como artista post-negro, su obra en técnica mixta, como su exposición de primavera de 2008, The Dead Lecturer, juega con la raza al tiempo que minimiza su importancia al jugar con contradicciones, referencias codificadas y alusiones (p. ej., The New Negro Escapist Social and Athletic Club (Emmett), derecha). La exposición fue descrita como «una sociedad secreta ficticia de intelectuales afroamericanos, una mezcla entre Mensa y los Masones», cuya condena o aprobación era un desafío.

En noviembre de 2011, Johnson fue nombrado uno de los seis finalistas del Premio Hugo Boss. En 2012, la megagalería Hauser & Wirth anunció su primera exposición individual con Johnson en su sede del Upper East Side de Nueva York.En abril de 2012, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago presentó la primera gran exposición individual de Johnson en un museo estadounidense, titulada Mensaje a Nuestra Gente. Julie Rodrigues Widholm, curadora asociada del MCA y Pamela Alper, curó la exposición en estrecha colaboración con el artista. La exposición fue un recorrido por los diez años anteriores de su obra. Además, se presentó por primera vez una nueva obra comisionada por el MCA. Posteriormente, la exposición viajó al Museo de Arte Mildred Lane Kemper de San Luis y al High Museum of Art de Atlanta. El Museo de Arte Pérez de Miami adquirió la pieza bidimensional Tribe, producida justo después de la inauguración de la muestra del MCA, en 2013.En 2013, Johnson fue uno de los artistas comisionados para la Bienal de Performa.En 2021, la Ópera Metropolitana de Nueva York inauguró The Broken Nine, la obra de dos paneles de mosaico, cerámica y madera de marca de Johnson, encargada para los rellanos interiores de la gran grada de la Ópera. Ese mismo año, las obras de Johnson se incorporaron a las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno y del Museo Metropolitano de Arte. También comenzó a formar parte de las juntas directivas de Performa, Ballroom Marfa y el Museo Guggenheim.En 2022, la pintura de rendición de Johnson, "Sunshine" (2022), se vendió por 3 millones de dólares, un récord para el artista en una subasta.En la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Bonhams en Londres, celebrada en junio de 2022, la obra de Johnson en cera y esmalte en aerosol "Carver" (2012) se vendió por 264.900 libras esterlinas.A lo largo de la última parte de la década de 2010, Johnson abordó la idea de la salud mental en varias series de obras, entre ellas, Hombres ansiosos y público ansioso y Hombres destrozados.Johnson debutó como director con Native Son, una adaptación cinematográfica de la aclamada novela homónima de Richard Wright de 1940. En 2018, se anunció que Johnson había contratado a la dramaturga Suzan Lori-Parks para adaptar la novela a un guion y que Ashton Sanders interpretaría el papel principal de Bigger Thomas. La película fue producida por A24 y se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2019. HBO Films adquirió la película horas antes de su estreno. La crítica tuvo una recepción mixta. Richard Roeper le otorgó una calificación de 3/4 estrellas y destacó las actuaciones "eléctricas" de los actores. Troy Patterson escribió en The New Yorker que la película adolecía de una "inteligente comprensión de un texto clásico" que, en última instancia, resulta "obsoleto". Jennifer Vineyard escribió en el New York Times que la película "no es una obra maestra", pero "tiene mucho que admirar", destacando sus "impactantes composiciones visuales", su "atmósfera tensa" y la "actuación matizada de Sanders". El sitio web de reseñas Rotten Tomatoes le otorga a la película una puntuación del 61%, basada en reseñas de 51 críticos, y una calificación promedio de 6.10/10. El consenso general es el siguiente: "Las dificultades de Native Son con su problemático material original son desiguales, pero en general convincentes, gracias en gran medida al trabajo sereno de Ashton Sanders en el papel principal". Johnson ganó el premio a la "Dirección Destacada en una Película (Televisión)". en la 51.ª edición de los Premios NAACP Image por su trabajo en Native Son.Johnson utiliza la alquimia, la adivinación, la astronomía y otras ciencias que combinan los mundos natural y espiritual para enriquecer la historia afroamericana. Según una publicación de Columbia College Chicago, Johnson trabaja en diversos medios con materiales físicos y visuales que poseen un significado artístico y simbolismo independiente, pero que se enriquecen gracias a sus conexiones con la historia afroamericana. Según la publicación cultural Flavorpill, desafía a sus espectadores con fotografías y esculturas que presentan la creación y difusión de normas y expectativas. Sin embargo, el Chicago Tribune describe las producciones resultantes de sus procesos como carentes de complejidad y profundidad. La escritora de Seattle Post-Intelligencer, Regina Hackett, describió a Johnson como un artista que evita las dificultades de la gente negra y explora sus fortalezas, a la vez que se inserta como sujeto en sus aspiraciones estéticas a través de diversos foros.Johnson ha atraído la atención nacional tanto por sus inusuales temas como por su proceso. Además de la fotografía de retratos, Johnson es conocido por el uso de un proceso del siglo XIX que utiliza marrón Van Dyke, un pigmento orgánico transparente, y la exposición a la luz solar. Consigue una sensación pictórica en sus grabados mediante la aplicación de pigmento con pinceladas amplias. Utiliza una técnica Deardorff de 20 x 25 cm (8 x 10 pulgadas), lo que le obliga a interactuar con sus sujetos.El uso de la manteca de karité y los azulejos en sus respectivas obras escultóricas y de mosaico tiene un significado fundamental para Johnson. El primero es un "significante de identidad africana", mientras que el segundo tiene una conexión más personal con él. Durante su época de estudiante, una casa de baños rusa y turca se convirtió en su refugio, y veía los azulejos blancos como un lienzo. Incluso llevaba allí las lecturas asignadas para la universidad.Johnson formó parte del jurado que seleccionó a Otobong Nkanga para el Premio Nasher en 2024.Johnson está casado con la artista Sheree Hovsepian. Viven en Nueva York y tienen un hijo.

• 2012: Premio David C. Driskell

Johnson ha presentado numerosas exposiciones individuales en museos y galerías de Estados Unidos e internacionales. Entre sus exposiciones individuales más destacadas se incluyen The Rise and Fall of the Proper Negro (2003), Galería Monique Meloche, Chicago; The Production of Escapism (2005), Indianapolis Contemporary; Smoke and Mirrors (2009), SculptureCenter, Nueva York; Rashid Johnson: Message to Our Folks (2012-2013), creada en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago; The gathering (2013), Hauser & Wirth, Zúrich; Anxious Men (2015), Drawing Center, Nueva York; Provocations: Rashid Johnson (2018), Instituto de Arte Contemporáneo, Richmond, Virginia; y La Crisis (2021), Storm King Art Center, New Windsor, Nueva York.También ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas Freestyle (2001), Studio Museum de Harlem, Nueva York; IBCA 2005, Praga; ILLUMInations (2011), 54.ª Bienal de Venecia; Bienal de Shanghái (2012); Prospect. 4: The Lotus in Spite of the Swamp (2017), Prospect Nueva Orleans; y la Bienal de Liverpool (2021).

• Claudia Rankine, Sampada Aranke, Akili Tommasino, Rashid Johnson, Phaidon, Londres, 2023
• Monica Davis, Claudia Schreier, Rashid Johnson: Los Hikers, Hauser & Wirth, Aspen, 2021
• Ruth Addison, Kate Fowle, Anton Belov, Rashid Johnson, Museo Garaje de Arte Contemporáneo, Moscú, 2016
• Julie Rodrigues Widholm, Paul Beatty, Madeleine Grynsztejn, Rashid Johnson: Mensaje a nuestra gente, Museo de Arte Contemporáneo, Chicago, 2012