Pintura monocroma

pintura monocromática ha desempeñado un papel importante en el arte visual occidental moderno y contemporáneo, originado en las vanguardias europeas de principios del siglo XX. Los artistas han explorado el potencial no representacional de un solo color, investigando cambios de valor, diversidad de texturas y matices formales como medio de expresión emocional, investigación visual de las propiedades inherentes de la pintura, así como un punto de partida para obras conceptuales.. Desde la abstracción geométrica en una variedad de medios hasta la pintura gestual no representativa, las obras monocromáticas siguen siendo una influencia importante en el arte contemporáneo.

Orígenes

La pintura monocromática se inició en la primera edición de Incoherent arts' exposición de 1882 en París, con un cuadro negro del poeta Paul Bilhaud titulado Combat de Nègres colgante la nuit ("Batalla de negros durante la noche"). Desaparecida desde 1882, esta pintura fue encontrada por el experto Johann Naldi en 2017-2018 en una colección privada. Ha sido clasificado como Tesoro Nacional por el estado francés. Aunque Bilhaud no fue el primero en crear una obra de arte completamente negra: por ejemplo, Robert Fludd publicó una imagen de la Oscuridad en su libro de 1617 sobre el origen y la estructura del cosmos; y Bertall publicó su Vue de La Hogue (effet de nuit) en negro en 1843. En las exposiciones posteriores de Artes incoherentes (también en la década de 1880) el escritor Alphonse Allais propuso otras pinturas monocromáticas, como < i>Première communion de jeunes filles clorotiques par un temps de neige ("Primera comunión de niñas anémicas en la nieve", blanco), o Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge ("Cosecha de tomates por cardenales apopléjicos en la orilla del Mar Rojo", rojo). Allais publicó su Album primo-avrilesque en 1897, una monografía con siete obras de arte monocromáticas. Sin embargo, este tipo de actividad tiene más similitud con el dadaísmo o neodadá del siglo XX, y particularmente con las obras del grupo Fluxus de la década de 1960, que con la pintura monocromática del siglo XX desde Malevich.

Jean Metzinger, tras el Succès de escándalo creado a partir de la exposición cubista en el Salon des Indépendants de 1911, en una entrevista con Cyril Berger publicada en el Paris-Journal el 29 de mayo 1911, declaró:

Los cubistas sólo hemos hecho nuestro deber creando un nuevo ritmo en beneficio de la humanidad. Otros vendrán tras nosotros que harán lo mismo. ¿Qué van a encontrar? Ese es el tremendo secreto del futuro. Quien sabe si algún día, un gran pintor, mirando con escarnio en el juego a menudo brutal de supuestos coloristas y tomando los siete colores de vuelta a la unidad blanca primordial que los abarca a todos, no exhibirá telas completamente blancas, sin nada, absolutamente nada en ellos. (Jean Metzinger, 29 de mayo de 1911)

La (entonces) audaz predicción de Metzinger de que los artistas llevarían la abstracción a su conclusión lógica abandonando por completo el tema representacional y regresando a lo que Metzinger llama la "unidad blanca primordial", una "unidad blanca primordial".;lienzo completamente blanco" se realizaría dos años después. El autor de un manifiesto satírico titulado Manifeste de l'école amorphiste, publicado en Les Hommes du Jour (3 de mayo de 1913), pudo haber tenido la influencia de Metzinger. visión en mente cuando el autor justificó los lienzos en blanco del amorfismo afirmando que "la luz es suficiente para nosotros". En perspectiva, escribe el historiador del arte Jeffery S. Weiss, "Vers Amorphisme puede ser un galimatías, pero también fue un lenguaje fundacional suficiente para anticipar las implicaciones reductivistas extremas de la no objetividad".

En un sentido amplio y general, se encuentran raíces europeas del minimalismo en las abstracciones geométricas de los pintores asociados con la Bauhaus, en las obras de Kazimir Malevich, Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento De Stijl, y el constructivista ruso. movimiento, y en la obra del escultor rumano Constantin Brâncuși. El arte minimalista también se inspira en parte en las pinturas de Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers y las obras de artistas tan diversos como Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi y otros. El minimalismo fue también una reacción contra la subjetividad pictórica del expresionismo abstracto que había sido dominante en la Escuela de Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950.

La amplia gama de posibilidades (incluida la imposibilidad) de interpretación de las pinturas monocromáticas es posiblemente la razón por la que el monocromo resulta tan atractivo para tantos artistas, críticos y escritores. Aunque el monocromo nunca ha llegado a ser dominante y pocos artistas se han comprometido exclusivamente con él, nunca ha desaparecido. Reaparece como un espectro que acecha al alto modernismo, o como un símbolo del mismo, apareciendo en tiempos de agitaciones estéticas y sociopolíticas.

Suprematismo y constructivismo

La pintura monocromática, tal como se la entiende hoy en día, comenzó en Moscú, con la Composición suprematista: blanco sobre blanco de 1918 del artista suprematista Kazimir Malevich. Esta fue una variación o secuela de su obra de 1915 Cuadrado negro sobre un campo blanco, una obra muy importante por derecho propio para la abstracción geométrica del siglo XX.

En 1921, el artista constructivista Alexander Rodchenko exhibió Color rojo puro, Color azul puro y Color amarillo puro: tres pinturas juntas, cada una de ellas un monocromo de uno de los tres. colores primarios. Su intención era que esta obra representara la "muerte de la pintura". Mientras Rodchenko pretendía que su monocromo fuera un desmantelamiento de los supuestos típicos de la pintura, Malevich veía su trabajo como una concentración en ellos, una especie de meditación sobre la esencia del arte (“sensamiento puro”).

Estos dos enfoques articularon muy temprano en su historia la dinámica casi paradójica de este tipo de trabajo: que uno puede leer un monocromo como una superficie plana (entidad material o “pintura como objeto”) que no representa nada más que en sí mismo, y por lo tanto representa un final en la evolución del ilusionismo en la pintura (es decir, Rodchenko); o como una representación del espacio multidimensional (infinito), una realización de la pintura ilusionista, que representa una nueva evolución, un nuevo comienzo, en la historia de la pintura occidental (Malevich). Además, muchos han señalado que puede resultar difícil deducir las intenciones del artista a partir de la pintura misma, sin hacer referencia al comentario del artista.

Artistas

Nueva York

Expresionistas abstractos

• Milton Resnick tuvo una larga carrera como pintor expresionista abstracto. Inicialmente, durante la década de 1940, exploró el estilo de la pintura de acción entonces corriente. Su trabajo posterior, desde los años 50 hasta los años 70, se caracteriza a menudo como impresionista abstracto, porque construyó sus composiciones allover con pinceladas múltiples, repetitivas y de gran valor, de la manera de Claude Monet en el famoso Waterlilies serie. Durante las dos últimas y media décadas de su carrera de pintura Las pinturas de Resnick se convirtieron en monocromáticas, aunque con superficies espesamente cepilladas y capas.
• Ad Reinhardt fue un artista expresionista abstracto notable por pintar casi monocromos "puros" durante un periodo considerable de tiempo (aproximadamente de 1952 a su muerte en 1967), en rojo o azul, y por último y más (en)famosamente, en negro. Al igual que las obras de Johns mencionadas a continuación, las pinturas negras de Reinhardt contenían indicios débiles de forma geométrica, pero las delineaciones reales no son fácilmente visibles hasta que el espectador pasa tiempo con la obra. Esto tiende a fomentar un estado de meditación contemplativa en el espectador, y a crear incertidumbre sobre la percepción; en términos de la famosa cita de Frank Stella, se puede cuestionar si "lo que ves" es en realidad lo que estás viendo.
• Richard Pousette-Dart creó varias series distintas de pinturas durante su larga carrera como pintor expresionista abstracto, su serie monocromática llamada Presencias a finales de la década de 1950 a principios de la década de 1990, fue uno de sus más poderosos.

campo de color

A partir de las décadas de 1950 y 1960, varios artistas expresionistas / de campo de color abstracto (especialmente: Barnett Newman, Mark Rothko, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Theodoros Stamos, Sam Francis, Ludwig Sander, Clyfford Still, Jules Olitski y otros) Motivos explorados que parecían implicar monocromo, empleando campos de color amplios y planos en imágenes a gran escala que demostraron ser muy influyentes para los estilos más nuevos, como la abstracción posterior a la pintura, la abstracción lírica y el minimalismo.

Una de las pinturas casi monocromáticas de Barnett Newman generó indignación y ridículo generalizado (y discusión) en Canadá cuando la Galería Nacional compró su pintura de 1967 Voz de fuego por $ 1.8 millones en la década de 1980. Otra de las abstracciones geométricas muy escasas de Barnett Newman (aunque técnicamente no monocromo) fue cortada con un cuchillo por un espectador enfurecido en la década de 1980 en el Museo STEDELIJK en Amsterdam.

Abstracción lírica

Pintores abstraccionistas líricos como Ronald Davis, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ralph Humphrey, David Budd, David R. Prentice, David Diao, David Novros, Jake Berthot y otros también Explorado y trabajado en una serie de lienzos rectangulares y con forma que se acercaban al monocromo, con variaciones, especialmente durante los años sesenta y setenta.

lienzo en forma

Desde la década de 1960, los artistas tan diversos como Frank Stella, Ellsworth Kelly, Ronald Davis, David Novros, Paul Mogensen, Patricia Johanson y otros hicieron pinturas monocromáticas en varios lienzos de forma. Mientras que algunas de sus obras monocromáticas relacionadas con el minimalismo, ninguno de los anteriores era minimalistas.

neo-dada

• Robert Rauschenberg: "Un lienzo nunca está vacío". A principios de la década de 1950, se conoció por lienzos blancos, luego negros y eventualmente rojos monocromos. En el Pinturas blancas (1951) serie, Rauschenberg aplicó pintura cotidiana con rodillos de pintura para lograr superficies suaves "negros". Los paneles blancos se exhibieron solos o en agrupaciones modulares. El Pinturas negras (1951-1953) incorpora la textura bajo la superficie pintada a través de un periódico collaged que a veces indica una estructura similar a la cuadrícula. El Pinturas rojas (1953-54) incorporan aún más materiales como la madera y la tela bajo la superficie fuertemente pintada, y parecen foreshadow Rauschenberg's development of assemblage in his "Combine Pinturas" as well as his stated intention to act in "the gap" between "Art" and "Life".

Los lienzos blancos se asociaron con la obra 4'33" del compositor John Cage, que consistía en tres movimientos de silencio, y fue inspirado al menos en parte por el estudio de Cage sobre el budismo zen. En ambas obras se llama la atención a elementos de escucha / visualización que se encuentran fuera del control del artista: por ejemplo, los sonidos del entorno del concierto, o el juego de sombras y partículas de polvo que acumulan sobre las superficies de tela "negros" – jaula.

En un trabajo relacionado, su Borrado de Kooning Dibujo de 1953, Rauschenberg borró un dibujo del artista expresionista abstracto Willem de Kooning. Tal vez sorprendentemente, De Kooning era simpático con los objetivos de Rauschenberg y apoyó implícitamente este experimento proporcionando al artista más joven uno de sus propios dibujos que fue muy trabajado densamente, tomando 2 meses y muchos borradores para Rauschenberg para borrar (incompletamente).

• Jasper Johns era amigo de Rauschenberg, y ambos fueron categorizados a menudo como Neo-Dadaist, señalando su rechazo a la estética expresionista abstracta que era dominante en la década de 1950. Johns pintó una serie de obras como Bandera blanca, Meta verde, y Tango, en el que sólo hay una ligera indicación de una imagen, que se parece a la Plaza Blanca en un campo blanco de Malevich en técnica.

Estos trabajos a menudo muestran más evidencia del cepillo que normalmente se asocia con la pintura monocroma. Muchas otras obras también se acercan al monocromo, como las obras melancólicas "verde" de principios de la década de 1960, pero con objetos reales ("assemblage") o texto añadido.

Minimalistas

• Ellsworth Kelly pasó mucho tiempo en París y Nueva York. No es estrictamente un minimalista, ha hecho una serie de pinturas monocromáticas sobre lienzos en forma y paneles rectangulares de color único. Sus abstracciones fueron "abstractadas" de la naturaleza. Su interés en la naturaleza se extiende hasta ahora que ha hecho una serie de litografías vegetales en un estilo impresionante y sinceramente realista.
• Mino Argento monotones, blanco sobre pinturas blancas fueron variaciones en el rejillado, rectángulo sobre temas rectángulos, pero fueron animados con diferencias de ritmo y concepción. Una composición incluía rejillas grises y rectángulos verticales en varios blancos más opacos, agrupados centralmente.
• Agnes Martin cuyas obras de los años 50 y 1960 son meditaciones serenas sobre "perfección", y por lo tanto "belleza", son típicamente lienzos blancos, blancos o grises pálidos con escasa evidencia de lápiz arrastrados en líneas o rejillas a través de la superficie pintada.
• Robert Ryman en obras como Ledger (1982) llama a la atención los soportes, el encuadre y la firma del artista como elementos importantes de obras que generalmente son blancas, o no blancas, y en formato cuadrado. El cepillo expresionista abstracto se utiliza como material formal en estas construcciones minimalistas. Ryman exhibe una fuerza de variación en un tema deliberadamente limitado.

• Brice Marden en sus primeras obras maduras exploró una estrategia reductiva que parecía similar a la de las obras contemporáneas de Jasper Johns y Ellsworth Kelly, pero más formalista: pinturas como Regreso 1 consiste en campos subtly grises pintados en encaustico (wax-medium) con una tira estrecha a lo largo de la parte inferior del lienzo donde Marden dejó evidencia desnuda de proceso (es decir, gotas y espasmos de pintura). Durante la década de 1980 Brice Marden, que tuvo una visión espiritual/emocional de la abstracción, comenzó una forma más multicolor y caligráfica de la pintura abstracta.
• Frank Stella se hizo eco de la famosa afirmación del compositor Igor Stravinsky de que "la música es impotente para expresarse sólo" cuando dijo "Lo que ves es lo que ves", un comentario que más tarde calificó diciendo que sus primeras pinturas fueron influenciadas en un grado por la escritura de Samuel Beckett (ver arriba). En su trabajo estaba tratando de minimizar cualquier inferencia de respuesta "espiritual" o incluso "emocional" por parte del espectador, y esto es quizás más llamativo en su pinstripe a partir de finales de la década de 1950, donde los pinstripes son articulados por lienzo no pintado. Más tarde, Stella abandonó no sólo el monocromo, sino también eventualmente la pintura geométrica.
• John McCracken es característicamente Minimalista en que sus "objetos" no se clasifican adecuadamente como "pintura" o "escultura". Famoso desde 1965 para "slabs, columnas, tablas... Las formas neutrales", sus meticulosamente acabados, objetos monocromáticos pulidos son a menudo simplemente inclinados contra las paredes de la galería, en lo que algunos críticos describen como un casual "West Coast-lean". Aunque se basa en técnicas propias de la fabricación de tablas de surf, sus obras son personalmente y meticulosamente artesanales, a diferencia de las de John M. Miller y otros artistas más recientes, que son típicamente fabricadas según las especificaciones del artista.

• Allan McCollum determinó a mediados de los años 70 que las fuerzas sociales que dan sentido a las pinturas pueden ser mejor comprendidas si la "pintura" en sí misma podría reducirse a una forma genérica, una pintura que podría leer como un "sign" para una pintura, que podría funcionar de un "portista" o una especie de "prop". En los años 70 y principios de los 80 pintó lo que llamó Pinturas Surrogate, y finalmente comenzó a echarlos en yeso, marco y todo. Estos cientos de objetos que parecían enmarcados, aparejados, campos de la oscuridad pintada, trabajaban como signos neutros, "genéricos" que podrían inspirar al espectador a pensar en las expectativas sociales que construyeron la "idea" de una pintura, más que la propia pintura. Al reducir las pinturas a simples signos de sí mismos, McCollum transformó la galería y el museo en una especie de teatro, destacando el drama de presentar, mostrar, comprar y vender, intercambiar, fotografiar, evaluar, criticar, elegir y escribir sobre las obras; las pinturas de objetos en el centro de la acción fueron hechas a propósito burla, para convertir la atención de uno a los dispositivos complementarios y prácticas sociales que, al final del trabajo. Paradójicamente, a medida que pasaba el tiempo, estos objetos neutrales se volvieron valiosos en sí mismos, como símbolos de una forma antropológica de mirar el arte.
• Anne Truitt fue una artista americana de mediados del siglo XX; está asociada con artistas de minimalismo y Color Field como Morris Louis y Kenneth Noland. Principalmente pensado como un escultor minimalista, y como un colorista que pintó su escultura, a lo largo de su carrera Truitt produjo varias series de pinturas monocromáticas.

Hizo lo que se considera su trabajo más importante a principios de la década de 1960 anticipando en muchos aspectos el trabajo de los minimalistas como Donald Judd y Ellsworth Kelly. Ella era diferente a los minimalistas es algunas maneras significativas. Ella nombró, por ejemplo, muchas de sus obras después de lugares y eventos que eran importantes para ella, una práctica que sugiere una narrativa más allá y sin embargo de alguna manera contenida por la escultura.

La escultura que la hizo significativa para el desarrollo del Minimalismo fueron agresivamente estructuras simples y pintadas, a menudo grandes. La plataforma recesión bajo su escultura los levantó lo suficiente fuera del suelo que parecían flotar en una línea delgada de sombra. El límite entre escultura y terreno, entre gravedad y verticalidad, se hizo ilusorio. Esta ambivalencia formal es reflejada por su insistencia en que el color mismo, contenía una vibración psicológica que cuando se purifica, como está en una obra de arte, aísla el evento al que se refiere como algo más que un sentimiento. El evento se convierte en una obra de arte, una sensación visual transmitida por el color.

Europa

• Lucio Fontana comenzó a partir de 1949 la serie denominada Concepto Espacial o slash, que consiste en agujeros o barras en la superficie de pinturas monocromáticas, dibujando un signo de lo que llamó "un arte para la Edad Espacial" (Concetto spaziale (50-B.1), 1950, MNAM, París).

Obras monocromáticas: La época azul

• Yves Klein: aunque Klein había pintado monocromos desde 1949, y celebró la primera exposición privada de esta obra en 1950, su primera muestra pública fue la publicación del libro del artista Yves: Peintures en noviembre de 1954. En el marco de un catálogo tradicional, el libro contó con una serie de monocromos intensos vinculados a varias ciudades en las que había vivido durante los años anteriores. Yves: Peintures anticipó sus dos primeros espectáculos de pinturas al óleo, en el Club des Solitaires, París, octubre de 1955 y Yves: monocromos de proposición en la Galería Colette Allendy, febrero de 1956. Estos espectáculos, mostrando monocromos naranja, amarillo, rojo, rosa y azul, profundamente decepcionado Klein, mientras la gente pasaba de la pintura a la pintura, uniéndolos juntos como una especie de mosaico.

De las reacciones del público, [Klein] se dio cuenta de que... los espectadores pensaban que sus diversos lienzos de colores uniformes equivalían a una nueva clase de decoración interior brillante y abstracta. Rodeado de este malentendido, Klein sabía un paso más y decisivo en la dirección del arte monocromo tendría que ser... Desde entonces se concentraría en un solo color primario: azul.

—Hannah Weitemeier

La siguiente exposición, Proposte Monochrome, Epoca Blu (Proposition Monochrome; Blue Epoch) en la Galería Apollinaire de Milán (enero de 1957), presentó 11 lienzos azules idénticos, utilizando pigmento ultramarino suspendido en un resina sintética Rhodopas. Descubierto con la ayuda de Edouard Adam, un comerciante de pintura parisino, el efecto era retener el brillo del pigmento que tendía a volverse opaco cuando se suspendía en aceite de linaza. Posteriormente, Klein patentó esta receta para mantener la "autenticidad de la idea pura". Este color, que recuerda al lapislázuli utilizado para pintar las túnicas de la Virgen en las pinturas medievales, se hizo famoso como "Azul Klein Internacional" (IKB). Las pinturas se fijaron a postes colocados a 20 cm de las paredes para aumentar sus ambigüedades espaciales.

La exposición fue un éxito comercial y de crítica y viajó a París, Düsseldorf y Londres. La exposición parisina, en la galería Iris Clert, mayo de 1957, se convirtió en un acontecimiento fundamental; Además de lanzarse 1.001 globos azules para marcar la inauguración, se enviaron postales azules con sellos de IKB que Klein había sobornado al servicio postal para que los aceptara como legítimos. Simultáneamente se llevó a cabo en la Galería Collette Allendy una exposición de recipientes de pigmento azul y pinturas sobre fuego.

• Gerhard Richter es un artista que probablemente es más conocido por sus impresionantes pinturas fotorrealistas, que superan sus obras abstractas y monocromas. Tanto sus obras abstractas como representativas parecen cubrir terrenos emocionales similares, una especie de pesimismo irónico que hizo su trabajo muy de moda a finales del decenio de 1980. Sus pinturas grises, se hacen dibujando gestos "expresivos" en pintura húmeda.
• Olivier Mosset también ha pasado mucho tiempo en Nueva York y París. En París en la década de 1960 fue miembro del grupo BMPT, junto con Daniel Buren, Michel Parmentier y Niele Toroni. El grupo planteó preguntas sobre las nociones de autoría y originalidad, lo que implica que a menudo se hacían las obras, y que el objeto artístico era más importante que su autoría. Más tarde, en Nueva York a finales de la década de 1970, Mosset emprendió una larga serie de pinturas monocromáticas, durante el apogeo del neoexpresionismo. Se convirtió en miembro fundador del grupo de Pintura Radical de Nueva York, radical refiriéndose tanto a una postura social radical implícita, como a un retorno a la radical "raíz" de la pintura. Esta re-afirmación de la relevancia social para la abstracción, e incluso el monocromo, no se había enfatizado en tal grado desde Malevich y Rodchenko. Los artistas neo-geo de 1980 como Peter Halley que afirman un papel socialmente relevante y crítico para la abstracción geométrica, citan a Mosset como una influencia.

otros

• Sally Hazelet Drummond (b. 1924, USA), exhibió sus pinturas monocromáticas a finales de la década de 1950 en la ciudad de Nueva York en la Galería Tanager, una de las primeras galerías cooperativas de la calle Tenth. A partir de 2007 sigue pintando pinturas monocromas.
• Alan Ebnother es un pintor americano que explora el patrimonio de la pintura de la mamocroma, confiándose al color verde único.
• Florence Miller Pierce fue miembro del Grupo de Pintura Transcendental de TAOS en los años 1930, actualmente residente en Albuquerque, Nuevo México. Sus monocromos cuadrados, fabricados con resina translúcida derramada sobre plexiglas reflejadas, parecen brillar de su propio acuerdo.
• Blažej Baláž con su "doble monocromo". Color contra archivos de monedas, basura, suelo o semilla de amapola. Pintura Poppy Seed Field / Makové pole 2001/02.
• Marcia Hafif ha exhibido pinturas monocromas para más de 50 en Nueva York, Los Ángeles y Europa. Ha creado obras monocromáticas con aceite, esmalte, tempa de huevo, acuarela, esmalte, acrílico y tinta. Su obra fue incluida en el bianual de 2014 en el Museo del Martillo donde el artista exhibió 24 pinturas monocromáticas, cada una con hormiga negra.

Pintura monocromática en cultura popular

• 1998 Tony ganador de Broadway juego 'Art ' Empleó una pintura monocroma blanca como prop para generar un argumento sobre estética que conformó la mayor parte de la obra.
• La película ganadora del premio Cesar de 1995 Los Tres Hermanos presentaron una pintura monocroma blanca por el artista ficticio Whiteman (inspirado por K. Malevich White en la obra maestra blanca).

Pinturas monocromáticas ventas más caras

Las siguientes ventas marcaron precios récord para pinturas monocromáticas:

1. R. Rauschenberg, Pintura Blanca [tres paneles], 1951 - SFMoMa, San Francisco - vendido por $88,8m en 2019
2. K. Malevitch, White on White, 1918 - MoMa, New York - sold for $60m in 2008
3. R. Ryman, Aceite sin título sobre lienzo, 1961 - vendido por $15m en 2014