Policromía

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1883 reconstrucción del esquema de color de la entablatura en un templo doric

Policromía es la "práctica de decorar elementos arquitectónicos, esculturas, etc., en variedad de colores." El término se utiliza para referirse a ciertos estilos de arquitectura, cerámica o escultura en múltiples colores.

Al observar obras de arte y arquitectura de la antigüedad y la Edad Media europea, la gente tiende a creer que eran monocromáticas. En realidad, el pasado prerrenacentista estuvo lleno de color, y todas las esculturas grecorromanas y catedrales góticas, que ahora son blancas, beige o grises, fueron inicialmente pintadas con colores vivos. Como afirmó André Malraux, "Atenas nunca fue blanca, pero sus estatuas, desprovistas de color, han condicionado la sensibilidad artística de Europa... todo el pasado nos ha llegado incoloro". La policromía fue y es una práctica que no se limita sólo al mundo occidental. Las obras de arte no occidentales, como los templos chinos, las figuras de Uli de Oceanía o los jarrones de cerámica maya, también estaban decoradas con colores.

Antigua Cercano Oriente

(feminine)

Al igual que el arte antiguo de otras regiones, el arte del Antiguo Cercano Oriente era policromado y a menudo había colores brillantes. Muchas esculturas hoy en día ya no conservan su colorido original, pero todavía hay ejemplos que lo conservan. Una de las mejores es la Puerta de Ishtar, la octava puerta al centro de la ciudad de Babilonia (en el área de la actual Hillah, Gobernación de Babilonia, Irak). Fue construido en c.575 a.C. por orden del rey Nabucodonosor II en el lado norte de la ciudad. Formaba parte de un gran camino procesional amurallado que conducía a la ciudad. Sus colores son tan ricos como en el pasado porque las paredes estaban hechas de ladrillo vidriado.

También se pintaron muchas esculturas del Antiguo Cercano Oriente. Aunque hoy son grises, todos los relieves asirios que decoraban los palacios reales estaban pintados con colores muy saturados.

  • Assyrian tile with a guilloche border from the North-West Palace at Nimrud (now in modern Iraq), 883-859 BC, glazed earthenware, British Museum, London[3]
    Azulejos asirios con una frontera de guilloche desde el Palacio Norte-Oeste en Nimrud (ahora en el Iraq moderno), 883-859 A.C., barro cristalizado, Museo Británico, Londres
  • Reconstruction of the Ishtar Gate, c.605-539 BC, glazed bricks, Pergamon Museum[4]
    Reconstrucción de la Puerta de Ishtar, c.605-539 BC, ladrillos acristalados, Museo de Pergamon
  • Reconstruction of a hall from an Assyrian palace, by Sir Austen Henry Layard, 1849
    Reconstrucción de una sala de un palacio asirio, por Sir Austen Henry Layard, 1849
  • Assyrian patterns and motifs from L'Ornement Polychrome, by Albert Racinet [fr], 1888
    Patrones asirios y motivos de L'Ornement Polychrome, por Albert Racinet [fr], 1888
  • Assyrian panel with color projected on it, showing how it looked initially, in the Pergamon Museum. The color disappeared in many millennia and was damaged by the excessive cleaning of artifacts that took place in the 19th century
    Panel asirio con color proyectado en él, mostrando cómo se veía inicialmente, en el Museo Pergamon. El color desapareció en muchos milenios y fue dañado por la excesiva limpieza de artefactos que tuvo lugar en el siglo XIX

Antiguo Egipto

Gracias al clima seco de Egipto, se conservaban bien los colores originales de muchas esculturas antiguas en redondo, relieves, pinturas y diversos objetos. Algunos de los ejemplos mejor conservados de la antigua arquitectura egipcia fueron las tumbas, cubiertas en su interior con relieves esculpidos pintados en colores brillantes o simplemente frescos. Los artistas egipcios trabajaron principalmente en pigmentos negros, rojos, amarillos, marrones, azules y verdes. Estos colores se derivaron de minerales terrestres, materiales sintéticos (azul egipcio, verde egipcio, y fritos usados para hacer cristales y cristales cerámicos), y negros con base en carbono (soot y carbón). La mayoría de los minerales estaban disponibles de suministros locales, como pigmentos de hierro-óxido (ocre rojo, ocre amarillo y umber); blanco derivado del carbonato de calcio encontrado en las extensas colinas de piedra caliza de Egipto; y azul y verde de azurite y malachito.

Además de su efecto decorativo, también se utilizaron colores para sus asociaciones simbólicas. Los colores sobre esculturas, ataúdes y arquitectura tenían cualidades estéticas y simbólicas. Los antiguos egipcios vieron el negro como el color del suelo aluvial fértil, y así lo asociaron con la fertilidad y la regeneración. El negro también estaba asociado con la vida posterior, y era el color de las deidades funerarias como Anubis. El blanco era el color de la pureza, mientras que el verde y el azul estaban asociados con vegetación y rejuvenecimiento. Debido a esto, Osiris se mostró con frecuencia con la piel verde, y las caras de los ataúdes de la dinastía 26 a menudo eran verdes. Rojo, naranja y amarillo estaban asociados con el sol. Rojo era también el color de los desiertos, y por lo tanto asociado con Seth y las fuerzas de destrucción.

Posteriormente, durante el siglo XIX, se llevaron a cabo expediciones que tuvieron como finalidad catalogar el arte y la cultura del antiguo Egipto. Description de l'Égypte es una serie de publicaciones de principios del siglo XIX llenas de ilustraciones de monumentos y artefactos del Antiguo Egipto. La mayoría son en blanco y negro, pero algunas son de colores, por lo que pueden mostrar la policromía del pasado. En algunos casos, sólo quedaban algunos restos de pintura en las paredes, pilares y esculturas, pero los ilustradores intentaron mostrar los edificios con éxito. Estado original en sus fotos.

  • Fragment of a temple relief, 2150-1991 BC, painted limestone, British Museum, London[8]
    Fragmento de un relieve del templo, 2150-1991 BC, piedra caliza pintada, Museo Británico, Londres
  • Model paddling boat, c.1981-1975 BC, wood, paint, plaster, linen twine and linen fabric, Metropolitan Museum of Art, New York City
    Barco de remo modelo, c.1981-1975 A.C., madera, pintura, yeso, lino y tela de lino, Metropolitan Museum of Art, New York City
  • Colossal statue of Tutankhamun, c.1355-1315 BC, painted quartzite, Grand Egyptian Museum, Giza, Egypt
    Colosal estatua de Tutankhamun, c.1355-1315 A.C., cuarcita pintada, Gran Museo Egipcio, Giza, Egipto
  • Bust of Nefertiti, c.1352–1336 BC, polychrome limestone and plaster, Neues Museum, Berlin, Germany
    Busto de Nefertiti, c.1352–1336 BC, piedra caliza de policromo y yeso, Neues Museum, Berlin, Germany
  • Relief of Sethi I and Hathor, 13th century BC, limestone, Louvre
    Socorro de Sethi I y Hathor, siglo XIII a.C., piedra caliza, Louvre
  • Composite papyrus capital, c.380–343 BC, polychrome sandstone, Metropolitan Museum of Art
    Capital de papiro compuesto, c.380–343 BC, piedra arenisca policromada, Metropolitan Museum of Art
  • Fragment of the sarcophagus of Djedthothiuefankh, 332-305 BC, wood and colourful glass, Museo Egizio, Turin, Italy
    Fragmento del sarcófago de Djedthothiuefankh, 332-305 A.C., madera y vidrio colorido, Museo Egizio, Turín, Italia
  • Statuette of Anubis, 332-30 BC, plastered and painted wood, Metropolitan Museum of Art
    Estatueta de Anubis, 332-30 A.C., madera estupida y pintada, Metropolitan Museum of Art
  • Winged sun on a cavetto at the Medinet Habu temple complex, Egypt, unknown architect, unknown date
    Sol ganado en una caveto en el complejo del templo de Medinet Habu, Egipto, arquitecto desconocido, fecha desconocida
  • Intact interior of the Ramesseum, Egypt, illustration from Description de l'Égypte, unknown illustrator, 1809
    Intact interior del Ramesseum, Egipto, ilustración de Descripción de l'Égypte, ilustrador desconocido, 1809
  • Egyptian patterns, motifs and capitals, unknown illustrator, published by L. Prang & Co., 1874
    Patrones, motivos y capitales egipcios, ilustrador desconocido, publicado por L. Prang & Co., 1874
  • Egyptian motifs from L'Ornement Polychrome, by Albert Racinet, 1888
    Motivos egipcios de L'Ornement Polychrome, por Albert Racinet, 1888
  • Various examples of Ancient Egyptian polychrome capitals, unknown illustrator, 19th century
    Varios ejemplos de antiguas capitales de policromo egipcios, ilustrador desconocido, siglo XIX
  • Various examples of Ancient Egyptian corniches, unknown illustrator, 19th century
    Varios ejemplos de las antiguas cornisas egipcias, ilustrador desconocido, siglo XIX

Mundo clásico

Reliquias de policromo en una antigua capital icónica griega, de un edificio no identificado del siglo V a.C. Antiguo Museo Ágora, Atenas, Stoa of Attalus

Se han excavado piezas de cerámica policromada muy temprana en la Creta minoica, como en el sitio de Festos de la Edad del Bronce. En la antigua Grecia las esculturas se pintaban con colores fuertes. La pintura se limitaba frecuentemente a partes que representaban ropa, cabello, etc., y la piel se dejaba en el color natural de la piedra. Pero podría abarcar las esculturas en su totalidad. La pintura de la escultura griega no debe verse simplemente como una mejora de su forma esculpida, sino que tiene las características de un estilo de arte distinto. Por ejemplo, recientemente se ha demostrado que las esculturas del frontón del templo de Afaya en Egina estaban pintadas con patrones atrevidos y elaborados, que representan, entre otros detalles, ropa estampada. La policromía de las estatuas de piedra tuvo su paralelo en el uso de materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas criselefantinas, y en el uso de metales para representar labios, pezones, etc., en bronces de alta calidad como los bronces de Riace. La disponibilidad de métodos y técnicas digitales modernos ha permitido la reconstrucción y visualización de la antigua policromía en 3D con un método científicamente sólido y muchos proyectos han explorado estas posibilidades en los últimos años.

Un ejemplo temprano de decoración policromada se encontró en el Partenón, en lo alto de la Acrópolis de Atenas. Sin embargo, cuando el anticuario europeo despegó en el siglo XVIII, la pintura que había en los edificios clásicos se había desgastado por completo. Así, los anticuarios' y arquitectos' La primera impresión de estas ruinas fue que la belleza clásica se expresaba sólo a través de la forma y la composición, careciendo de colores robustos, y fue esa impresión la que informó la arquitectura neoclásica. Sin embargo, algunos clasicistas como Jacques Ignace Hittorff notaron rastros de pintura en la arquitectura clásica y esto poco a poco llegó a ser aceptado. Esta aceptación se aceleró más tarde mediante la observación de diminutos rastros de color por medios microscópicos y de otro tipo, lo que permitió reconstrucciones menos provisionales que las que Hittorff y sus contemporáneos habían podido producir. Un ejemplo de policromía arquitectónica griega clásica se puede ver en la réplica a tamaño real del Partenón exhibida en Nashville, Tennessee, EE. UU.

  • Traces of paint depicting embroidered patterns on the peplos of an Archaic kore, c.530 BC, marble, Acropolis Museum, Athens, Greece
    Traces de pintura que representa patrones bordados en el peplo de un Arqueico kore, c.530 BC, mármol, Museo de Acrópolis, Atenas, Grecia
  • Polychrome on the Peplos Kore, c.530 BC, Parian marble, Acropolis Museum
    Policromo en el Peplos Kore, c.530 BC, mármol pariano, Museo de Acrópolis
  • Peplos Kore color reconstruction
    Peplos Kore reconstrucción de color
  • Reconstructed color scheme on a Trojan archer from the Temple of Aphaia, Aegina
    Reconstruido esquema de color en un arquero de Troya del Templo de Aphaia, Egina
  • Greek fragment from the roofline of the Temple of Hera at Paestum, present-day Italy, c.520 BC, carved and painted terracotta, Museo Archeologico Nazionale, Paestum[11]
    fragmento griego del tejado del Templo de Hera en Paestum, actual Italia, c.520 BC, terracota tallada y pintada, Museo Archeologico Nazionale, Paestum
  • Amathus Sarcophagus, c.475-450 BC, limestone, Metropolitan Museum of Art, New York City
    Amathus Sarcophagus, c.475-450 A.C., piedra caliza, Metropolitan Museum of Art, New York City
  • Hades and Persephone, c.340 BC, pigments on marble, Museum of the Royal Tombs of Aigai, Vergina, Greece[12]
    Hades y Persephone, c.340 BC, pigmentos sobre mármol, Museo de las Tumbas Reales de Aigai, Vergina, Grecia
  • Facade of the Tomb of Philip II (Vergina, Greece), 336 BC[13]
    Fachada de la tumba de Felipe II (Vergina, Grecia), 336 A.C.
  • Greek statue of a woman with blue and gilt garment from Tanagra, 325–300 BC, gilt and painted terracotta, Antikensammlung Berlin, Berlin, Germany
    Estatua griega de una mujer con vestimenta azul y gilt de Tanagra, 325–300 A.C., terracota dorada y pintada, Antikensammlung Berlín, Berlín, Alemania
  • Tomb of the Palmettes (Mieza, Greece), first half of the third century BC[14]
    Tomb of the Palmettes (Mieza, Grecia), primera mitad del siglo III BC
  • Greek figurine of a beautifully dressed young woman, 3rd of 2nd century BC, terracotta with kaolin and traces of polychromy, Liebieghaus, Frankfurt, Germany[15]
    Figura griega de una joven bellamente vestida, 3 del siglo II a.C., terracota con kaolín y rastros de policromía, Liebieghaus, Frankfurt, Alemania
  • Roman mosaic of Neptune and Amphitrite, c.70 BC, mosaic, Casa di Nettuno e Anfitrite, Herculaneum Archaeological Park, Ercolano, Italy[16]
    Mosaico romano de Neptuno y Anfitrito, c.70 BC, mosaico, Casa di Nettuno e Anfitrite, Herculaneum Archaeological Park, Ercolano, Italia
  • Roman shield, mid 3rd century, painted wood and hide, Yale University Art Gallery, New Haven, USA[17]
    Escudo romano, mediados del siglo III, madera pintada y escondite, Yale University Art Gallery, New Haven, USA
  • Reconstruction of the Temple of Empedocles at Selinunte, Sicily, by Jacques Ignace Hittorff, 1830 (published in 1851)[18]
    Reconstrucción del Templo de Empedocles en Selinunte, Sicilia, por Jacques Ignace Hittorff, 1830 (publicado en 1851)
  • Ornaments of the Temple of Empedocles at Selinunte, by Jacques Ignace Hittorff, 1846 (published in 1851)
    Ornaments of the Temple of Empedocles at Selinunte, by Jacques Ignace Hittorff, 1846 (publicado en 1851)
  • Reconstructed elevation of the main facade of the Temple T at Selinunte, Sicily, by Jacques Ignace Hittorff, before 1859
    Reconstruida elevación de la fachada principal del Templo T en Selinunte, Sicilia, por Jacques Ignace Hittorff, antes de 1859

Asia oriental

El arte chino es conocido por el uso de colores vibrantes. Las vasijas de cerámica chinas neolíticas, como las producidas por la cultura Yangshao, muestran el uso de pigmentos negros y rojos. Posteriormente aparecen tumbas y esculturas religiosas como consecuencia de la difusión del budismo. Las deidades más comunes en la escultura budista china son las formas de Buda y del bodhisattva Guanyin. Los restos de oro y los colores brillantes con los que se pintaron las esculturas aún dan una idea de su efecto. Durante las dinastías Han y Tang, en las tumbas de personas de clase alta se colocaban figuras de cerámica policromada de sirvientes, artistas, inquilinos y soldados. Estas figuras se produjeron en masa en moldes. Aunque la porcelana china es más conocida por ser azul y blanca, durante las dinastías Ming y Qing se produjeron muchos jarrones y figuras de cerámica de colores. Durante las mismas dos dinastías también se fabricaron vasijas cloisonné que utilizan alambres de cobre (cloisons) y esmalte brillante.

De manera similar a lo que estaba sucediendo en China, la introducción del budismo en Japón en el año 538 (o quizás en el 552 d.C.) condujo a la producción de esculturas budistas japonesas policromadas. Hasta entonces, la imaginería religiosa japonesa consistía en figuras de arcilla desechables utilizadas para transmitir oraciones al mundo de los espíritus.

  • Tang dynasty mural of architecture from Mogao Grottoes.
    Tang dinastía mural de arquitectura de Mogao Grottoes.
  • Guanyin of the southern seas (Chinese), 11th-12th centuries, painted and gilded wood, Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, USA[20]
    Guanyin del mar meridional (Chino), siglos XI-12, madera pintada y dorada, Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, EE.UU.
  • Scholar oficial (Chinese), 618-907 AD, painted and glazed ceramic, Shaanxi History Museum, Xi'an, China[21]
    Scholar oficial (Chino), 618-907 dC, cerámica pintada y acristalada, Shaanxi History Museum, Xi'an, China
  • The Guanyian Pavilion of the Dule Monastery, Jixian, China, unknown architect, 984
    El Pabellón Guanyiano del Monasterio del Dulo, Jixian, China, arquitecto desconocido, 984
  • Ming dynasty caihua decorations on Hall of Amitābha at Longxing Temple.
    Dinastía Ming caihua decoraciones en el Hall de Amitābha en el Templo Longxing.
  • Figure of a Daoist deity (Chinese), c.1488-1644, porcelain, British Museum, London[22]
    Figure of a Daoist deity (Chinese), c.1488-1644, porcelana, British Museum, London
  • Hall of Prayer for Good Harvests, the main building of the Temple of Heaven (Beijing), 1703-1790
    Salón de oración por las buenas cosechas, el edificio principal del Templo del Cielo, Beijing, arquitecto desconocido, 1703-1790
  • You (Chinese), 19th century, cloisonné, Tokyo National Museum, Tokyo, Japan
    Tú. (Chino), siglo XIX, cloisonné, Museo Nacional de Tokio, Tokio, Japón
  • "Wucai Caihua"(Five Coloured Painting)-decorations as detailed on the Yingzao Fashi.
    Dinastía Song "Wucai Caihua" (Pintura coloreado)-dougong guía de decoración como detallado en el Yingzao Fashi
  • Chinese motifs from L'Ornement Polychrome, by Albert Racinet, 1888
    Motivos chinos de L'Ornement Polychrome, por Albert Racinet, 1888
  • Chinese and Japanese cloisonné motifs from L'Ornement Polychrome
    Motivos chinos y japoneses cloisonné de L'Ornement Polychrome
  • Japanese cloisonné motifs from L'Ornement Polychrome
    Motivos japonés cloisonné de L'Ornement Polychrome

Medieval

En toda la Europa medieval, las esculturas religiosas en madera y otros materiales a menudo estaban pintadas o coloreadas de colores brillantes, al igual que los interiores de los edificios de las iglesias. A menudo fueron destruidos o blanqueados durante las fases iconoclastas de la Reforma Protestante o en otros disturbios como la Revolución Francesa, aunque algunos han sobrevivido en museos como el V&A, el Museo de Cluny y el Louvre. También se pintaron los exteriores de las iglesias, pero poco ha sobrevivido. La exposición a los elementos y los gustos cambiantes y la aprobación religiosa a lo largo del tiempo actuaron en contra de su preservación. El "Portal Majestad" de la Colegiata de Toro es el ejemplo más extenso que queda, debido a la construcción de una capilla que la cerró y protegió de la intemperie apenas un siglo después de su finalización.

  • Romanesque - Last Judgement tympanum, Abbey Church of Sainte-Foy, Conques, France, early 12th century[24]
    Romanesque - Última Juicio Tympanum, Iglesia Abbey de Sainte-Foy, Conques, Francia, principios del siglo XII
  • Romanesque - Madonna and Child Entroned, 12th century, walnut, silver, silvered copper and polychrome, Basilique Notre-Dame d'Orcival [fr], Orcival, France[25]
    Romanesque - Madonna and Child Entroned, siglo XII, nuez, plata, cobre plateado y policromo, Basilique Notre-Dame d'Orcival [fr], Orcival, Francia
  • Gothic - Sainte-Chapelle, Paris, by Pierre de Montreuil, 1243-1248[26]
    Gótico - Sainte-Chapelle, París, por Pierre de Montreuil, 1243-1248
  • Gothic - Ekkehard and Uta, attributed to the Master of Namburg, 1245–1260, limestone and polychromy, Naumburg Cathedral, Naumburg, Germany[27]
    Gótico - Ekkehard y Uta, atribuidos al Maestro de Namburg, 1245–1260, piedra caliza y policromía, Catedral de Naumburg, Naumburg, Alemania
  • Gothic - Reliquary altarpiece with Saint Ursula, c.1325, gilded and painted wood, Abteikirche Marienstatt, Streithausen, Germany[28]
    Gótico - Retablo familiar con Saint Ursula, c.1325, madera dorada y pintada, Abteikirche Marienstatt, Streithausen, Alemania
  • Gothic - Portal at the Collegiate Church of Toro
    gótico - Portal de la Iglesia Colegiata de Toro
  • Gothic - Bust of the Virgin, c.1390-1395, terracotta with paint, Metropolitan Museum of Art, New York City
    Gótico - Busto de la Virgen, c.1390-1395, terracota con pintura, Metropolitan Museum of Art, Nueva York
  • Gothic - Irene, daughter of Cratin, painting a sculpture of the Virgin Mary, France, 1401-1402. Detail from Giovanni Bocaccio's De Claris mulieribus (Concerning famous women), 1403 edition, Bibliothèque nationale de France, Paris
    Gótico - Irene, hija de Cratin, pintando una escultura de la Virgen María, Francia, 1401-1402. Detalle de Giovanni Bocaccio De Claris mulieribus (Concierto de mujeres famosas), edición 1403, Bibliothèque nationale de France, París
  • Gothic - Hôtel-Dieu de Beaune, Beaune, France, by Jacques Wiscrère, 1451[29]
    Gótico - Hôtel-Dieu de Beaune, Beaune, Francia, por Jacques Wiscrère, 1451
  • Gothic - Enthroned Virgin, c. 1490-1500, limewood with gesso, paint and gilding, Metropolitan Museum of Art
    Gótico - Virgen entronizada, c. 1490-1500, leña con gesso, pintura y dorado, Metropolitan Museum of Art
  • Portal of the Burgos Cathedral, Burgos, Spain, unknown architect, unknown date
    Portal de la Catedral de Burgos, Burgos, España, arquitecto desconocido, fecha desconocida
  • Russian portal of the Dormition Cathedral, Moscow, by Aristotele Fioravanti, 1475-1479[30]
    Portal ruso de la Catedral de la Dormición, Moscú, por Aristótele Fioravanti, 1475-1479

Siglos XVII y XVIII

Biblioteca de la Abadía de Wiblingen, Ulm, Alemania, por Christian Wiedemann [sv]1737-1744. Todos los elementos que parecen estar hechos de mármol están hechos de estuco policromo

Si bien la escultura de piedra y metal normalmente permanecía incolora, como las supervivencias clásicas, las esculturas de madera policromada fueron producidas por artistas españoles: Juan Martínez Montañés, Gregorio Fernández (siglo XVII); Alemán: Ignaz Günther, Philipp Jakob Straub (siglo XVIII); o brasileño: Aleijadinho (siglo XIX).

Las soluciones de color monocromático de las órdenes arquitectónicas también fueron diseñadas a finales, dinámico Barroco, aprovechando las ideas de Borromini y Guarini. Piedra de color único cladding was used: light sandstone, as in the case of the fachada of the Bamberg Jesuit iglesia (Gunzelmann 2016) diseñada por Georg y Leonhard Dientzenhofer (1686-1693), la fachada de la iglesia del monasterio en Michelsberg por Leonard Dientzenhofer (1696), y la iglesia de la abadía en Neresheim por J.B. Neumann (1747-1792).

En el espacio de la Alemania actual, durante el siglo XVIII, los hermanos Asam (Egid Quirin Asam y Cosmas Damian Asam) diseñaron iglesias con paredes ondulantes, pavimentos de borken curvados y policromía. En el espacio de habla alemana se construyeron varias iglesias y bibliotecas Rococo con estucos y columnas de policromo pastel. Allí, las columnas de mármol se hacen de pilares de madera que están cubiertos en una capa de estuco policromo, una mezcla de yeso, lima y pigmento. Cuando estos ingredientes se mezclan, se crea una pasta homogénea. Para lograr la mirada de mármol, se hacen más finos lotes de pasta más oscura y más ligera, de modo que las venas comiencen a aparecer. Todo se mezcla a mano. Cuando el material se endurece es pulido por frotar con papel fino, y por lo tanto esta capa de estuco policromo se vuelve brillante e imita realmente realistamente mármol. Un buen ejemplo de esto es la Biblioteca de la Abadía de Wiblingen en Ulm, Alemania. El mármol Faux hecho de estuco continuará siendo utilizado durante los siglos XIX y principios del XX también. Se utiliza sólo para interiores, porque el estuco se disuelve fuera a través del contacto con agua.

En Valaquia, a finales del siglo XVII y principios del XVIII, el estilo Brâncovenesc era popular en la arquitectura y las artes decorativas. Lleva el nombre del príncipe Constantin Brâncoveanu, durante cuyo reinado se desarrolló. Algunas de las iglesias de este estilo tienen fachadas policromadas, decoradas con murales, como la iglesia del Monasterio de Stavropoleos en Bucarest, Rumania.

La segunda mitad del siglo XVIII fue el surgimiento del neoclasicismo, un movimiento que hace todo lo posible por revivir los estilos de la antigua Grecia, Roma, la civilización etrusca y, a veces, incluso Egipto. Durante el reinado de Luis XVI (1760-1789), los interiores de estilo Luis XVI comienzan a decorarse con arabescos, inspirados en los descubiertos en las casas antiguas de Pompeya y Herculano. Están pintados en colores pastel, pintados de blanco con las partes ornamentadas doradas o policromadas. El Comedor Estatal del Castillo de Inveraray en Escocia, decorado por dos pintores franceses, es un buen ejemplo de interior policromado de estilo Luis XVI.

  • Baroque - Escalier des Ambassadeurs of the Palace of Versailles, Versailles, France, by François d'Orbay and Charles Le Brun, 1674-1679, demolished in 1752 under Louis XV[34]
    Baroque - Escalier des Ambassadeurs of the Palace of Versailles, Versailles, France, by François d'Orbay and Charles Le Brun, 1674-1679, demolido en 1752 bajo Louis XV
  • Baroque - Hall of Mirrors of the Palace of Versailles, by Jules Hardouin-Mansart, 1678-1684[35]
    Barroco - Salón de Espejos del Palacio de Versalles, por Jules Hardouin-Mansart, 1678-1684
  • Baroque - Church of San Francisco Acatepec, San Andrés Cholula, Mexico, unknown artchitect, 17th–18th centuries
    Barroco - Iglesia de San Francisco Acatepec, San Andrés Cholula, México, artchitecto desconocido, siglos XVII a XVIII
  • Baroque - The Entombment of Christ, by Luisa Roldán, 1700-1701, polychrome terracotta, Metropolitan Museum of Art, New York City
    Barroco - The Entombment of Christ, by Luisa Roldán, 1700-1701, polichrome terracotta, Metropolitan Museum of Art, New York City
  • Rococo - Interior of the Klosterbibliothek Metten [de], Metten, Germany, unknown architect, 1722-1726[36]
    Rococo - Interior del Klosterbibliothek Metten [de], Metten, Alemania, arquitecto desconocido, 1722-1726
  • Brâncovenesc - Stavropoleos Monastery Church, Bucharest, Romania, unknown architect, 1724[37]
    Brâncovenesc - Iglesia Monasteria Stavropoleos, Bucarest, Rumania, arquitecto desconocido, 1724
  • Rococo - Capitals in the Wallfahrtskirche Steinhausen [de], Steinhausen, Germany, by Dominikus Zimmermann, 1728-1733
    Rococo - Capitales en el Wallfahrtskirche Steinhausen [de], Steinhausen, Alemania, por Dominikus Zimmermann, 1728-1733
  • Baroque - Summer as Ceres, part of a series of anthropomorphic busts of the four seasons, a polychrome example of Rouen faience, c.1730, faience, Louvre[38]
    Barroco - Verano como Ceres, parte de una serie de bustos antropomorfos de las cuatro estaciones, un ejemplo policromo de la faiencia de Rouen, c.1730, faience, Louvre
  • Rococo - Helbling House, Innsbruck, Austria, originally Gothic town house from the 15th century, renovated at the beginning of the 18th, and finished in 1732 by Anton Gigl
    Rococo - Helbling House, Innsbruck, Austria, originalmente casa de pueblo gótico del siglo XV, renovado a principios del XVIII, y terminado en 1732 por Anton Gigl
  • Rococo - St. Johann Nepomuk, Munich, Germany, by Egid Quirin Asam and Cosmas Damian Asam, 1733-1746[39]
    Rococo - St. Johann Nepomuk, Munich, Alemania, por Egid Quirin Asam y Cosmas Damian Asam, 1733-1746
  • Rococo - Apartment of Madame du Barry, Palace of Versailles, Versailles, France, by Ange-Jacques Gabriel, 18th century
    Rococo - Apartamento de Madame du Barry, Palacio de Versalles, Versalles, Francia, por Ange-Jacques Gabriel, siglo XVIII
  • Rococo - Illustration of 18th century cartouches, from L'ornement Polychrome, by Albert Racinet, 1888
    Rococo - Ilustración de cartuchos del siglo XVIII, de L'ornement Polychrome, por Albert Racinet, 1888
  • Rococo - fourth guest room, so-called Voltaire Room, Sanssouci, Potsdam, Germany, designed by Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, with decoration by Johann Michael the Elder and Johann Christian Hoppenhaupt the Younger, 1752-1753[40]
    Rococo - cuarta habitación de invitados, llamada Sala Voltaire, Sanssouci, Potsdam, Alemania, diseñada por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, con la decoración de Johann Michael the Elder y Johann Christian Hoppenhaupt the Younger, 1752-1753
  • Rococo - Pilgrimage Church of Wies, Steingaden, Germany, by Dominikus and Johann Baptist Zimmermann, 1754[41]
    Rococo - Iglesia de peregrinación de Wies, Steingaden, Alemania, por Dominikus y Johann Baptist Zimmermann, 1754
  • Rococo - Tobias and the Angel, by Ignaz Günther, 1763, limewood, Bürgersaalkirche, Munich, Germany[42]
    Rococo - Tobias y el Ángel, por Ignaz Günther, 1763, leña, Bürgersaalkirche, Munich, Alemania
  • Chinoiserie - Chinese Pavilion (Ekerö Municipality, Sweden), 1763–1769, by Carl Fredrik Adelcrantz[43]
    Chinoiserie - Pabellón Chino (Ekerö Municipio, Suecia), 1763–1769, por Carl Fredrik Adelcrantz
  • Neoclassical - armchair, c.1780, carved and polychromed walnut, received upholstered in beige silk brocade, currently upholstered with modern cotton and linen velvet, Metropolitan Museum of Art
    Neoclásico - sillón, c.1780, nogal tallado y policromado, recibido tapizado en brocado de seda beige, actualmente tapizado con terciopelo moderno de algodón y lino, Metropolitan Museum of Art
  • Louis XVI style - Ceiling decorated with festoons in the State Dining Room, Inveraray Castle, Scotland, the UK, by Girard and Guinand, 1784[44]
    Estilo Luis XVI - Cervecería decorada con festoones en el comedor estatal, Castillo de Inveraray, Escocia, Reino Unido, por Girard y Guinand, 1784

Porcelana

Con la llegada de la porcelana europea en el siglo XVIII, se hicieron muy populares las figuritas de cerámica de colores brillantes con una amplia gama de colores. La porcelana se desarrolló en China en el siglo IX. Su receta se mantuvo en secreto para otras naciones y solo los japoneses y vietnamitas la copiaron con éxito en el siglo XV. Durante el siglo XVIII, los hornos alemanes finalmente descubrieron cómo hacer porcelana, comenzando con el alquimista Johann Friedrich Böttger y el físico Ehrenfried Walther von Tschirnhaus, quienes fabricaron la primera variedad europea en 1709. Al año siguiente se fundó la fábrica de porcelana de Meissen. y se convirtió en el principal fabricante europeo de porcelana. Más tarde, otros hornos adoptaron la receta o desarrollaron su propia tecnología de porcelana. Otra fábrica realmente famosa fue la de Sèvres, que produjo porcelana impresionante para la élite francesa durante los siglos XVIII, XIX y XX.

  • Rococo - elephant-head vase (vase à tête d'éléphant), by the Sèvres porcelain factory, c.1756-1762, soft-paste porcelain, Metropolitan Museum of Art
    Rococo - elefante cabeza de jarrón (vase à tête d'éléphant), por la fábrica de porcelana Sèvres, c.1756-1762, porcelana de paso suave, Metropolitan Museum of Art
  • Rococo - wall sconce (bras de cheminée), by the Sèvres porcelain factory, c.1761, soft-paste porcelain and gilt bronze, Metropolitan Museum of Art
    Rococo - aplique de pared (bras de cheminée), por la fábrica de porcelana Sèvres, c.1761, porcelana de pate suave y bronce gilt, Metropolitan Museum of Art
  • Rococo - perfume vase, by the Chelsea porcelain factory, c.1761, soft-paste porcelain and burnished gold ground, Metropolitan Museum of Art
    Rococo - jarrón de perfume, por la fábrica de porcelana de Chelsea, c.1761, porcelana de pate suave y suelo de oro quemado, Metropolitan Museum of Art
  • Rococo - singerie figurine, part of a monkey band, by the Meissen porcelain factory, c.1765, porcelain, enamel and gilding, Art Institute of Chicago, Chicago, USA
    Rococo - cantante figurina, parte de una banda de monos, por la fábrica de porcelana Meissen, c.1765, porcelana, esmalte y dorado, Art Institute of Chicago, Chicago, USA
  • Rococo - The Music Lesson, by the Chelsea porcelain factory, c.1765, soft-paste porcelain, Metropolitan Museum of Art
    Rococo - The Music Lesson, por la fábrica de porcelana de Chelsea, c.1765, porcelana de pasta suave, Metropolitan Museum of Art
  • Louis XVI style - Vase (vase grec Duplessis rectifié), design attributed to Jean-Claude Chambellan Duplessis, painted decoration by Vincent Taillandier [fr], gilding by Jean Pierre Boulanger, by the Sèvres porcelain factory, 1780, painted and gilded hard-paste porcelain, gilt bronze, Rijksmuseum Amsterdam, the Netherlands
    Louis XVI - Vase (vase grec Duplessis rectifié), diseño atribuido a Jean-Claude Chambellan Duplessis, decoración pintada por Vincent Taillandier [fr], dorado por Jean Pierre Boulanger, por la fábrica de porcelana Sèvres, 1780, pintado y dorado porcelana de pasta dura, bronce gilt, Rijksmuseum Amsterdam, Holanda

Siglo XIX

En comparación con el siglo XVIII, la policromía estuvo algo más extendida en el siglo XIX. Sin embargo, las fachadas de la mayoría de los edificios permanecieron blancas, la mayoría de las esculturas no estaban pintadas y la mayoría de los muebles tenían los tonos de sus materiales. Los colores generalmente se agregaban a través de cerámica vidriada en los edificios, diferentes tipos de piedra en las esculturas y, con mayor frecuencia, mediante pintura o intarsia en los muebles. Al igual que en el siglo XVIII, la porcelana siguió siendo bastante colorida y muchas figuras parecían reales. En contraste con sus exteriores, los interiores de muchas casas de los ricos a menudo estaban decorados con boiserie, estuco y/o pintados. Como en la segunda mitad del siglo XVIII, numerosos relojes y objetos decorativos de bronce presentan dos tonos mediante dorado y pátina. También se agregaron elementos de porcelana para darle más color.

  • Gothic Revival clock, c.1835-1850, gilt and patinated bronze, Museum of Decorative Arts, Paris
    Gótico Revival reloj, c.1835-1850, gilt and patinated bronce, Museum of Decorative Arts, Paris
  • Gothic Revival - Interior of the St Giles' Catholic Church, Cheadle, Staffordshire, the UK, by Augustus Pugin, 1840-1846[46]
    Renacimiento gótico - Interior de la Iglesia Católica de San Giles, Cheadle, Staffordshire, el Reino Unido, por Augustus Pugin, 1840-1846
  • Gothic Revival - Chimney-piece in the Chaucer Room of the Cardiff Castle, Cardiff, the UK, by William Burges, c.1877-1890[47]
    Revival gótico - Chimney-piece in the Chaucer Room of the Cardiff Castle, Cardiff, the UK, by William Burges, c.1877-1890
  • Gothic Revival - Drawing room of the Castell Coch, Tongwynlais, Wales, by William Burges, 1891[48]
    Renacimiento gótico - Sala de dibujo del Castell Coch, Tongwynlais, Gales, por William Burges, 1891
  • Beaux Arts - Ceiling stucco fragment from Strada Plantelor no. 4, Bucharest, Romania, unknown architect, 1891
    Beaux Arts - Ceiling stucco fragment de Strada Plantelor no. 4, Bucarest, Rumania, arquitecto desconocido, 1891
  • Art Nouveau - Nature Unveiling Herself Before Science, by Louis-Ernest Barrias, 1899, marble, alabaster, calcite, malachite, lapis lazuli, Musée d'Orsay, Paris
    Art Nouveau - Nature Unveilingself Before Science, by Louis-Ernest Barrias, 1899, mármol, alabastro, calcita, malachite, lapis lazuli, Musée d'Orsay, Paris

Neoclasicismo

A pesar de que se han descubierto pruebas de policromía en la arquitectura y las esculturas de la antigua Grecia, la mayoría de los edificios neoclásicos tienen fachadas blancas o beige y carpintería metálica negra. Alrededor de 1840, el arquitecto francés Jacques Ignace Hittorff publicó estudios sobre la arquitectura siciliana, documentando una amplia evidencia de color. La "polémica de la policromía" se prolongó durante más de una década y resultó ser un desafío para los arquitectos neoclásicos de toda Europa.

Debido al descubrimiento de frescos en las ciudades romanas de Pompeya y Herculano durante el siglo XVIII, varias casas neoclásicas de los siglos XVIII y XIX tienen sus interiores decorados con coloridos frescos de estilo pompeyano. A menudo presentan un color rojo brillante, conocido como "rojo pompeyano". La moda de los estilos de pintura pompeyanos dio como resultado habitaciones terminadas en vívidos bloques de colores. Los ejemplos incluyen la Sala Pompeyana del Hinxton Hall en Cambridgeshire, el Pompejanum en Aschaffenburg, el Dormitorio de la Emperatriz Joséphine del Castillo de Malmaison y los baños de Napoleón del Castillo de Rambouillet. A principios del siglo XIX, los pintores también pudieron crear efectos de veteado y veteado para imitar la madera.

  • Empire style - Napoleon's bath of the Château de Rambouillet, Rambouillet, France, painted by Godard and Jean Vasserot, 1806
    Estilo Imperio - Baño de Napoleón del castillo de Rambouillet, Rambouillet, Francia, pintado por Godard y Jean Vasserot, 1806
  • Empire style - Vase, by the Sèvres porcelain factory, 1814, hard-paste porcelain with platinum background and gilt bronze mounts, Louvre[49]
    Estilo Empire - Vase, por la fábrica de porcelana Sèvres, 1814, porcelana de pasta dura con fondo platino y monturas de bronce gilt, Louvre
  • Neoclassical - Polychromatic façade of the Cirque Nationale, Paris, by Jakob Ignaz Hittorff, 1840[50]
    Neoclásico - fachada policromática del Cirque Nationale, París, por Jakob Ignaz Hittorff, 1840
  • Neoclassical - Putto of the Grande Fontaine (Avenue Léopold-Robert), La Chaux-de-Fonds, Switzerland, by Maximilien Louis Bourgeois [fr], 1888
    Neoclásico - Putto de la Grande Fontaine (Avenue Léopold-Robert), La Chaux-de-Fonds, Suiza, por Maximilien Louis Bourgeois [fr], 1888
  • Neoclassical - Pompeian style wall in Strada Nicolae Filipescu no. 45, Bucharest, Romania, unknown architect or painter, c.1890
    Neoclásico - Muralla de estilo Pompeyo en Strada Nicolae Filipescu no. 45, Bucarest, Rumania, arquitecto desconocido o pintor, c.1890

Maximalismo del siglo XIX

"Más es más" fue el principio estético seguido en la era victoriana. El Maximalismo está presente en muchos tipos de diseños de época victoriana, como cerámica, muebles, cubiertos, manteles, moda, arquitectura, ilustración de libros, relojes, etc. A pesar del apetito por la ornamentación, muchos de ellos permanecen decorados con sólo unos colores, especialmente muebles. Las cerámicas eran el campo donde el policromo estaba extendido. Además de objetos, la cerámica policromada también estaba presente en arquitectura y algunas piezas de mobiliario y arquitectura a través de las baldosas.

Los objetos y edificios del siglo XIX mostrados en las galerías de esta página son sin duda impresionantes. Hoy estamos encantados con sus adornos, colores y estilos. Sin embargo, hasta la década de 1960, con el auge del posmodernismo, cuando la gente empezó a cuestionar el modernismo y empezó a apreciar las cosas del pasado premoderno, el veredicto sobre los diseños victorianos no fue bueno. A principios del siglo XX, e incluso cuando se fabricaron, algunos describieron la época victoriana como una que nos ha proporcionado algunos de los objetos más feos que jamás se hayan fabricado. Descripciones como 'monstruosidades estéticas' o 'abominaciones ornamentales' existían en ese momento, y solo empeoró. A finales del siglo XIX, Marc-Louis Solon (1835-1913), un reconocido diseñador cerámico que trabajó para Minton and Company, no era extraño al comentar que el período "lleva el sello de una mala absoluta". gusto'. Con el paso del tiempo, las opiniones negativas no hicieron más que empeorar. Los arquitectos pioneros de Mondern, Adolf Loos y Le Corbusier, sintieron que obras como ésta no eran simplemente malas, sino que eran una afrenta tal que deberían haberse declarado ilegales.

  • Rococo Revival incense burner (brûle-parfum), by Jacob Petit [fr], c.1834-1848, hard-paste porcelain, painted and gilded, Museum of Decorative Arts, Paris
    Rococo Revival incense burner (brûle-parfum), por Jacob Petit [fr], c.1834-1848, porcelana dura, pintada y dorada, Museo de Artes Decorativas, París
  • Rococo Revival pair of bottles, by Jacob Petit, c.1840, hard-paste porcelain, painted and gilded, Museum of Decorative Arts, Paris
    Rococo Revival par de botellas, por Jacob Petit, c.1840, porcelana dura, pintada y dorada, Museo de las Artes Decorativas, París
  • Rococo Revival pair of cone-shaped vases and a clock, by Nicolas Bugeard?, mid-19th century, hard-paste porcelain, painted and gilded, Museum of Decorative Arts, Paris
    Rococo Revival par de vasijas en forma de cono y un reloj, por Nicolas Bugeard?, mediados del siglo XIX, porcelana de paso duro, pintado y dorado, Museo de Artes Decorativas, París
  • Neoclassical sculpted decoration on the ceiling of the Salon des Sept cheminées, Louvre Palace, Paris, by Francisque Duret, 1851[53]
    Decoración esculpida neoclásica en el techo del Salon des Sept cheminées, Louvre Palace, París, por Francisque Duret, 1851
  • Neoclassical sculpted decoration on the ceiling of the Salon Carré, Louvre Palace, by Pierre-Charles Simart, 1851[54]
    Decoración esculpida neoclásica en el techo del Salón Carré, Palacio del Louvre, por Pierre-Charles Simart, 1851
  • Beaux Arts mosaics on the Opéra de Monte-Carlo, Monaco, designed by Charles Garnier, 1879
    Beaux Arts mosaico en la Ópera de Monte Carlo, Mónaco, diseñado por Charles Garnier, 1879
  • Polychrome architectural detail of an unidentified building in Kendallville, Indiana, USA, unknown architect, 1892
    Policromo detalle arquitectónico de un edificio no identificado en Kendallville, Indiana, USA, arquitecto desconocido, 1892
  • Interior of La Cigale, Nantes, France, designed by Émile Libaudière, and decorated with sculptures by Émile Gaucher and paintings by Georges Levreau, 1895
    Interior de La Cigale, Nantes, Francia, diseñado por Émile Libaudière, y decorado con esculturas de Émile Gaucher y pinturas de Georges Levreau, 1895

Ladrillo policromado

El ladrillo policromado es un estilo de ladrillo arquitectónico que surgió en la década de 1860 y utilizaba ladrillos de diferentes colores (marrón, crema, amarillo, rojo, azul y negro) en combinaciones estampadas para resaltar las características arquitectónicas. Estos patrones se hacían alrededor de los arcos de las ventanas o simplemente se aplicaban en las paredes. A menudo se utilizaba para replicar el efecto del quoining. Los primeros ejemplos presentaban bandas, y los ejemplos posteriores exhibían complejos patrones diagonales, entrecruzados y escalonados, y en algunos casos incluso escritura con ladrillos. También se utilizaron elementos de cerámica vidriada con detalles para ornamentos más complejos.

  • Interior of All Saints, Margaret Street, London, 1850–1859, by William Butterfield[56]
    Interior de All Saints, Margaret Street, Londres, 1850-1859, por William Butterfield
  • Ampton Road no. 12, Edgbaston, Birmingham, the UK, by John Henry Chamberlain, 1855[57]
    Ampton Road no. 12, Edgbaston, Birmingham, the UK, by John Henry Chamberlain, 1855
  • Detail of the Pernot Biscuit Factory (Rue Courtepée no. 10-18), Dijon, France, 1879
    Detalle de la fábrica Pernot Biscuit (Rue Courtepée no. 10-18), Dijon, Francia, 1879
  • Facade of the (now) Suriname Embassy (Rue du Ranelagh no. 94), Paris, unknown architect, 1885
    Facade of the (now) Suriname Embassy (Rue du Ranelagh no. 94), Paris, unknown architect, 1885
  • Avenue des Minimes no. 58, Vincennes, France, by Victor Francione, 1905[58]
    Avenue des Minimes no. 58, Vincennes, Francia, por Victor Francione, 1905

Estilo renacentista rumano

En el Reino de Rumania, el estilo renacentista rumano apareció a finales del siglo XIX. Es el equivalente rumano del estilo romántico nacional que era popular al mismo tiempo en el norte de Europa. El movimiento está fuertemente inspirado en la arquitectura Brâncovenesc, un estilo que fue popular en Valaquia a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Los interiores de las casas de este estilo construidas antes de la Primera Guerra Mundial suelen estar decorados con una variedad de colores brillantes. En el caso de algunos edificios, la policromía se extiende también al exterior, mediante el uso de coloridas baldosas cerámicas esmaltadas. El estilo se hizo más popular en el siglo XX. Una casa del Renacimiento rumano que destaca por su variedad de colores es la Casa Gheorghe Petrașcu (Piața Romană nº 5) en Bucarest, de Spiru Cegăneanu, 1912.

  • Gheorghe Ionescu-Gion House (Strada Logofătul Udriște no. 11), Bucharest, Romania, by Ion N. Socolescu, 1889[60]
    Gheorghe Ionescu-Gion House (Strada Logofătul Udriște no. 11), Bucarest, Romania, by Ion N. Socolescu, 1889
  • Central Girls' School, Bucharest, by Ion Mincu, 1890[61]
    Escuela Central de Niñas, Bucarest, por Ion Mincu, 1890
  • Ceiling of the Gheorghe Petrașcu House (Piața Romană no. 5), Bucharest, by Spiru Cegăneanu, 1912[62]
    Ceiling of the Gheorghe Petrașcu House (Piața Romană no. 5), Bucarest, by Spiru Cegăneanu, 1912
  • Ceiling of the Gheorghe Petrașcu House, Bucharest, by Spiru Cegăneanu, 1912[63]
    Ceiling of the Gheorghe Petrașcu House, Bucarest, by Spiru Cegăneanu, 1912

Siglo XX

En el siglo XX hubo períodos notables de policromía en la arquitectura, desde las expresiones del Art Nouveau en toda Europa, hasta el florecimiento internacional del Art Déco o Art Moderne, hasta el desarrollo del posmodernismo en las últimas décadas del siglo. Durante estos períodos, se diseñaron fachadas de ladrillo, piedra, tejas, estuco y metal centrándose en el uso de nuevos colores y patrones, mientras que los arquitectos a menudo buscaban inspiración en ejemplos históricos que iban desde los azulejos islámicos hasta el ladrillo victoriano inglés.

Antes de la Primera Guerra Mundial

A principios del siglo XX, antes de las guerras mundiales, el Renacimiento (incluido el Neoclasicismo y el Renacimiento gótico) y el eclecticismo de estilos históricos eran muy populares en el diseño y la arquitectura. Muchas de las cosas que se dijeron sobre el siglo XIX aún se encuentran en esta época. Muchos de los edificios de esta época tienen sus interiores decorados con colores, a través de azulejos, mosaicos, estucos o murales. En cuanto al exterior, la mayoría de fachadas policromadas están decoradas con azulejos cerámicos.

El Art Nouveau también estuvo de moda durante el siglo XX en todo el mundo occidental. Sin embargo, se fragmentó en 1911 y desde entonces se fue desvaneciendo constantemente, hasta que desapareció con la Primera Guerra Mundial. Algunos edificios regulares de estilo Art Nouveau tienen sus fachadas decoradas con coloridos adornos de cerámica vidriada. Los colores utilizados suelen ser más terrosos y descoloridos en comparación con los intensos utilizados por el neoclasicismo. En comparación con otros movimientos en diseño y arquitectura, el Art Nouveau tuvo diferentes versiones en varios países. La forma belga y francesa se caracteriza por formas orgánicas, adornos tomados del mundo vegetal, líneas sinuosas, asimetría (especialmente cuando se trata de diseño de objetos), el motivo del latigazo cervical, la mujer fatal y otros elementos. de la naturaleza. En Austria, Alemania y el Reino Unido adoptó una forma geométrica más estilizada, como forma de protesta contra el revivalismo y el eclecticismo. Los ornamentos geométricos que se encuentran en las pinturas de Gustav Klimt y en los muebles de Koloman Moser son representativos de la Secesión de Viena (Art Nouveau austriaco). En algunos países, los artistas se inspiraron en la tradición y el folclore nacionales. En el Reino Unido, por ejemplo, varios plateros utilizaron entrelazados tomados del arte celta. De manera similar, los arquitectos húngaros, rusos y ucranianos utilizaron motivos folclóricos policromáticos en sus edificios, generalmente a través de coloridos adornos cerámicos.

  • Rococo Revival - Boulangerie (Boulevard Beaumarchais no. 28), Paris, 1900, by Benoit et fils[64]
    Revival Rocococo - Boulangerie (Boulevard Beaumarchais no 28), París, 1900, por Benoit et fils
  • French Art Nouveau - Bijouterie Fouquet, Musée Carnavalet, Paris, by Alphonse Mucha, c. 1900[65]
    Francés Art Nouveau - Bijouterie Fouquet, Musée Carnavalet, París, por Alphonse Mucha, c.1900
  • French Art Nouveau - Vase, by Clément Massier, c.1900, lusterware, Jason Jacques Gallery, New York[66]
    Francés Art Nouveau - Vase, por Clément Massier, c.1900, lusterware, Jason Jacques Gallery, Nueva York
  • French Art Nouveau - Avenue Gallieni no. 14, Paris, by Eugène Coulon, 1903–1904
    French Art Nouveau - Avenida Gallieni No. 14, París, por Eugène Coulon, 1903-1904
  • French Art Nouveau - Rue Jean-Bellegambe no. 21, Douai, France, by Pepe Albert, 1904[67]
    French Art Nouveau - Rue Jean-Bellegambe no. 21, Douai, France, by Pepe Albert, 1904
  • French Art Nouveau - Entrance decorated with glazed tiles of the Les Chardons Building (Rue Eugène-Manuel no. 2), Paris, 1903, by Charles Klein[68]
    Art Nouveau francés - Entrada decorada con azulejos acristalados del edificio Les Chardons (Rue Eugène-Manuel no. 2), París, 1903, por Charles Klein
  • Ukrainian Art Nouveau - Poltava Reginal Administrative Building, Poltava, Ukraine, by Vasyl Krychevsky, 1903–1907[69]
    Ukrainian Art Nouveau - Poltava Reginal Administrative Building, Poltava, Ukraine, by Vasyl Krychevsky, 1903-1907
  • Austrian Art Nouveau - Putto with two cornucopias with floral cascades, by Michael Powolny, designed in c.1907, produced in 1912, ceramic, Kunstgewerbemuseum Berlin, Berlin, Germany[70]
    Art Nouveau austriaco - Putto con dos cornucopias con cascadas florales, de Michael Powolny, diseñado en c.1907, producido en 1912, cerámica, Kunstgewerbemuseum Berlin, Berlín, Alemania
  • Russian Revival - Window of the Church of the Theotokos of Tikhvin, Moscow, by Nikolay Martyanov, 1911-1912
    Renacimiento ruso - Ventana de la Iglesia de los Teotokos de Tikhvin, Moscú, por Nikolay Martyanov, 1911-1912
  • Moorish Revival - Ceiling in the Filitti House (Calea Dorobanților [ro] no. 18), Bucharest, by Ernest Doneaus, c.1910[71]
    Moorish Revival - Ceiling in the Filitti House (Calea Dorobanților [ro] 18), Bucarest, de Ernest Doneaus, c.1910
  • Beaux Arts - Stucco with putti on a ceiling in Piața Romană no. 3, Bucharest, by Siegfired Kofsinski and C. Crețoiu, 1912
    Beaux Arts - Stucco con putti en un techo en Piața Romană no. 3, Bucarest, por Siegfired Kofsinski y C. Crețoiu, 1912

Modernismo

Durante el periodo de entreguerras y mediados del siglo XX, el Modernismo estuvo de moda. Para los modernistas, la forma era más importante que el adorno, por lo que a menudo se usaban bloques sólidos de colores fuertes para enfatizar la forma y crear contraste. Se prefirieron los colores primarios y el blanco y negro. Este es realmente el caso del movimiento holandés De Stijl, que comenzó en 1917. El estilo implicaba reducir un objeto (ya sea una pintura o un diseño) a lo esencial, utilizando sólo el negro, el blanco y los colores primarios, y una geometría simple de líneas rectas. rectas y planos. La Silla roja y azul de Gerrit Rietveld (1917-1918) y la Casa Rietveld Schröder en Utrecht (1924) muestran este uso del color. La policromía en el diseño modernista no se limitó a De Stijl. La Unité d'habitation, una tipología de vivienda residencial desarrollada por Le Corbusier, tiene algunas partes planas y coloridas.

Algunos objetos, edificios e interiores Art Déco destacan por su policromía y el uso de colores intensos. El fauvismo, con sus colores muy saturados, como las pinturas de Henri Matisse, fue una influencia para algunos diseñadores Art Déco. Otra influencia para la policromía fueron los Ballets Rusos. Las escenografías de Leon Bakst llenaron los círculos artísticos parisinos de entusiasmo por los colores brillantes.

A pesar de su falta de ornamentación, múltiples diseños modernos de mediados de siglo, como los textiles de Lucienne Day, el perchero Hang-It-All de Charles y Ray Eames (1953), o el perchero de Irving Harper. s Marshmallow sofá (1956), están decorados con colores. Además de los objetos individuales, los interiores modernos de mediados de siglo también eran bastante coloridos. Esto también se debió al hecho de que después de la Segunda Guerra Mundial, los plásticos se hicieron cada vez más populares como material para utensilios de cocina y muebles de cocina, lámparas, electrodomésticos y juguetes, y al hecho de que el plástico podía producirse en una amplia gama de colores, desde jade hasta verde a rojo.

  • De Stijl - Red and Blue Chair, by Gerrit Rietveld, 1917, lacquered wood, Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio, USA
    De Stijl - Cátedra Roja y Azul, por Gerrit Rietveld, 1917, madera lacada, Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio, USA
  • De Stijl - Panel of polychrome bricks on the exterior of the Vakantiehuis De Vonk [nl], a house in Noordwijkerhout, the Netherlands, by Theo van Doesburg, 1917-1919[74]
    De Stijl - Panel de ladrillos policromados en el exterior del Vakantiehuis De Vonk [nl], una casa en Noordwijkerhout, Países Bajos, por Theo van Doesburg, 1917-1919
  • Mix of Egyptian Revival and Art Deco: Le Louxor Cinema, Paris, 1919-1921, by Henri Zipcy
    Mix of Egyptian Revival and Art Deco: Le Louxor [fr] Cine, París, por Henri Zipcy, 1919-1921
  • Mix of Pueblo Revival and Art Deco (Pueblo Deco): KiMo Theater, Albuquerque, US, by the Boller Brothers, 1927
    Mix of Pueblo Revival and Art Deco (Pueblo Deco): KiMo Theater, Albuquerque, Estados Unidos, por los Hermanos Boller, 1927
  • Art Deco - Floor in the entrance hall of Bulevardul Hristo Botev no. 26, Bucharest, unknown architect, 1930s
    Art Deco - Piso en la entrada de Bulevardul Hristo Botev no. 26, Bucarest, arquitecto desconocido, 1930s
  • Art Deco - Marble facing in the entrance hall of Strada Pitar Moș no. 27–29, Bucharest, by Sandy Herivan, 1931-1933[76]
    Art Deco - Marble frente al hall de entrada de Strada Pitar Moș no. 27–29, Bucarest, por Sandy Herivan, 1931-1933
  • Art Deco - Mosaics on the facade of Quai Louis-Blériot no. 40, Paris, by Marteroy & Bonnel, 1932[77]
    Art Deco - Mosaico en la fachada de Quai Louis-Blériot no. 40, París, por Marteroy & Bonnel, 1932
  • International Style - Unité d'habitation, Marseilles, France, by Le Corbusier, 1952[78]
    Estilo Internacional - Unité d'habitation, Marsella, Francia, por Le Corbusier, 1952
  • Mid-century modern - Marshmallow sofa, by Irving Harper for George Nelson Associates, 1956, metal frame with round discs of covered foam, unknown location[79]
    Moderno de mediados de siglo - sofá de malvavisco, por Irving Harper para George Nelson Associates, 1956, marco de metal con discos redondos de espuma cubierta, ubicación desconocida
  • Fusterlandia, Havana, Cuba, by José Rodríguez Fuster, 1975[80]
    Fusterlandia, La Habana, Cuba, por José Rodríguez Fuster, 1975
  • Dona i Ocell, by Joan Miró, 1983, glazed tile mosaic, Barcelona, Spain[81]
    Dona i Ocell, de Joan Miró, 1983, mosaico de azulejos acristalados, Barcelona, España

Posmodernismo

El uso de colores vivos continuó con el posmodernismo, en las décadas de 1970, 1980 y 1990. En comparación con los objetos modernos de mediados de siglo, que a menudo tenían colores intensos pero eran monocromáticos, el diseño y la arquitectura posmodernos se destacan por el uso de una variedad de colores en objetos o edificios individuales. Los arquitectos posmodernos que trabajaron con colores llamativos incluyeron a Robert Venturi (adición del Allen Memorial Art Museum; Best Company Warehouse), Michael Graves (Snyderman House; Humana Building) y James Stirling (Neue Staatsgalerie; Arthur M. Sackler Museum), entre otros. En el Reino Unido, John Outram creó numerosos edificios brillantes y coloridos a lo largo de las décadas de 1980 y 1990, incluido el "Templo de las Tormentas" gasolinera. Aparte de la arquitectura, los colores brillantes estaban presentes en todo, desde muebles hasta textiles y carteles. Los verdes y amarillos neón eran populares en el diseño de productos, al igual que los tonos fluorescentes de escarlata, rosa y naranja utilizados juntos. Los plásticos moldeados por inyección dieron a los diseñadores una nueva libertad creativa, haciendo posible producir en masa casi cualquier forma (y color) de forma rápida y económica.

Una artista muy conocida por sus obras de arte policromadas es Niki de Saint Phalle, que produjo muchas esculturas pintadas en colores llamativos. Dedicó las últimas décadas de su vida a construir un parque de esculturas en la Toscana, el Jardín del Tarot, con obras de arte cubiertas de mosaicos de colores vibrantes.

  • Proust armchair, by Studio Alchimia, 1978, wood and fabric, Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, USA[84]
    Sillón Proust, por Studio Alchimia, 1978, madera y tela, Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, USA
  • Sheraton chair with applied decoration, by Robert Venturi for Knoll, 1978-1984, bent laminated wood, Milwaukee Art Museum, Milwaukee, USA[85]
    Silla Sheraton con decoración aplicada, por Robert Venturi para Knoll, 1978-1984, madera laminada doblada, Museo de Arte Milwaukee, Milwaukee, USA
  • Plaza dressing table and stool, by Michael Graves for the Memphis Group, 1981, painted wood, natural rosehips, mirrors, and bulbs, Museum of Decorative Arts, Paris
    Mesa de vestir Plaza y taburete, de Michael Graves para el Grupo Memphis, 1981, madera pintada, rosetas naturales, espejos y bulbos, Museo de las Artes Decorativas, París
  • Carlton Bookcase, by Ettore Sottsass for the Memphis Group, 1981, wood veneer and plastic laminate, Museum of Decorative Arts, Paris
    Carlton Bookcase, by Ettore Sotsass for the Memphis Group, 1981, wood veneer and plastic laminate, Museum of Decorative Arts, Paris
  • Super Lamp, by Martine Bedin for the Memphis Group, 1981, glazed stoneware, rubber and chrome-plated steel, Museum of Decorative Arts, Berlin, Germany
    Super Lamp, by Martine Bedin for the Memphis Group, 1981, acristalamiento, goma y acero cromado, Museo de Artes Decorativas, Berlín, Alemania
  • Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Germany, by James Stirling, 1984[86]
    Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Alemania, por James Stirling, 1984
  • Louis XVI, lowboy, by Robert Venturi for Arc International, c.1985, laminated wood, Indianapolis Museum of Art[87]
    Louis XVI, chico bajo, por Robert Venturi para Arc International, c.1985, madera laminada, Indianápolis Museum of Art
  • Pumping Station, Isle of Dogs, London, John Outram, 1988[88]
    Estación de bombeo, Isla de Perros, Londres, John Outram, 1988
  • No 1 Poultry, London, by James Stirling, designed in 1988 but built in 1997[89]
    No 1 Poultry, Londres, por James Stirling, diseñado en 1988 pero construido en 1997
  • Oudhof (Rokin no. 99), Amsterdam, Netherlands, by Mart van Schijndel [nl], 1988-1990[90]
    Oudhof (Rokin no. 99), Amsterdam, Países Bajos, por Mart van Schijndel [nl], 1988-1990
  • Main hall of the Judge Business School, University of Cambridge, England, by John Outram, 1995[91]
    Sala principal de la Escuela de Magistratura, Universidad de Cambridge, Inglaterra, por John Outram, 1995
  • Duncan Hall, Rice University, US, by John Outram, 1996[92]
    Duncan Hall, Universidad de Rice, Estados Unidos, por John Outram, 1996
  • L'Ange Protecteur, by Niki de Saint Phalle, 1997, unknown materials, Zürich Hauptbahnhof, Zürich, Switzerland
    L'Ange Protecteur, by Niki de Saint Phalle, 1997, unknown materials, Zürich Hauptbahnhof, Zürich, Switzerland

Estados Unidos

Las fachadas policromadas de los edificios ganaron popularidad posteriormente como una forma de resaltar ciertas características decorativas de la arquitectura victoriana y de la reina Ana en los Estados Unidos. El auge de la industria de la pintura moderna después de la Guerra Civil estadounidense también ayudó a impulsar el uso (a veces extravagante) de múltiples colores.

Temprano 20 Museo de Arte de Filadelfia (1928)
olla de agua, Acoma Pueblo, c. 1889-1903, material de cerámica decorado con resbalón - Museo De Young

El estilo de la fachada policromada se desvaneció con el surgimiento de los movimientos de renacimiento del siglo XX, que enfatizaron los colores clásicos aplicados de manera sobria y, más importante, con el nacimiento del modernismo, que propugnaba fachadas limpias y sin adornos en blanco. estuco o pintura. La policromía reapareció con el florecimiento del movimiento de preservación y su aceptación de (lo que antes se había visto como) los excesos de la era victoriana y en San Francisco, California, en la década de 1970 para describir sus abundantes casas de finales del siglo XIX. Estas se ganaron el apodo de "Damas Pintadas", un término que en los tiempos modernos se considera kitsch cuando se aplica para describir todas las casas victorianas que han sido pintadas con colores de la época.

John Joseph Earley (1881-1945) desarrolló una pintura "policromada" proceso de construcción y ornamentación de losas de concreto que fue admirado en toda América. En el área metropolitana de Washington, D.C., sus productos adornaron una variedad de edificios, todos formados por el personal de Earley Studio en Rosslyn, Virginia. Las casas del distrito histórico policromado de Earley en Silver Spring, Maryland, se construyeron a mediados de la década de 1930. Los paneles de hormigón fueron prefabricados con piedras de colores y enviados al lote para su montaje en el lugar. Earley quería desarrollar un nivel más alto de viviendas asequibles después de la Depresión, pero sólo un puñado de casas se construyeron antes de su muerte; Los registros escritos de sus técnicas de fundición de hormigón fueron destruidos en un incendio. Menos conocida, pero igual de impresionante, es la Casa Policromada del Dr. Fealy que Earley construyó en lo alto de una colina en el sureste de Washington, D.C., con vistas a la ciudad. Sus casas policromadas de diseño único se destacaron entre las casas prefabricadas del país, apreciadas por su ornamentación Art Déco y su magnífica artesanía.

Los ceramistas nativos americanos, en particular los del suroeste, produjeron cerámica policromada desde la época de las culturas mogollón y los pueblos mimbres hasta la época contemporánea.

Siglo XXI

En la década de 2000, el arte de diseñar juguetes artísticos estaba despegando. Durante este período se produjeron múltiples figuras de vinilo monocromáticas o policromadas, que todavía se producen durante la década de 2020. Algunos artistas que diseñaron juguetes de vinilo incluyen a Joe Ledbetter, Takashi Murakami, Flying Förtress y CoonOne1.

Durante la década de 2010 y principios de la de 2020, apareció un nuevo interés por la arquitectura y el diseño posmodernos. Una de las causas fueron las exposiciones conmemorativas que presentaban el estilo; la más completa e influyente se celebró en el Victoria & Albert Museum de Londres en 2011, titulado Posmodernismo: estilo y subversión, 1975-1990. El Salone del Mobile de Milán desde 2014 mostró resurgimientos, reinterpretaciones y nuevos diseños de influencia posmoderna. Debido a esto, se erigieron múltiples edificios policromados originales, como House for Essex, Wrabness, Essex, Reino Unido, de FAT y Grayson Perry, 2014 o Miami Museum Garage, Miami, EE. UU., de WORKac, 2018.

Además de los resurgimientos del posmodernismo, otro movimiento de diseño clave de principios de la década de 2020 es el maximalismo. Dado que su filosofía se puede resumir en "más es más", en contraste con el lema minimalista "menos es más", se caracteriza por un amplio uso de colores y estampados intensos.

  • Cosmos Ball, by Takashi Murakami, 2000, molded plastic, Honolulu Museum of Art, Honolulu, USA
    Cosmos Ball, por Takashi Murakami, 2000, plástico moldeado, Honolulu Museum of Art, Honolulu, USA
  • Roof of the Santa Caterina Market, Barcelona, Spain, by Benedetta Tagliabue and Enric Miralles, 2004[97]
    Roof of the Santa Caterina Market, Barcelona, Spain, by Benedetta Tagliabue and Enric Miralles, 2004
  • Buildings in El Alto, Bolivia, by Freddy Mamani (architect), after 2005[98]
    Edificios en El Alto, Bolivia, por Freddy Mamani (arquitecto), después de 2005
  • House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014[99]
    Casa para Essex, Wrabness, Essex, Reino Unido, por FAT y Grayson Perry, 2014
  • Xiafu Activity Center, Xiafu, Taiwan, by IMO Architecture + Design and JC Cheng & Associates, Architects & Planners, 2017[100]
    Xiafu Activity Center, Xiafu, Taiwan, por IMO Architecture + Design y JC Cheng & Associates, Architects & Planners, 2017
  • Memphis Group-inspired mural on a 7-storey building, Brooklyn, NYC, by Camille Walala, probably 2018, mural on a brick wall
    Memphis mural inspirado en grupo en un edificio de 7 plantas, Brooklyn, NYC, por Camille Walala, probablemente 2018, mural en una pared de ladrillo
  • Miami Museum Garage, Miami, USA, by WORKac, 2018[101]
    Miami Museum Garage, Miami, Estados Unidos, por WORKac, 2018
  • The Colour Palace, Dulwich Picture Gallery, London, by Pricegore and Yinka Ilori, 2019[102]
    The Colour Palace, Dulwich Picture Gallery, Londres, por Pricegore y Yinka Ilori, 2019
  • Biomuseo, Panama City, Panama, by Frank Gehry, partially opened in 2014, completed in 2019[103]
    Biomuseo, Ciudad de Panamá, Panamá, por Frank Gehry, parcialmente inaugurado en 2014, completado en 2019
  • Presence in Hormoz 02, Hormoz Island, Hormozgan, Iran, by ZAV Architects, 2020[104]
    Presencia en Hormoz 02, Hormoz Island, Hormozgan, Irán, por ZAV Architects, 2020

Luz policromática

El término policromático significa tener varios colores. Se utiliza para describir la luz que exhibe más de un color, lo que también significa que contiene radiación de más de una longitud de onda. El estudio de la policromía es particularmente útil en la producción de rejillas de difracción.

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