Rapsodia en azul

Rhapsody in Blue es una composición musical de 1924 escrita por George Gershwin para piano solo y banda de jazz, que combina elementos de la música clásica con efectos influenciados por el jazz. Encargada por el líder de la banda Paul Whiteman, la obra se estrenó en un concierto titulado "An Experiment in Modern Music" el 12 de febrero de 1924, en Aeolian Hall, Nueva York. La banda de Whiteman interpretó la rapsodia con Gershwin tocando el piano. El arreglista de Whiteman, Ferde Grofé, orquestó la rapsodia varias veces, incluida la partitura original de 1924, la partitura de la orquesta de foso de 1926 y la partitura sinfónica de 1942.

La rapsodia es una de las creaciones más reconocibles de Gershwin y una composición clave que definió la Era del Jazz. La pieza de Gershwin inauguró una nueva era en la historia musical de los Estados Unidos, estableció la reputación de Gershwin como un compositor eminente y finalmente se convirtió en una de las obras de concierto más populares. En la revista American Heritage, Frederic D. Schwarz postula que el famoso glissando de clarinete de apertura se ha vuelto tan reconocible al instante para el público de los conciertos como la apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven.

Historia

Comisión

Bandleader Paul Whiteman (izquierda) y compositor George Gershwin (derecha)

Tras el éxito de un concierto experimental de jazz clásico realizado con la cantante canadiense Éva Gauthier en la ciudad de Nueva York el 1 de noviembre de 1923, el líder de la banda Paul Whiteman decidió intentar una hazaña más ambiciosa. Le pidió al compositor George Gershwin que escribiera una pieza similar a un concierto para un concierto de jazz en honor al cumpleaños de Lincoln que se daría en el Aeolian Hall. Whiteman se obsesionó con interpretar una composición tan extensa de Gershwin después de colaborar con él en The Scandals of 1922. Le había impresionado especialmente la 'ópera de jazz' en un acto de Gershwin. Lunes azul. Gershwin rechazó inicialmente la solicitud de Whiteman con el argumento de que, dado que probablemente sería necesario revisar la partitura, no tendría tiempo suficiente para componer la obra.

Poco después, en la tarde del 3 de enero, George Gershwin y el letrista Buddy DeSylva estaban jugando al billar en el Ambassador Billiard Parlor en Broadway y 52nd Street en Manhattan. Su juego fue interrumpido por Ira Gershwin, el hermano de George, que había estado leyendo la edición del 4 de enero del New-York Tribune. Un artículo sin firmar titulado "¿Qué es la música estadounidense?" sobre un próximo concierto de Whiteman había llamado la atención de Ira. El artículo declaraba falsamente que George Gershwin ya estaba "trabajando en un concierto de jazz". para el concierto de Whiteman.

Gershwin estaba desconcertado por el anuncio de noticias, ya que se había negado cortésmente a componer una obra de este tipo para Whiteman. En una conversación telefónica con Whiteman a la mañana siguiente, se le informó a Gershwin que el archirrival de Whiteman, Vincent Lopez, planeaba robar la idea de su concierto experimental y que no había tiempo que perder. Gershwin fue finalmente persuadido por Whiteman para que compusiera la pieza.

Composición

Con solo cinco semanas para el estreno, Gershwin se apresuró a componer la obra. Más tarde afirmó que, durante un viaje en tren a Boston, las semillas temáticas de Rhapsody in Blue comenzaron a germinar en su mente. Le dijo al biógrafo Isaac Goldberg en 1931:

Estaba en el tren, con sus ritmos aceros, su rattle-ty bang, que es tan a menudo tan estimulante a un compositor.... Con frecuencia escucho música en el corazón mismo del ruido. Y allí de repente escuché — e incluso vi en papel— la construcción completa de la rhapsody, de principio a fin. No me vinieron nuevos temas, pero trabajé en el material temático ya en mi mente e intenté concebir la composición en su conjunto. Lo escuché como una especie de kaleidoscopio musical de América, de nuestro vasto crisol, de nuestra imprenta nacional, de nuestra locura metropolitana. Para cuando llegué a Boston tenía una definición parcela de la pieza, como se distingue de su sustancia real.

Gershwin comenzó a componer el 7 de enero según la fecha del manuscrito original para dos pianos. Tentativamente tituló la pieza como American Rhapsody durante su composición. El título revisado Rhapsody in Blue fue sugerido por Ira Gershwin después de su visita a una exposición en una galería de pinturas de James McNeill Whistler, que tenía títulos como Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket y Arreglo en Gris y Negro. Después de algunas semanas, Gershwin terminó su composición y pasó la partitura, titulada A Rhapsody in Blue, a Ferde Grofé, el arreglista de Whiteman. Grofé terminó de orquestar la pieza el 4 de febrero, apenas ocho días antes del estreno.

Estreno

El Rhapsody estrenada en una tarde nevada en el Aeolian Hall, Manhattan, fotografiada aquí en 1923.

Rhapsody in Blue se estrenó durante una tarde nevada el martes 12 de febrero de 1924 en Aeolian Hall, Manhattan. Titulado "Un experimento de música moderna" el tan esperado concierto organizado por Paul Whiteman y su Palais Royal Orchestra atrajo a una "audiencia abarrotada". La audiencia emocionada estaba compuesta por "vaudevillians, directores de conciertos que vienen a echar un vistazo a la novedad, Tin Pan Alleyites, compositores, estrellas sinfónicas y de ópera, flappers, comedores de pasteles, todos mezclados sin orden ni concierto." Muchas figuras influyentes de la época estuvieron presentes, incluidos Carl Van Vechten, Marguerite d'Alvarez, Victor Herbert, Walter Damrosch, Igor Stravinsky, Fritz Kreisler, Leopold Stokowski, John Philip Sousa y Willie "the Lion" Herrero.

En una conferencia previa al concierto, el manager de Whiteman, Hugh C. Ernst, proclamó que el propósito del concierto era "ser puramente educativo". La música seleccionada pretendía ejemplificar las "melodías, la armonía y los ritmos que agitan los palpitantes recursos emocionales de esta joven época inquieta." El programa del concierto fue extenso con 26 movimientos musicales separados, divididos en 2 partes y 11 secciones, con títulos como "True Form Of Jazz" y "Contraste: puntuación legítima frente a jazzing." En el horario del programa, la rapsodia de Gershwin fue simplemente la penúltima pieza y precedió a la Pomp and Circumstance March No. 1 de Elgar.

Según los informes, muchos de los primeros números del programa decepcionaron a la audiencia y el sistema de ventilación de la sala de conciertos no funcionó correctamente. Algunos miembros de la audiencia se dirigían a las salidas cuando Gershwin hizo su discreta entrada para la rapsodia. La audiencia supuestamente estaba irritable, impaciente e inquieta hasta que se escuchó el inquietante glissando de clarinete que abrió Rhapsody in Blue. El distintivo glissando había sido creado por casualidad durante los ensayos:

Como una broma sobre Gershwin... [Ross] Gorman [el clarinetista virtuoso de Westman] tocó la medida de apertura con un glissando notable, "extrayendo" las notas y agregando lo que él consideraba un toque de jazz y humor al pasaje. Reaccionando favorablemente a la caprichosa de Gorman, Gershwin le pidió que realizara la medida de apertura de esa manera... y que agregara la mayor parte de un "vacío" posible.

La rapsodia fue interpretada luego por la orquesta de Whiteman, compuesta por "veintitrés músicos en el conjunto" con George Gershwin al piano. Con un estilo característico, Gershwin optó por improvisar parcialmente su solo de piano. La orquesta esperó ansiosamente el asentimiento de Gershwin que señaló el final de su solo de piano y la señal para que el conjunto continuara tocando. Como Gershwin improvisó algo de lo que estaba tocando, la sección de piano solo no se escribió técnicamente hasta después de la interpretación, y se desconoce exactamente cómo sonó la rapsodia original en el estreno.

Reacción del público y éxito

Carl Van Vechten, Marguerite d'Alvarez, y Victor Herbert estaban entre las muchas personalidades del público.

Al concluir la rapsodia, hubo "aplausos tumultuosos por la composición de Gershwin" y, bastante inesperadamente, "el concierto, en todos los aspectos excepto en el financiero, fue un 'golpe de gracia'." El concierto adquirió rápidamente importancia histórica debido al estreno de la rapsodia, y su programa "se convertiría no solo en un documento histórico, que encontraría su camino en monografías extranjeras sobre jazz, sino también en una rareza".

Tras el éxito del estreno de Rhapsody, siguieron actuaciones futuras. La primera representación británica de Rhapsody in Blue tuvo lugar en el Hotel Savoy de Londres el 15 de junio de 1925. Fue retransmitida en directo por la BBC. Debroy Somers dirigió los Savoy Orpheans con el propio Gershwin al piano. La pieza se volvió a escuchar en el Reino Unido durante la segunda gira europea de la Paul Whiteman Orchestra, sobre todo el 11 de abril de 1926, en el Royal Albert Hall, con Gershwin entre el público. El concierto del Royal Albert Hall fue grabado, aunque no emitido, por Gramophone Company/HMV.

A fines de 1927, la banda de Whiteman había tocado Rhapsody in Blue aproximadamente 84 veces y su grabación vendió un millón de copias. Para que toda la pieza cupiera en las dos caras de un disco de 12 pulgadas, la rapsodia tenía que tocarse a una velocidad más rápida de lo habitual en un concierto, lo que le daba una sensación de prisa y se perdía algo de rubato. Más tarde, Whiteman adoptó la pieza como el tema principal de su banda y abrió sus programas de radio con el lema "Todo nuevo excepto la Rhapsody in Blue."

Respuesta crítica

Reseñas contemporáneas

En contraste con la cálida recepción por parte del público del concierto, los críticos musicales profesionales en la prensa dieron a la rapsodia críticas decididamente mixtas. Pitts Sanborn declaró que la rapsodia "comienza con un tema prometedor bien planteado" sin embargo, "pronto se convierte en pasajes vacíos y repeticiones sin sentido." Varias críticas fueron particularmente negativas. Un crítico musical obstinado, Lawrence Gilman, un entusiasta de Richard Wagner que más tarde escribiría una crítica devastadora de Porgy and Bess de Gershwin, criticó duramente la rapsodia como "derivada"; "rancio," y "inexpresivo" en la reseña del New-York Tribune el 13 de febrero de 1924.

Otros revisores fueron más positivos. Samuel Chotzinoff, crítico musical del New York World, reconoció que la composición de Gershwin había "hecho del jazz una mujer honesta" mientras que Henrietta Strauss de The Nation opinó que Gershwin había "añadido un nuevo capítulo a nuestra historia musical". Olin Downes, reseñando el concierto en The New York Times, escribió:

Esta composición muestra un talento extraordinario, ya que muestra a un joven compositor con objetivos que van mucho más allá de los de su ilk, luchando con una forma de la que está lejos de ser maestro.... A pesar de todo esto, se ha expresado en una forma significativa y, en general, muy original... Su primer tema... no es una simple canción de baile... es una idea, o varias ideas, correlacionadas y combinadas en ritmos variados y contrastantes que intriguen inmediatamente al oyente. El segundo tema es más después de la forma de algunos de los colegas del Sr. Gershwin. Tuttis son demasiado largos, las cadenzas son demasiado largas, la peroración al final pierde una gran medida de la naturaleza y la magnificencia que podría haber tenido fácilmente si fuera más ampliamente preparado, y, para todo eso, el público fue revuelto y muchos un concierto endurecido emocionado con la sensación de un nuevo talento encontrando su voz.

En general, una crítica recurrente de los críticos musicales profesionales fue que la pieza de Gershwin era esencialmente informe y que había pegado segmentos melódicos al azar.

Revisiones retrospectivas

Años después de su estreno, Rhapsody in Blue continuó dividiendo a los críticos musicales principalmente debido a su incoherencia melódica percibida. Constant Lambert, un compositor británico cuyo trabajo también estuvo influenciado por el jazz, se mostró abiertamente desdeñoso hacia el trabajo:

El compositor [George Gershwin], tratando de escribir un concierto de Lisztian en un estilo de jazz, ha utilizado sólo los elementos no bárbaros en la música de baile, el resultado no es buen jazz ni buen Liszt, y en ningún sentido de la palabra un buen concierto.

En un artículo en The Atlantic Monthly en 1955, Leonard Bernstein, quien sin embargo admitió que adoraba la pieza, afirmó:

Rhapsody en azul no es una composición real en el sentido de que lo que pase en ella debe parecer inevitable, o incluso bastante inevitable. Usted puede cortar partes de ella sin afectar al todo de ninguna manera excepto para hacerlo más corto. Puede quitar cualquiera de estas secciones pegadas y la pieza sigue tan valiente como antes. Incluso puede intercambiar estas secciones entre sí y no hacer daño. Puede hacer cortes dentro de una sección, o añadir cadenzas nuevas, o tocarlo con cualquier combinación de instrumentos o solo en el piano; puede ser una pieza de cinco minutos o una pieza de seis minutos o una pieza de doce minutos. Y de hecho todas estas cosas se están haciendo cada día. Todavía es el Rhapsody en azul.

Orquestación

Ferde Grofé, organizador jefe de Whiteman de 1920 a 1932, creó el primer arreglo de Gershwin Rhapsody en azul.

Como Gershwin no tenía suficientes conocimientos de orquestación en 1924, Ferde Grofé, el pianista y arreglista principal de Whiteman, fue una figura clave que permitió el éxito meteórico de la rapsodia, y los críticos han afirmado que Grofé Los arreglos de 39 de la Rhapsody aseguraron su lugar en la cultura estadounidense. El biógrafo de Gershwin, Isaac Goldberg, señaló en 1931 que Grofé desempeñó un papel crucial en el triunfo del estreno:

En el calor de la ocasión, la contribución de Ferdie Grofé, el organizador del personal de Whiteman que había marcado el Rhapsody en diez días, fue ignorado o ignorado. Es cierto que una parte apreciable de la puntuación había sido indicada por Gershwin; sin embargo, la contribución de Grofé era de primera importancia, no sólo para la composición, sino para la puntuación de jazz del futuro inmediato.

La familiaridad de Grofé con los puntos fuertes de la banda de Whiteman fue un factor clave en su partitura de 1924. Esta orquestación fue desarrollada para piano solo y los veintitrés músicos de Whiteman. Para la sección de lengüetas, Ross Gorman (Reed I) tocó un oboe, un heckelphone, un clarinete en B♭, saxofones sopranino en E♭ & B♭, un saxofón alto, un clarinete soprano E♭, y clarinetes alto y bajo; Donald Clark (Reed II) tocó un saxofón soprano en B♭, saxofones alto y barítono, y Hale Byers (Reed III) tocaron saxofón soprano en B♭, saxofón tenor, saxofón barítono y flauta.

Para la sección de metales, dos trompetas en B♭ fueron interpretados por Henry Busse y Frank Siegrist; dos trompas en fa fueron interpretadas por Arturo Cerino y Al Corrado; Roy Maxon y James Casseday tocaron dos trombones, y Guss Helleburg y Albert Armer tocaron una tuba y un contrabajo respectivamente.

La sección de percusión incluía una batería, timbales y un glockenspiel interpretado por George Marsh; un piano típicamente tocado por Ferde Grofé o Henry Lange; un banjo tenor tocado por Michael Pingatore y un complemento de violines.

Este arreglo original, con sus requisitos instrumentales únicos, se ignoró en gran medida hasta su reactivación en las reconstrucciones que comenzaron a mediados de la década de 1980, debido a la popularidad y utilidad de las partituras posteriores. Después del estreno de 1924, Grofé revisó la partitura e hizo nuevas orquestaciones en 1926 y 1942, cada vez para orquestas más grandes. Su arreglo para una orquesta de teatro se publicó en 1926. Esta adaptación se orquestó para una "orquesta de foso" más estándar; que incluía una flauta, un oboe, dos clarinetes, un fagot, tres saxofones; dos trompetas, dos trompetas y dos trombones; así como el mismo complemento de percusión y cuerdas que la versión posterior de 1942.

El arreglo posterior de 1942 de Grofé fue para una orquesta sinfónica completa. Está escrita para piano solo y orquesta compuesta por dos flautas, dos oboes, dos clarinetes en B♭ y A, un clarinete bajo, dos fagotes, dos saxofones altos en E♭, un saxofón tenor en B♭; tres trompetas en fa, tres trompetas en si♭, tres trombones, una tuba; una sección de percusión que incluye timbales, un platillo suspendido, una caja, un bombo, un tam-tam, un triángulo, un glockenspiel y platillos; un banjo tenor; y cuerdas Desde mediados del siglo XX, esta versión de 1942 fue el arreglo que solían interpretar las orquestas clásicas y se convirtió en un elemento básico del repertorio de conciertos hasta 1976, cuando Michael Tilson Thomas grabó la versión original de la banda de jazz por primera vez, empleando la versión real de Gershwin. Rollo de piano de 1925 con una orquesta de jazz completa.

Los otros arreglos de Grofé de la pieza de Gershwin incluyen los realizados para la película de Whiteman de 1930, King of Jazz, y el escenario de la banda de concierto (tocable sin piano) completado en 1938 y publicado en 1942. La prominencia de los saxofones en las orquestaciones posteriores se reduce algo, y se puede prescindir de la parte del banjo, ya que su contribución principalmente rítmica la proporcionan las cuerdas internas.

El propio Gershwin hizo versiones de la pieza para piano solo y para dos pianos. La versión en solitario se destaca por omitir varias secciones de la pieza. La intención de Gershwin de eventualmente hacer una orquestación propia está documentada en la correspondencia de 1936-1937 del editor Harms.

Grabaciones notables

A finales de la década de 1930 reissue de la liberación eléctrica de 1927 Rhapsody en azul como Victor 35822A por Paul Whiteman y Su Orquesta Concierto con George Gershwin en piano. 1974 Grammy Hall of Fame inductee.

Tras la cálida acogida de Rhapsody in Blue por parte del público del Aeolian Hall, Gershwin grabó varias versiones abreviadas de su composición en diferentes formatos. El 10 de junio de 1924, la orquesta de Gershwin y Whiteman creó una grabación acústica de 8 minutos y 59 segundos y fue producida por Victor Talking Machine Company. Un año después, Gershwin grabó su interpretación en un rollo de piano de 1925 para una versión para dos pianos. Posteriormente, el 21 de abril de 1927, realizó una grabación eléctrica con la orquesta de Whiteman de 9 minutos y 1 segundo y nuevamente producida por Victor. Nathaniel Shilkret supuestamente realizó la grabación eléctrica después de una disputa entre Gershwin y Whiteman. La orquesta de Whiteman interpretó más tarde una versión truncada de la pieza en la película de 1930 The King of Jazz con Roy Bargy al piano.

Debido a las limitaciones de longitud de los primeros formatos de grabación, no fue hasta la Gran Depresión que se pudo realizar la primera grabación completa e íntegra de la composición de Gershwin. En julio de 1935, después de varios años de interpretar la rapsodia para audiencias con entradas agotadas en Massachusetts, el director Arthur Fiedler y la Boston Pops Orchestra grabaron la primera versión íntegra, de casi catorce minutos de duración, con el pianista puertorriqueño Jesús María Sanromá para RCA Victor. Para esta primera grabación íntegra, Fiedler descartó el arreglo original de 1924 de Ferde Grofé y adaptó la pieza para una sinfonía convencional. En ese momento, los críticos contemporáneos elogiaron a Fiedler por desechar el llamado "sentimentalismo jazzístico" del arreglo anterior de Grofé y agregando una "más autoridad y riqueza sinfónica".

Durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, en medio del éxito de taquilla de la película biográfica de Gershwin Rhapsody in Blue (1945), el pianista Oscar Levant grabó la ahora icónica composición con Eugene Ormandy's Philadelphia Orchestra el 21 de agosto de 1945. Levant había sido un amigo íntimo del difunto compositor, y buscó replicar el estilo de interpretación idiomático de Gershwin en su interpretación. El homenaje de Levant, denominado Columbia Masterworks 251, recibió críticas entusiastas y se convirtió en uno de los álbumes discográficos más vendidos del año. Como resultado de la grabación de Levant y la película biográfica de 1945 sobre la vida de Gershwin, un "renacimiento de Gershwin" siguió

En las décadas de 1960 y 1970, la rapsodia de Gershwin se había convertido en un elemento básico predecible tanto en los conciertos como en las grabaciones de orquesta; en consecuencia, con el tiempo aparecieron interpretaciones más diversas e irreverentes. En el verano de 1973, el artista brasileño de jazz-rock Eumir Deodato reinterpretó la rapsodia de Gershwin en una versión abreviada que presentaba ritmos acelerados de neo‐samba. Aunque los críticos de música ridiculizaron la interpretación de Deodato como 'mangled' y apenas reconocible, su sencillo alcanzó el puesto 41 en la lista "Hot 100" y No. 10 en "Easy Listening" en las listas de Billboard, y No. 48 y No. 13 respectivamente en Canadá. A raíz de la reinterpretación anterior de Deodato, el pianista francés Richard Clayderman grabó un arreglo disco igualmente resumido en 1978 que se convirtió en una de sus piezas emblemáticas.

Simultáneamente con el surgimiento de estas interpretaciones más diversas, el interés académico revivió en el arreglo original de 1924 de Ferde Grofé, que no se había interpretado desde el final de la Era del Jazz. El 14 de febrero de 1973, el director de orquesta Kenneth Kiesler y el pianista Paul Verrette interpretaron el arreglo original de Grofé en el campus de la Universidad de New Hampshire. Poco después, el director Michael Tilson Thomas y la Columbia Jazz Band grabaron el arreglo de Grofé en 1976, al igual que el director Maurice Peress con el pianista Ivan Davis en 1984 como parte de una reconstrucción del 60 aniversario de todo el concierto de 1924.

Casi cien años después del debut de la rapsodia de Gershwin en 1924, decenas de miles de orquestas y pianistas solistas han grabado la pieza, tanto abreviada como íntegramente. Varias de estas grabaciones han obtenido el reconocimiento de la crítica, como la interpretación del pianista Michel Camilo en 2006, que ganó un premio Grammy Latino.

Forma y análisis

Las barras de apertura de la puntuación de Gershwin para la rhapsody, a menudo conocida como el "Tema de Glissando".

Como concierto de jazz, Rhapsody in Blue está escrito para piano solo con orquesta. Una rapsodia se diferencia de un concierto en que presenta un movimiento extendido en lugar de movimientos separados. Las rapsodias a menudo incorporan pasajes de naturaleza improvisada, aunque escritos en una partitura, y son de forma irregular, con contrastes elevados y exuberancia emocional. La música va desde solos de piano intensamente rítmicos hasta secciones lentas, amplias y ricamente orquestadas. En consecuencia, la Rhapsody "puede verse como una fantasía, sin estricta fidelidad a la forma".

La apertura de Rhapsody in Blue está escrita como un trino de clarinete seguido de un legato, 17 notas en una escala diatónica. Durante un ensayo, el virtuoso clarinetista de Whiteman, Ross Gorman, interpretó la parte superior de la escala como un cautivador glissando parecido a un trombón. Gershwin lo escuchó e insistió en que se repitiera en la actuación. El efecto se produce usando los músculos de la lengua y la garganta para cambiar la resonancia de la cavidad oral, controlando así el tono que sube continuamente. Muchos clarinetistas abren gradualmente los orificios tonales de la mano izquierda de su instrumento durante el paso del último concierto F al concierto superior B♭ también. Este efecto ahora se ha convertido en una práctica de interpretación estándar para el trabajo.

Rhapsody in Blue presenta tanto la invención rítmica como la inspiración melódica, y demuestra la capacidad de Gershwin para escribir una pieza con una estructura armónica y melódica a gran escala. La pieza se caracteriza por una fuerte interrelación motívica. Gran parte del material motívico se introduce en los primeros 14 compases. El musicólogo David Schiff ha identificado cinco temas principales más una sexta 'etiqueta'. Aparecen dos temas en los primeros 14 compases y la etiqueta aparece en el compás 19. Dos de los tres temas restantes están relacionados rítmicamente con el primer tema del compás 2, que a veces se denomina "tema Glissando" —después del glissando de apertura en el solo de clarinete—o el "tema de Ritornello". El tema restante es el "Tema del tren", que es el primero en aparecer en el ensayo 9 después del material de apertura. Todos estos temas se basan en la escala de blues, que incluye séptimas bajas y una mezcla de terceras mayores y menores. Cada tema aparece tanto en forma orquestada como en un solo de piano. Hay diferencias considerables en el estilo de presentación de cada tema.

"Rhapsody in Blue" (Cover)

Una cubierta individual de piano 2018 de Gershwin Rhapsody en azul

---

¿Problemas para jugar este archivo? Vea la ayuda de los medios.

La estructura armónica de la rapsodia es más difícil de analizar. La pieza comienza y termina en B♭ mayor, pero modula hacia la dirección subdominante muy pronto, volviendo a B♭ mayor al final, bastante abruptamente. La apertura modula "hacia abajo", por así decirlo, a través de las teclas B♭, E♭, A ♭, D♭, G♭, B, E y finalmente a A mayor. La modulación a través del círculo de quintas en sentido inverso invierte las relaciones tonales clásicas, pero no las abandona. Toda la sección central reside principalmente en do mayor, con incursiones en sol mayor (la relación dominante). Tales modulaciones ocurren libremente, aunque no siempre con dirección armónica. Gershwin utiliza con frecuencia una progresión armónica recursiva de terceras menores para dar la ilusión de movimiento cuando, de hecho, un pasaje no cambia de tonalidad de principio a fin. La modulación por tercios es una característica común de la música de Tin Pan Alley.

Las influencias del jazz y otros estilos contemporáneos están presentes en Rhapsody in Blue. Abundan los ritmos ragtime, así como el "clave" cubano. ritmo, que funciona como un ritmo de baile en el baile de jazz de Charleston. Las propias intenciones de Gershwin eran corregir la creencia de que el jazz tenía que tocarse estrictamente en el tiempo para que uno pudiera bailarlo. Los tempos de la rapsodia varían ampliamente y hay un uso casi extremo del rubato en muchos lugares. La influencia más clara del jazz es el uso de notas azules, y la exploración de su relación de medio paso juega un papel clave en la rapsodia. El uso de la llamada "vernácula" Los instrumentos, como el acordeón, el banjo y los saxofones en la orquesta, contribuyen a su estilo jazz o popular, y los dos últimos de estos instrumentos han seguido siendo parte del "estándar" partitura de orquesta.

Gershwin incorporó varios estilos de piano diferentes en su trabajo. Utilizó las técnicas del piano stride, el piano novedoso, el piano cómico y el estilo de piano Song-plugger. El estilo rítmico y de improvisación del piano Stride es evidente en el "agitato e misterioso" sección, que comienza cuatro compases después del ensayo 33, así como en otras secciones, muchas de las cuales incluyen la orquesta. El piano novedoso se puede escuchar en el ensayo 9 con la revelación del tema Train. Las vacilaciones y el estilo alegre del piano cómico, un enfoque de vodevil al piano que Chico Marx y Jimmy Durante hicieron muy conocido, son evidentes en el ensayo 22.

Legado e influencia

Espíritu cultural

La obra de Gerswhin ha sido citada por escritores y académicos como encarnar al zeitgeist de la Edad del Jazz con sus flappers y parisinas. Arriba: Los patronos y un flapper esperan la apertura de una charla tranquila en 1921.

Según el crítico Orrin Howard de la Filarmónica de Los Ángeles, la rapsodia de Gershwin "dejó una marca indeleble en la historia de la música estadounidense, en la fraternidad de compositores e intérpretes serios, muchos de los cuales estuvieron presentes en el estreno—y sobre el propio Gershwin, cuya entusiasta acogida lo animó a otros proyectos más serios."

Howard postula que el legado de la obra se comprende mejor si encarna el espíritu cultural de la era del jazz:

Comenzando con ese incomparable clarinete flamenco solo, Rhapsody es irresistible todavía, con su vibración rítmica sincopada, su ambiente abandonado e impulsivo que cuenta más sobre los años veinte rugidos que mil palabras, y su auténtica belleza melódica coloreó un azul profundo y jazzístico por los séptimos y tercios planos que tenían sus orígenes en las canciones de esclavos afroamericanos.

Aunque la rapsodia de Gershwin "de ninguna manera fue un ejemplo definitivo del jazz en la Era del Jazz," historiadores de la música como James Ciment y Floyd Levin también han coincidido en que es la composición clave que resume el espíritu de la época.

Ya en 1927, el escritor F. Scott Fitzgerald opinó que Rhapsody in Blue idealizaba el espíritu juvenil de la era del jazz. En décadas posteriores, tanto la última era como las obras literarias relacionadas con Fitzgerald han sido a menudo vinculadas culturalmente por críticos y académicos con la composición de Gershwin. En 1941, el historiador social Peter Quennell opinó que la novela El gran Gatsby de Fitzgerald encarnaba "la tristeza y la vivacidad remota de una melodía de Gershwin". En consecuencia, Rhapsody in Blue se utilizó como leitmotiv dramático para el personaje de Jay Gatsby en la película de 2013 The Great Gatsby, una adaptación cinematográfica de la novela de Fitzgerald de 1925..

Varios escritores, como el dramaturgo y periodista estadounidense Terry Teachout, han comparado al propio Gershwin con el personaje de Gatsby debido a su intento de trascender su entorno de clase baja, su abrupto éxito meteórico y su temprana muerte cuando tenía treinta y tantos años..

Retrato musical de la ciudad de Nueva York

Rhapsody en azul ha sido interpretado como un retrato musical de Jazz Age New York City.

Rhapsody in Blue se ha interpretado como un retrato musical de la ciudad de Nueva York de principios del siglo XX. El escritor de cultura Darryn King escribió en The Wall Street Journal que "la fusión de Gershwin de jazz y tradiciones clásicas captura el próspero crisol de la Era del Jazz de Nueva York".

Del mismo modo, el historiador de la música Vince Giordano ha opinado que "la síncopa, las notas azules, el ragtime y los ritmos de jazz que escribió Gershwin en 1924 eran realmente una sensación de la ciudad de Nueva York en esa era increíble". El ritmo de la ciudad parece estar ahí." El pianista Lang Lang se hace eco de este sentimiento: "Cuando escucho Rhapsody in Blue, de alguna manera veo el Empire State Building. Veo el horizonte de Nueva York en el centro de Manhattan, y ya veo las cafeterías [en] Times Square."

En consecuencia, el montaje de apertura de la película Manhattan de Woody Allen de 1979 presenta una interpretación de Zubin Mehta en la que las escenas por excelencia de Nueva York están ambientadas con la música del famoso jazz de Gershwin. concierto. Veinte años más tarde, Walt Disney Pictures utilizó la composición para el segmento de Nueva York de la película animada de 1999 Fantasia 2000, en la que la pieza enmarca líricamente un segmento animado dibujado al estilo del ilustrador Al Hirschfeld.

Influencia en los compositores

La rapsodia de Gershwin ha influido en varios compositores. En 1955, Rhapsody in Blue sirvió de inspiración para una composición del acordeonista y compositor John Serry Sr. que posteriormente se publicó en 1957 como American Rhapsody. Brian Wilson, líder de The Beach Boys, afirmó en varias ocasiones que Rhapsody in Blue es una de sus piezas favoritas. Escuchó la pieza por primera vez cuando tenía dos años y recordó que la adoraba. Según el biógrafo Peter Ames Carlin, fue una influencia en su álbum Smile. Rhapsody in Blue también inspiró una colaboración entre el pianista británico sabio ciego Derek Paravicini y el compositor Matthew King en un nuevo concierto, llamado Blue, que se estrenó en el South Bank Centre de Londres en 2011.

Muestreo

Rhapsody in Blue se muestra en el 'Cumpleaños' del grupo femenino surcoreano Red Velvet.

Otro uso

Rhapsody in Blue fue interpretada simultáneamente por 84 pianistas en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Verano de 1984 en Los Ángeles. Los pianistas Herbie Hancock y Lang Lang interpretaron Rhapsody in Blue en la 50.ª entrega de los premios Grammy el 10 de febrero de 2008. Desde 1980, United Airlines ha utilizado la pieza en sus anuncios, en vídeos de seguridad previos al vuelo, y en la pasarela subterránea de la Terminal 1 en el Aeropuerto Internacional O'Hare de Chicago.

Estado de conservación

El 22 de septiembre de 2013, se anunció que finalmente se lanzará una edición crítica musicológica de la partitura orquestal completa. La familia Gershwin, en conjunto con la Biblioteca del Congreso y la Universidad de Michigan, están trabajando para que estas partituras estén disponibles para el público. Aunque todo el proyecto de Gershwin puede tardar 40 años en completarse, la edición Rhapsody in Blue será un volumen inicial.

Rhapsody in Blue ingresó al dominio público el 1 de enero de 2020, aunque las grabaciones individuales pueden permanecer bajo derechos de autor.