Rainer Werner Fassbinder

Rainer Werner Fassbinder ()Alemán: [ˈa minusválido неннныхныхныеннныенныханиныенинаниниенинаниениниенаниенинаниенниениенининиениениениениениениениенанининининининининининиеныйнинининининининининининыйнинининининининининининыйниныйныениныйнинининининыйнининининининининыйнининининининининининининини ()escucha); 31 de mayo de 1945 – 10 de junio de 1982), a veces acreditada R. W. FassbinderEra cineasta alemana. Es ampliamente considerado como una de las principales figuras y catalizadores del nuevo movimiento cinematográfico alemán. El tema principal de Fassbinder fue la explotación de los sentimientos. Sus películas estaban profundamente arraigadas en la cultura alemana después de la guerra: las consecuencias del nazismo, el milagro económico alemán y el terror de la Facción del Ejército Rojo. Otros temas destacados en sus películas incluyen el amor, la amistad, la identidad y más generalmente, los giros de las relaciones interpersonales.

Su primer largometraje fue una película de gánsteres llamada Love Is Colder Than Death (1969); obtuvo su primer éxito comercial nacional con The Merchant of Four Seasons (1972) y su primer éxito internacional con Ali: Fear Eats the Soul (1974), ambos de los cuales son consideradas obras maestras por la crítica contemporánea. Le siguieron proyectos de gran presupuesto como Despair (1978), Lili Marleen y Lola (ambos de 1981). Su mayor éxito llegó con El matrimonio de Maria Braun (1979), que relata el ascenso y la caída de una mujer alemana tras la Segunda Guerra Mundial. Otras películas notables incluyen el drama de cámara lésbico The Bitter Tears of Petra von Kant (1972), Fox and His Friends (1975), Satan's Brew (1976), En un año con 13 lunas (1978) y Querelle (1982), todas ellas sobre temas homoeróticos.

Fassbinder murió el 10 de junio de 1982, a los 37 años, a causa de un cóctel letal de cocaína y barbitúricos. Su carrera duró menos de dos décadas, pero fue extremadamente prolífico; completó más de 40 largometrajes, dos series de televisión, tres cortometrajes, cuatro producciones de video y 24 obras de teatro, ganando 5 de los premios más prestigiosos para largometrajes en Alemania, incluido el Oso de Oro y varios premios de cine alemán. Su muerte prematura a menudo se considera el final del marco de tiempo del Nuevo Cine Alemán.

Primeros años

Fassbinder nació en la pequeña ciudad de Bad Wörishofen el 31 de mayo de 1945. Nació tres semanas después de que el ejército estadounidense ocupara la ciudad y la rendición incondicional de Alemania. Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial marcaron profundamente su infancia y la vida de su familia. Cumpliendo con los deseos de su madre, Fassbinder afirmó más tarde que nació en 1946, para establecerse más claramente como un hijo de la posguerra; su edad real fue revelada poco antes de su muerte. Era el único hijo de Liselotte Pempeit (1922-1993), traductora, y Helmut Fassbinder, médico que trabajaba en el apartamento de la pareja en Sendlinger Straße, cerca del barrio rojo de Múnich. Cuando tenía tres meses, se quedó con un tío y una tía paternos en el campo, ya que sus padres temían que no pasara el invierno con ellos. Tenía un año cuando fue devuelto a sus padres en Munich. La madre de Fassbinder procedía de la Ciudad Libre de Danzig (ahora Gdańsk, Polonia), de donde habían huido muchos alemanes después de la Segunda Guerra Mundial. Como resultado, varios de sus parientes se fueron a vivir con ellos a Munich.

Los padres de Fassbinder eran miembros cultos de la burguesía. Su padre se concentró principalmente en su carrera, que vio como un medio para satisfacer su pasión por escribir poesía. Su madre también lo ignoró en gran medida, pasando la mayor parte de su tiempo con su esposo trabajando en su carrera. En 1951, Liselotte Pempeit y Helmut Fassbinder se divorciaron. Helmut se mudó a Colonia mientras que Liselotte crió a su hijo como madre soltera en Munich. Para mantenerse a sí misma y a su hijo, Pempeit acogió a huéspedes y encontró empleo como traductora de alemán a inglés. Cuando estaba trabajando, a menudo enviaba a su hijo al cine para pasar el tiempo. Más adelante en su vida, Fassbinder afirmó que veía al menos una película al día, a veces hasta cuatro en un día. Durante este período, Pempeit a menudo estuvo lejos de su hijo durante largos períodos mientras se recuperaba de la tuberculosis. En ausencia de su madre, Fassbinder fue atendido por los inquilinos y amigos de su madre. Como a menudo lo dejaban solo, se acostumbró a la independencia y, por lo tanto, se convirtió en un delincuente juvenil. Chocó con la amante más joven de su madre, Siggi, que vivía con ellos cuando Fassbinder tenía alrededor de ocho o nueve años. Tuvo una relación difícil similar con el periodista mucho mayor Wolff Eder (c. 1905-1971), quien se convirtió en su padrastro en 1959. Al principio de su adolescencia, Fassbinder se declaró homosexual.

Cuando era adolescente, enviaron a Fassbinder a un internado. Su tiempo allí se vio empañado por sus repetidos intentos de fuga, y finalmente dejó la escuela antes de los exámenes finales. A la edad de 15 años, se mudó a Colonia con su padre. Aunque discutían constantemente, Fassbinder se quedó con su padre durante un par de años mientras asistía a la escuela nocturna. Para ganar dinero, trabajaba en pequeños trabajos; también ayudó a su padre, que alquilaba apartamentos en mal estado a trabajadores inmigrantes. Durante el tiempo que estuvo con su padre, Fassbinder comenzó a sumergirse en el mundo de la cultura, escribiendo poemas, obras de teatro breves y cuentos.

Comienzos

En 1963, a la edad de 18 años, Fassbinder regresó a Múnich con planes de asistir a la escuela nocturna con la idea de estudiar arte dramático. Siguiendo el consejo de su madre, tomó lecciones de actuación y de 1964 a 1966 asistió al Fridl-Leonhard Studio para actores en Munich. Allí conoció a Hanna Schygulla, quien se convertiría en una de sus actrices más importantes. Durante este tiempo, realizó sus primeras películas en 8 mm y trabajó como asistente de dirección, técnico de sonido o en pequeños papeles actorales. Durante este período, también escribió la obra de teatro trágico-cómica: Drops on Hot Stones. Para ingresar a la Escuela de Cine de Berlín, Fassbinder presentó una versión cinematográfica de su obra Parallels. También participó en varias películas de 8 mm, incluida This Night (ahora considerada perdida), pero su admisión fue rechazada, al igual que Werner Schroeter y Rosa von Praunheim, quienes también tendrían carreras como directores de cine.

Regresó a Munich donde continuó con su escritura. También realizó dos cortometrajes, The City Tramp (Der Stadtstreicher, 1966) y The Little Chaos (Das Kleine Chaos, 1967). Rodadas en blanco y negro, fueron financiadas por el amante de Fassbinder, Christoph Roser, un aspirante a actor, a cambio de papeles protagónicos. Fassbinder actuó en ambas películas, en las que también participó Irm Hermann. En este último, su madre, bajo el nombre de Lilo Pempeit, interpretó el primero de muchos papeles en las películas de su hijo.

Carrera teatral

Fassbinder se unió al Teatro de Acción de Munich en 1967; allí, estuvo activo como actor, director y guionista. Después de dos meses se convirtió en el líder de la empresa. En abril de 1968 dirigió el estreno de su obra Katzelmacher, que cuenta la historia de un trabajador extranjero de Grecia que se convierte en objeto de un intenso odio racial, sexual y político entre un grupo de holgazanes bávaros. Unas semanas más tarde, en mayo de 1968, el Action-Theater se disolvió después de que uno de sus fundadores destrozara su teatro, celoso del creciente poder de Fassbinder dentro del grupo. Rápidamente se reformó como el Antiteatro bajo la dirección de Fassbinder. La compañía vivía y actuaba junta. Este grupo muy unido de jóvenes actores incluía entre ellos a Fassbinder, Peer Raben, Harry Baer y Kurt Raab, quienes junto con Hanna Schygulla e Irm Hermann se convirtieron en los miembros más importantes de su sociedad anónima cinematográfica. Trabajando con Anti-Theater, Fassbinder continuó escribiendo, dirigiendo y actuando. En el espacio de 18 meses dirigió 12 obras de teatro. De estas 12 obras, cuatro fueron escritas por Fassbinder; reescribió otros cinco.

El estilo de su dirección escénica se parecía mucho al de sus primeras películas, una mezcla de movimientos coreografiados y poses estáticas, inspirado no en las tradiciones del teatro escénico, sino en los musicales, el cabaret, las películas y el movimiento de protesta estudiantil.

Después de realizar sus primeros largometrajes en 1969, Fassbinder centró sus esfuerzos en su carrera como director de cine, pero mantuvo un punto de apoyo intermitente en el teatro hasta su muerte. Trabajó en varias producciones en toda Alemania e hizo una serie de obras de radio a principios de la década de 1970. En 1974, Fassbinder asumió el control de dirección del Theatre am Turm (TAT) de Frankfurt; cuando este proyecto terminó en fracaso y controversia, Fassbinder se interesó menos por el teatro.

En honor a Rosa von Praunheim, Fassbinder representó la obra Dedicada a Rosa von Praunheim.

Primeras películas y reconocimiento

Fassbinder usó su trabajo teatral como trampolín para hacer películas; y muchos de los actores y el equipo de Anti-Teatro trabajaron con él a lo largo de toda su carrera (por ejemplo, hizo 20 películas cada una con las actrices Hanna Schygulla e Irm Herrmann). Fue fuertemente influenciado por el Verfremdungseffekt de Brecht (efecto de alienación) y el cine de la Nueva Ola francesa, particularmente las obras de Jean-Luc Godard. También elogió a The Damned (1969) de Luchino Visconti como su película favorita. Otros cineastas que influyeron en Fassbinder incluyeron a Howard Hawks, Michael Curtiz, Raoul Walsh y Nicholas Ray.

Fassbinder desarrolló temprano sus métodos de trabajo rápido. Debido a que conocía tan bien a sus actores y técnicos, Fassbinder pudo completar hasta cuatro o cinco películas por año con presupuestos extremadamente bajos. Esto le permitió competir con éxito por las subvenciones gubernamentales necesarias para seguir haciendo películas.

A diferencia de los otros grandes autores del Nuevo Cine Alemán, Volker Schlöndorff, Werner Herzog y Wim Wenders, que comenzaron haciendo películas, el bagaje escénico de Fassbinder se hizo patente a lo largo de su obra. Además, aprendió a manejar todas las fases de la producción, desde la escritura y la actuación hasta la dirección y gestión teatral. Esta versatilidad también apareció en sus películas donde, además de algunas de las responsabilidades antes mencionadas, Fassbinder se desempeñó como compositor, diseñador de producción, director de fotografía, productor y editor. También apareció en 30 proyectos de otros directores.

Para 1976, Fassbinder había ganado prominencia internacional, premios en los principales festivales de cine, estrenos y retrospectivas en París, Nueva York y Los Ángeles, y se había publicado un estudio de su trabajo realizado por Tony Rayns. Todos estos factores ayudaron a convertirlo en un nombre familiar entre los cinéfilos y el público universitario de todo el mundo. Vivió en Munich cuando no viajaba, alquiló una casa en París con su ex esposa Ingrid Caven. A menudo se le veía en bares gay de Nueva York, lo que le valió el estatus de héroe de culto, pero también una reputación controvertida dentro y fuera de sus películas. Sus películas fueron un elemento fijo en las casas de arte de la época después de que se hiciera conocido internacionalmente con Ali: Fear Eats the Soul. En 1977, fue miembro del jurado en el 27º Festival Internacional de Cine de Berlín.

Carrera cinematográfica

Fassbinder y Hanna Schygulla en el Festival de Cine de Venecia de 1980

A partir de los 21 años, Fassbinder hizo cuarenta y cuatro películas y series de televisión en 15 años, además de dirigir 15 obras de teatro. Estas películas fueron en gran parte escritas o adaptadas para la pantalla por Fassbinder. También fue director de arte en la mayoría de las primeras películas, editor o coeditor en muchas de ellas (a menudo acreditado como Franz Walsh, aunque la ortografía varía), y actuó en 19 de sus propias películas, así como para otros directores. Escribió 14 obras, creó nuevas versiones de seis obras clásicas y dirigió o codirigió 25 obras de teatro. Escribió y dirigió cuatro obras de radio y escribió letras de canciones. Además, escribió 33 guiones y colaboró con otros guionistas en 13 más. Además de esto, ocasionalmente desempeñó muchos otros roles, como director de fotografía y productor en un pequeño número de ellos. Trabajando con un conjunto regular de actores y técnicos, pudo completar películas antes de lo previsto y, a menudo, por debajo del presupuesto y, por lo tanto, competir con éxito por los subsidios del gobierno. Trabajó rápido, por lo general omitiendo los ensayos y optando por la primera toma.

Se decía que las diez primeras películas de Fassbinder (1969-1971) eran una extensión de su trabajo en el teatro, rodadas normalmente con una cámara estática y con diálogos deliberadamente antinaturales.

Entre 1971 y 1977, sus películas atrajeron la atención internacional, con películas inspiradas, con un efecto irónico, en los melodramas que Douglas Sirk hizo en Hollywood en la década de 1950. En estas películas, Fassbinder exploró cómo los prejuicios profundamente arraigados sobre la raza, el sexo, la orientación sexual, la política y la clase son inherentes a la sociedad, al mismo tiempo que aborda su tema característico del fascismo cotidiano de la vida familiar y la amistad.

Las películas finales, desde alrededor de 1977 hasta su muerte, fueron más variadas, a veces se utilizaron actores internacionales y la sociedad anónima se disolvió, aunque los elencos de algunas películas todavía estaban llenos de habituales de Fassbinder. Se volvió cada vez más idiosincrático en términos de trama, forma y tema en películas como El matrimonio de Maria Braun (1979), La tercera generación (1979) y Querelle (1982). También articuló sus temas en el medio burgués con su trilogía sobre la mujer en la Alemania posfascista: El matrimonio de Maria Braun (1979), La angustia de Veronica Voss y < i>Lola.

"Me gustaría construir una casa con mis películas", comentó una vez Fassbinder. "Algunos son los sótanos, otros las paredes, otros las ventanas. Pero espero que al final sea una casa."

El trabajo de Fassbinder como cineasta fue homenajeado en la exposición de 2007 Fassbinder: Berlin Alexanderplatz, que fue organizada por Klaus Biesenbach en el Museo de Arte Contemporáneo junto con el Kunst-Werke Institute for Contemporary Arte, Berlín. Por su exposición en el MoMA, Klaus Biesenbach recibió el premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA).

Películas de vanguardia (1969-1971)

Trabajando simultáneamente en teatro y cine, Fassbinder creó su propio estilo a partir de una fusión de las dos formas de arte. Sus diez primeras películas se caracterizan por un formalismo autoconsciente y asertivo. Influenciadas por Jean-Luc Godard, Jean-Marie Straub y las teorías de Bertolt Brecht, estas películas son de estilo austero y minimalista. Aunque elogiados por muchos críticos, resultaron demasiado exigentes e inaccesibles para una audiencia masiva. Los rápidos métodos de trabajo de Fassbinder habían comenzado en esta etapa.

El amor es más frío que la muerte (1969)

Rodado en blanco y negro con un presupuesto reducido en abril de 1969, el primer largometraje de Fassbinder, Love Is Colder Than Death (1969) (Liebe ist kälter als der Tod), fue una deconstrucción de las películas de gánsteres estadounidenses de los años 30, 40 y 50. Fassbinder interpreta el papel principal de Franz, un proxeneta de poca monta que se debate entre su amante Joanna, una trabajadora sexual interpretada por Hanna Schygulla, y su amigo Bruno, un gángster enviado tras Franz por el sindicato al que se ha negado a unirse. Joanna informa a la policía de un robo a un banco que los dos hombres han planeado. Bruno muere en el tiroteo, pero Franz y Joanna escapan.

El amor es más frío que la muerte es una película discreta con un tono apagado, secuencias largas, actuación no naturalista y pocos diálogos. El éxito no fue inmediato. Love Is Colder Than Death fue mal recibido en su estreno en el Festival de Cine de Berlín. La película, sin embargo, ya muestra los temas que iban a permanecer presentes en la obra posterior del director: la soledad, el anhelo de compañía y amor, y el miedo y la realidad de la traición.

Katzelmacher (1969)

La segunda película de Fassbinder, Katzelmacher (1969), (término peyorativo del argot bávaro para referirse a un trabajador extranjero del Mediterráneo), fue recibida de manera más positiva, obteniendo cinco premios después de su debut en Mannheim.. Presenta a un grupo de parejas jóvenes desarraigadas y aburridas que pasan gran parte de su tiempo charlando, fanfarroneando, bebiendo, jugando a las cartas, intrigando o simplemente sentados. La llegada de Jorgos, un trabajador invitado de Grecia, provoca una creciente curiosidad por parte de las mujeres y el antagonismo entre los hombres que viven en un bloque de apartamentos suburbano en Munich. Este tipo de crítica social, protagonizada por personajes alienados incapaces de escapar de las fuerzas de la opresión, es una constante a lo largo de la obra de Fassbinder. Katzelmacher fue una adaptación de la primera obra de teatro producida por Fassbinder: una pieza breve que se amplió de cuarenta minutos a largometraje, trasladando la acción de un pueblo rural a Múnich y retrasando la aparición de Jorgos.

Dioses de la peste (1970)

Gods of the Plague (Götter der Pest) es una sombría película de gánsteres con una ambientación invernal, rodada principalmente en interiores y de noche. El personaje de Franz (de la primera película de Fassbinder, pero ahora interpretado por Harry Baer) sale de prisión, pero vuelve a caer con la gente equivocada. Se une a su mejor amigo, un criminal bávaro negro que mató a su hermano, para asaltar un supermercado. Ambos hombres son traicionados por la amante abandonada de Franz, Joanna, quien avisa a la policía. Franz es asesinado y la película termina en su lacónico funeral.

Similar en trama y personajes a Love is Colder than Death (1969) y The American Soldier (1970), Gods of the Plague

¿Por qué se vuelve loco Herr R.? (1970)

La última de las cuatro películas que rodó Fassbinder en 1969, fue la primera en color, ¿Por qué Herr R. Run Amok? (Warum läuft Herr R. Amok?). Fue codirigida por Michael Fengler (el amigo que había sido su camarógrafo en el cortometraje The Little Chaos en 1967). Solo los contornos de las escenas fueron esbozados por Fassbinder. Fengler y el elenco luego improvisaron el diálogo. Fassbinder afirmó que este era realmente el trabajo de Fengler y no el suyo. Sin embargo, los dos recibieron conjuntamente un premio de dirección por el proyecto en el concurso de premios de cine alemán de 1971, y ¿Por qué Herr R. Run Amok? siempre se ha considerado entre las películas de Fassbinder.

¿Por qué se vuelve loco Herr R.? retrata la vida de Herr Raab, un dibujante técnico casado y con un hijo pequeño. Las presiones de la vida de clase media le pasan factura. La visita de una vecina provoca el incidente que da título a la película. Irritado por la charla incesante entre su esposa y su amigo mientras él intenta ver la televisión, Herr Raab mata al vecino de un golpe en la cabeza con un candelabro y luego mata tanto a su esposa como a su hijo. Más tarde se encuentra a Herr Raab ahorcado en el baño de una oficina.

El soldado americano (1970)

El tema principal de la película de gángsters The American Soldier (Der Amerikanische Soldat) es que la violencia es una expresión de amor frustrado. Un estallido súbito y frenético de pasión reprimida, la revelación del deseo y la necesidad de amor que ha sido frustrado y llega demasiado tarde son centrales aquí. El sicario homónimo del título (en realidad un alemán, interpretado por Karl Scheydt) es un asesino a sueldo a sangre fría que regresa de Vietnam a su Munich natal, donde es contratado por tres policías renegados para acabar con una serie de indeseables.. Eventualmente termina matando a la novia de uno de los policías con su amigo Franz Walsh (Fassbinder). La película se cierra con la música de la canción "Tanta ternura", escrita por Fassbinder y cantada por Gunther Kaufmann. The American Soldier es la tercera y última entrega de la trilogía de películas de gánsteres de Fassbinder formada por Love Is Colder Than Death y Gods of the Plague. Rinde homenaje al género de gángsters de Hollywood y también alude a las narrativas de carreras del gótico sureño.

El viaje de Niklashausen (1970)

En El viaje de Niklashausen [de] ( Die Niklashhauser Fahrt), Fassbinder coescribe y codirige con Michael Fengler. Esta película de vanguardia, encargada por la cadena de televisión WDR, se rodó en mayo de 1970 y se emitió en octubre del mismo año. El viaje de Niklashausen se basó libremente en la vida real de Hans Boehm, un pastor que en 1476 afirmó que la Virgen María lo llamó para fomentar un levantamiento contra la iglesia y las clases altas. A pesar de un éxito temporal, los seguidores de Boehm finalmente fueron masacrados y él fue quemado en la hoguera. La intención de Fassbinder era mostrar cómo y por qué fracasan las revoluciones. Su enfoque fue comparar la agitación política y sexual de la Alemania feudal con la del movimiento contracultural y las protestas de 1968. Fassbinder no aclaró el marco temporal de la acción, mezclando elementos medievales (incluidos algunos disfraces, escenarios, discursos y música) con los de otras épocas, como la Revolución Rusa, el Rococó, la Alemania de posguerra y el Tercer Mundo.

The Niklashausen Journey, influenciado por Weekend de Jean-Luc Godard y Antonio das Mortes de Glauber Rocha, consta de solo una docena de escenas, la mayoría de las cuales son cuadros teatrales en los que los personajes no se mueven y la cámara se mueve rápidamente de un orador a otro o son tomas en las que los personajes van y vienen mientras pronuncian discursos revolucionarios sobre las luchas marxistas y debates sobre teorías económicas.

Blanco (1970)

Ambientada en 1876, Whity se centra en el personaje principal, un mulato que trabaja como sirviente obsequioso en la mansión de una familia disfuncional en el sur de Estados Unidos. Es el hijo ilegítimo del patriarca de la familia y el cocinero negro. Whity intenta cumplir todas sus órdenes, aunque sean degradantes, hasta que varios miembros de la familia le piden que mate a algunos de los demás. Eventualmente los mata a todos y huye al desierto con una prostituta del bar local.

La película se rodó en Almería, España, en formato panorámico, en localizaciones construidas para los westerns realizados por Sergio Leone. Su producción fue particularmente traumática para el elenco y el equipo. Whity, una mezcla de melodrama euro-occidental y del sur de Estados Unidos, fue mal recibido por la crítica y se convirtió en el mayor fracaso de Fassbinder. La película no fue recogida para su estreno en cines, ni hubo interés por transmitirla por televisión. Como resultado, Whity solo se vio como su estreno. No estuvo disponible hasta la década de 1990, cuando comenzó a proyectarse; ahora, como casi todas las películas de Fassbinder, está disponible en DVD.

Rio das Mortes (1971)

Una comedia caprichosa, Rio das Mortes sigue a dos jóvenes sin perspectivas que intentan recaudar dinero para hacer realidad su sueño de encontrar un tesoro enterrado en Perú usando un mapa del Río das Mortes. La novia de uno de ellos encuentra la idea estúpida y quiere ponerle fin, pero finalmente los dos amigos encuentran una patrona para financiar su aventura.

Basada en una idea de Volker Schlondorff, Rio das Mortes se rodó en enero de 1970 después de ¿Por qué Herr R. Run Amok?, pero se transmitió por televisión un año más tarde, en febrero de 1971. La película se siente construida de manera casual; el humor es suave y la trama ha sido criticada por su descuido y pobre desarrollo de personajes. Rio das Mortes es mejor recordado por una escena no relacionada con la trama, cuando la novia, interpretada por Schygulla, baila al ritmo de 'Jailhouse Rock' de Elvis Presley. en la máquina de discos en compañía de un joven tonto con chaqueta de cuero, interpretado por Fassbinder.

Pioneros en Ingolstadt (1971)

Pioneras en Ingolstadt (Pionera en Ingolstadt) fue una adaptación de una obra homónima de Marieluise Fleißer escrita en 1927. Sigue a dos mujeres jóvenes cuyas vidas se transforman cuando los ingenieros del ejército (los pioneros del título) llegan a su pueblo para construir un puente. Una de las mujeres coquetea de soldado a soldado, pero su amiga se enamora y es abandonada.

Rodado en noviembre de 1970, Pioneros en Ingolstaldt fue encargado para televisión. Fassbinder quería llevar la trama de la década de 1920 a la Alemania contemporánea, pero los productores, por temor a ofender al ejército alemán, se negaron. Un compromiso no satisfizo a ninguna de las partes y, a mitad del proyecto, Fassbinder perdió interés en él. La película sufrió las consecuencias y se encuentra entre las películas más débiles de Fassbinder.

Las tensiones y amarguras que rodearon la realización de Whity llevaron a Fassbinder a desmantelar el proyecto colectivo del Antiteatro como productora. En cambio, fundó su propia productora: Tango films. Pioneers in Ingolstadt, aunque se emitió antes del estreno en cines de Beware of a Holy Whore, fue la última película realizada por Fassbinder durante su período formativo. Al año siguiente, 1971, Fassbinder rodó una sola película: El mercader de las cuatro estaciones.

Cuidado con una puta sagrada (1971)

Beware of a Holy Whore se basó, como muchas de las películas de Fassbinder, en una experiencia personal: el rodaje de su película anterior, el western revisionista Whity (1970). La película muestra a un director ególatra, acosado por una producción estancada, actores temperamentales y un equipo frustrado. Cuando se le pregunta de qué trata la película que está haciendo, responde: "brutalidad". La película termina con una ironía típica de Fassbinder, cuando el equipo se une al director. Beware of a Holy Whore marcó el final del período de vanguardia de Fassbinder. Presentó una autocrítica tan amarga y radical que sus futuras películas tendrían que ser bastante diferentes de las que hizo antes. Después de producir diez películas en poco más de un año (esta película se rodó solo unos meses después de Whity) en un frenético estallido de creatividad, su impulso anticine y antiteatro pareció concluir.

Melodramas alemanes (1971-1975)

Después de Pioneers in Ingolstadt, Fassbinder se tomó un descanso de ocho meses del cine. Durante este tiempo, se convirtió en modelo para el melodrama de Hollywood, en particular las películas que el emigrante alemán Douglas Sirk hizo en Hollywood para Universal-International en la década de 1950: All That Heaven Allows, Magnificent Obsession e Imitación de la vida. Fassbinder se sintió atraído por estas películas no solo por su valor de entretenimiento, sino también por su descripción de varios tipos de represión y explotación.

El mercader de las cuatro estaciones (1971)

Fassbinder obtuvo su primer éxito comercial nacional con El mercader de las cuatro estaciones (Händler der vier Jahreszeiten, 1971). La película retrata a una pareja casada que son vendedores de frutas. Hans enfrenta el rechazo de su familia después de que agrede violentamente a su esposa por no ceder a su voluntad. Ella lo deja, pero después de que él sufre un ataque al corazón, se reencuentran, aunque ahora tiene que emplear a otros hombres. Su capacidad restringida para funcionar lo lleva a reflexionar sobre su propia futilidad. Literalmente bebe hasta morir.

El mercader de las cuatro estaciones utiliza el melodrama como estilo para crear estudios críticos de la vida alemana contemporánea para una audiencia general. Fue el primer esfuerzo de Fassbinder para crear lo que declaró que aspiraba: una declaración cinematográfica de la condición humana que trascendería las fronteras nacionales como lo habían hecho las películas de Michelangelo Antonioni, Ingmar Bergman y Federico Fellini. También es la primera vez que se da cuenta de lo que aprendió de Sirk: que las personas, por pequeñas que sean, y sus emociones, por insignificantes que parezcan, pueden ser grandes en la pantalla de cine.

Las lágrimas amargas de Petra von Kant (1972)

La soledad es un tema común en la obra de Fassbinder, junto con la idea de que el poder se convierte en un factor determinante en todas las relaciones humanas. Sus personajes anhelan el amor, pero parecen condenados a ejercer un control a menudo violento sobre quienes les rodean. Un buen ejemplo es Las lágrimas amargas de Petra von Kant (Die bitteren Tränen der Petra von Kant, 1972) que fue adaptada por Fassbinder de sus obras de teatro. El personaje principal es una diseñadora de moda que vive en un país de ensueño creado por ella misma y la acción se restringe principalmente a su lujosa habitación. Tras el fracaso de su segundo matrimonio, Petra se enamora perdida y obsesivamente de Karin, una astuta joven de clase trabajadora que quiere hacer carrera como modelo. La explotación de Petra por parte de la modelo refleja el extraordinario abuso psicológico de Petra hacia su asistente silenciosa, Marlene. Fassbinder retrata el lento derretimiento de estas relaciones como inevitable, y sus actrices (no hay hombres en la película) se mueven de una manera lenta, como en trance, que insinúa un vasto mundo de añoranza debajo de la hermosa y quebradiza superficie.

Jailbait (1973)

Jailbait [de] (Wildwechsel, 1973), también conocida como Wild Game Crossing, es una historia sombría de angustia adolescente, ambientada en el norte industrial de Alemania durante la década de 1950. Como en muchas otras de sus películas, Fassbinder analiza la vida de la clase media baja con personajes que, incapaces de articular sus sentimientos, los entierran en frases sin sentido y actos violentos. El amor se convierte en una lucha de poder de engaño y traición. La historia se centra en Hanni, una precoz colegiala de 14 años que inicia una relación con Franz, un trabajador de 19 años en una planta procesadora de pollo. Su romance enfrenta la oposición de los conservadores padres de la niña. Franz es condenado a nueve meses de prisión por tener relaciones sexuales con una menor. Cuando sale en libertad condicional, continúan su relación y Hanni queda embarazada. Temerosa de la ira de su padre, convence a Franz para que lo mate. De vuelta en prisión, Hanni le dice a Franz que su hijo murió al nacer y que su amor era 'solo físico'.

Originalmente hecho para la televisión alemana, Jailbait se basó en una obra de teatro de Franz Xaver Kroetz, quien discrepó violentamente con la adaptación de Fassbinder, calificándola de pornográfica. Lo espeluznante de su tema fomentó la controversia.

Mundo en un alambre (1973)

Su única película de ciencia ficción, World on a Wire (Welt am Draht, 1973), supuso una salida para Fassbinder. Una adaptación de la novela pulp de ciencia ficción Simulacron-3 de Daniel F. Galouye, se realizó como una producción de dos partes de 205 minutos para televisión utilizando material de película de 16 mm durante una pausa de la larga producción. de Effi Briest y en el mismo año que Martha y Ali: Fear Eats the Soul.

Una historia de realidades dentro de realidades, World on a Wire sigue a un investigador, que trabaja en el instituto de cibernética y ciencia futura, que comienza a investigar la misteriosa muerte de su mentor. Cae profundamente en el encubrimiento detrás de una computadora capaz de crear un mundo artificial con unidades que viven como seres humanos sin saber que su mundo es solo una proyección de computadora. Realizada en el París contemporáneo, la película se inspiró estilísticamente en Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard y en su tema de humanos artificiales que desean llegar a la vida real se anticipó a Alphaville de Ridley Scott. i>Blade Runner (1982).

Ali: El miedo devora el alma (1974)

Fassbinder obtuvo éxito internacional por primera vez con Fear Eats the Soul (Angst essen Seele auf, 1974). Esta película se rodó en 15 días en septiembre de 1973 con un presupuesto muy bajo, situándose entre las más rápidas y baratas de Fassbinder. Sin embargo, el impacto en la carrera de Fassbinder y en el lanzamiento en el extranjero sigue cimentado como un gran e influyente trabajo. Ganó el Premio de la Crítica Internacional en Cannes y fue aclamada por críticos de todo el mundo como una de las mejores películas de 1974.

Fear Eats the Soul se inspiró libremente en All That Heaven Allows de Sirk (1955). Detalla la respuesta viciosa de la familia y la comunidad a una solitaria señora de la limpieza blanca que envejece y se casa con un musculoso trabajador inmigrante marroquí negro mucho más joven. Los dos se sienten atraídos el uno al otro por la soledad mutua. Cuando se conoce su relación, experimentan diversas formas de hostilidad y rechazo público. Gradualmente, su relación es tolerada, no por una aceptación real, sino porque quienes rodean a la anciana de buen corazón se dan cuenta de que su capacidad para explotarla está amenazada. A medida que las presiones externas sobre la pareja comienzan a disminuir, surgen conflictos internos.

Marta (1974)

Los personajes principales de Fassbinder tienden a ser ingenuos, ya sean hombres o mujeres, que se desengañan de manera grosera, a veces asesina, de sus ilusiones románticas. Rodada en película de 16 mm y hecha para televisión, Martha (1974) es un melodrama sobre la crueldad en un matrimonio tradicional.

La trama se centra en el personaje del título, una bibliotecaria solterona. Poco después de la muerte de su padre mientras estaba de vacaciones en Roma, Martha conoce a un rico ingeniero civil, quien la deslumbra. Se reencuentran en una boda en su ciudad natal de Constance y pronto se casan. Sin embargo, su vida matrimonial se convierte en un ejercicio para que su esposo exprese su sadismo y para Martha sobrellevar su masoquismo. Su marido muestra su deseo por ella con violencia, dejándole marcas en el cuerpo. Él controla obsesivamente su vida, su dieta, su gusto por la música y sus intereses, hasta que la confinan en su casa. El deseo inicialmente positivo de Martha de ser del agrado de su marido opresivo y abusivo la lleva a tal extremo que se vuelve trastornada, lo que la lleva a su propia parálisis física permanente.

Effi Briest (1974)

Effi Briest fue la película soñada de Fassbinder y en la que invirtió más trabajo. Aunque normalmente tardaba entre nueve y 20 días en hacer una película, esta vez necesitó 58 días de rodaje, que se prolongaron durante dos años. La película es una pieza de época adaptada de la novela clásica de Theodor Fontane de 1894, sobre las consecuencias del amor traicionado. Ambientada en la sociedad prusiana cerrada y represiva de la era de Bismarck, la película pinta un retrato del destino de una mujer completamente vinculado a un código de comportamiento social inflexible y absolutamente implacable. La trama sigue la historia de Effi Briest, una joven que busca escapar de su asfixiante matrimonio con un hombre mucho mayor entablando una breve aventura con un encantador soldado. Seis años después, el esposo de Effi descubre su aventura con trágicas consecuencias.

La película sirvió como obra maestra para la musa y actriz favorita de Fassbinder, Hanna Schygulla, cuyo estilo de actuación distante encajaba con los papeles que el director creó para ella. Fassbinder la convirtió en una estrella, pero las diferencias artísticas al hacer Effi Briest crearon una división que duró algunos años, hasta que Fassbinder la llamó para que volviera a asumir el papel de Maria Braun.

Como un pájaro en un alambre (1975)

Like a Bird on a Wire (Wie ein Vogel auf dem Draht) es una producción televisiva de cuarenta minutos protagonizada por Brigitte Mira, la actriz principal de Fear come el Alma, cantando canciones de cabaret y baladas de amor de los años 40 y 50. Entre canciones, bebe y habla de sus maridos. El título está tomado de la canción 'Bird on the Wire' de Leonard Cohen, con la que finaliza el programa.

Fassbinder consideró este proyecto "un intento de hacer un programa sobre la era Adenauer. Para nosotros ciertamente no fue del todo exitoso. Pero la película revela la absoluta repulsión y el sentimentalismo de la época. él explicó.

Fox y sus amigas (1975)

Muchas de las películas de Fassbinder tratan sobre la homosexualidad, de acuerdo con su interés en personajes que son marginados sociales, pero se alejó de la mayoría de las representaciones de los homosexuales en las películas. En una entrevista en el Festival de Cine de Cannes de 1975, Fassbinder dijo sobre Fox and His Friends: "Ciertamente es la primera película en la que los personajes son homosexuales, sin que la homosexualidad se convierta en un problema. En películas, obras de teatro o novelas, si aparecen homosexuales, la homosexualidad era el problema, o era un giro cómico. Pero aquí la homosexualidad se muestra como completamente normal, y el problema es algo bien diferente, es una historia de amor, donde una persona explota el amor de la otra persona, y esa es la historia que siempre cuento..

En Fox and His Friends (Faustrecht der Freiheit, 1974) un dulce pero sencillo homosexual de clase trabajadora gana la lotería y se enamora del elegante hijo de una industrial. Su amante trata de convertirlo en un espejo de bordes dorados de los valores de la clase alta, mientras se apropia de las ganancias de la lotería de Fox para sus propios fines. En última instancia, destruye las ilusiones de Fox, dejándolo desconsolado y desamparado.

Fassbinder trabajó dentro de los límites del melodrama de Hollywood, aunque la película se basa parcialmente en la difícil situación de su entonces amante Armin Meier (a quien está dedicada la película). La película se destaca por la actuación de Fassbinder como el desafortunado Fox, en un papel protagonista autodirigido.

Fox and His Friends ha sido considerado homofóbico por algunos y demasiado pesimista por otros. Sorprendentemente, los homosexuales de la película no son diferentes de los heterosexuales igualmente lascivos de la película. El pesimismo de la película es superado con creces por la acusación de Fassbinder de Fox como participante activo en su propia victimización, una crítica familiar que se encuentra en muchas de las películas del director.

Madre Küsters va al cielo (1975)

En Mother Küsters Goes to Heaven (Mutter Küsters Fahrt zum Himmel), un melodrama, Emma Küsters se convierte en el centro de atención mediática y política después de que su esposo, un trabajador, mató a su supervisor o al hijo de su supervisor y luego a sí mismo cuando se anunciaron los despidos. La película se basó tanto en los melodramas de Sirk como en los de los trabajadores de la era de Weimar. películas, conectando los géneros para contar una historia política sobre la mayoría de edad de Mother Küsters, que busca comprender qué condujo a las acciones de su esposo y cómo responder. La película es muy crítica con la política y los medios de comunicación de la época, ya que las personas a las que recurre Emma Küsters la explotan a ella y a su experiencia. Los medios de comunicación, los comunistas, los anarquistas e incluso los miembros de su propia familia se aprovechan de la tragedia de Mother Küsters para promover sus propias agendas.

Miedo al miedo (1975)

Hecho para la televisión alemana, Miedo al miedo [de] (Angst vor der Angst) es un drama psicológico sobre un ama de casa de clase media, atrapada en una vida aburrida con un esposo distraído, dos niños pequeños y suegros abiertamente hostiles. Se vuelve adicta al valium y al alcohol abrumada por una ansiedad irracional y el miedo a su inexorable descenso a la locura.

Fear of Fear tiene un tema similar a Martha, que también retrata el efecto de un matrimonio disfuncional en una ama de casa oprimida, el papel central nuevamente fue interpretado por Margit Carstensen.

Solo quiero que me ames (1976)

I Only Want You To Love Me (Ich will doch nur, daß ihr mich liebt, 1976) cuenta la historia de Peter, un obrero de la construcción en la cárcel por homicidio involuntario.. Su vida se cuenta en una serie de flashbacks. Peter, un hombre muy trabajador, pasa su tiempo libre construyendo una casa para sus fríos y desamorados padres. Se casa y encuentra trabajo en otra ciudad, pero en su ansia desesperada de afecto intenta comprar el amor de los que le rodean con costosos regalos que pronto le hacen caer en una espiral de deudas. Cuando ve su propio amor no correspondido por sus padres reflejado durante una discusión en un bar, mata a un hombre que sirve como representante de su padre.

La película se hizo para televisión y se rodó durante una pausa mientras se hacía Satan's Brew. Basado en un relato real extraído de For Life, un libro de entrevistas editado por Klaus Antes y Christiane Erhardt, se trataba de reflexiones personales de Fassbinder sobre la infancia y la adolescencia.

El brebaje de Satanás (1976)

En una época de crisis profesional, Fassbinder hizo Satan's Brew (Satansbraten, 1976) una comedia desoladora y amoral que rinde homenaje a Antonin Artaud' s teatro de la crueldad. Estilísticamente alejado de los melodramas que le dieron a conocer internacionalmente, Satan's Brew dio paso a una nueva etapa en su carrera. En Satan's Brew, un poeta neurótico que sufre de un bloqueo de escritor lucha para llegar a fin de mes mientras trata con una esposa frustrada y sufrida, un hermano medio ingenioso y varias prostitutas y mujeres masoquistas. que entran y salen de su vida. Se convence a sí mismo de ser la reencarnación del poeta romántico gay Stefan George (1868-1933) después de plagiar su poema Los Albatros.

Películas internacionales (1976–1982)

El entusiasmo por las películas de Fassbinder creció rápidamente después de Fear Eats the Soul. Vincent Canby rindió homenaje a Fassbinder como "el talento más original desde Godard". En 1977, el New Yorker Theatre de Manhattan celebró un Festival Fassbinder.

Sin embargo, a medida que crecía el entusiasmo por Fassbinder fuera de Alemania, sus películas seguían sin impresionar a la audiencia local. En casa, era más conocido por su trabajo televisivo y por su abierta homosexualidad. Junto con los temas controvertidos de sus películas (terrorismo, violencia estatal, racismo, política sexual), parecía que todo lo que hacía Fassbinder provocaba u ofendía a alguien.

Tras culminar en 1978 sus últimas aventuras de bajo presupuesto y muy personales (En un año de 13 lunas y La tercera generación) se concentraría en hacer películas que fueran cada vez más llamativo y estilizado. Sin embargo, su serie de televisión Berlin Alexanderplatz fue una adaptación naturalista de la novela en dos volúmenes de Alfred Döblin, que Fassbinder había leído muchas veces.

Ruleta China (1976)

Chinese Roulette (Chinesisches Roulette) es un thriller gótico con un reparto coral. La película sigue a una niña lisiada de doce años, Angela, quien, debido a la voluntad de sus padres. desamor, organiza un encuentro entre ellos con sus respectivas amantes en la finca familiar. La película culmina con un juego de adivinanzas. Los jugadores se dividen en dos equipos, que se turnan para elegir a un miembro del otro lado y hacerles preguntas sobre personas y objetos. El juego se juega por sugerencia de Ángela, que juega contra su madre. Cuando la madre pregunta: "En el Tercer Reich, ¿qué habría sido esa persona?", la respuesta de Ángela es "Comandante del campo de concentración de Bergen Belsen"; es su madre a quien está describiendo.

La mujer del jefe de estación (1977)

No hay finales felices en las películas de Fassbinder. Sus protagonistas, generalmente hombres débiles o mujeres con tendencias masoquistas, pagan un alto precio por su victimización. La mujer del jefe de estación (Bolwieser) está basada en una novela de 1931, Bolwieser: La novela de un marido del escritor bávaro Oskar María Grafo. La trama sigue la caída de Xaver Bolwieser, un jefe de estación de ferrocarril sometido a la voluntad de su dominante e infiel esposa, cuyas repetidas infidelidades arruinan por completo la vida de Bolwieser. Transmitida inicialmente como una serie de televisión de dos partes, The Stationmaster's Wife se redujo a un largometraje de 112 minutos y se estrenó en el primer aniversario de la muerte de Fassbinder. La película está protagonizada por Kurt Raab, el amigo íntimo de Fassbinder a quien el director suele presentar como un hombre patético. Raab también fue escenógrafo de las películas de Fassbinder hasta que su relación de amistad y profesional se rompió después de hacer esta película.

Alemania en Otoño (1978)

Alemania en otoño (Deutschland im Herbst) es una película ómnibus, un trabajo colectivo de ocho cineastas alemanes, incluidos Fassbinder, Alf Brustellin, Volker Schlöndorff, Bernhard Sinkel y Alexander Kluge, el principal organizador detrás del proyecto. Echaron un vistazo a la ola de culpa y paranoia que afectó a la sociedad de Alemania Occidental y sus autoridades en los meses transcurridos entre el secuestro y asesinato del industrial Hanns Martin Schleyer por miembros de la Facción del Ejército Rojo y la muerte de Andreas Baader, Gudrun Ensslin. y Jan-Carl Raspe en la prisión de Stammheim. La película es un documento sobre el terrorismo y sus secuelas sociopolíticas. Comienza con el velorio de Schleyer, un segmento filmado por Alexander Kluge y Volker Schlöndorff, y termina con el tumultuoso funeral conjunto de Baader, Ensslin y Raspe en Stuttgart.

Desesperación (1978)

Fassbinder realizó tres películas en inglés, idioma que no dominaba: Despair (1978), Lili Marleen (1980) y Querelle (1982). Las tres películas tienen actores internacionales y son muy ambiciosas, pero cada una enfrentó problemas artísticos y comerciales. Desesperación se basa en la novela de 1936 del mismo nombre de Vladimir Nabokov, adaptada por Tom Stoppard y protagonizada por Dirk Bogarde. Se realizó con un presupuesto de 6 000 000 DEM, superando el costo total de las primeras 15 películas de Fassbinder.

Desesperación: un viaje hacia la luz (Desesperación: Eine Reise ins Licht) cuenta la historia de Hermann Hermann, un emigrado ruso desequilibrado y magnate del chocolate, cuyo negocio y matrimonio se han vuelto amargos. La fábrica está al borde de la bancarrota y su vulgar esposa le es infiel crónicamente. Trama un complot elaborado para tomar una nueva identidad con la creencia de que lo liberará de todas sus preocupaciones. La historia del descenso a la locura de Hermann se yuxtapone al ascenso del nacionalsocialismo en la Alemania de la década de 1930.

En un año de trece lunas (1978)

En un año de trece lunas (In einem Jahr mit 13 Monden, 1978) es la obra más personal y desoladora de Fassbinder. La película sigue la trágica vida de Elvira, una transexual antes conocida como Erwin. En los últimos días antes de su suicidio, decide visitar algunas de las personas y lugares importantes de su vida. En una secuencia, Elvira deambula por el matadero donde trabajó como Erwin, contando su historia en medio de los cadáveres de ganado cuyas gargantas cortadas derraman sangre sobre el suelo. En otra escena, Elvira regresa al orfanato donde fue criada por monjas y escucha la brutal historia de su infancia. La cámara de Fassbinder sigue a la monja (interpretada por su madre) que cuenta la historia de Elvira; se mueve con una especie de precisión militar por los terrenos, contando la historia con gran detalle, sin darse cuenta de que Elvira se ha desplomado y ya no puede oírla.

In a Year of Thirteen Moons fue explícitamente personal, una reacción al suicidio de su ex amante Armin Meier. Además de escribir, dirigir y editar, Fassbinder también diseñó la producción y trabajó como camarógrafo. Cuando la película se proyectó en el Festival de Cine de Nueva York en octubre de 1979, el crítico Vincent Canby (quien defendió el trabajo de Fassbinder en los Estados Unidos) escribió: "Su única característica redentora es la genialidad".

El matrimonio de María Braun (1979)

Con Las bodas de Maria Braun (Die Ehe der Maria Braun), su mayor éxito, Fassbinder finalmente logró la aceptación popular que buscaba entre el público alemán. El personaje principal es una mujer ambiciosa y de voluntad fuerte separada de su esposo hacia el final de la Segunda Guerra Mundial. La trama sigue el ascenso constante de Maria Braun como una exitosa mujer de negocios durante la era Adenauer. El sueño de María de una vida feliz con su marido sigue sin cumplirse. Sus logros profesionales no van acompañados de felicidad personal. La película, construida en la tradición de Hollywood de "imágenes de mujeres" al presentar a una mujer que supera las dificultades, sirve también como parábola del milagro económico de Alemania Occidental encarnado en el personaje de Maria Braun. Su historia de manipulación y traición es paralela a la espectacular recuperación económica de posguerra de Alemania en términos de su costo en valores humanos.

La película fue la primera parte de una trilogía centrada en las mujeres durante el "milagro económico" que se completó con Lola (1981) y Veronika Voss (1982).

La tercera generación (1979)

El éxito económico de The Marriage of Maria Braun permitió a Fassbinder saldar sus deudas y embarcarse en un proyecto personal, The Third Generation (Die Dritte Generation , 1979), una comedia negra sobre el terrorismo. A Fassbinder le resultó difícil adquirir respaldo financiero para esta película y finalmente se hizo con un presupuesto pequeño y dinero prestado. Al igual que hizo con En un año de trece lunas, Fassbinder volvió a trabajar como camarógrafo de la película.

La película trata sobre un grupo de aspirantes a terroristas de origen burgués de izquierda que secuestran a un industrial durante la temporada de carnaval sin saber que han sido manipulados por el capitalista y las autoridades cuya agenda oculta es el terrorismo para crear una demanda de hardware de seguridad y ganar apoyo a medidas de seguridad más duras. Las acciones de la célula ineficaz de terroristas clandestinos se superponen con una banda sonora llena de noticieros, voces en off, música y galimatías. El tema político de la película suscitó polémica.

Berlín Alexanderplatz (1980)

Volviendo a sus exploraciones de la historia alemana, Fassbinder finalmente realizó su sueño de adaptar la novela de Alfred Döblin de 1929 Berlin Alexanderplatz. Una serie de televisión de más de 13 horas de duración, con una coda de dos horas (lanzada en los EE. UU. como un largometraje de 15 horas), fue la culminación de los temas interrelacionados del director sobre el amor, la vida y el poder..

Berlin Alexanderplatz se centra en Franz Biberkopf, un ex convicto y proxeneta menor, que intenta no meterse en problemas pero se ve arrastrado por el crimen, la pobreza y la duplicidad de quienes lo rodean. Su mejor amigo, Reinhold, le hace perder un brazo y asesina a Franz' novia prostituta, Mieze. El triángulo amoroso de Franz, Reinhold y Mieze se escenifica contra la creciente ola del nazismo en Alemania. La película enfatizó la relación sadomasoquista entre Biberkopf y Reinhold enfatizando su naturaleza homoerótica. Fassbinder había leído el libro a los 14 años; luego afirmó que lo ayudó a sobrevivir a una "pubertad asesina". La influencia de la novela de Döblin se puede ver en muchas de las películas de Fassbinder, la mayoría de cuyos protagonistas se llaman Franz, algunos con el apellido Biberkopf como el ingenuo ganador de la lotería de la clase trabajadora en Fox and His Friends, interpretado por Fassbinder. También tomó el seudónimo de Franz Walsch por su trabajo como editor en sus propias películas: Walsch fue un homenaje oblicuo al director Raoul Walsh.

Lili Marleen (1981)

Fassbinder abordó la época nazi con Lili Marleen, una coproducción internacional, rodada en inglés y con un gran presupuesto. El guión se basó vagamente en la autobiografía de la cantante de la Segunda Guerra Mundial Lale Andersen, The Sky Has Many Colors. La película está construida como un gran melodrama de Hollywood desgarrador en su descripción de la historia de amor incumplida entre un cantante de variedades alemán separado por la guerra y un compositor judío suizo. El centro de la historia es la canción que da título a la película.

Fassbinder presenta el período de la Alemania nazi como un desarrollo predecible de la historia alemana que se escenificó como un espectáculo apoyado por el odio. Filmado con una morbosa nostalgia por las esvásticas, la ostentación del mundo del espectáculo y como un romance de capa y espada, el tema principal de Lili Marleen es la pregunta: ¿es moralmente justificable sobrevivir bajo el nacionalsocialismo, como los ingenuos cantante hace por tener una carrera exitosa?

Teatro en trance (1981)

Theater In Trance es un documental que Fassbinder rodó en Colonia en junio de 1981 en el "Theaters of the World" Festival. Sobre escenas de grupos como el Squat Theatre y el Tanztheater Wuppertal, Pina Bausch Fassbinder habló pasajes de Antonin Artaud, así como su propio comentario.

Lola (1981)

Lola cuenta la historia de un comisario de obra nueva e íntegro que llega a un pequeño pueblo. Se enamora de Lola, inocentemente inconsciente del hecho de que ella es una prostituta famosa y la amante de un desarrollador sin escrúpulos. Incapaz de reconciliar su imagen idealista de Lola con la realidad, el comisario cae en espiral en la misma corrupción que había tratado de combatir.

Verónica Voss (1982)

Fassbinder ganó el Oso de Oro en el 32° Festival Internacional de Cine de Berlín por Veronika Voss. El título original en alemán, Die Sehnsucht der Veronika Voss, se traduce como "El anhelo de Veronika Voss". Ambientada en la década de 1950, la película describe los años crepusculares del personaje principal, una estrella nazi marchita. Un reportero deportivo queda cautivado por la actriz desequilibrada y descubre que está bajo el poder de un médico malvado que le proporciona las drogas que anhela siempre que pueda pagar la tarifa exorbitante. A pesar de los mejores intentos del reportero, no puede salvarla de un final terrible.

Querelle (1982)

Fassbinder no vivió para ver el estreno de su última película, Querelle, basada en la novela Querelle de Brest de Jean Genet. La trama sigue al personaje principal, un apuesto marinero que es ladrón y estafador. Frustrado en una relación homoerótica con su propio hermano, Querelle traiciona a quienes lo aman y les paga hasta con el asesinato.

Vida privada

Arte digital que representa Rainer Werner Fasbinder

Fassbinder tuvo relaciones sexuales tanto con hombres como con mujeres. Rara vez mantuvo separadas su vida profesional y personal, y era conocido por incluir a familiares, amigos y amantes en sus películas. Al principio de su carrera, tuvo una relación duradera pero fracturada con Irm Hermann, una exsecretaria a la que obligó a convertirse en actriz. Fassbinder solía elegirla para papeles poco glamorosos, sobre todo como la esposa infiel en El mercader de las cuatro estaciones y la silenciosa asistente abusada en Las lágrimas amargas de Petra von Kant.

Irm Hermann lo idolatraba, pero Fassbinder la atormentó y torturó durante más de una década. Esto incluía violencia doméstica: 'Él no podía concebir que yo lo rechazara, y lo intentó todo'. Casi me mata a golpes en las calles de Bochum..." En 1977, Hermann se involucró sentimentalmente con otro hombre y quedó embarazada de él. Fassbinder le propuso matrimonio y se ofreció a adoptar al niño; ella lo rechazó.

En 1969, mientras interpretaba el papel principal en la película para televisión Baal bajo la dirección de Volker Schlöndorff, Fassbinder conoció a Günther Kaufmann, un actor bávaro negro que tenía un papel secundario en la película. A pesar de que Kaufmann estaba casado y tenía dos hijos, Fassbinder se enamoró perdidamente de él. Los dos comenzaron una relación turbulenta que finalmente afectó la producción de Baal. Fassbinder trató de comprar el amor de Kaufmann escogiéndolo para papeles importantes en sus películas y comprándole regalos caros.

Kaufmann disfrutó de la atención y se volvió más exigente. Fassbinder le compró cuatro Lamborghinis durante un año; Kauffmann destrozó uno y vendió los demás si no cumplían con sus expectativas. La relación llegó a su fin cuando Kaufmann se involucró sentimentalmente con el compositor Peer Raben. Después del final de su relación, Fassbinder siguió eligiendo a Kaufmann en sus películas, aunque en papeles menores. Kaufmann apareció en 14 de las películas de Fassbinder, con el papel principal en Whity (1971).

Aunque afirmó oponerse al matrimonio como institución, en 1970 Fassbinder se casó con Ingrid Caven, una actriz que aparecía regularmente en sus películas. La recepción de su boda se recicló en la película que estaba haciendo en ese momento, The American Soldier. Su relación de admiración mutua sobrevivió al completo fracaso de su matrimonio de dos años. "La nuestra fue una historia de amor a pesar del matrimonio", explicó Caven en una entrevista, y agregó sobre la sexualidad de su exmarido: "Rainer era un homosexual que también necesitaba una mujer". Es así de simple y así de complejo." A las tres mujeres más importantes de la vida de Fassbinder, Irm Hermann, Ingrid Caven y Juliane Lorenz, su última pareja, no les molestó su homosexualidad.

En 1971, Fassbinder inició una relación con El Hedi ben Salem, un bereber marroquí que había dejado a su esposa y cinco hijos el año anterior, luego de conocerlo en una casa de baños gay en París. Durante los siguientes tres años, Salem apareció en varias producciones de Fassbinder. Su papel más conocido fue el de Ali en Ali: Fear Eats the Soul (1974). Su relación de tres años estuvo marcada por los celos, la violencia y el consumo excesivo de drogas y alcohol. Fassbinder finalmente terminó la relación en 1974, debido al alcoholismo crónico de Salem y su tendencia a volverse violento cuando bebía. Poco después de la ruptura, Salem apuñaló a tres personas (ninguna fatalmente) en Berlín y tuvo que ser sacado de contrabando de la ciudad. Salem finalmente se dirigió a Francia, donde fue arrestado y encarcelado. Se ahorcó mientras estaba bajo custodia en 1977. La noticia del suicidio de Salem se ocultó a Fassbinder durante años. Eventualmente se enteró de la muerte de su ex amante poco antes de su propia muerte en 1982 y dedicó su última película, Querelle, a Salem.

El siguiente amante de Fassbinder fue Armin Meier. Meier era un ex carnicero casi analfabeto que había pasado sus primeros años en un orfanato. También apareció en varias películas de Fassbinder en este período. Se puede ver un vistazo a su problemática relación en el episodio de Fassbinder para Alemania en otoño (1978). Fassbinder terminó la relación en abril de 1978. Durante la semana del cumpleaños de Fassbinder (31 de mayo), Meier consumió deliberadamente cuatro botellas de pastillas para dormir y alcohol en la cocina del apartamento que él y Fassbinder habían compartido anteriormente. Su cuerpo fue encontrado una semana después.

En los últimos cuatro años de la vida de Fassbinder, su compañera fue Juliane Lorenz (nacida en 1957), la editora de sus películas durante los últimos años de su vida. Se la puede ver en un pequeño papel como la secretaria del productor de cine en Veronika Voss. Según Lorenz, consideraron casarse pero nunca lo hicieron. Aunque se informó que se separaron en su último año, una acusación que Lorenz ha negado, todavía vivían juntos en el momento de su muerte.

Controversias

Los escándalos y las controversias de los medios aseguraron que en Alemania Fassbinder estuviera permanentemente en las noticias, haciendo comentarios deliberadamente provocativos en las entrevistas. Su trabajo a menudo recibió críticas mixtas de los críticos nacionales, muchos de los cuales solo comenzaron a tomarlo en serio después de que la prensa extranjera lo aclamara como un director importante.

Había exposiciones frecuentes de su estilo de vida en la prensa, y ataques por todos lados de los grupos ofendidos por sus películas. Su serie de televisión Eight Hours Don't Make a Day se redujo de ocho a cinco episodios tras la presión de los conservadores. El dramaturgo Franz Xaver Kroetz demandó por la adaptación de Fassbinder de su obra Jail Bait, alegando que era obscena. Lesbianas y feministas acusaron a Fassbinder de misoginia (al presentar a las mujeres como cómplices de su propia opresión) en su 'Cuadros de mujeres'. Las lágrimas amargas de Petra von Kant ha sido citado por algunos críticos feministas y homosexuales como homofóbico y sexista.

Los críticos homosexuales también criticaron a Fox and His Friends por no representar positivamente la homosexualidad en la sociedad burguesa, sintiendo que Fassbinder los había traicionado. Los conservadores lo atacaron por su asociación con la extrema izquierda. Los marxistas dijeron que había vendido sus principios políticos en sus descripciones de manipulaciones intelectuales de izquierda en Mother Küsters' Viaje al cielo y de un terrorista tardío en La tercera generación. Berlin Alexanderplatz se trasladó a un espacio de televisión nocturno en medio de quejas generalizadas de que no era adecuado para niños. La crítica más acalorada se produjo por su obra Trash, the City and Death, cuya función programada en el Theatre am Turm de Frankfurt fue cancelada a principios de 1975 por acusaciones de antisemitismo. En medio de la agitación, Fassbinder renunció a su cargo de director de ese prestigioso complejo teatral, quejándose de que la obra había sido malinterpretada. La obra trata sobre un hombre de negocios judío sin escrúpulos y muy codicioso en Frankfurt que usa despiadadamente la culpa alemana por el Holocausto para enriquecerse. Aunque se publicó en ese momento y se retiró rápidamente, la obra no se representó hasta cinco años después de la muerte de Fassbinder por Thieves Theatre en 1987 en ABC No Rio.

Muerte

Cuando hizo su última película, Querelle (1982), Fassbinder consumía cantidades significativas de drogas y alcohol. La noche del 9 al 10 de junio de 1982, Wolf Gremm, director de la película Kamikaze 1989 (1982), protagonizada por Fassbinder, se alojaba en su apartamento. Temprano esa noche, Fassbinder se retiró a su dormitorio. Estaba trabajando en notas para una futura película, Rosa L, basada en la vida de la socialista revolucionaria polaco-alemana Rosa Luxemburg. Fassbinder estaba viendo la televisión mientras leía cuando, poco después de la 1 a. m., recibió una llamada telefónica de su amigo y asistente Harry Baer. A las 3:30 a. m., cuando Juliane Lorenz llegó a su casa, escuchó el ruido de la televisión en la habitación de Fassbinder, pero no lo oyó roncar. Aunque no se le permitió entrar en la habitación sin ser invitada, entró y descubrió su cuerpo sin vida con un cigarrillo todavía entre los labios. Un fino hilo de sangre goteaba de una fosa nasal.

Fassbinder murió de una sobredosis de cocaína y barbitúricos. Las notas para Rosa L fueron encontradas junto a su cuerpo. Sus restos fueron enterrados en Bogenhausener Friedhof en Munich.

Filmografía

• El amor es más frío que la muerte (1969)
• Katzelmacher (1969)
• Dioses de la Plaga (1970)
• ¿Por qué Herr R. Run Amok? (1970)
• El soldado americano (1970)
• El viaje de Niklashausen (1970)
• Baal (1970)
• Rio das Mortes (1970)
• Mathias Kneissl (1971)
• Whity (1971)
• Cuidado con una santa puta (1971)
• El Mercante de Cuatro Estaciones (1972)
• Las lágrimas de Petra von Kant (1972)
• Ocho horas No hagas un día (1972-1973)
• La Tenderidad de los Lobos (1973)
• Mundo en un Wire (1973)
• Ali: El miedo come el alma (1974)
• Martha (1974)
• Effi Briest (1974)
• Fox y sus amigos (1975)
• Viaje de Madre Küsters al Cielo (1975)
• Sombra de ángeles (1976)
• Sólo quiero que me ames (1976)
• Boca de Satanás (1976)
• Ruleta China (1976)
• The Stationmaster's Wife (1977)
• Alemania en Otoño (1978)
• Despair (1978)
• En un año de 13 lunas (1978)
• El matrimonio de María Braun (1979)
• La Tercera Generación (1979)
• Berlin Alexanderplatz (1980)
• Lili Marleen (1981)
• Lola (1981)
• Veronika Voss (1982)
• Kamikaze 1989 (1982)
• Querelle (1982)

Reproducciones

• 1965: Nur eine Scheibe Brot (1995, Volkstheater Wien como parte del Bregenzer Festspielen)
• 1966: Tropfen auf heiße Steine (1985, Theaterfestival München; filmado en 2000 por François Ozon Gouttes d'eau sur pierres brûlantes)
• 1968: Katzelmacher (Action-Theater en Munich, filmado por Fassbinder 1969; recibido Gerhart-Hauptmann-Preis)
• 1968: Der amerikanische Soldat (Antiteater en Munich, filmado por Fassbinder 1970)
• 1969: Lo siento ahora. (basado en el caso de Myra Hindley e Ian Brady, Antiteater en München)
• 1969: Anarchie en Bayern (Antiteater en Munich)
• 1969: Gewidmet Rosa von Praunheim (Antiteater en Munich)
• 1969: Das Kaffeehaus[it] (basado en Carlo Goldoni's La bottega del caffè, Schauspielhaus Bremen. Filmado por Fassbinder 1970)
• 1969: Werwolf (en colaboración con Harry Baer's Antitheather en Berlín)
• 1970: Das brennende Dorf (sobre la base de Fuente Ovejuna por Lope de Vega, Schauspielhaus Bremen)
• 1971: Blut am Hals der Katze (Antiteater in Nürnberg)
• 1971: Morir amargo Tränen der Petra von Kant (Deutsche Akademie der Darstellenden Künste o Experimenta en Frankfurt am Main. Filmado por Fassbinder 1972)
• 1971: Bremer Freiheit (basado en el caso de Gesche Gottfried, Schauspielhaus Bremen. Filmado por Fassbinder 1972)
• 1973: Bibi (basado en la obra Bibi - Sena Jugend en drei Akten por Heinrich Mann, Teatro Bochum
• 1975: Der Müll, die Stadt und der Tod (Estreno alemán en 2009 en el Teatro un der Ruhr en Mülheim; filmado en 1976 Schatten der Engel por Daniel Schmid)