Productor discográfico

Un productor de discos es el líder creativo y técnico de un proyecto de grabación, controla el tiempo de estudio y entrena a los artistas, y en los géneros populares generalmente crea el sonido y la estructura de la canción. El productor de discos, o simplemente el productor, se compara con el director de cine y el director de arte. El productor ejecutivo, por otro lado, habilita el proyecto de grabación a través del emprendimiento, y un ingeniero de audio opera la tecnología.

Según el proyecto, el productor puede o no elegir a todos los artistas. Si emplea solo instrumentación sintetizada o muestreada, el productor puede ser el único artista. Por el contrario, algunos artistas hacen su propia producción. Algunos productores son sus propios ingenieros y operan la tecnología en todo el proyecto: preproducción, grabación, mezcla y masterización. Productores discográficos' Los precursores fueron los 'hombres A&R', que también podían combinar roles empresariales, creativos y técnicos, pero a menudo ejercían una escasa influencia creativa, ya que la producción discográfica todavía se centraba, en la década de 1950, en simplemente mejorar el disco.;s sonic match con los artistas' propia presentación en vivo.

Los avances en la tecnología de grabación, especialmente el advenimiento de la grabación en cinta en la década de 1940, que Les Paul rápidamente innovó aún más para desarrollar la grabación multipista, y el auge de los instrumentos electrónicos en la década de 1950, convirtieron la producción de discos en una especialidad. Entonces, en la música popular, productores como George Martin, Phil Spector y Brian Eno llevaron su evolución al uso actual de técnicas elaboradas y sonidos poco realistas, creando canciones imposibles de originar en vivo. Después de la década de 1980, el paso de la producción de analógico a digital amplió aún más las posibilidades. Actualmente, las DAW, o estaciones de trabajo de audio digital, como Logic Pro y Pro Tools, convierten una computadora ordinaria en una consola de producción, en la que un novato solitario puede convertirse en un productor experto en un estudio doméstico económico. En la década de 2010, comenzaron los esfuerzos para aumentar la prevalencia de productoras e ingenieras que son mujeres, muy superadas en número por los hombres y reconocidas de manera destacada solo en la música clásica.

El productor de música Sir George Martin, más conocido por su trabajo con los Beatles, fotografió con los miembros George Harrison, Paul McCartney y John Lennon en una sesión de grabación en Abbey Road en 1966

Descripción general de la producción

Como proyecto amplio, la creación de una grabación musical puede dividirse entre tres especialistas: el productor ejecutivo, que supervisa las asociaciones comerciales y la financiación, el productor vocal o el arreglista vocal, que ayuda a la interpretación vocal a través de la crítica experta y el entrenamiento de vocalistas. técnica, y el productor discográfico o productor musical, quien, a menudo llamado simplemente productor, dirige el proceso creativo general de grabar la canción en su mezcla final.

Las funciones del productor discográfico pueden incluir la recopilación de ideas, la composición musical, la elección de músicos de sesión, la propuesta de cambios en los arreglos de las canciones, el entrenamiento de los artistas, el control de las sesiones, la supervisión de la mezcla de audio y, en algunos casos, la supervisión de la masterización del audio. Un productor puede otorgar el control creativo a los propios artistas, asumiendo en su lugar un papel de supervisión o asesoramiento. En cuanto a calificar para una nominación al Grammy, la Academia de Grabación define a un productor:

La persona que tiene el control creativo y técnico general de todo el proyecto de grabación, y las sesiones individuales de grabación que forman parte de ese proyecto. Está presente en el estudio de grabación o en la grabación de ubicación y trabaja directamente con el artista e ingeniero. El productor toma decisiones creativas y estéticas que dan cuenta tanto de los objetivos del artista como de la etiqueta en la creación de contenido musical. Otras tareas incluyen, pero no se limitan a; mantener presupuestos y calendarios, adhiriéndose a los plazos, contratar músicos, cantantes, estudios e ingenieros, supervisar otras necesidades de personal y edición (proyectos clásicos).

El productor a menudo selecciona y colabora con un ingeniero de mezclas, que se enfoca en los aspectos especialmente tecnológicos del proceso de grabación, es decir, operar el equipo electrónico y mezclar las pistas grabadas sin procesar de las interpretaciones elegidas, ya sean vocales o instrumentales, en una ''mezcla'', ya sea estéreo o sonido envolvente. Luego, un ingeniero de masterización ajusta aún más esta grabación para su distribución en los medios elegidos. Un productor puede trabajar solo en una o dos canciones o en todo el álbum de un artista, lo que ayuda a desarrollar la visión general del álbum. Los productores discográficos también pueden asumir el rol de productor ejecutivo, administrando el presupuesto, cronogramas, contratos y negociaciones.

Desarrollos históricos

Equipo de A&R

(Artistas y Repertorios)

En la década de 1880, la industria discográfica comenzó simplemente haciendo que el artista tocara en un fonógrafo. En 1924, la revista comercial Talking Machine World, que cubría la industria de la fonografía y la grabación, informó que Eddie King, Victor Records' gerente del 'Departamento de artistas y repertorio de Nueva York', había planeado una serie de grabaciones en Los Ángeles. Más tarde, el folclorista Archie Green llamó a este quizás el primer uso impreso de A&R man. En realidad, no dice ni "A&R man" ni siquiera "A&R", una inicial quizás acuñada por la revista Billboard en 1946, y que comenzó a usarse ampliamente a fines de la década de 1940.

En las décadas de 1920 y 1930, los ejecutivos de A&R, como Ben Selvin en Columbia Records, Nathaniel Shilkret en Victor Records y Bob Haring en Brunswick Records se convirtieron en los precursores de los productores de discos, supervisando las grabaciones y, a menudo, dirigiendo orquestas de sesión. Durante la década de 1940, los principales sellos discográficos abrieron cada vez más departamentos oficiales de A&R, cuyas funciones incluían la supervisión de la grabación. Mientras tanto, se abrieron estudios de grabación independientes, lo que ayudó a originar el productor de discos como especialidad. Pero a pesar de la tradición de algunos hombres de A&R que escriben música, la producción de discos todavía se refería solo a la fabricación de discos.

Productores discográficos

Después de la Segunda Guerra Mundial, los gerentes pioneros de A&R que hicieron una transición influyente a la producción discográfica tal como se entiende ahora, mientras que a veces eran dueños de sellos independientes, incluyen a J. Mayo Williams y John Hammond. Al pasar de Columbia Records a Mercury Records, Hammond nombró a Mitch Miller para dirigir las grabaciones populares de Mercury en Nueva York. Miller luego produjo éxitos cruzados de country-pop de Patti Page y Frankie Laine, se mudó de Mercury a Columbia y se convirtió en un destacado hombre de A&R de la década de 1950.

Durante la década, los ejecutivos de A&R dirigieron cada vez más canciones' firmas sónicas, aunque muchos todavía simplemente asociaban cantantes con músicos, mientras que otros prácticamente no ejercían ninguna influencia creativa. El término productor de discos en su significado actual, el director creativo de producción de canciones, que apareció en una edición de 1953 de la revista Billboard, se generalizó en la década de 1960. Aún así, una distinción formal fue difícil de alcanzar durante algún tiempo más. Los gerentes de A&R pueden seguir siendo directores creativos, como William "Mickey" Stevenson, contratado por Berry Gordy, en el sello discográfico Motown.

Grabación en cinta

En 1947, el mercado estadounidense ganó la grabación de audio en cinta magnética. En los albores de la industria discográfica en la década de 1880, más bien, la grabación se hacía con fonógrafo, grabando la forma de onda sónica verticalmente en un cilindro. En la década de 1930, un gramófono lo grabó lateralmente en un disco. Con restricciones en el rango tonal, ya sea bajo o agudo, y en el rango dinámico, los discos hacían que un gran piano de concierto sonara como un pequeño piano vertical, y la duración máxima era de cuatro minutos y medio. Las selecciones y la interpretación a menudo se modificaban en consecuencia, y reproducir este disco, el maestro de cera, lo destruía. La finalidad a menudo causaba ansiedad que restringía el desempeño para evitar el error. En la década de 1940, durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes refinaron la grabación de audio en cinta magnética, lo que destapó la duración de la grabación y permitió la reproducción, regrabación y edición inmediatas, una tecnología que supuso la aparición de los productores de discos en sus roles actuales.

Grabación multipista

Al principio de la industria discográfica, se logró un récord simplemente haciendo que todos los artistas actuaran juntos en vivo en una sola toma. En 1945, al grabar un elemento musical mientras se reproducía un disco previamente grabado, Les Paul desarrolló una técnica de grabación llamada "sonido sobre sonido". De esta manera, la grabación final podría construirse pieza por pieza y adaptarse, efectuando un proceso de edición. En un caso, Paul produjo una canción a través de 500 discos grabados. Pero, además del tedio de este proceso, degradó en serie la calidad del sonido de elementos previamente grabados, regrabados como sonido ambiental. Sin embargo, en 1948, Paul adoptó la grabación en cinta, lo que permitió una verdadera grabación multipista mediante una nueva técnica, la 'sobregrabación'.

Para habilitar la sobregrabación, Paul revisó la propia grabadora añadiendo un segundo cabezal de reproducción y denominándolo cabezal de vista previa. Al unir el cabezal de grabación, el cabezal de borrado y el cabezal de reproducción preexistentes, el cabezal de vista previa permite al artista escuchar la grabación existente a través de auriculares reproduciéndola en sincronía, 'en sincronía', con la interpretación actual siendo grabada sola en un pista aislada. Este aislamiento de múltiples pistas permite innumerables posibilidades de mezcla. Los productores comenzaron a grabar inicialmente solo las 'pistas de fondo', la sección rítmica, incluida la línea de bajo, la batería y la guitarra rítmica, mientras que las voces y los solos de instrumentos se podían agregar más tarde. Una sección de metales, por ejemplo, podría grabar una semana más tarde, y una sección de cuerdas otra semana más tarde. Una cantante podría realizar sus propios coros o un guitarrista podría tocar 15 capas.

Instrumentos electrónicos

Phil Spector produciendo el Cuarteto Popular Moderno, 1966

Durante la década de 1960, la música popular cambió cada vez más de instrumentos acústicos, como piano, contrabajo, guitarra acústica e instrumentos de metal, a instrumentos electrónicos, como guitarras eléctricas, teclados y sintetizadores, empleando amplificadores de instrumentos y altavoces. Estos podrían imitar instrumentos acústicos o crear sonidos completamente nuevos. Pronto, al combinar las capacidades de la cinta, la grabación multipista y los instrumentos electrónicos, productores como Phil Spector, George Martin y Joe Meek generaron sonidos inalcanzables en vivo. Del mismo modo, en la fusión de jazz, Teo Macero, productor del álbum Bitches Brew de Miles Davis de 1970, empalmó secciones de extensas sesiones de improvisación.

Intérprete-productor

En la década de 1960, grupos de rock como los Beatles, los Rolling Stones y los Kinks produjeron algunas de sus propias canciones, aunque muchas de esas canciones se atribuyen oficialmente a productores especializados. Sin embargo, los Beach Boys fueron especialmente influyentes, cuyo líder Brian Wilson reemplazó a su padre Murry un par de años después del avance comercial de la banda. Para 1964, Wilson había llevado las técnicas de Spector a una sofisticación invisible. Wilson solo produjo todas las grabaciones de Beach Boy entre 1963 y 1967. Usando múltiples estudios y múltiples intentos de pistas instrumentales y vocales, Wilson seleccionó las mejores combinaciones de interpretación y calidad de audio, y usó la edición de cintas para armar una interpretación compuesta.

Producción digital

Brian Wilson en una junta mixta en Brother Studios, 1976

La llegada de los procesos y formatos digitales en la década de 1980 reemplazó rápidamente a los procesos y formatos analógicos, a saber, cinta y vinilo. Aunque la grabación en cinta de calidad, de al menos media pulgada de ancho y viajando a 15 pulgadas por segundo, tuvo un "silbido de cinta" a las secciones silenciosas, la mayor relación señal-ruido digital, SNR, lo abolió. Digital también impartió a la música un percibido "prístino" calidad de sonido, si también una pérdida de grabaciones analógicas' percibido "cálido" Calidad y bajos mejor redondeados. Sin embargo, mientras que la edición de medios de cinta requiere ubicar físicamente el audio de destino en la cinta, cortar allí y unir piezas, la edición de medios digitales ofrece ventajas indiscutibles en cuanto a facilidad, eficiencia y posibilidades.

En la década de 1990, la producción digital llegó a las computadoras domésticas asequibles a través del software de producción. Por ahora, la grabación y la mezcla a menudo están centralizadas en DAW, estaciones de trabajo de audio digital, por ejemplo, Pro Tools, Logic Pro, Ableton, Cubase, Reason y FL Studio, para los cuales los complementos, de terceros, afectan la tecnología de estudio virtual. Los DAW bastante estándar en la industria son Logic Pro y Pro Tools. Los dispositivos físicos involucrados incluyen el mezclador principal, los controladores MIDI para comunicarse entre los equipos, el propio dispositivo de grabación y quizás el equipo de efectos externo. Sin embargo, la grabación literal a veces sigue siendo analógica, en cinta, con lo cual la grabación sin procesar se convierte en una señal digital para su procesamiento y edición, ya que algunos productores todavía encuentran ventajas de audio en la grabación en cinta.

Convencionalmente, la cinta es más indulgente con la sobremodulación, por lo que los picos dinámicos superan el nivel máximo de señal grabable: la limitación de la cinta, una propiedad física, es la capacidad magnética, que disminuye, suavizando la forma de onda sobremodulada incluso en una señal casi 15 decibelios demasiado 'caliente', mientras que una grabación digital se arruina por la fuerte distorsión del 'recorte'. en cualquier sobrepaso. Sin embargo, en la grabación digital, un avance reciente, el flotante de 32 bits, permite a las DAW deshacer el recorte. Aún así, algunos critican los instrumentos digitales y los flujos de trabajo por el exceso de automatización, lo que supuestamente perjudica el control creativo o sónico. En cualquier caso, como la tecnología de producción ha cambiado drásticamente, también lo han hecho las demandas de conocimiento, aunque los DAW permiten a los novatos, incluso a los adolescentes en casa, aprender producción de forma independiente. Algunos han alcanzado la competencia profesional antes de trabajar con un artista.

Producción de hip hop

En la década de 2000, con el advenimiento de la tecnología que hizo accesible la producción discográfica tradicional, especialmente con la creación de ritmos de hip hop y la música electrónica. Dentro de estos géneros, el término productor se aplica a una serie de roles y ha popularizado el uso de más términos y créditos de nicho, incluidos productor ejecutivo, coproductor, asistente de producción y producción adicional y miscelánea para diferenciar las contribuciones.

Mujeres en la producción

Consola mixta

Entre las productoras de discos, Sylvia Moy fue la primera en Motown, Gail Davies la primera en Music Row de Nashville y Ethel Gabriel, con RCA, la primera en un sello discográfico importante. Lillian McMurry, propietaria de Trumpet Records, produjo discos de blues influyentes. Mientras tanto, Wilma Cozart Fine produjo cientos de discos para Mercury Records' división clásica. En producción clásica, tres mujeres han ganado premios Grammy, y la victoria de Judith Sherman en 2015 fue la quinta. Sin embargo, en la música no clásica, ninguna mujer ha ganado el premio a Productora del año, que se otorga desde 1975 y solo una nominada por un disco que no es el suyo, Linda Perry. Después de la nominación de Lauren Christy en 2004, la nominación de Linda Perry en 2019 fue la siguiente para una mujer. Sobre por qué ninguna mujer lo había ganado nunca, Perry comentó: "Simplemente no creo que haya tantas mujeres interesadas".

A lo largo de las décadas, muchas artistas femeninas han producido su propia música. Por ejemplo, los artistas Kate Bush, Madonna, Mariah Carey, Janet Jackson, Beyoncé, Lana Del Rey, Taylor Swift y Lorde han producido o coproducido y Ariana Grande, que produce y arregla su voz, además de ser ingeniera de audio. Todavía entre los especialistas, a pesar de algunas mujeres destacadas, como Missy Elliott en el hip hop y Sylvia Massy en el rock, la gran mayoría han sido hombres. A principios de la década de 2010, cuando se le pidió información que ella misma había obtenido como mujer que se había especializado con éxito en la industria, Wendy Page comentó: "Las dificultades suelen ser de muy corta duración". Una vez que la gente se da cuenta de que puedes hacer tu trabajo, el sexismo tiende a bajar su fea cabeza." Aun así, cuando se le encomendó explicar la disparidad de sexos en su profesión, Page razonó en parte que los sellos discográficos, dominados por hombres, han sido, dijo, "desconfiados de darle a una mujer las riendas de un proyecto creativo inmenso como haciendo un disco." En última instancia, las razones son múltiples y no del todo claras, aunque los factores propuestos de manera destacada incluyen tipos de sexismo y escasez de modelos femeninos a seguir en la profesión.

Las productoras conocidas por producir discos que no son suyos incluyen a Sonia Pottinger, Sylvia Robinson y Carla Olson.

En enero de 2018, un equipo de investigación dirigido por Stacy L. Smith, fundadora y directora de la Iniciativa de Inclusión Annenberg, con sede en la Escuela de Comunicación y Periodismo Annenberg de la USC, emitió un informe, estimando que en los años anteriores, aproximadamente 2% de las canciones populares' los productores eran mujeres. También ese mes, la revista Billboard preguntó: "¿Dónde están todas las productoras musicales femeninas?" Tras el segundo informe anual de Annenberg Inclusion Initiative, publicado en febrero de 2019, su departamento en la USC informó: "2018 vio una protesta de artistas, ejecutivos y otros profesionales de la industria de la música por la falta de mujeres en la música".; y 'la difícil situación de las mujeres en la música', donde supuestamente las mujeres eran 'estereotipadas, sexualizadas y excluidas'. También en febrero de 2019, el Grupo de Trabajo sobre Diversidad e Inclusión de la Academia de la Grabación anunció una iniciativa mediante la cual más de 200 artistas y productores, desde Cardi B y Taylor Swift hasta Maroon 5 y Quincy Jones, acordaron considerar al menos a dos mujeres para cada puesto de productor o ingeniero. El sitio web de la academia, Grammy.com, anunció: "Esta iniciativa es el primer paso en un esfuerzo más amplio para mejorar esos números y aumentar la diversidad y la inclusión para todos en la industria de la música.."