Proyecto de Arte Federal

El Proyecto Federal de Arte (1935-1943) fue un programa del New Deal para financiar las artes visuales en los Estados Unidos. Bajo la dirección del director nacional Holger Cahill, fue uno de los cinco proyectos federales número uno patrocinados por la Works Progress Administration (WPA) y el mayor de los proyectos artísticos del New Deal. No se creó como una actividad cultural, sino como una medida de ayuda para emplear artistas y artesanos para crear murales, pinturas de caballete, esculturas, artes gráficas, carteles, fotografía, diseño escénico teatral y artes y oficios. El Proyecto de Arte Federal de la WPA estableció más de 100 centros de arte comunitarios en todo el país, investigó y documentó el diseño estadounidense, encargó una importante cantidad de arte público sin restricciones de contenido o tema, y sostuvo a unos 10.000 artistas y artesanos durante la Gran Depresión. Según American Heritage, “los artistas de la WPA produjeron alrededor de 400.000 pinturas de caballete, murales, grabados, carteles y representaciones durante los ocho años de existencia del proyecto, prácticamente libres de la presión gubernamental para controlar el tema., interpretación o estilo”.

Fondo

Poster summarizing Federal Art Project employment and activities (Noviember 1, 1936)

Los trabajadores (c. 1935), un muro colgado creado por Florence Kawa para el proyecto Milwaukee Handicraft, fue presentado a Eleanor Roosevelt

El Federal Art Project era la rama de artes visuales del Proyecto Federal Número Uno, un programa de la Works Progress Administration, cuyo objetivo era proporcionar empleo a artistas en apuros durante la Gran Depresión. Financiado en virtud de la Ley de Asignación de Ayuda de Emergencia de 1935, operó desde el 29 de agosto de 1935 hasta el 30 de junio de 1943. Fue creado como una medida de alivio para emplear artistas y artesanos para crear murales, pinturas de caballete, esculturas, artes gráficas, carteles, fotografías, documentación del Índice de diseño estadounidense, diseño escénico de museos y teatros, y artes y oficios. El Federal Art Project operaba centros de arte comunitarios en todo el país donde artesanos y artistas trabajaban, exhibían y educaban a otros. El proyecto creó más de 200.000 obras independientes, algunas de las cuales se encuentran entre las piezas de arte público más importantes del país.

Los objetivos principales del Federal Art Project eran emplear artistas desempleados y proporcionar arte para edificios municipales y espacios públicos no federales. A los artistas se les pagaba 23,60 dólares a la semana; Las instituciones financiadas con impuestos, como escuelas, hospitales y edificios públicos, pagaron sólo por los materiales. El trabajo se dividió en producción artística, instrucción artística e investigación artística. El resultado principal del grupo de investigación de arte fue el Index of American Design, un estudio gigantesco y completo de la cultura material estadounidense.

Se encargó a hasta 10.000 artistas la producción de trabajos para el WPA Federal Art Project, el mayor de los proyectos artísticos del New Deal. El Departamento del Tesoro de los Estados Unidos administró tres proyectos artísticos del New Deal comparables pero claramente separados: el Proyecto de Obras Públicas de Arte (1933-1934), la Sección de Pintura y Escultura (1934-1943) y el Proyecto de Arte de Ayuda al Tesoro. (1935-1938).

El programa WPA no hizo distinción entre arte representativo y no representacional. La abstracción aún no había ganado popularidad en las décadas de 1930 y 1940, por lo que era prácticamente invendible. Como resultado, el Federal Art Project apoyó a artistas tan icónicos como Jackson Pollock antes de que su trabajo pudiera generar ingresos.

Un éxito particular fue el Proyecto de Artesanía de Milwaukee, que comenzó en 1935 como un experimento que empleó a 900 personas que fueron clasificadas como desempleadas debido a su edad o discapacidad. El proyecto llegó a emplear a unos 5.000 trabajadores no cualificados, muchos de ellos mujeres y desempleados de larga duración. El historiador John Gurda observó que el desempleo de la ciudad rondaba el 40% en 1933. "Ese año", dijo. Dijo que "el 53 por ciento de los impuestos a la propiedad de Milwaukee no se pagaron porque la gente simplemente no podía permitirse el lujo de hacer los pagos de impuestos". A los trabajadores se les enseñó encuadernación, impresión con bloques y diseño, que utilizaron para crear libros de arte hechos a mano y libros para niños. Produjeron juguetes, muñecos, trajes de teatro, edredones, alfombras, cortinas, tapices y muebles que fueron comprados por escuelas, hospitales y organizaciones municipales únicamente por el costo de los materiales. En 2014, cuando el Museo de Arte de Wisconsin montó una exposición de artículos creados por el Milwaukee Handicraft Project, sus muebles todavía se utilizaban en la Biblioteca Pública de Milwaukee.

Holger Cahill fue director nacional del Federal Art Project. Otros administradores incluyeron a Audrey McMahon, directora de la Región de Nueva York (Nueva York, Nueva Jersey y Filadelfia); Clement B. Haupers, director de Minnesota; George Godfrey Thorp (Illinois) y Robert Bruce Inverarity, director para Washington. Los supervisores regionales del Proyecto Federal de Arte de Nueva York incluyeron al escultor William Ehrich (1897-1960) de la Unidad Buffalo (1938-1939), director del proyecto de expansión del Zoológico de Buffalo.

Artistas destacados

Unos 10.000 artistas recibieron el encargo de trabajar para el Federal Art Project. Los artistas notables incluyen los siguientes:

Programa del Centro de Arte Comunitario

Jacksonville Centro de Arte Negro, Jacksonville, Florida

Eleanor Roosevelt en la dedicación del South Side Community Art Center, Chicago, Illinois (7 de mayo de 1941)

Poster for the opening of the Mason City Art Center, Mason City, Iowa (1941)

Clase de arte infantil en el Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota

Exposición de diseño estadounidense en el Roswell Museum and Art Center, Roswell, Nuevo México (1941)

Poster for the Harlem Community Art Center, New York City (1938)

Clase en el Centro de Arte Comunitario de Harlem (1 de enero de 1938)

Poster for the open house of the Greensboro Art Center, Greensboro, North Carolina (1937)

Oklahoma Art Center, Oklahoma City, Oklahoma City

Curry County Art Center, Gold Beach, Oregon

El primer centro de arte comunitario patrocinado por el gobierno federal se inauguró en diciembre de 1936 en Raleigh, Carolina del Norte.

Índice de Diseño Americano

A medida que estudiamos los dibujos del Índice de Diseño Americano nos damos cuenta de que las manos que hicieron los primeros doscientos años de la cultura material de este país expresaron algo más que el instinto creativo inculto y el vigor rudo de una civilización fronteriza.... El Índice, al reunir miles de detalles de varias secciones del país, cuenta la historia de habilidades manuales estadounidenses y traza patrones inteligibles dentro de esa historia.

—Holger Cahill, director nacional del Proyecto de Arte Federal

El programa Index of American Design del Federal Art Project produjo un estudio pictórico de las artesanías y artes decorativas de los Estados Unidos desde principios del período colonial hasta 1900. Los artistas que trabajaron para el Index produjeron casi 18.000 dibujos en acuarela meticulosamente fieles, documentando cultura material por artesanos en gran medida anónimos. Los objetos examinados abarcaron desde muebles, plata, vidrio, gres y textiles hasta carteles de taberna, mascarones de proa de barcos, figuras de estancos, caballos de carrusel, juguetes, herramientas y veletas. La fotografía se utilizó sólo de forma limitada, ya que los artistas podían presentar de forma más precisa y eficaz la forma, el carácter, el color y la textura de los objetos. Los mejores dibujos se acercan a la obra de pintores trompe-l'œil del siglo XIX como William Harnett; Las obras menores representan el proceso de los artistas a quienes se les dio empleo y capacitación experta.

"No fue una empresa nostálgica ni anticuaria," escribió el historiador Roger G. Kennedy. "Fue iniciado por modernistas dedicados al diseño abstracto, con la esperanza de influir en el diseño industrial; por lo tanto, en muchos sentidos era paralelo a la filosofía fundacional del Museo de Arte Moderno de Nueva York".

Como todos los programas de la WPA, el Índice tenía el objetivo principal de proporcionar empleo. Su función era identificar y registrar material de importancia histórica que no había sido estudiado y estaba en peligro de perderse. Su objetivo era reunir estos registros pictóricos en un cuerpo de material que formaría la base para el desarrollo orgánico del diseño estadounidense: un pasado estadounidense utilizable y accesible para artistas, diseñadores, fabricantes, museos, bibliotecas y escuelas. Estados Unidos no tenía una única colección completa de diseños nativos históricos autenticados comparable a las disponibles para académicos, artistas y diseñadores industriales en Europa.

"En cierto sentido, el Índice es una especie de arqueología," escribió Holger Cahill. "Ayuda a corregir un sesgo que ha tendido a relegar el trabajo del artesano y del artista popular al subconsciente de nuestra historia, donde sólo puede recuperarse excavando. En el pasado hemos perdido secuencias enteras de su historia y casi hemos olvidado la contribución única de las habilidades manuales en nuestra cultura."

El Index of American Design operó en 34 estados y el Distrito de Columbia de 1935 a 1942. Fue fundado por Romana Javitz, directora de la Colección de Imágenes de la Biblioteca Pública de Nueva York, y la diseñadora textil Ruth Reeves. Reeves fue nombrado primer coordinador nacional; fue sucedida por C. Adolph Glassgold (1936) y Benjamin Knotts (1940). Constance Rourke fue editora nacional. La obra está en la colección de la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C.

El Índice empleó un promedio de 300 artistas durante sus seis años de funcionamiento. Un artista fue Magnus S. Fossum, un granjero de toda la vida que la Depresión obligó a mudarse del Medio Oeste a Florida. Después de perder su mano izquierda en un accidente en 1934, produjo representaciones en acuarela para el Index, utilizando lupas e instrumentos de dibujo para lograr exactitud y precisión. Fossum finalmente recibió un acuerdo de seguro que le permitió comprar otra granja y abandonar el Federal Art Project.

En su ensayo, "Imaginando un pasado utilizable", Virginia Tuttle Clayton, curadora de la exposición de 2002-2003, Drawing on America's Past: Folk Art, Modernism, and the Index of American Design, celebrada en la Galería Nacional de Arte, señaló que & #34;el Índice de Diseño Americano fue el resultado de un esfuerzo ambicioso y creativo para proporcionar a las artes visuales un pasado utilizable."

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  iglesia de sanctuario en chimayo-panel de reredos

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  Fly Catcher, 1937. Frank McEntee - Galería Nacional de Arte.

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  Magnus Fossum copiando el 1770 Boston Town Coverlet (Febrero de 1940)

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  Boston Town Coverlet
  Magnus Fossum (1935-1942)

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  Poke Bonnet, Irene Lawson. Índice de Diseño Americano. National Gallery of Art

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  Daguerreotype Índice de Casos de Diseño Americano

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  "Age of Chivalry" Circus Wagon, c. 1938

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  El Arca de Noé con los animales-Juguete domingo

División de carteles

La División de Pósteres de la WPA estaba dirigida por Richard Floethe. Se cree que la División de Carteles de la WPA produjo más de 35.000 diseños e imprimió unos dos millones de carteles, originalmente a mano, pero rápidamente pasó a la adopción generalizada del proceso de serigrafía. La División de Carteles comenzó en la ciudad de Nueva York y en 1938 tenía artistas en 18 estados; la unidad de Chicago fue la segunda más productiva después de Nueva York. Según el destacado historiador de arte del New Deal, Francis V. O'Connor, sólo unos 2.000 ejemplos supervivientes de carteles de la WPA se conservan en las colecciones de grabados de bibliotecas y museos del país.

Proyecto de recuperación de arte WPA

Se encargaron cientos de miles de obras de arte en el marco del Proyecto Federal de Arte. Muchas de las obras portátiles se han perdido, abandonado o regalado como obsequio no autorizado. Como custodio de la obra, que sigue siendo propiedad federal, la Administración de Servicios Generales (GSA) mantiene un inventario y trabaja con el FBI y la comunidad artística para identificar y recuperar el arte de la WPA. En 2010, produjo un documental de 22 minutos sobre el Proyecto de Recuperación de Arte de la WPA, "Devolviendo el arte de Estados Unidos a Estados Unidos", narrado por Charles Osgood.

En julio de 2014, la GSA estimó que hasta la fecha sólo se han localizado 20.000 de las obras portátiles. En 2015, los investigadores de la GSA encontraron 122 pinturas del Proyecto Federal de Arte en bibliotecas de California, donde la mayoría habían sido almacenadas y olvidadas.