Pop japonés

J-pop (japonés: ジェイポップ, jeipoppu; a menudo estilizado en mayúsculas; una forma abreviada de "música popular japonesa"), también conocida de forma nativa simplemente como pops (ポップス, poppusu), es el nombre de una forma de música popular que entró en la corriente musical principal de Japón en la década de 1990. El J-pop moderno tiene sus raíces en la música tradicional de Japón y, significativamente, en la música pop y rock de los años 60. El J-pop reemplazó al kayōkyoku ("Música de canto lírico", un término para la música popular japonesa de las décadas de 1920 a 1980) en la escena musical japonesa.

Bandas de J-rock como Happy End fusionaron el rock al estilo de los Beatles y los Beach Boys con la música japonesa en las décadas de 1960 y 1970. El J-country también tuvo popularidad durante la popularidad internacional de los westerns en las décadas de 1960 y 1970, y todavía tiene atractivo debido al trabajo de músicos como Charlie Nagatani, Tomi Fujiyama y lugares como Little Texas en Tokio. El J-rap se volvió popular con el productor Nujabes y su trabajo en Samurai Champloo; la cultura pop japonesa se ve a menudo con el anime en el hip hop. Otras tendencias de la música japonesa incluyen el J-Euro de principios de la década de 1990, concretamente Namie Amuro; además, la música latina, CCM y la música gospel tienen escenas dentro del J-pop.

El J-pop se define aún más por los actos de fusión new wave y crossover de finales de la década de 1970, como Yellow Magic Orchestra y Southern All Stars. Los estilos populares de música pop japonesa incluyen el tecnopop durante las décadas de 1970 y 1980, el pop urbano en la década de 1980 y Shibuya-kei en la década de 1990.

Forma y definición

Se dice que el origen del J-pop moderno es la música rock en japonés inspirada en artistas como The Beatles. A diferencia del género musical japonés llamado kayōkyoku, el J-pop utiliza un tipo especial de pronunciación, similar a la del inglés. Un cantante notable que lo hace es Keisuke Kuwata, quien pronunció la palabra japonesa karada ("cuerpo") como kyerada. Además, a diferencia de la música occidental, la segunda mayor (sol y la) generalmente no se usaba en la música japonesa, excepto en la música artística, antes de que la música rock se hiciera popular en Japón. Cuando el género Group Sounds, inspirado en el rock occidental, se hizo popular, la música pop japonesa adoptó la segunda mayor, que se utilizó en los sonidos finales de las canciones de The Beatles. canción "Quiero tomar tu mano" y los Rolling Stones' canción "(I Can't Get No) Satisfaction". Aunque la música pop japonesa cambió con el tiempo de la música basada en la escala pentatónica japonesa y el tetracordio distorsional a la música más occidental, la música que se basaba en el estilo de canto tradicional japonés siguió siendo popular (como la de Ringo Shiina).

Al principio, el término J-pop se usaba sólo para músicos de estilo occidental en Japón, como Pizzicato Five y Flipper's Guitar, justo después de que la estación de radio japonesa J-Wave fuera establecido. Por otro lado, Mitsuhiro Hidaka de AAA de Avex Trax dijo que el J-pop se derivó originalmente del género Eurobeat. Sin embargo, el término se convirtió en un término general que abarca otros géneros musicales, como la mayoría de la música rock japonesa de la década de 1990.

En 1990, la filial japonesa de Tower Records definió el J-pop como toda la música japonesa perteneciente a la Recording Industry Association of Japan, excepto la música independiente japonesa (a la que denominan "J-indie"); sus tiendas comenzaron a utilizar clasificaciones adicionales, como J-club, J-punk, J-hip-hop, J-reggae, J-anime y Visual kei en 2008, después de que los músicos independientes comenzaran a lanzar trabajos a través de sellos importantes. Ito Music City, una tienda de discos japonesa, adoptó clasificaciones ampliadas que incluyen sonidos de grupo, ídolos de las décadas de 1970 y 1980, enka, folk y músicos establecidos de las décadas de 1970 y 1980, además de los principales géneros de J-pop.

Mientras que los músicos de rock en Japón suelen odiar el término "pop", Taro Kato, miembro de la banda de pop punk Beat Crusaders, señaló que la música pop codificada, como el arte pop, era más pegadiza que " 34;J-pop" y también dijo que el J-pop era el pops ( ポップス, poppusu) música, memorable por su frecuencia de airplay, en una entrevista cuando la banda completó su primer álbum de estudio de larga duración bajo un sello importante, P.O.A.: Pop on Arrival, en 2005. Debido a que la banda no quería tocar música J-pop, su álbum incluía el pop de MTV de los años 80. Según su compañero de banda Toru Hidaka, la música de los años 90 que lo influyó (como Nirvana, Hi-Standard y Flipper's Guitar) no era escuchada por fanáticos de otra música en Japón en ese momento.

En contraste con esto, aunque muchos músicos de rock japoneses hasta finales de la década de 1980 le faltaban el respeto a la música kayōkyoku, muchas de las bandas de rock japonesas de la década de 1990, como Glay, asimilaron el kayōkyoku. > en su música. Después de finales de la década de 1980, el breakbeat y los samplers también cambiaron la escena musical japonesa, donde los bateristas expertos habían tocado buen ritmo porque la música tradicional japonesa no tenía el ritmo basado en el rock o el blues.

Hide of Greeeen describió abiertamente su género musical como J-pop. Dijo: "También me encanta el rock, el hip hop y los breakbeats, pero mi campo es consistentemente el J-pop". Por ejemplo, los músicos de hip hop aprenden 'la cultura del hip hop' cuando comienzan su carrera. No somos como esos músicos y amamos mucho la música como suena. Esos profesionales pueden decir "¿Qué estás haciendo?" pero creo que nuestro estilo musical es genial después de todo. Lo bueno es bueno."

Un término acuñado recientemente en relación con el "J-pop" es gacha pop (ガチャポップ, gachapoppu) provenientes de la asociación de la industria con otras culturas populares dentro Japón que ha ganado atención internacional como city pop, anisong, Vocaloids y VTubing.

Historia

Décadas de 1920 a 1960: Ryūkōka

Música popular japonesa, llamada ryūkōka antes de dividirse en enka y poppusu, tiene su origen en el período Meiji, pero la mayoría de los eruditos japoneses consideran que el período Taishō es el punto de partida real del ryūkōka, ya que es la época en la que el género ganó popularidad a nivel nacional. En el período Taishō, las técnicas e instrumentos musicales occidentales, que se habían introducido en Japón en el período Meiji, se utilizaban ampliamente. Influenciado por géneros occidentales como el jazz y el blues, el ryūkōka incorporó instrumentos occidentales como el violín, la armónica y la guitarra. Sin embargo, las melodías a menudo se escribían según la escala pentatónica tradicional japonesa. En la década de 1930, Ichiro Fujiyama lanzó canciones populares con su voz de tenor. Fujiyama cantó canciones con un volumen más bajo que la ópera a través del micrófono (la técnica a veces se llama canturreo).

El músico de jazz Ryoichi Hattori intentó producir música nativa japonesa que tuviera un "sabor" de azules. Compuso la exitosa canción de Noriko Awaya "Wakare no Blues" (literalmente "Farewell Blues"). Awaya se convirtió en una famosa cantante popular y fue llamada "Reina del Blues" en Japón. Debido a la presión del ejército imperial durante la guerra, la interpretación de música jazz se suspendió temporalmente en Japón. Hattori, que permaneció en Shanghai al final de la guerra, produjo éxitos como "Tokyo Boogie-Woogie" de Shizuko Kasagi. y "Aoi Sanmyaku" de Ichiro Fujiyama. (lit. "Cordillera Azul"). Más tarde, Hattori se hizo conocido como el "padre del poppusu" japonés. Los soldados estadounidenses, que ocupaban Japón en ese momento, y Far East Network introdujeron una serie de nuevos estilos musicales en el país. Músicos japoneses interpretaron boogie-woogie, mambo, blues y música country para las tropas estadounidenses. La versión de Chiemi Eri "Tennessee Waltz" (1952), "Omatsuri Mambo" de Hibari Misora. (1952) y la versión de Izumi Yukimura "Till I Waltz Again with You" (1953) también se hizo popular. Músicos y grupos extranjeros, incluidos JATP y Louis Armstrong, visitaron Japón para actuar. A mediados de la década de 1950, Jazz kissa (ジャズ喫茶, Jazu Kissa, literalmente "Jazz café") se convirtió en un lugar popular para escuchar música jazz en vivo. El jazz tuvo un gran impacto en el poppusu japonés, aunque el estilo "auténtico" El jazz no se convirtió en el género musical principal en Japón. A finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, el pop japonés estaba polarizado entre el kayō urbano y el enka moderno.

A veces también se cree que el J-pop moderno tiene sus raíces en los músicos de jazz inmigrantes chinos que habían huido de Shanghai durante la toma del poder comunista y colaboraban con las fuerzas ocupadas por los Estados Unidos para ayudar a introducir una variedad de nuevos géneros a los japoneses. público. En 1949, cuando los comunistas tomaron el poder y establecieron la República Popular China en el continente, una de las primeras acciones tomadas por el gobierno fue denunciar la música popular (específicamente tanto la música pop china, conocida como Mandopop, como la occidental). música pop) como música decadente, y durante décadas después el Partido Comunista promovería canciones revolucionarias chinas mientras suprimía las canciones populares chinas, las canciones pop chinas y las canciones pop occidentales. Insatisfechos con las nuevas políticas musicales del presidente Mao Zedong, varios músicos de jazz de Shanghai huyeron a la colonia británica de Hong Kong y fundaron el Cantopop, que es música pop cantada en el dialecto cantonés del chino. Sin embargo, algunos músicos se establecieron en Japón, donde se convirtieron en miembros de Far East Network y colaboraron con los soldados estadounidenses para ayudar a exponer al público japonés a una amplia variedad de géneros occidentales. Esto finalmente condujo al establecimiento de la música pop japonesa moderna, conocida como kayōkyoku.

Década de 1960: origen del estilo moderno

Rokabirī Boom y Wasei pops

Durante las décadas de 1950 y 1960, muchos grupos y cantantes de Kayōkyoku adquirieron experiencia actuando en bases militares estadounidenses en Japón. Casi al mismo tiempo, el manager de Yakuza, Kazuo Taoka, reorganizó la industria de las giras de conciertos tratando a los artistas como profesionales. Muchos de estos artistas se convirtieron más tarde en participantes clave del género J-pop.

En 1956, comenzó la moda del rock and roll en Japón, debido al grupo de música country conocido como Kosaka Kazuya and the Wagon Masters; su interpretación de la canción de Elvis Presley "Heartbreak Hotel" ayudó a impulsar la tendencia. La música se llamaba "rockabilly" (o rokabirī) por los medios japoneses. Los artistas aprendieron a tocar música y traducir las letras de canciones populares estadounidenses, lo que dio como resultado el nacimiento de los Cover Pops (カヴァーポップス, Kavā poppusu). El movimiento rockabilly alcanzaría su punto máximo cuando 45.000 personas vieron las actuaciones de cantantes japoneses en el primer Carnaval occidental de Nichigeki en una semana de febrero de 1958.

Kyu Sakamoto, un fan de Elvis, hizo su debut en el escenario como miembro de la banda The Drifters en el Nichigeki Western Carnival en 1958. Su canción de 1961 "Ue wo Muite Arukō" ("Miremos hacia arriba y caminemos"), conocido en otras partes del mundo como "Sukiyaki", fue lanzado en los Estados Unidos en 1963. Fue el primer japonés canción para alcanzar la posición Número Uno en los Estados Unidos, pasando cuatro semanas en Cash Box y tres semanas en Billboard. También recibió un disco de oro por vender un millón de copias. Durante este período, el dúo femenino The Peanuts también se hizo popular, cantando una canción en la película Mothra. Sus canciones, como "Furimukanaide" ("Don't Turn Around") fueron posteriormente versionados por Candies en su álbum Candy Label. Artistas como Kyu Sakamoto y The Peanuts fueron llamados Wasei Pops ( 和製ポップス, Wasei poppusu, "pop hecho en Japón&# 34;).

Después de cambiar frecuentemente de miembros, Chosuke Ikariya volvió a formar The Drifters en 1964 con el mismo nombre. En un concierto de los Beatles en 1966, actuaron como teloneros, pero el público en general se opuso. Con el tiempo, The Drifters se hicieron populares en Japón y lanzaron "Zundoko-Bushi" ("Melodía de palabras ecoicas") en 1969. Junto con la cantante de enka Keiko Fuji, ganaron "el premio a la popularidad masiva" en la 12ª edición de los Japan Record Awards en 1970. El álbum de 1970 de Keiko Fuji Shinjuku no Onna/'Enka no Hoshi' Fuji Keiko no Subete ("Mujer en Shinjuku/'Estrella de Enka ' All of Keiko Fuji") estableció un récord histórico en la historia de la lista japonesa Oricon al permanecer en el puesto número uno durante 20 semanas consecutivas. Más tarde, los Drifters llegaron a ser conocidos como personalidades de la televisión e invitaron a ídolos como Momoe Yamaguchi y Candies a su programa de televisión.

Ereki boom y sonidos grupales

Los Ventures visitaron Japón en 1962, lo que provocó la adopción generalizada de la guitarra eléctrica llamada "Ereki boom". Yūzō Kayama y Takeshi Terauchi se convirtieron en famosos guitarristas eléctricos. En 1966, los Beatles llegaron a Japón y cantaron sus canciones en el Nippon Budokan, convirtiéndose en la primera banda de música rock en realizar un concierto allí. El público creía que los Beatles provocarían delincuencia juvenil. El gobierno japonés desplegó policías antidisturbios contra jóvenes fanáticos del rock en el Nippon Budokan. John Lennon sintió que no eran bien considerados en Japón, pero la Beatlemanía nunca murió allí. Los Beatles inspiraron a las bandas japonesas, creando el género de sonidos grupales en Japón.

La mayoría de los músicos japoneses sentían que no podían cantar rock en japonés, por lo que la popularidad del rock japonés disminuyó gradualmente. Como resultado, surgieron debates como "¿Deberíamos cantar música rock en japonés?" y "¿Deberíamos cantar en inglés?" entre Happy End y Yuya Uchida sobre la música rock japonesa. Esta confrontación se llamó "controversia del rock en idioma japonés" (日本語 ロック論争, Nihongo Rokku Ronsō). Happy End demostró que la música rock se podía cantar en japonés y una teoría sostiene que su música se convirtió en uno de los orígenes del J-pop moderno. Los Beatles también inspiraron a Eikichi Yazawa, quien creció en una familia desfavorecida y su padre murió cuando él era un niño. Keisuke Kuwata, que creció en una familia de doble ingreso, fue influenciado por los Beatles a través de su hermana mayor, entonces una ávida fanática. Yōsui Inoue también era fanático de Los Beatles, pero dijo que su estilo musical no estaba particularmente relacionado con ellos. Después de que Happy End se disolviera en 1973, Haruomi Hosono, un ex miembro, comenzó una carrera en solitario y luego formó Yellow Magic Orchestra.

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1970s: Development of "new music "

Fōku y nueva música

A principios de la década de 1960, parte de la música japonesa se vio influenciada por el resurgimiento de la música folclórica estadounidense; esto se llamaba fōku (フォーク, "folk"), aunque el género musical consistía principalmente en versiones de canciones originales. A finales de la década de 1960, los Folk Crusaders se hicieron famosos y la música underground de esa época pasó a llamarse fōku. Al igual que con enka, los cantantes japoneses fōku Wataru Takada realizaron sátiras sociales.

A principios de la década de 1970, el énfasis pasó de las canciones sencillas de fōku'. con un solo acompañamiento de guitarra para arreglos musicales más complejos conocidos como nueva música (ニューミュージック, nyū myūjikku). En lugar de mensajes sociales, las canciones se centraron en mensajes más personales, como el amor. En 1972, el cantautor Takuro Yoshida produjo una exitosa canción "Kekkon Shiyouyo" ("Vamos a casarnos") sin una promoción televisiva decente, aunque los fanáticos de la música fōku se enojaron mucho porque su música parecía ser música mersh. El sencillo más vendido del año fue la canción enka de Shiro Miya y el Pinkara Trio, "Onna no Michi". La canción finalmente vendió más de 3,25 millones de copias. El 1 de diciembre de 1973, Yōsui Inoue lanzó el álbum Kōri no Sekai, que encabezó las listas de Oricon y permaneció en el Top 10 durante 113 semanas. Pasó 13 semanas consecutivas en el puesto número uno y finalmente estableció un récord aún vigente de un total de 35 semanas en la posición número uno en las listas de Oricon. Yumi Matsutoya, anteriormente conocida por su apellido de soltera Yumi Arai, también se convirtió en una notable cantautora durante este período. En octubre de 1975, lanzó el sencillo "Ano Hi ni Kaeritai" ("Quiero volver a ese día"), convirtiéndolo en su primer sencillo número uno en las listas de Oricon. Miyuki Nakajima, Amii Ozaki y Junko Yagami también fueron cantautores populares durante este período. Al principio, sólo Yumi Matsutoya era comúnmente llamado artista musical nuevo, pero el concepto de música japonesa fōku cambió en esa época. En 1979, Chage y Aska hicieron su debut, y la banda folk Off Course (con el cantante Kazumasa Oda) lanzó una exitosa canción "Sayonara" ("Adiós").

Aparición del rock japonés y la música electrónica

La música rock siguió siendo un género musical relativamente underground a principios de la década de 1970 en Japón, aunque Happy End logró obtener un gran éxito fusionando el rock con la música tradicional japonesa. Varios músicos japoneses comenzaron a experimentar con la música electrónica, incluido el rock electrónico. El más notable fue el internacionalmente reconocido Isao Tomita, cuyo álbum de 1972 Electric Samurai: Switched on Rock incluía interpretaciones con sintetizador electrónico de canciones de rock y pop contemporáneos. Otros ejemplos tempranos de discos de rock electrónico incluyen el álbum de folk rock y pop rock de Inoue Yousui Ice World (1973) y el álbum de rock psicodélico progresivo de Osamu Kitajima Benzaiten (1974), los cuales involucraron contribuciones de Haruomi Hosono, quien más tarde fundó el grupo de música electrónica "Yellow Magic Band" (más tarde conocida como Yellow Magic Orchestra) en 1977.

En 1978, el sencillo de rock de Eikichi Yazawa "Jikan yo Tomare" ("Time, Stop") se convirtió en un gran éxito que vendió más de 639.000 copias. Se le considera uno de los pioneros del rock japonés. Buscó el éxito mundial, y en 1980 firmó un contrato con la discográfica Warner Pioneer y se mudó a la costa oeste de Estados Unidos. Grabó los álbumes Yazawa, It's Just Rock n' Roll y Flash en Japón, todos los cuales se lanzaron en todo el mundo, pero no tuvieron mucho éxito comercial. Keisuke Kuwata formó la banda de rock Southern All Stars (SAS), que hizo su debut en 1978. Southern All Stars sigue siendo muy popular en Japón hoy en día.

En el mismo año, Yellow Magic Orchestra (YMO) también hizo su debut oficial con su álbum homónimo. La banda, cuyos miembros eran Haruomi Hosono, Yukihiro Takahashi y Ryuichi Sakamoto, desarrolló el electropop, o tecnopop como se le conoce en Japón, además de ser pionero en el synthpop y la música electro. Su álbum de 1979, Solid State Survivor, alcanzó el número uno en las listas de Oricon en julio de 1980 y vendió dos millones de discos en todo el mundo. Aproximadamente al mismo tiempo, los álbumes de YMO Solid State Survivor y X∞Multiplies ocuparon los dos primeros lugares en las listas de Oricon durante siete semanas consecutivas, convirtiendo a YMO en la única banda en la historia de las listas japonesas para lograr esta hazaña. Los jóvenes fanáticos de su música durante este período se hicieron conocidos como la "Generación YMO" (YMO世代, YMO sedai). YMO tuvo un impacto significativo en la música pop japonesa, que comenzó a estar cada vez más dominada por la música electrónica debido a su influencia, y tuvo un impacto igualmente grande en la música electrónica en todo el mundo. Southern All Stars y Yellow Magic Orchestra simbolizaron el fin de la Nueva Música y allanaron el camino para el surgimiento del género J-pop en la década de 1980. Ambas bandas, SAS y YMO, se ubicarían más tarde en la cima de la lista de HMV Japón de los 100 mejores músicos japoneses de todos los tiempos.

Did you mean:

1980s: Fusion with n#34;kayōkyoku"

Pop urbano

A principios de la década de 1980, con la difusión de los equipos de sonido para automóviles, surgió el término pop urbano (シティーポップ, shitī poppu) vino a describir una tipo de música popular que tenía un tema de gran ciudad. Tokio en particular inspiró muchas canciones de este tipo. Durante este tiempo, los fanáticos de la música y los artistas en Japón fueron influenciados por el rock orientado a álbumes (especialmente el contemporáneo para adultos) y el crossover (especialmente el jazz fusión). El pop urbano se vio afectado por la nueva música, aunque sus orígenes se remontan a mediados de la década de 1970, con el trabajo de la banda de rock japonesa Happy End y su ex miembro Haruomi Hosono, así como Tatsuro Yamashita.

La popularidad del pop urbano se desplomó cuando estalló la burbuja de los precios de los activos japoneses en 1990. Sus características musicales (excepto su "antecedentes culturales") fueron heredadas por músicos de Shibuya-kei de los años 90, como Pizzicato Five y Flipper". 39;s Guitarra.

Crecimiento de la industria del rock japonesa

A lo largo de la década de 1980, bandas de rock como Southern All Stars, RC Succession, Anzen Chitai, The Checkers, The Alfee y The Blue Hearts se hicieron populares. Anzen Chitai vino de la banda de respaldo de Yosui Inoue. El 1 de diciembre de 1983, el cantante de rock Yutaka Ozaki debutó a la edad de 18 años. En 1986, The Alfee se convirtieron en los primeros artistas en ofrecer un concierto frente a una audiencia de 100.000 personas en Japón. Algunos músicos japoneses, como Boøwy, TM Network y Buck-Tick, fueron influenciados por el Nuevo Romanticismo.

Boøwy se convirtió en una banda de rock especialmente influyente, entre cuyos miembros se encontraban el cantante Kyosuke Himuro y el guitarrista Tomoyasu Hotei. Sus tres álbumes alcanzaron el número uno en 1988, lo que los convirtió en los primeros artistas masculinos en lograr tres números uno en un solo año. Las bandas de rock japonesas posteriores se inspiraron en esta banda. El guitarrista Tak Matsumoto, que apoyó los conciertos de TM Network, formó el dúo de rock B'z con el cantante Koshi Inaba en 1988.

A finales de la década de 1980, la banda femenina Princess Princess se convirtió en una exitosa banda de pop-rock. Sus sencillos "Diamonds" y "Sekai de Ichiban Atsui Natsu" ("World's Hottest Summer") se clasificaron en los puestos número uno y número dos, respectivamente, en las listas anuales de sencillos de Oricon de 1989.

A finales de los años 1980, también surgió una nueva tendencia en la música rock japonesa: el visual kei, un movimiento caracterizado por bandas masculinas que usaban maquillaje, peinados extravagantes y trajes andróginos. Los representantes más exitosos del movimiento son X Japan (antes conocido como "X") y Buck-Tick. X Japan lanzó su primer álbum Vanishing Vision en el sello independiente Extasy Records en 1988; su álbum Blue Blood fue lanzado en CBS Sony en 1989. Blue Blood vendió 712.000 copias, y su álbum de 1991 Jealousy vendió más de 1,11 millones de copias. Sorprendentemente, X Japan era una banda de heavy metal, pero el guitarrista hide más tarde cayó bajo la influencia del rock alternativo, lanzando su primer álbum en solitario Hide Your Face en 1994 y lanzando su exitosa carrera en solitario.

Edad de oro, decadencia y transfiguración de los Ídolos

En la década de 1970, la popularidad de cantantes ídolos como Mari Amachi, Saori Minami, Momoe Yamaguchi y Candies aumentó. Momoe Yamaguchi fue una de las primeras cantantes de kayōkyoku en utilizar la pronunciación especial característica del J-pop. En 1972, Hiromi Go hizo su debut con la canción "Otokonoko Onnanoko" ("Niño y Niña"). Hiromi Go vino originalmente de Johnny & Asociados.

Did you mean:

In 1976, female duo Pink Lady made their debut with the single "Pepper Keibu#34;. They released a record nine consecutive number-one singles.

En la década de 1980, los ídolos japoneses heredaron la Nueva Música, aunque el término dejó de usarse. Seiko Matsuda adoptó especialmente a los productores de canciones de generaciones anteriores. En 1980, su tercer sencillo "Kaze wa Aki Iro" ("El viento es el color del otoño") alcanzó el puesto número uno en las listas de Oricon. Haruomi Hosono también se unió a la producción de su música. Con el tiempo se convirtió en la primera artista en lograr 24 sencillos número uno consecutivos, rompiendo el récord de Pink Lady.

Otras cantantes ídolas alcanzaron una popularidad significativa en la década de 1980, como Akina Nakamori, Yukiko Okada, Kyōko Koizumi, Yoko Minamino, Momoko Kikuchi, Yōko Oginome, Miho Nakayama, Minako Honda y Chisato Moritaka. Okada recibió el premio al Mejor Artista Nuevo de los Japan Record Awards en 1984. Nakamori ganó el premio Grand Prix durante dos años consecutivos (1985 y 1986), también en los Japan Record Awards.

La banda ídolo japonesa Onyanko Club hizo su debut en 1985 y produjo a la popular cantante Shizuka Kudō. Cambiaron la imagen de los ídolos japoneses.

Alrededor de 1985, sin embargo, la gente comenzó a desencantarse con el sistema de creación de ídolos. En 1986, la canción de la cantante ídolo Yukiko Okada "Kuchibiru Network" ("Lips' Network"), escrita por Seiko Matsuda y compuesta por Ryuichi Sakamoto, se convirtió en una canción de éxito, pero ella se suicidó inmediatamente después.

Hikaru Genji, uno de los miembros de Johnny & Las bandas asociadas hicieron su debut en 1987. Se convirtieron en una boy band de patinaje sobre ruedas muy influyente, y algunos de sus miembros ganaron su propia fama a medida que crecían. Su canción "Paradise Ginga", escrita por Aska, ganó el premio Grand Prix en la 30ª edición de los Japan Record Awards en 1988. Algunos de los bailarines de acompañamiento del grupo formaron más tarde SMAP.

A finales de la década de 1980 también surgió el dúo femenino Wink. No se reían, a diferencia de los ídolos japoneses de épocas anteriores. Wink debutó en 1988, superando la popularidad del dúo femenino más popular en ese momento, BaBe. La canción de Wink "Samishii Nettaigyo" Ganó el gran premio en la 31ª edición de los Japan Record Awards en 1989.

La cantante popular Hibari Misora murió en 1989 y muchos programas de kayōkyoku, como The Best Ten, fueron cerrados.

CoCo hizo su exitoso debut con el sencillo de 1989 "Equal Romance" para la exitosa serie de anime Ranma ½. Tetsuya Komuro, miembro de TM Network, rompió la racha de 25 números uno consecutivos de Seiko Matsuda al hacer que su sencillo "Gravity of Love" debutar en el número uno en noviembre de 1989.

Did you mean:

1990s: Coining of the term "J-pop "

1990–1997: mercado en crecimiento

En la década de 1990, el término J-pop pasó a referirse a todas las canciones populares japonesas excepto enka.

Durante este período, la industria musical japonesa buscó la eficacia del marketing. Ejemplos notables de música comercial de la época fueron la música vinculada de la agencia Being y la música disco de Tetsuya Komuro.

El período comprendido entre 1990 y 1993 estuvo dominado por artistas de la agencia Being, incluidos B'z, Tube, B.B.Queens, T-Bolan, Zard, Wands, Maki Ohguro, Deen y Field of View. Fueron llamados el Sistema del Ser (ビーイング系, Bīingu kei). Muchos de esos artistas encabezaron las listas y establecieron nuevos récords, en particular B'z, que finalmente estableció un nuevo récord de sencillos número uno consecutivos, superando el récord de Seiko Matsuda. B'z es el artista japonés con mayores ventas de todos los tiempos, según las listas Oricon y las certificaciones RIAJ. Por otro lado, Wands, considerado un pionero del "J-pop Boom" de la década de 1990, tuvo problemas porque el miembro Show Wesugi quería tocar rock alternativo/grunge.

Muchos artistas superaron la marca de los dos millones de copias en los años 1990. El sencillo de Kazumasa Oda de 1991, "Oh! Yeah!/Love Story wa Totsuzen ni", el sencillo de 1991 de Chage y Aska "Say Yes" y el sencillo de 1993 "Yah Yah Yah", el sencillo de 1992 de Kome Kome Club "Kimi ga Iru Dake de", el sencillo de 1994 de Mr. Children "Tomorrow" Nunca se sabe" y el sencillo de 1996 "Namonaki Uta", y el sencillo de 1996 de Globe "Departures" son ejemplos de canciones que vendieron más de 2 millones de copias. El álbum de Dreams Come True de 1992, The Swinging Star, se convirtió en el primer álbum en vender más de 3 millones de copias en Japón. El álbum de 1994 de Mr. Children, Atomic Heart, estableció un nuevo récord, vendiendo 3,43 millones de copias en las listas de Oricon.

El dúo Chage y Aska, que comenzaron a grabar a finales de 1979, se hicieron muy populares durante este período. Lanzaron una serie de éxitos consecutivos a principios de la década de 1990; en 1996 participaron en MTV Unplugged, convirtiéndose en el primer grupo asiático en hacerlo.

Después de que TM Network se disolviera en 1994, Tetsuya Komuro se convirtió en un productor de canciones serio. El período comprendido entre 1994 y 1997 estuvo dominado por actos de danza y techno de la "familia Komuro" (小室ファミリー, Komuro Famirī), como TRF, Ryoko Shinohara, Yuki Uchida, Namie Amuro, Hitomi, Globe, Tomomi Kahala y Ami Suzuki. En ese tiempo, Komuro fue responsable de 20 canciones exitosas, cada una de las cuales vendió más de un millón de copias. Mientras que el álbum de Globe de 1996, Globe, vendió 4,13 millones de copias, estableciendo un récord en ese momento, la canción de Namie Amuro de 1997, "Can You Celebrate?" vendió 2,29 millones de copias, es el sencillo más vendido de todos los tiempos de una artista solista femenina en la historia del Jpop. Sus ventas totales como productor de canciones alcanzaron los 170 millones de copias. En 1998, las canciones de Komuro se habían vuelto menos populares. A mediados de la primera década del siglo XXI, las deudas de Komuro lo llevaron a intentar vender su catálogo de canciones, que en realidad no era de su propiedad, a un inversor. Cuando el inversor se enteró y demandó, Komuro intentó vender el catálogo a otro inversor para pagar los 600.000.000 de yenes japoneses que le debía al primer inversor.

Namie Amuro, quien fue posiblemente la cantante solista más popular de la época, provenía de la "Escuela de Actores de Okinawa", que también incubó las bandas MAX y Speed. Al principio, cuando todavía era parte de la familia Komuro, Amuro permaneció en el género de la música dance, pero poco a poco cambió su estilo musical al R&B contemporáneo y terminó su asociación con Tetsuya Komuro.

La banda Globe de Komuro se convirtió en una banda de trance después de su álbum de 2001 Outernet.

1997–1999: pico comercial

Las ventas en el mercado musical japonés continuaron aumentando. En octubre de 1997, Glay lanzó su álbum Review -The Best of Glay, que vendió 4,87 millones de copias, batiendo el récord anterior de Globe. Sin embargo, al año siguiente fue superado por el álbum de B'z'i>B'z The Best "Pleasure", que vendió 5,12 millones de copias. El mercado japonés de ventas físicas de música alcanzó su punto máximo en 1998, registrando ventas de ¥ 607.000.000.000. En marzo de 1999, Hikaru Utada lanzó su primer álbum japonés, First Love, que vendió 7,65 millones de copias, lo que lo convirtió en el álbum más vendido en la historia de Oricon.

A finales de la década de 1990 se produjo la popularidad de bandas de rock, como Glay, Luna Sea y L'Arc-en-Ciel, la mayoría de ellas relacionadas con el movimiento visual kei, aunque Más tarde cambió su estilo. En ese momento, los músicos de rock en Japón estaban absorbiendo la música kayōkyoku después de que el género desapareció. Glay obtuvo un éxito especial, con una exposición masiva en los medios, comparable a la de los cantantes pop más populares producidos por Tetsuya Komuro. En julio de 1999, Glay dio un concierto ante una audiencia récord de 200.000 personas en el Makuhari Messe, certificado por Guinness World Records como el concierto en solitario más grande en Japón. En julio de 1999, L'Arc-en-Ciel lanzó dos álbumes, Arc y Ray, al mismo tiempo; vendieron más de 3,02 millones de copias combinadas en la primera semana de lanzamiento.

X Japan anunció su disolución en septiembre de 1997 y su guitarrista Hide murió en mayo de 1998. Su funeral tuvo una asistencia récord de 50.000 personas, rompiendo el récord de Hibari Misora, a cuyo funeral asistieron 42.000 personas. Después de su muerte, su sencillo "Pink Spider" y el álbum Ja, Zoo obtuvieron la certificación de millones de ventas por parte de la Asociación de la Industria Discográfica de Japón.

Johnny & Associates produjo muchos grupos exclusivamente masculinos: SMAP, Tokio, V6, KinKi Kids y Arashi. SMAP llegó a la escena del J-pop de manera importante en la década de 1990 a través de una combinación de TV "Tarento" espectáculos y sencillos, y uno de sus cantantes, Takuya Kimura, se convirtió en un actor popular comúnmente conocido como "Kimutaku" en años posteriores.

A finales de la década de 1990, el grupo de chicas Speed era muy popular; anunciaron su disolución en 1999. El grupo regresó a la escena musical en 2008. Otra banda exclusivamente femenina, Morning Musume, producida por Tsunku, ex líder de la banda Sharam Q, se hizo muy popular, con una serie de lanzamientos que antes eran éxitos de ventas. incluso siendo liberado. La popularidad del grupo dio origen a Hello! Proyecto. Siguiendo el patrón establecido una década antes por el Onyanko Club exclusivamente femenino de la década de 1980, Morning Musume generó varias bandas disidentes.

A finales de la década de 1990 y principios del siglo XXI, cantantes como Hikaru Utada, Ayumi Hamasaki, Misia, Mai Kuraki y Ringo Shiina se convirtieron en líderes de las listas de éxitos que escribían sus propias canciones o sus propias letras. Hikaru Utada es hija de Keiko Fuji, una popular cantante de los años 1970. Ayumi Hamasaki se convirtió en la rival contemporánea de Utada, aunque ambas mujeres reclamaron la "competencia" Fue simplemente una creación de sus compañías discográficas y los medios de comunicación.

Zeebra introdujo la música hip hop en la música convencional japonesa. En 1999, Dragon Ash presentó a Zeebra en su canción titulada "Grateful Days", que encabezó las listas de Oricon.

Década de 2000: diversificación

Grupo Avex

Ayumi Hamasaki ganó premios Grand Prix durante tres años consecutivos (la primera vez en la historia del Japan Record Award) entre 2001 y 2003. Aunque Hamasaki se hizo muy famosa, Tom Yoda, entonces presidente de su compañía discográfica Avex Group, argumentó que su Las tácticas eran arriesgadas, porque Avex ignoraba la teoría moderna de la cartera. Esta preocupación desapareció cuando los otros cantantes de la compañía (como Ai Otsuka, Kumi Koda y Exile) también alcanzaron un cierto nivel de popularidad a mediados de la década de 2000 bajo la política de gestión de Yoda. BoA, una cantante coreana que también forma parte del grupo Avex, también logró altos niveles de éxito a pesar de ser coreana en Japón. Ella abrió la puerta Hallyu a otros artistas coreanos para que pudieran alcanzar distintos niveles de éxito también en Japón.

Chaku-uta

En diciembre de 2002, el mercado de descargas digitales de canciones para tonos de llamada (着うた, chaku-uta) fue creado por la empresa de telefonía móvil au. El mercado de descargas digitales creció rápidamente y la canción de 2007 de Hikaru Utada, "Flavor of Life" vendió más de 7 millones de copias descargadas. En octubre de 2007, EMI Music Japan anunció que Utada era el primer artista del mundo en tener 10 millones de ventas digitales en un año. Según el informe sobre música digital de 2009 de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, el sencillo digital de Thelma Aoyama "Soba ni Iru ne" y el sencillo digital de Greeeen, "Kiseki" vendió 8,2 millones de copias y 6,2 millones de copias, respectivamente, en el ranking de descargas de 2008.

Hip hop japonés y pop urbano

En la primera década del siglo XXI, la música hip hop y las influencias contemporáneas del R&B en la música japonesa comenzaron a ganar atención en la música popular convencional. En noviembre de 2001, el álbum debut del dúo de R&B Chemistry, The Way We Are, vendió más de 1,14 millones de copias en la primera semana y debutó en la posición número uno en las listas de álbumes semanales de Oricon.. Bandas de hip hop como Rip Slyme y Ketsumeishi también estuvieron en la cima de las listas de Oricon.

La banda de rock Orange Range presentó varios elementos del hip hop en su música. El álbum de Orange Range, musiQ, vendió más de 2,6 millones de copias, lo que lo convirtió en el álbum número uno de 2005 en las listas de Oricon.

El cantante de pop/R&B Ken Hirai encabezó la lista anual de álbumes de Oricon en 2006 con el lanzamiento de su álbum de grandes éxitos 10th Anniversary Complete Single Collection '95-'05 Utabaka, vendiendo más de 2 millones de copias.

El dúo pop/hip-hop, Halcali, tiene el honor de ser la primera artista femenina japonesa de hip-hop en romper las 10 listas principales de Oricon. También actuaron en el extranjero dos veces en 2008, una vez en el festival Anime Central en Chicago y una vez más en Central Park, Nueva York, el Día de Japón.

Did you mean:

Exile, the dance-vocal group under Avex 's sublevel Rhythm Zone, has several million-seller albums. Their album Exile Love topped the Oricon yearly album chart in 2008.

El rapero veterano Dohzi-T colaboró con cantantes populares como Shota Shimizu, Hiromi Go, Miliyah Kato y Thelma Aoyama en su exitoso álbum de 2008 12 Love Stories.

Aunque sólo hubo 132 nuevos artistas en Japón en 2001, según la Asociación de la Industria Discográfica de Japón, el número aumentó a 512 en 2008. En 2008, 14 nuevos artistas, como Thelma Aoyama, asistieron a la NHK Kōhaku Uta Gassen. por primera vez.

Popularidad de las actuaciones en directo y de los músicos veteranos

Músicos de rock como Mr. Children, B'z, Southern All Stars, L'Arc-en-Ciel y Glay todavía encabezaban las listas de éxitos en la primera década del siglo XXI. La canción del Sr. Infantil "Sign" ganó el premio Grand Prix en la 46ª edición de los Japan Record Awards en 2004. Cuando el grupo lanzó su álbum Home en 2007, superó los 50 millones de álbumes y sencillos vendidos, lo que los convirtió en el segundo artista con mayores ventas de todos. vez en Japón desde el origen de Oricon, justo detrás de B'z, que ocupaba la posición número uno con más de 75 millones de discos vendidos hasta entonces. Home encabezó las listas de álbumes anuales de Oricon en 2007.

Las ventas de CD físicos disminuyeron, pero el público para ver actuaciones en vivo aumentó. Eikichi Yazawa participó en festivales de rock y, en 2007, se convirtió en el primer artista que realizó 100 conciertos en el Nippon Budokan.

Otros artistas, como Namie Amuro, también continuaron sus largas carreras con lanzamientos exitosos en este período. Su gira en vivo, Namie Amuro Best Fiction tour 2008-2009, no sólo se convirtió en la gira en vivo más grande de una artista solista japonesa, a la que asistieron 450.000 fans en Japón, sino que también asistieron 50.000 fans en Taiwán y Shanghai. Mientras que el álbum de Kazumasa Oda de 2005, Sōkana, encabezó las listas de álbumes semanales de Oricon, su sencillo de 2007, "Kokoro" alcanzó las listas semanales de sencillos, rompiendo el récord de Yujiro Ishihara y convirtiéndolo en el cantante de mayor edad en ese momento en encabezar las listas de sencillos. El álbum de grandes éxitos de Mariya Takeuchi, Expressions, encabezó la lista de álbumes de Oricon en 2008, convirtiéndola en la cantante femenina de mayor edad con la carrera activa más larga en alcanzar la posición número uno.

Johnny & Asociados

Johnny & Los grupos exclusivamente masculinos de Associates siguieron siendo muy conocidos. En 2001, SMAP lanzó su álbum de grandes éxitos SMAP Vest, que vendió más de un millón de copias en la primera semana. En noviembre de 2001, Johnny & Associates estableció el sello J Storm para su banda Arashi. El sencillo de SMAP de 2003, "Sekai ni hitotsu dake no hana", vendió más de dos millones de copias, siendo el sencillo número uno en las listas anuales de sencillos de Oricon de ese año. En 2007, Guinness World Records honró a KinKi Kids por tener un récord mundial por la cantidad de sencillos que debutaron en la posición número uno desde su debut: 25. Se decía que SMAP peleó una batalla solitaria en el Kōhaku Uta Gassen, como se ve desde la punto de vista de su cuota de audiencia. En 2008, músicos masculinos establecieron un récord de cuatro victorias consecutivas en el Kōhaku Uta Gassen. El álbum de grandes éxitos de Arashi ¡Todo lo mejor! 1999–2009 encabezó las listas anuales de álbumes de Oricon de 2009.

Johnny & Los asociados también produjeron nuevos grupos como Hey! ¡Decir! SALTAR, Tackey & Tsubasa, NOTICIAS, Kanjani Eight y KAT-TUN. En 2006, el sencillo debut de KAT-TUN, "Real Face", escrito por Shikao Suga y compuesto por Tak Matsumoto, vendió más de un millón de copias y encabezó las listas anuales de Oricon. En 2007, el grupo temporal de Johnny's Jr. ¡Hey! ¡Decir! 7 rompió un récord como el grupo masculino más joven en encabezar las listas de Oricon, con una edad promedio de 14,8 años. Más tarde ese año, ¡Oye! ¡Decir! JUMP rompió un récord como el grupo más grande en debutar en la historia de Johnny, con diez miembros. También se convirtieron en el grupo más joven en actuar en el Tokyo Dome con una edad promedio de 15,7 años. En las listas anuales de sencillos de 2008, sólo un sencillo clasificado entre los 30 primeros fue cantado por una mujer (el sencillo de Namie Amuro "60s 70s 80s"), excepto los grupos de género mixto, en parte porque las boy bands disfrutó de una ventaja en las ventas físicas individuales. En 2009, el artista de Johnny's Jr. Yuma Nakayama con B.I.Shadow se convirtió en el artista más joven en tener su primer sencillo en debutar en el puesto número uno, ya que la banda tenía una edad promedio de 14,6 años, rompiendo el récord anterior. fijado por el grupo femenino Minimoni, 14,8 años.

Versiones covers y pop clásico

En febrero de 2001, Ulfuls lanzó su versión de la canción de 1963 de Kyu Sakamoto "Ashita Ga Arusa". Su versión debutó en la posición número cinco, detrás de Utada, Kinki Kids, Hamasaki e Hirai. En marzo, la banda especial de Yoshimoto Kogyo "Re: Japan" también lanzó su versión de "Ashita Ga Arusa". Cuando la versión de Ulfuls de esta canción permaneció en el número ocho, la versión de Re: Japan encabezó las listas semanales de sencillos de Oricon.

En 2003, Man Arai lanzó el sencillo "Sen no Kaze ni Natte" ("Como mil vientos") basado en el poema occidental "No te pares junto a mi tumba y llores". En Japón, el poema era conocido por la lectura de Rokusuke Ei en el funeral de Kyu Sakamoto en 1985. El cantante tenor japonés Masafumi Akikawa hizo una versión de la canción en 2006. La versión de la canción de Akikawa se convirtió en la primera música clásica. sencillo que encabezó las listas de Oricon y vendió más de un millón de copias. En las listas anuales de Oricon de 2007, el sencillo se convirtió en el sencillo físico más vendido, logrando una victoria sobre "Flavor of Life" de Utada. Oricon afirmó que la canción no era J-pop. Por otro lado, las partituras de Zen-On Music Company Ltd clasificaron la canción como J-pop.

Hideaki Tokunaga cubrió muchas canciones femeninas en su serie de álbumes de versiones, Vocalist. Lanzó Vocalist, Vocalist 2, Vocalist 3, Vocalist 4 y Vocalist Vintage (Vocalist 5) en 2005, 2006, 2007, 2010 y 2012 respectivamente. En agosto de 2007, Vocalist 3 se convirtió en el álbum de covers número uno semanal de Oricon con 2 semanas (empató el récord en Japón), y en mayo de 2010, Vocalist 4 se convirtió en el primer álbum de Japón. Álbum de portadas número uno mensual de Oricon.

En 2010, otros cantantes también lanzaron álbumes de versiones de canciones japonesas como Request de Juju y Eternity: Love & Canciones. Superfly lanzó un sencillo que venía con un álbum de versiones de canciones de rock occidental, titulado Wildflower & Canciones de portada: Mejor 'Pista 3' completa, convirtiéndose finalmente en el tercer álbum consecutivo de la banda en debutar en el número uno en las listas de álbumes semanales de Oricon.

Influencia del neofolk y neo Shibuya-kei

Los dúos folklóricos, como 19, Yuzu y Kobukuro, se hicieron populares durante este período. Su música se llamaba "neofolk". En octubre de 2007, el álbum doble de Kobukuro, All Singles Best, se convirtió en el primer álbum masculino en vender tres millones de copias en el siglo XXI en Japón. En enero de 2008, su álbum 5296 superó al álbum de Ayumi Hamasaki Guilty en las listas de Oricon, aunque anteriormente había tenido ocho álbumes de estudio número uno consecutivos.

Las bandas de música electrónica como Plus-Tech Squeeze Box y Capsule se llamaban "neo Shibuya-kei". Yasutaka Nakata, miembro de Capsule, se convirtió en la productora de canciones del grupo femenino Perfume. En abril de 2008, por primera vez como banda de tecnopop en 25 años desde el álbum Naughty Boys de Yellow Magic Orchestra de 1983, Perfume logró el álbum número uno Game. en las listas de Oricon. En julio de 2008, su sencillo "Love the World" debutó en el número uno, convirtiéndola en la primera canción de technopop en alcanzar el número uno en la historia de Oricon. Pronto siguieron otras artistas japonesas de tecnopop, incluidas Aira Mitsuki, immi, Mizca, SAWA, Saoriiiii y Sweet Vacation.

Música anime, imagen canción y Vocaloid

A finales de la década de 2000 y principios de la de 2010, la industria de la música anime, como los actores de doblaje y las canciones con imágenes, añadió peso a la música japonesa. Aunque la música anime anteriormente estaba influenciada por el J-pop y la música visual kei, la música indie japonesa aparentemente influyó en el género en la FanimeCon de 2006. En 2007, después de probar la voz de la actriz de doblaje Saki Fujita para desarrollarla, se lanzó Vocaloid Hatsune Miku y muchas canciones con Hatsune Miku se mostraron en Nico Nico Douga. Algunos de los músicos que presentaban a Hatsune Miku, como Livetune y Supercell, se unieron a grandes compañías discográficas de Japón. Livetune lanzó Re: Package en Victor Entertainment el 27 de agosto de 2008, y Supercell lanzó Supercell en Sony Music el 4 de marzo de 2009. Los álbumes Re: Package y Supercell no quedaron bajo el control del sistema de derechos de autor de la Sociedad Japonesa de Derechos de Autores, Compositores y Editores (JASRAC), rompiendo la tradición de que los músicos de los principales sellos afiliados a el sistema.

En junio de 2009, el álbum de la actriz de voz Nana Mizuki, Ultimate Diamond, se convirtió en el primer álbum de un actor de voz en alcanzar el número uno en las listas semanales de Oricon. La banda ficticia exclusivamente femenina Hōka-go Tea Time, de la serie de anime K-On!, lanzó el mini-álbum Hōka-go Tea Time el 22 de julio de 2009. El mini-álbum debutó en el número uno en las listas semanales de álbumes de Oricon, convirtiéndose en el primer álbum de personajes de anime en alcanzar el número uno. En mayo de 2010, Exit Tunes presenta Vocalogenesis feat. Hatsune Miku se convirtió en el primer álbum con Vocaloids en alcanzar el número uno en las listas semanales de Oricon, reemplazando a Vocalist 4 de Hideaki Tokunaga, que había encabezado las listas durante cuatro semanas consecutivas.

Década de 2010: popularidad de los grupos de ídolos

Desde finales de la década de 2000, han surgido cada vez más grupos de ídolos. El gran número de grupos de ídolos en la industria del entretenimiento japonesa a veces se denomina el "Período de los ídolos en guerra". (アイドル戦国時代, aidoru sengoku jidai), una alusión al Sengoku-jidai. Algunos de los grupos más exitosos durante la década de 2010 incluyen ¡Hey! ¡Decir! JUMP, AKB48, Arashi, Kanjani Eight, Morning Musume y Momoiro Clover Z.

Kyary Pamyu Pamyu, una modelo radicada en Harajuku, hizo su debut musical en 2011 y ganó popularidad internacional con su sencillo debut "Pon Pon Pon", reconocido por algunas celebridades occidentales como Katy Perry y Ariana. Grande. Está producida por Yasutaka Nakata, quien también produce el grupo Perfume. Posteriormente obtuvo éxito con sus canciones "Ninja Re Bang Bang" y "Monstruo de la moda". Durante 2014, alrededor de 486.000 personas asistieron a los conciertos en vivo de Momoiro Clover Z, que fue la asistencia más alta registrada para cualquier músico femenino en Japón.

Did you mean:

In 2019, AKB48 announced the postponement of its general election, and Arashi announced the group 's hiatus.

Artistas

Algunos artistas pop japoneses son extremadamente populares en Japón y algunos también tienen seguidores en otros países, especialmente en Asia, pero también en países occidentales. Influyen no sólo en la música, sino también en la moda. A partir de 2016, los cinco artistas con mayores ventas en la historia de las listas japonesas de Oricon son B'z, Mr. Children, Ayumi Hamasaki, Southern All Stars y DREAMS COME TRUE. Entre los cinco, Hamasaki tiene el récord de ser el único solista.