Poesía

La poesía (derivada del griego poiesis, "hacer"), también llamada verso, es una forma de literatura que utiliza cualidades estéticas y, a menudo, rítmicas del lenguaje, como la fonestética, el simbolismo sonoro y la métrica, para evocar significados además de, o en lugar de, un significado ostensible prosaico. Un poema es una composición literaria, escrita por un poeta, utilizando este principio.

La poesía tiene una historia larga y variada, evolucionando de manera diferente en todo el mundo. Se remonta al menos a tiempos prehistóricos con la poesía de caza en África y a la poesía cortesana panegírica y elegíaca de los imperios de los valles del río Nilo, Níger y Volta. Algunas de las primeras poesías escritas en África se encuentran entre los Textos de las Pirámides escritos durante el siglo 25 a. C. La poesía épica asiática occidental más antigua que se conserva, la Epopeya de Gilgamesh, fue escrita en sumerio.

Los primeros poemas en el continente euroasiático evolucionaron a partir de canciones populares como el chino Shijing, así como himnos religiosos (el sánscrito Rigveda, el zoroastriano Gathas, las canciones hurritas y los salmos hebreos); o por la necesidad de volver a contar epopeyas orales, como la Historia egipcia de Sinuhé, la poesía épica india y las epopeyas homéricas, la Ilíada y la Odisea. Los intentos griegos antiguos de definir la poesía, como la Poética de Aristóteles., centrado en los usos del habla en la retórica, el teatro, la canción y la comedia. Los intentos posteriores se concentraron en características como la repetición, la forma del verso y la rima, y ​​enfatizaron la estética que distingue la poesía de la escritura prosaica más objetivamente informativa.

La poesía utiliza formas y convenciones para sugerir interpretaciones diferenciales de las palabras o para evocar respuestas emotivas. Dispositivos como la asonancia, la aliteración, la onomatopeya y el ritmo pueden transmitir efectos musicales o de encantamiento. El uso de la ambigüedad, el simbolismo, la ironía y otros elementos estilísticos de la dicción poética a menudo deja un poema abierto a múltiples interpretaciones. Del mismo modo, las figuras retóricas como la metáfora, el símil y la metonimia establecen una resonancia entre imágenes dispares: una superposición de significados que forma conexiones que antes no se percibían. Pueden existir formas afines de resonancia, entre versos individuales, en sus patrones de rima o ritmo.

Algunos tipos de poesía son exclusivos de culturas y géneros particulares y responden a las características del idioma en el que escribe el poeta. Los lectores acostumbrados a identificar la poesía con Dante, Goethe, Mickiewicz o Rumi pueden pensar que está escrita en líneas basadas en rima y métrica regular. Sin embargo, hay tradiciones, como la poesía bíblica, que utilizan otros medios para crear ritmo y eufonía. Gran parte de la poesía moderna refleja una crítica de la tradición poética, poniendo a prueba el principio de la eufonía en sí o renunciando por completo a la rima o al ritmo establecido. En un mundo cada vez más globalizado, los poetas suelen adaptar formas, estilos y técnicas de diversas culturas e idiomas. Los poetas han contribuido a la evolución de las cualidades lingüísticas, expresivas y utilitarias de sus lenguas.

Una tradición cultural occidental (que se extiende al menos desde Homero hasta Rilke) asocia la producción de poesía con la inspiración, a menudo por una musa (ya sea clásica o contemporánea).

En muchos poemas, la letra es pronunciada por un personaje, que se llama el hablante. Este concepto diferencia al hablante (personaje) del poeta (autor), lo que suele ser una distinción importante: por ejemplo, si el poema corre Maté a un hombre en Reno, es el hablante el asesino, no el propio poeta.

Historia

Obras tempranas

Algunos estudiosos creen que el arte de la poesía puede ser anterior a la alfabetización y se desarrolló a partir de epopeyas populares y otros géneros orales. Otros, sin embargo, sugieren que la poesía no es necesariamente anterior a la escritura.

El poema épico más antiguo que se conserva, la Epopeya de Gilgamesh, data del tercer milenio a. C. en Sumer (en Mesopotamia, el actual Irak), y fue escrito en escritura cuneiforme en tablillas de arcilla y, más tarde, en papiro. La tableta de Estambul # 2461, que data de c. 2000 a. C., describe un rito anual en el que el rey se casa simbólicamente y se aparea con la diosa Inanna para asegurar la fertilidad y la prosperidad; algunos lo han etiquetado como el poema de amor más antiguo del mundo. Un ejemplo de poesía épica egipcia es La historia de Sinuhé (c. 1800 a. C.).

Otras epopeyas antiguas incluyen la Ilíada griega y la Odisea; los libros persas avésticos (el Yasna); la epopeya nacional romana, la Eneida de Virgilio (escrita entre el 29 y el 19 a. C.); y las epopeyas indias, el Ramayana y el Mahabharata. La poesía épica parece haber sido compuesta en forma poética como ayuda para la memorización y la transmisión oral en las sociedades antiguas.

Otras formas de poesía, incluidas colecciones antiguas de himnos religiosos como el Rigveda en sánscrito indio, los Gathas avésticos, las canciones hurritas y los Salmos hebreos, posiblemente se desarrollaron directamente a partir de canciones populares. Las primeras entradas de la colección de poesía china más antigua que existe, el Clásico de la poesía (Shijing), fueron inicialmente letras. El Shijing, con su colección de poemas y canciones populares, fue muy valorado por el filósofo Confucio y se considera uno de los clásicos confucianos oficiales. Sus comentarios sobre el tema se han convertido en una fuente invaluable en la teoría de la música antigua.

Los esfuerzos de los pensadores antiguos por determinar qué distingue a la poesía como forma y qué distingue a la buena poesía de la mala, dieron como resultado la "poética", el estudio de la estética de la poesía. Algunas sociedades antiguas, como la de China a través de Shijing, desarrollaron cánones de obras poéticas que tenían una importancia tanto ritual como estética. Más recientemente, los pensadores han luchado por encontrar una definición que pudiera abarcar diferencias formales tan grandes como las que existen entre los Cuentos de Canterbury de Chaucer y Oku no Hosomichi de Matsuo Bashō, así como diferencias en el contenido que abarcan la poesía religiosa, la poesía amorosa y el rap del Tanakh.

• El poema de amor más antiguo que se conoce. Tablilla sumeria de terracota #2461 de Nippur, Irak. Período Ur III, 2037-2029 a. Museo del Antiguo Oriente, Estambul
• El filósofo Confucio influyó en el enfoque desarrollado de la poesía y la teoría de la música antigua.
• Una de las primeras poéticas chinas, la Kǒngzǐ Shīlùn (孔子詩論), que analiza el Shijing (Clásico de la poesía)

Tradiciones occidentales

Los pensadores clásicos de Occidente emplearon la clasificación como una forma de definir y evaluar la calidad de la poesía. En particular, los fragmentos existentes de la Poética de Aristóteles describen tres géneros de poesía (la épica, la cómica y la trágica) y desarrollan reglas para distinguir la poesía de la más alta calidad en cada género, según los propósitos subyacentes percibidos del género. Los esteticistas posteriores identificaron tres géneros principales: poesía épica, poesía lírica y poesía dramática, tratando la comedia y la tragedia como subgéneros de la poesía dramática.

El trabajo de Aristóteles fue influyente en todo el Medio Oriente durante la Edad de Oro islámica, así como en Europa durante el Renacimiento. Los poetas y esteticistas posteriores a menudo distinguieron la poesía y la definieron en oposición a la prosa, que generalmente entendían como escritura con una propensión a la explicación lógica y una estructura narrativa lineal.

Esto no implica que la poesía sea ilógica o carezca de narración, sino que la poesía es un intento de convertir lo bello o lo sublime sin la carga de comprometer el proceso de pensamiento lógico o narrativo. El poeta romántico inglés John Keats llamó a este escape de la lógica "capacidad negativa". Este enfoque "romántico" ve la forma como un elemento clave de la poesía exitosa porque la forma es abstracta y distinta de la lógica nocional subyacente. Este enfoque siguió siendo influyente en el siglo XX.

Durante los siglos XVIII y XIX, también hubo una interacción sustancialmente mayor entre las diversas tradiciones poéticas, en parte debido a la expansión del colonialismo europeo y el consiguiente aumento del comercio mundial. Además de un auge de la traducción, durante el período romántico se redescubrieron numerosas obras antiguas.

Disputas de los siglos XX y XXI

Algunos teóricos de la literatura del siglo XX se basan menos en la oposición ostensible de la prosa y la poesía, y en cambio se centran en el poeta como simplemente alguien que crea usando el lenguaje y la poesía como lo que el poeta crea. El concepto subyacente del poeta como creador no es infrecuente, y algunos poetas modernistas esencialmente no distinguen entre la creación de un poema con palabras y los actos creativos en otros medios. Sin embargo, otros modernistas desafían el intento mismo de definir la poesía como equivocada.

El rechazo de las formas y estructuras tradicionales de la poesía que comenzó en la primera mitad del siglo XX coincidió con un cuestionamiento del propósito y el significado de las definiciones tradicionales de poesía y de las distinciones entre poesía y prosa, particularmente dados ejemplos de prosa poética y poesía prosaica.. Numerosos poetas modernistas han escrito en formas no tradicionales o en lo que tradicionalmente se habría considerado prosa, aunque su escritura generalmente estaba impregnada de dicción poética y, a menudo, con ritmo y tono establecidos por medios no métricos. Si bien hubo una reacción formalista sustancial dentro de las escuelas modernistas a la ruptura de la estructura, esta reacción se centró tanto en el desarrollo de nuevas estructuras y síntesis formales como en el renacimiento de formas y estructuras más antiguas.

El posmodernismo va más allá del énfasis del modernismo en el papel creativo del poeta, para enfatizar el papel del lector de un texto (hermenéutica) y para resaltar la compleja red cultural dentro de la cual se lee un poema. Hoy, en todo el mundo, la poesía a menudo incorpora formas poéticas y dicción de otras culturas y del pasado, lo que confunde aún más los intentos de definición y clasificación que alguna vez tuvieron sentido dentro de una tradición como el canon occidental.

La tradición poética de principios del siglo XXI parece seguir orientándose fuertemente hacia tradiciones poéticas precursoras anteriores, como las iniciadas por Whitman, Emerson y Wordsworth. El crítico literario Geoffrey Hartman (1929-2016) utilizó la frase "la ansiedad de la demanda" para describir la respuesta contemporánea a las tradiciones poéticas más antiguas como "temer que el hecho ya no tenga forma".basándose en un tropo introducido por Emerson. Emerson había sostenido que en el debate sobre la estructura poética donde podía predominar la "forma" o el "hecho", uno simplemente necesitaba "preguntar al hecho por la forma". Esto ha sido cuestionado en varios niveles por otros académicos literarios como Harold Bloom (1930-2019), quien ha declarado: "La generación de poetas que se unen ahora, maduran y están listos para escribir el verso estadounidense más importante del siglo XXI, aún puede verse como lo que Stevens llamó 'el último adorno de una gran sombra', siendo la sombra de Emerson".

Elementos

Prosodia

La prosodia es el estudio de la métrica, el ritmo y la entonación de un poema. El ritmo y la métrica son diferentes, aunque estrechamente relacionados. El metro es el patrón definitivo establecido para un verso (como el pentámetro yámbico), mientras que el ritmo es el sonido real que resulta de una línea de poesía. La prosodia también puede usarse más específicamente para referirse al escaneo de líneas poéticas para mostrar la métrica.

Ritmo

Los métodos para crear un ritmo poético varían según los idiomas y entre las tradiciones poéticas. A menudo se describe que los idiomas tienen un tiempo establecido principalmente por acentos, sílabas o moras, dependiendo de cómo se establezca el ritmo, aunque un idioma puede verse influenciado por múltiples enfoques. El japonés es un idioma de mora. El latín, el catalán, el francés, el leonés, el gallego y el castellano se denominan lenguas sílabas temporizadas. Los idiomas de tiempo de estrés incluyen inglés, ruso y, en general, alemán. La entonación variable también afecta cómo se percibe el ritmo. Los idiomas pueden basarse en el tono o el tono. Algunos idiomas con acento tonal son el sánscrito védico o el griego antiguo. Los idiomas tonales incluyen chino, vietnamita y la mayoría de los idiomas subsaharianos.

El ritmo métrico generalmente involucra arreglos precisos de acentos o sílabas en patrones repetidos llamados pies dentro de una línea. En el verso del inglés moderno, el patrón de acentos diferencia principalmente los pies, por lo que el ritmo basado en la métrica en el inglés moderno se basa con mayor frecuencia en el patrón de sílabas acentuadas y átonas (solas o elididas). En las lenguas clásicas, por otro lado, mientras que las unidades métricas son similares, la longitud de la vocal en lugar de los acentos define la métrica. La poesía inglesa antigua usaba un patrón métrico que involucraba un número variado de sílabas pero un número fijo de acentos fuertes en cada línea.

El dispositivo principal de la poesía bíblica hebrea antigua, incluidos muchos de los salmos, era el paralelismo, una estructura retórica en la que las líneas sucesivas se reflejaban entre sí en estructura gramatical, estructura de sonido, contenido nocional, o los tres. El paralelismo se prestaba a la interpretación antifonal o de llamada y respuesta, que también podía reforzarse con la entonación. Por lo tanto, la poesía bíblica se basa mucho menos en pies métricos para crear ritmo, sino que crea ritmo basado en unidades de sonido mucho más grandes de líneas, frases y oraciones. Algunas formas de poesía clásica, como Venpa de la lengua tamil, tenían gramáticas rígidas (hasta el punto de que podían expresarse como una gramática libre de contexto) que aseguraban un ritmo.

La poética clásica china, basada en el sistema tonal del chino medio, reconocía dos tipos de tonos: el tono de nivel (平píng) y los tonos oblicuos (仄zè), categoría que consta del tono ascendente (上sháng), el tono de salida (去qù) tono y el tono de entrada (入rù). Ciertas formas de poesía imponían restricciones sobre qué sílabas debían estar niveladas y cuáles oblicuas.

Los patrones formales de métrica utilizados en el verso inglés moderno para crear ritmo ya no dominan la poesía inglesa contemporánea. En el caso del verso libre, el ritmo a menudo se organiza sobre la base de unidades de cadencia más flexibles en lugar de una métrica regular. Robinson Jeffers, Marianne Moore y William Carlos Williams son tres poetas notables que rechazan la idea de que la métrica acentuada regular es fundamental para la poesía inglesa. Jeffers experimentó con el ritmo saltado como alternativa al ritmo acentuado.

Metro

En la tradición poética occidental, los metros se agrupan habitualmente según un pie métrico característico y el número de pies por línea. El número de pies métricos en una línea se describe usando terminología griega: tetrámetro para cuatro pies y hexámetro para seis pies, por ejemplo. Así, "pentámetro yámbico" es una métrica de cinco pies por línea, en la que el tipo de pie predominante es el "yambo". Este sistema métrico se originó en la poesía griega antigua y fue utilizado por poetas como Píndaro y Safo, y por los grandes trágicos de Atenas. De manera similar, el "hexámetro dáctilo" comprende seis pies por línea, de los cuales el tipo de pie dominante es el "dáctilo". El hexámetro dactílico era la métrica tradicional de la poesía épica griega,El pentámetro yámbico y el hexámetro dactílico fueron utilizados más tarde por varios poetas, incluidos William Shakespeare y Henry Wadsworth Longfellow, respectivamente. Los pies métricos más comunes en inglés son:

• iamb – una sílaba no acentuada seguida de una sílaba acentuada (p. ej., describir, incluir, retractar)
• trochee—una sílaba acentuada seguida de una sílaba átona (p. ej., pic -ture, flow -er)
• dactyl: una sílaba acentuada seguida de dos sílabas átonas (por ejemplo, an -no-tate, sim -i-lar)
• anapaest: dos sílabas átonas seguidas de una sílaba acentuada (p. ej., com-pre- hend)
• spondee: dos sílabas acentuadas juntas (p. ej., heart - beat, four - teen)
• pírrico: dos sílabas átonas juntas (raro, generalmente se usa para terminar el hexámetro dactílico)

Existe una amplia gama de nombres para otros tipos de pies, hasta choriamb, un pie métrico de cuatro sílabas con una sílaba acentuada seguida de dos sílabas átonas y que cierra con una sílaba acentuada. El choriamb se deriva de alguna poesía antigua griega y latina. Los idiomas que utilizan la longitud de las vocales o la entonación en lugar de los acentos silábicos o además de ellos para determinar la métrica, como el turco otomano o el védico, a menudo tienen conceptos similares al yámbulo y al dáctilo para describir combinaciones comunes de sonidos largos y cortos.

Cada uno de estos tipos de pies tiene una cierta "sensación", ya sea solo o en combinación con otros pies. El yamb, por ejemplo, es la forma de ritmo más natural en el idioma inglés y generalmente produce un verso sutil pero estable. La métrica de barrido a menudo puede mostrar el patrón básico o fundamental que subyace a un verso, pero no muestra los diversos grados de énfasis, así como los diferentes tonos y longitudes de las sílabas.

Existe un debate sobre cuán útil es una multiplicidad de "pies" diferentes para describir el metro. Por ejemplo, Robert Pinsky ha argumentado que si bien los dáctilos son importantes en el verso clásico, el verso dáctilo en inglés usa dáctilos de manera muy irregular y puede describirse mejor basándose en patrones de yambos y anapestos, pies que él considera naturales en el idioma.El ritmo real es significativamente más complejo que el medidor escaneado básico descrito anteriormente, y muchos académicos han buscado desarrollar sistemas que escanearían tal complejidad. Vladimir Nabokov notó que superpuesto al patrón regular de sílabas acentuadas y no acentuadas en una línea de verso había un patrón separado de acentos resultantes del tono natural de las palabras habladas, y sugirió que el término "scud" se use para distinguir un acento no acentuado de un acento acentuado.

Patrones métricos

Las diferentes tradiciones y géneros de poesía tienden a usar diferentes métricas, que van desde el pentámetro yámbico de Shakespeare y el hexámetro dactílico homérico hasta el tetrámetro anapéstico que se usa en muchas canciones infantiles. Sin embargo, son comunes una serie de variaciones de la métrica establecida, tanto para dar énfasis o atención a un pie o línea determinada como para evitar repeticiones aburridas. Por ejemplo, se puede invertir el acento en un pie, se puede agregar una cesura (o pausa) (a veces en lugar de un pie o un acento) o se le puede dar una terminación femenina al pie final de una línea para suavizarlo o suavizarlo. reemplazado por un spondee para enfatizarlo y crear una parada dura. Algunos patrones (como el pentámetro yámbico) tienden a ser bastante regulares, mientras que otros patrones, como el hexámetro dactílico, tienden a ser muy irregulares.La regularidad puede variar entre idiomas. Además, a menudo se desarrollan diferentes patrones de manera distintiva en diferentes idiomas, de modo que, por ejemplo, el tetrámetro yámbico en ruso generalmente reflejará una regularidad en el uso de acentos para reforzar la métrica, lo que no ocurre, o ocurre en mucha menor medida. en Inglés.

Algunos patrones métricos comunes, con ejemplos notables de poetas y poemas que los usan, incluyen:

• Pentámetro yámbico (John Milton, Paradise Lost; William Shakespeare, Sonnets)
• Hexámetro dactílico (Homero, Ilíada; Virgilio, Eneida)
• Tetrámetro yámbico (Andrew Marvell, "To His Coy Mistress"; Alexander Pushkin, Eugene Onegin; Robert Frost, Stopping by Woods on a Snowy Evening)
• Octámetro trocaico (Edgar Allan Poe, "El cuervo")
• Tetrámetro trocaico (Henry Wadsworth Longfellow, La canción de Hiawatha; la epopeya nacional finlandesa, El Kalevala, también está en tetrámetro trocaico, el ritmo natural del finlandés y el estonio)
• Alexandrin (Jean Racine, Phèdre)

Rima, aliteración, asonancia

La rima, la aliteración, la asonancia y la consonancia son formas de crear patrones repetitivos de sonido. Pueden usarse como elemento estructural independiente en un poema, para reforzar patrones rítmicos o como elemento ornamental. También pueden tener un significado separado de los patrones de sonido repetitivos creados. Por ejemplo, Chaucer usó una gran aliteración para burlarse del verso en inglés antiguo y pintar un personaje como arcaico.

La rima consiste en sonidos idénticos ("rima dura") o similares ("rima suave") colocados al final de las líneas o en ubicaciones predecibles dentro de las líneas ("rima interna"). Los idiomas varían en la riqueza de sus estructuras de rima; El italiano, por ejemplo, tiene una rica estructura de rimas que permite mantener un conjunto limitado de rimas a lo largo de un poema extenso. La riqueza resulta de las terminaciones de palabras que siguen formas regulares. El inglés, con sus terminaciones de palabras irregulares adoptadas de otros idiomas, es menos rico en rimas. El grado de riqueza de las estructuras de rima de un idioma juega un papel importante en la determinación de qué formas poéticas se usan comúnmente en ese idioma.

La aliteración es la repetición de letras o sonidos de letras al comienzo de dos o más palabras que se suceden inmediatamente, o en intervalos cortos; o la recurrencia de la misma letra en partes acentuadas de palabras. La aliteración y la asonancia desempeñaron un papel clave en la estructuración de las primeras formas de poesía germánica, nórdica e inglesa antigua. Los patrones aliterados de la poesía germánica temprana entrelazan la métrica y la aliteración como una parte clave de su estructura, de modo que el patrón métrico determina cuándo el oyente espera que ocurran instancias de aliteración. Esto se puede comparar con un uso ornamental de la aliteración en la mayoría de la poesía europea moderna, donde los patrones aliterados no son formales ni se transmiten a través de estrofas completas. La aliteración es particularmente útil en idiomas con estructuras de rima menos ricas.

La asonancia, donde el uso de sonidos vocálicos similares dentro de una palabra en lugar de sonidos similares al principio o al final de una palabra, se usó ampliamente en la poesía escáldica, pero se remonta a la epopeya homérica. Debido a que los verbos tienen gran parte del tono en el idioma inglés, la asonancia puede evocar vagamente los elementos tonales de la poesía china y, por lo tanto, es útil para traducir poesía china. La consonancia ocurre cuando el sonido de una consonante se repite a lo largo de una oración sin poner el sonido solo al principio de una palabra. La consonancia provoca un efecto más sutil que la aliteración y por tanto es menos útil como elemento estructural.

Esquemas de rima

En muchos idiomas, incluidos los idiomas europeos modernos y el árabe, los poetas usan la rima en patrones establecidos como elemento estructural para formas poéticas específicas, como baladas, sonetos y coplas que riman. Sin embargo, el uso de la rima estructural no es universal ni siquiera dentro de la tradición europea. Gran parte de la poesía moderna evita los esquemas de rima tradicionales. La poesía clásica griega y latina no usaba rima. La rima entró en la poesía europea en la Alta Edad Media, en parte bajo la influencia de la lengua árabe en Al Andalus (España moderna). Los poetas de la lengua árabe utilizaron la rima ampliamente desde el primer desarrollo del árabe literario en el siglo VI, como en sus qasidas largas y rimadas.Algunos esquemas de rima se han asociado con un idioma, una cultura o un período específico, mientras que otros esquemas de rima se han logrado usar en todos los idiomas, culturas o períodos de tiempo. Algunas formas de poesía tienen un esquema de rima coherente y bien definido, como el canto real o el rubaiyat, mientras que otras formas poéticas tienen esquemas de rima variables.

La mayoría de los esquemas de rima se describen usando letras que corresponden a conjuntos de rimas, por lo que si la primera, segunda y cuarta línea de una cuarteta riman entre sí y la tercera línea no riman, se dice que la cuarteta tiene un "aa-ba". Esquema de rima. Este esquema de rima es el que se usa, por ejemplo, en la forma rubaiyat. De manera similar, una cuarteta "a-bb-a" (lo que se conoce como "rima cerrada") se usa en formas como el soneto petrarquista. Algunos tipos de esquemas de rima más complicados han desarrollado nombres propios, separados de la convención "a-bc", como ottava rima y terza rima. Los tipos y el uso de diferentes esquemas de rima se analizan más adelante en el artículo principal.

Forma en la poesía

La forma poética es más flexible en la poesía modernista y posmodernista y sigue estando menos estructurada que en épocas literarias anteriores. Muchos poetas modernos evitan estructuras o formas reconocibles y escriben en verso libre. Sin embargo, el verso libre no es "sin forma", sino que se compone de una serie de elementos prosódicos más sutiles y flexibles. Así, la poesía permanece, en todos sus estilos, distinguida de la prosa por la forma; En todas las variedades de verso libre se encontrará cierto respeto por las estructuras formales básicas de la poesía, por mucho que parezca que tales estructuras han sido ignoradas. De manera similar, en la mejor poesía escrita en estilos clásicos habrá desviaciones de la forma estricta por énfasis o efecto.

Entre los principales elementos estructurales utilizados en la poesía se encuentran el verso, la estrofa o el párrafo del verso, y combinaciones más amplias de estrofas o versos como los cantos. A veces también se utilizan presentaciones visuales más amplias de palabras y caligrafía. Estas unidades básicas de forma poética a menudo se combinan en estructuras más grandes, llamadas formas poéticas o modos poéticos (ver la siguiente sección), como en el soneto.

Líneas y estrofas

La poesía a menudo se separa en líneas en una página, en un proceso conocido como lineación. Estas líneas pueden basarse en el número de pies métricos o pueden enfatizar un patrón de rima al final de las líneas. Las líneas pueden cumplir otras funciones, particularmente cuando el poema no está escrito en un patrón métrico formal. Las líneas pueden separar, comparar o contrastar pensamientos expresados ​​en diferentes unidades, o pueden resaltar un cambio de tono. Consulte el artículo sobre saltos de línea para obtener información sobre la división entre líneas.

Las líneas de poemas a menudo se organizan en estrofas, que se denominan por el número de líneas incluidas. Así, una colección de dos versos es un pareado (o dístico), tres versos un triplete (o terceto), cuatro versos una cuarteta, y así sucesivamente. Estas líneas pueden o no relacionarse entre sí por rima o ritmo. Por ejemplo, un pareado puede ser de dos versos con métricas idénticas que riman o dos versos unidos por una sola métrica común.

Otros poemas pueden organizarse en párrafos en verso, en los que no se utilizan rimas regulares con ritmos establecidos, sino que el tono poético se establece mediante una colección de ritmos, aliteraciones y rimas establecidas en forma de párrafo. Muchos poemas medievales se escribieron en párrafos en verso, incluso cuando se usaron rimas y ritmos regulares.

En muchas formas de poesía, las estrofas se entrelazan, de modo que el esquema de rima u otros elementos estructurales de una estrofa determinan los de las estrofas siguientes. Los ejemplos de tales estrofas entrelazadas incluyen, por ejemplo, el gazal y la villanelle, donde se establece un estribillo (o, en el caso de la villanelle, estribillos) en la primera estrofa que luego se repite en las estrofas posteriores. Relacionado con el uso de estrofas entrelazadas está su uso para separar partes temáticas de un poema. Por ejemplo, la estrofa, la antistrofa y el epodo de la forma de oda a menudo se separan en una o más estrofas.

En algunos casos, particularmente en la poesía formal más larga, como algunas formas de poesía épica, las estrofas mismas se construyen de acuerdo con reglas estrictas y luego se combinan. En la poesía escáldica, la estrofa dróttkvætt tenía ocho versos, cada uno con tres "ascensores" producidos con aliteración o asonancia. Además de dos o tres aliteraciones, los versos impares tenían rima parcial de consonantes con vocales disímiles, no necesariamente al principio de la palabra; las líneas pares contenían rima interna en sílabas fijas (no necesariamente al final de la palabra). Cada media línea tenía exactamente seis sílabas, y cada línea terminaba en un troqueo. La disposición de los dróttkvætts siguió reglas mucho menos rígidas que la construcción de los dróttkvætts individuales.

Presentación visual

Incluso antes de la llegada de la imprenta, la apariencia visual de la poesía a menudo añadía significado o profundidad. Los poemas acrósticos transmiten significados en las letras iniciales de las líneas o en letras en otros lugares específicos de un poema. En la poesía árabe, hebrea y china, la presentación visual de poemas finamente caligrafiados ha jugado un papel importante en el efecto general de muchos poemas.

Con la llegada de la imprenta, los poetas ganaron un mayor control sobre las presentaciones visuales de su trabajo producidas en masa. Los elementos visuales se han convertido en una parte importante de la caja de herramientas del poeta, y muchos poetas han buscado utilizar la presentación visual para una amplia gama de propósitos. Algunos poetas modernistas han hecho de la colocación de líneas individuales o grupos de líneas en la página una parte integral de la composición del poema. A veces, esto complementa el ritmo del poema a través de cesuras visuales de varias longitudes, o crea yuxtaposiciones para acentuar el significado, la ambigüedad o la ironía, o simplemente para crear una forma estéticamente agradable. En su forma más extrema, esto puede conducir a la poesía concreta oa la escritura asémica.

Dicción

La dicción poética trata la forma en que se usa el lenguaje y se refiere no solo al sonido sino también al significado subyacente y su interacción con el sonido y la forma. Muchos idiomas y formas poéticas tienen dicciones poéticas muy específicas, hasta el punto en que se utilizan gramáticas y dialectos distintos específicamente para la poesía. Los registros en la poesía pueden variar desde el empleo estricto de patrones de habla ordinarios, como los que prevalecen en gran parte de la prosodia de finales del siglo XX, hasta usos del lenguaje muy ornamentados, como en la poesía medieval y renacentista.

La dicción poética puede incluir recursos retóricos como el símil y la metáfora, así como tonos de voz, como la ironía. Aristóteles escribió en la Poética que "lo mejor con diferencia es ser un maestro de la metáfora". Desde el surgimiento del Modernismo, algunos poetas han optado por una dicción poética que quita énfasis a los recursos retóricos, intentando en cambio la presentación directa de cosas y experiencias y la exploración del tono. Por otro lado, los surrealistas han llevado los recursos retóricos al límite, haciendo un uso frecuente de la catacresis.

Las historias alegóricas son fundamentales para la dicción poética de muchas culturas y fueron prominentes en Occidente durante la época clásica, la Baja Edad Media y el Renacimiento. Las fábulas de Esopo, repetidas veces tanto en verso como en prosa desde que se registraron por primera vez alrededor del año 500 a. C., son quizás la fuente individual más rica de poesía alegórica a lo largo de los siglos. Otros ejemplos notables incluyen Roman de la Rose, un poema francés del siglo XIII, Piers Plowman de William Langland en el siglo XIV y Fables de Jean de la Fontaine.(influenciado por el de Esopo) en el siglo XVII. Sin embargo, en lugar de ser completamente alegórico, un poema puede contener símbolos o alusiones que profundizan el significado o el efecto de sus palabras sin construir una alegoría completa.

Otro elemento de la dicción poética puede ser el uso de imágenes vívidas para el efecto. La yuxtaposición de imágenes inesperadas o imposibles es, por ejemplo, un elemento particularmente fuerte en la poesía surrealista y el haiku. Las imágenes vívidas a menudo están dotadas de simbolismo o metáfora. Muchas dicciones poéticas usan frases repetitivas para el efecto, ya sea una frase corta (como el "amanecer de dedos rosados" de Homero o "el mar oscuro como el vino") o un estribillo más largo. Tal repetición puede agregar un tono sombrío a un poema, o puede ir acompañada de ironía a medida que cambia el contexto de las palabras.

Formularios

Muchas culturas han desarrollado formas poéticas específicas. En formas poéticas más desarrolladas, cerradas o "recibidas", el esquema de rima, la métrica y otros elementos de un poema se basan en conjuntos de reglas, que van desde las reglas relativamente flexibles que gobiernan la construcción de una elegía hasta la estructura altamente formalizada del poema. ghazal o villanelle. A continuación se describen algunas formas comunes de poesía ampliamente utilizadas en varios idiomas. Se pueden encontrar formas adicionales de poesía en las discusiones de la poesía de culturas o períodos particulares y en el glosario.

Soneto

Entre las formas de poesía más comunes, populares desde finales de la Edad Media en adelante, se encuentra el soneto, que en el siglo XIII se había estandarizado en catorce versos siguiendo un esquema de rima y una estructura lógica establecidos. En el siglo XIV y el Renacimiento italiano, la forma se había cristalizado aún más bajo la pluma de Petrarca, cuyos sonetos fueron traducidos en el siglo XVI por Sir Thomas Wyatt, a quien se le atribuye la introducción de la forma del soneto en la literatura inglesa. Un soneto tradicional italiano o petrarquista sigue el esquema de rima ABBA, ABBA, CDECDE, aunque es común alguna variación, quizás la más común es CDCDCD, especialmente dentro de las últimas seis líneas (o sestet). El soneto inglés (o de Shakespeare) sigue el esquema de rimaABAB, CDCD, EFEF, GG, introduciendo una tercera cuarteta (agrupación de cuatro versos), un pareado final y una mayor variedad en cuanto a la rima que la habitual en sus predecesores italianos. Por convención, los sonetos en inglés suelen utilizar el pentámetro yámbico, mientras que en las lenguas romances, el endecasílabo y el alejandrino son las métricas más utilizadas.

Los sonetos de todo tipo a menudo hacen uso de una volta, o "giro", un punto en el poema en el que una idea se invierte, se responde (o introduce) una pregunta o el tema se complica aún más. Este volta a menudo puede tomar la forma de una declaración "pero" que contradice o complica el contenido de las líneas anteriores. En el soneto petrarquista, el giro tiende a caer alrededor de la división entre las dos primeras cuartetas y el sexteto, mientras que los sonetos ingleses generalmente lo ubican al comienzo o cerca del pareado final.

Los sonetos se asocian particularmente con una alta dicción poética, imágenes vívidas y amor romántico, en gran parte debido a la influencia de Petrarca y de los primeros practicantes ingleses como Edmund Spenser (quien dio su nombre al soneto de Spenser), Michael Drayton y Shakespeare., cuyos sonetos se encuentran entre los más famosos de la poesía inglesa, con veinte incluidos en el Oxford Book of English Verse. Sin embargo, los giros y vueltas asociados con la volta permiten una flexibilidad lógica aplicable a muchos temas.Poetas desde los primeros siglos del soneto hasta el presente han utilizado la forma para abordar temas relacionados con la política (John Milton, Percy Bysshe Shelley, Claude McKay), la teología (John Donne, Gerard Manley Hopkins), la guerra (Wilfred Owen, ee cummings), y género y sexualidad (Carol Ann Duffy). Además, autores posmodernos como Ted Berrigan y John Berryman han desafiado las definiciones tradicionales de la forma del soneto, presentando secuencias completas de "sonetos" que a menudo carecen de rima, una progresión lógica clara o incluso un recuento constante de catorce líneas.

Shi

Shi (chino simplificado:诗; chino tradicional:詩; pinyin: shī; Wade–Giles: shih) es el principal tipo de poesía china clásica. Dentro de esta forma de poesía, las variaciones más importantes son el verso de estilo "canción popular" (yuefu), el verso de "estilo antiguo" (gushi), el verso de "estilo moderno" (jintishi). En todos los casos, la rima es obligatoria. El Yuefu es una balada popular o un poema escrito en estilo de balada popular, y el número de líneas y la longitud de las líneas pueden ser irregulares. Para las otras variaciones de la poesía shi, generalmente una de cuatro líneas (cuarteta o jueju) o bien un poema de ocho versos es normal; de cualquier manera con las líneas pares que riman. La longitud de la línea se escanea con un número correspondiente de caracteres (de acuerdo con la convención de que un carácter equivale a una sílaba), y son predominantemente de cinco o siete caracteres, con una cesura antes de las tres sílabas finales. Los versos generalmente están detenidos al final, considerados como una serie de coplas, y exhiben paralelismo verbal como un dispositivo poético clave. El verso de "estilo antiguo" (Gushi) es menos estricto formalmente que el jintishi, o verso regulado, que, a pesar del nombre de verso de "estilo nuevo", en realidad tenía su base teórica en Shen Yue (441–513 EC), aunque no se considera que haya alcanzado su pleno desarrollo hasta la época de Chen Zi'Un buen ejemplo de un poeta conocido por sus poemas Gushi es Li Bai (701–762 EC). Entre sus otras reglas, las reglas jintishi regulan las variaciones tonales dentro de un poema, incluido el uso de patrones fijos de los cuatro tonos del chino medio. La forma básica de jintishi (sushi) tiene ocho líneas en cuatro coplas, con paralelismo entre las líneas en la segunda y tercera coplas. Los pareados con líneas paralelas contienen un contenido contrastante pero una relación gramatical idéntica entre las palabras. Los jintishi suelen tener una rica dicción poética, llena de alusiones, y pueden tratar una amplia gama de temas, incluidas la historia y la política. Uno de los maestros de la forma fue Du Fu (712–770 EC), quien escribió durante la dinastía Tang (siglo VIII).

Villanelle

La villanelle es un poema de diecinueve versos compuesto por cinco trillizos con una cuarteta de cierre; el poema se caracteriza por tener dos estribillos, utilizados inicialmente en el primer y tercer verso de la primera estrofa, y luego utilizados alternativamente al final de cada estrofa subsiguiente hasta la cuarteta final, que concluye con los dos estribillos. Los versos restantes del poema tienen una rima ab alterna. La villanelle se ha utilizado regularmente en inglés desde finales del siglo XIX por poetas como Dylan Thomas, WH Auden y Elizabeth Bishop.

Quintilla cómica

Un limerick es un poema que consta de cinco líneas y suele ser humorístico. El ritmo es muy importante en las quintillas porque la primera, segunda y quinta líneas deben tener de siete a diez sílabas. Sin embargo, las líneas tercera y cuarta solo necesitan de cinco a siete. Todas las líneas deben rimar y tener el mismo ritmo. Los practicantes del limerick incluyeron a Edward Lear, Lord Alfred Tennyson, Rudyard Kipling, Robert Louis Stevenson.

Tanka

Tanka es una forma de poesía japonesa sin rima, con cinco secciones que suman 31 on (unidades fonológicas idénticas a morae), estructuradas en un patrón 5-7-5-7-7. Generalmente hay un cambio en el tono y el tema entre la frase superior 5-7-5 y la frase inferior 7-7. Los tanka fueron escritos ya en el período Asuka por poetas como Kakinomoto no Hitomaro (finales del siglo VII), en un momento en que Japón estaba saliendo de un período en el que gran parte de su poesía seguía la forma china.Tanka era originalmente la forma más corta de poesía formal japonesa (a la que generalmente se hacía referencia como "waka"), y se usaba más para explorar temas personales que públicos. Para el siglo X, tanka se había convertido en la forma dominante de la poesía japonesa, hasta el punto en que el término originalmente general waka ("poesía japonesa") pasó a usarse exclusivamente para tanka. Tanka todavía se escriben ampliamente en la actualidad.

Haiku

Haiku es una forma popular de poesía japonesa sin rima, que evolucionó en el siglo XVII a partir del hokku, o verso inicial de un renku. Generalmente escrito en una sola línea vertical, el haiku contiene tres secciones que suman 17 on (morae), estructuradas en un patrón 5-7-5. Tradicionalmente, los haiku contienen un kireji, o palabra cortante, generalmente colocada al final de una de las tres secciones del poema, y ​​un kigo, o palabra de temporada. El exponente más famoso del haiku fue Matsuo Bashō (1644-1694). Un ejemplo de su escritura:富士の風や扇にのせて江戸土産fuji no kaze ya oogi ni nosete Edo miyageel viento del monte Fuji¡He traído mi abanico!un regalo de edo

Khlong

El khlong (โคลง,[kʰlōːŋ]) se encuentra entre las formas poéticas tailandesas más antiguas. Esto se refleja en sus requisitos sobre las marcas de tono de ciertas sílabas, que deben marcarse con mai ek (ไม้เอก, pronunciación tailandesa: [máj èːk], ◌่) o mai tho (ไม้โท,[máj tʰōː], ◌้). Esto probablemente se derivó de cuando el idioma tailandés tenía tres tonos (a diferencia de los cinco actuales, una división que ocurrió durante el período del Reino de Ayutthaya), dos de los cuales correspondían directamente a las marcas antes mencionadas. Por lo general, se considera una forma poética avanzada y sofisticada.

En khlong, una estrofa (bot, บท, pronunciación tailandesa: [bòt]) tiene varias líneas (bat, บาท, pronunciación tailandesa: [bàːt], del pali y el sánscrito pāda), dependiendo del tipo. Los murciélagos se subdividen en dos wak (วรรค, pronunciación tailandesa: [wák], del sánscrito varga). El primer wak tiene cinco sílabas, el segundo tiene un número variable, también según el tipo, y puede ser opcional. El tipo de khlongse nombra por el número de bat en una estrofa; también se puede dividir en dos tipos principales: khlong suphap (โคลงสุภาพ,[kʰlōːŋ sù.pʰâːp]) y khlong dan (โคลงดั้น,[kʰlōːŋ dân]). Los dos se diferencian en el número de sílabas en el segundo wak del último bat y en las reglas de rima entre estrofas.

Khlong si suphap

El khlong si suphap (โคลงสี่สุภาพ,[kʰlōːŋ sìː sù.pʰâːp]) is the most common form still currently employed. It has four bat per stanza (si translates as four). The first wak of each bat has five syllables. The second wak has two or four syllables in the first and third bat, two syllables in the second, and four syllables in the fourth. Mai ek is required for seven syllables and Mai tho is required for four, as shown below. "Dead word" syllables are allowed in place of syllables which require mai ek, and changing the spelling of words to satisfy the criteria is usually acceptable.

Ode

Las odas fueron desarrolladas por primera vez por poetas que escribían en griego antiguo, como Píndaro, y en latín, como Horacio. Formas de odas aparecen en muchas de las culturas que fueron influenciadas por los griegos y los latinos.La oda generalmente tiene tres partes: una estrofa, una antístrofa y un epodo. La estrofa y la antistrofa de la oda poseen estructuras métricas similares y, según la tradición, estructuras de rima similares. En cambio, el epodo está escrito con un esquema y estructura diferente. Las odas tienen una dicción poética formal y generalmente tratan un tema serio. La estrofa y la antistrofa miran el tema desde perspectivas diferentes, a menudo conflictivas, con el epodo moviéndose a un nivel superior para ver o resolver los problemas subyacentes. Las odas a menudo están destinadas a ser recitadas o cantadas por dos coros (o individuos), el primero recitando la estrofa, el segundo la antístrofa y ambos juntos el epodo.Con el tiempo, se han desarrollado diferentes formas para las odas con variaciones considerables en forma y estructura, pero generalmente mostrando la influencia original de la oda pindárica u horaciana. Una forma no occidental que se parece a la oda es la qasida en la poesía persa.

Ghazal

El ghazal (también ghazel, gacela, gazal o gozol) es una forma de poesía común en árabe, bengalí, persa y urdu. En forma clásica, el ghazal tiene de cinco a quince coplas que riman y comparten un estribillo al final de la segunda línea. Este estribillo puede ser de una o varias sílabas y va precedido de una rima. Cada línea tiene un metro idéntico. El ghazal a menudo reflexiona sobre un tema de amor o divinidad inalcanzables.

Al igual que con otras formas con una larga historia en muchos idiomas, se han desarrollado muchas variaciones, incluidas formas con una dicción poética casi musical en urdu. Los gazales tienen una afinidad clásica con el sufismo, y varias de las principales obras religiosas sufíes están escritas en forma de gazal. La métrica relativamente constante y el uso del estribillo producen un efecto de encantamiento, que complementa bien los temas místicos sufíes. Entre los maestros de la forma se encuentra Rumi, un poeta persa del siglo XIII. Uno de los poetas más famosos en este tipo de poesía es Hafez, cuyos poemas a menudo incluyen el tema de exponer la hipocresía. Su vida y sus poemas han sido objeto de muchos análisis, comentarios e interpretaciones, y han influido más que ningún otro autor en la escritura persa posterior al siglo XIV.El West-östlicher Diwan de Johann Wolfgang von Goethe, una colección de poemas líricos, está inspirado en el poeta persa Hafez.

Géneros

Además de formas específicas de poemas, a menudo se piensa en la poesía en términos de diferentes géneros y subgéneros. Un género poético es generalmente una tradición o clasificación de poesía basada en el tema, el estilo u otras características literarias más amplias. Algunos comentaristas ven los géneros como formas naturales de literatura. Otros ven el estudio de los géneros como el estudio de cómo diferentes obras se relacionan y se refieren a otras obras.

Poesía narrativa

La poesía narrativa es un género de poesía que cuenta una historia. En términos generales, incluye la poesía épica, pero el término "poesía narrativa" a menudo se reserva para obras más pequeñas, generalmente con un mayor atractivo para el interés humano. La poesía narrativa puede ser el tipo más antiguo de poesía. Muchos estudiosos de Homero han llegado a la conclusión de que su Ilíada y Odisea se componían de compilaciones de poemas narrativos más breves que relataban episodios individuales. Gran parte de la poesía narrativa, como las baladas escocesas e inglesas y los poemas heroicos bálticos y eslavos, es poesía escénica con raíces en una tradición oral preliteraria. Se ha especulado que algunas características que distinguen la poesía de la prosa, como la métrica, la aliteración y los kennings, alguna vez sirvieron como ayudas para la memoria de los bardos que recitaban cuentos tradicionales.

Los poetas narrativos notables han incluido a Ovidio, Dante, Juan Ruiz, William Langland, Chaucer, Fernando de Rojas, Luís de Camões, Shakespeare, Alexander Pope, Robert Burns, Adam Mickiewicz, Alexander Pushkin, Edgar Allan Poe, Alfred Tennyson y Anne Carson.

Poesía lírica

La poesía lírica es un género que, a diferencia de la poesía épica y dramática, no pretende contar una historia sino que tiene un carácter más personal. Los poemas de este género tienden a ser más breves, melódicos y contemplativos. En lugar de representar personajes y acciones, retrata los propios sentimientos, estados de ánimo y percepciones del poeta. Los poetas notables en este género incluyen a Christine de Pizan, John Donne, Charles Baudelaire, Gerard Manley Hopkins, Antonio Machado y Edna St. Vincent Millay.

Poesía épica

La poesía épica es un género de poesía y una forma importante de literatura narrativa. Este género a menudo se define como poemas extensos sobre eventos de naturaleza heroica o importante para la cultura de la época. Cuenta, en una narración continua, la vida y obra de una persona o grupo de personas heroicas o mitológicas. Ejemplos de poemas épicos son la Ilíada y la Odisea de Homero, la Eneida de Virgilio, el Nibelungenlied, Os Lusíadas de Luís de Camões, el Cantar de Mio Cid, la Epopeya de Gilgamesh, el Mahabharata, el Kalevala de Lönnrot, el Ramayana de Valmiki, el Shahnama de Ferdowsi., Khamse (Cinco libros) de Nizami (o Nezami) y la epopeya del rey Gesar. Si bien la composición de poesía épica, y de poemas largos en general, se volvió menos común en Occidente después de principios del siglo XX, se han seguido escribiendo algunas epopeyas notables. Los Cantos de Ezra Pound, Helen in Egypt de HD y Paterson (poema) de William Carlos Williams son ejemplos de epopeyas modernas. Derek Walcott ganó un premio Nobel en 1992 en gran medida sobre la base de su epopeya, Omeros.

Poesía satírica

La poesía puede ser un vehículo poderoso para la sátira. Los romanos tenían una fuerte tradición de poesía satírica, a menudo escrita con fines políticos. Un ejemplo notable son las sátiras del poeta romano Juvenal.

Lo mismo ocurre con la tradición satírica inglesa. John Dryden (un conservador), el primer poeta laureado, produjo en 1682 Mac Flecknoe, subtitulado "Una sátira sobre el verdadero poeta protestante azul, TS" (una referencia a Thomas Shadwell). Los poetas satíricos fuera de Inglaterra incluyen a Ignacy Krasicki de Polonia, Sabir de Azerbaiyán, Manuel Maria Barbosa du Bocage de Portugal y Kim Kirim de Corea, especialmente conocido por su Gisangdo.

Elegía

Una elegía es un poema fúnebre, melancólico o quejumbroso, especialmente un lamento por los muertos o un canto fúnebre. El término "elegía", que originalmente denotaba un tipo de métrica poética (métrica elegíaca), comúnmente describe un poema de duelo. Una elegía también puede reflejar algo que al autor le parezca extraño o misterioso. La elegía, como reflexión sobre una muerte, sobre un dolor en general, o sobre algo misterioso, puede clasificarse como una forma de poesía lírica.

Los practicantes notables de la poesía elegíaca han incluido a Propercio, Jorge Manrique, Jan Kochanowski, Chidiock Tichborne, Edmund Spenser, Ben Jonson, John Milton, Thomas Gray, Charlotte Smith, William Cullen Bryant, Percy Bysshe Shelley, Johann Wolfgang von Goethe, Evgeny Baratynsky, Alfred Tennyson, Walt Whitman, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez, William Butler Yeats, Rainer Maria Rilke y Virginia Woolf.

Fábula en verso

La fábula es un género literario antiguo, a menudo (aunque no invariablemente) en verso. Es una historia sucinta que presenta animales antropomorfizados, criaturas legendarias, plantas, objetos inanimados o fuerzas de la naturaleza que ilustran una lección moral (una "moraleja"). Las fábulas en verso han utilizado una variedad de patrones de métrica y rima.

Los fabuladores de versos notables han incluido a Esopo, Vishnu Sarma, Phaedrus, Marie de France, Robert Henryson, Biernat of Lublin, Jean de La Fontaine, Ignacy Krasicki, Félix María de Samaniego, Tomás de Iriarte, Ivan Krylov y Ambrose Bierce.

Poesía dramática

La poesía dramática es drama escrito en verso para ser hablado o cantado, y aparece en formas variadas, a veces relacionadas, en muchas culturas. La tragedia griega en verso data del siglo VI a. C. y puede haber influido en el desarrollo del drama sánscrito, al igual que el drama indio, a su vez, parece haber influido en el desarrollo de los dramas en verso bianwen en China, precursores de la ópera china. Los dramas en verso de Asia oriental también incluyen el noh japonés. Los ejemplos de poesía dramática en la literatura persa incluyen las dos famosas obras dramáticas de Nizami, Layla y Majnun y Khosrow y Shirin, las tragedias de Ferdowsi como Rostam y Sohrab, Rumi's Masnavi, la tragedia de Gorgani de Vis y Ramin.y la tragedia de Farhad de Vahshi. Los poetas estadounidenses del siglo XX reviven la poesía dramática, incluidos Ezra Pound en " Sestina: Altaforte ", TS Eliot con "The Love Song of J. Alfred Prufrock".

Poesía especulativa

La poesía especulativa, también conocida como poesía fantástica (de la cual la poesía extraña o macabra es una subclasificación importante), es un género poético que trata temáticamente temas que están "más allá de la realidad", ya sea a través de la extrapolación como en la ciencia ficción o a través de extraños y extraños. temas horribles como en la ficción de terror. Tal poesía aparece regularmente en revistas modernas de ciencia ficción y ficción de terror. Edgar Allan Poe a veces se considera el "padre de la poesía especulativa". El logro más notable de Poe en el género fue su anticipación, por tres cuartos de siglo, de la teoría del Big Bang sobre el origen del universo, en su entonces muy ridiculizado ensayo de 1848 (que, debido a su naturaleza muy especulativa, denominó un "poema en prosa"), Eureka: un poema en prosa.

Poesía en prosa

La poesía en prosa es un género híbrido que muestra atributos tanto de la prosa como de la poesía. Puede ser indistinguible del microrrelato (también conocido como "cuento corto", "ficción rápida"). Si bien algunos ejemplos de prosa anterior sorprenden a los lectores modernos como poéticos, se considera comúnmente que la poesía en prosa se originó en la Francia del siglo XIX, donde sus practicantes incluyeron a Aloysius Bertrand, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud y Stéphane Mallarmé. Especialmente desde finales de la década de 1980, la poesía en prosa ha ganado una popularidad cada vez mayor, con revistas completas, como The Prose Poem: An International Journal, Contemporary Haibun Online y Haibun Today. dedicada a ese género y sus híbridos. Los poetas latinoamericanos del siglo XX que escribieron poemas en prosa incluyen a Octavio Paz y Alejandra Pizarnik.

Poesía ligera

La poesía ligera, o el verso ligero, es poesía que intenta ser humorística. Los poemas considerados "ligeros" suelen ser breves y pueden tratar un tema frívolo o serio y, a menudo, presentan juegos de palabras, incluidos juegos de palabras, rimas aventureras y aliteraciones pesadas. Aunque algunos poetas de verso libre se han destacado en el verso ligero fuera de la tradición del verso formal, el verso ligero en inglés generalmente obedece al menos a algunas convenciones formales. Las formas comunes incluyen el limerick, el clerihew y el doble dáctilo.

Mientras que la poesía ligera a veces se condena como tonterías, o se piensa que es una poesía compuesta casualmente, el humor a menudo hace un punto serio de una manera sutil o subversiva. Muchos de los poetas "serios" más renombrados también se han destacado en el verso ligero. Los escritores notables de poesía ligera incluyen a Lewis Carroll, Ogden Nash, XJ Kennedy, Willard R. Espy, Shel Silverstein y Wendy Cope.

Gran poesía

La poesía slam como género se originó en 1986 en Chicago, Illinois, cuando Marc Kelly Smith organizó el primer slam. Los artistas de Slam comentan emotivamente, en voz alta ante una audiencia, sobre asuntos personales, sociales o de otro tipo. Slam se centra en la estética de los juegos de palabras, la entonación y la inflexión de la voz. La poesía Slam suele ser competitiva, en concursos dedicados a "poetry slam".

Poesía y religión

Puede haber diferentes puntos de vista sobre la poesía religiosa. Como observa Nissim Ezekiel:

...los poetas que tienen experiencias místicas y las proyectan en verso ocasionalmente han tenido éxito pero los místicos que escriben poesía lo hacen mal. Los himnos religiosos, por notable que sea el sentimiento religioso que expresan, no son especialmente poéticos. La gran poesía religiosa existe, sin duda, pero la grandeza se divide desigualmente entre la poesía y la religión, mientras que la integración perfecta entre los dos es rara.