Pictorialismo

"The Black Bowl", de George Seeley, cerca de 1907. Publicado en Trabajo de cámara, No 20 (1907)

El pictorialismo es un estilo y movimiento estético internacional que dominó la fotografía a finales del siglo XIX y principios del XX. No existe una definición estándar del término, pero en general se refiere a un estilo en el que el fotógrafo ha manipulado de alguna manera lo que de otro modo sería una fotografía sencilla como un medio para crear una imagen en lugar de simplemente registrarla. Por lo general, una fotografía pictórica parece carecer de un enfoque nítido (algunas más que otras), está impresa en uno o más colores distintos del blanco y negro (que van desde el marrón cálido hasta el azul profundo) y puede tener pinceladas visibles u otros manipulación de la superficie. Para el pictorialista, una fotografía, como una pintura, un dibujo o un grabado, era una forma de proyectar una intención emocional en el reino de la imaginación del espectador.

El pictorialismo como movimiento prosperó entre 1885 y 1915, aunque algunos todavía lo promovían hasta la década de 1940. Comenzó en respuesta a las afirmaciones de que una fotografía no era más que un simple registro de la realidad y se transformó en un movimiento para promover el estatus de toda la fotografía como una verdadera forma de arte. Durante más de tres décadas, pintores, fotógrafos y críticos de arte debatieron filosofías artísticas opuestas, lo que finalmente culminó con la adquisición de fotografías por parte de varios museos de arte importantes.

La popularidad del pictorialismo disminuyó gradualmente después de 1920, aunque no perdió popularidad hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Durante este período, el nuevo estilo de modernismo fotográfico se puso de moda y el interés del público se desplazó hacia imágenes más enfocadas, como las que se ven en el trabajo de Ansel Adams. Varios fotógrafos importantes del siglo XX comenzaron sus carreras con un estilo pictorialista, pero en la década de 1930 hicieron la transición a la fotografía de enfoque nítido.

Resumen

"La Rosa", de Eva Watson-Schütze, 1905

La fotografía como proceso técnico que involucra el revelado de películas e impresiones en un cuarto oscuro se originó a principios del siglo XIX, con los precursores de las impresiones fotográficas tradicionales cobrando importancia alrededor de 1838 a 1840. No mucho después de que se estableciera el nuevo medio, los fotógrafos, pintores y otros comenzaron a discutir sobre la relación entre los aspectos científicos y artísticos del medio. Ya en 1853, el pintor inglés William John Newton propuso que la cámara podría producir resultados artísticos si el fotógrafo mantuviera una imagen ligeramente desenfocada. Otros creían con vehemencia que una fotografía equivalía al registro visual de un experimento de química. La historiadora de la fotografía Naomi Rosenblum señala que "el carácter dual del medio, su capacidad para producir tanto arte como documento, [fue] demostrado poco después de su descubrimiento... Sin embargo, una buena parte del siglo XIX se dedicó a debatir cuál de estas direcciones era la verdadera función del médium."

Estos debates alcanzaron su apogeo a finales del siglo XIX y principios del XX, y culminaron con la creación de un movimiento que suele caracterizarse como un estilo particular de fotografía: el pictorialismo. Este estilo se define primero por una expresión claramente personal que enfatiza la capacidad de la fotografía para crear belleza visual en lugar de simplemente registrar hechos. Sin embargo, recientemente los historiadores han reconocido que el pictorialismo es más que un estilo visual. Evolucionó en contexto directo con las actitudes sociales y culturales cambiantes de la época y, como tal, no debe caracterizarse simplemente como una tendencia visual. Un escritor ha señalado que el pictorialismo era "simultáneamente un movimiento, una filosofía, una estética y un estilo".

Al contrario de lo que muestran algunas historias de la fotografía, el pictorialismo no surgió como resultado de una evolución lineal de las sensibilidades artísticas; más bien, se formó a través de "un aluvión de estrategias intrincadas, divergentes, a menudo apasionadamente conflictivas". Mientras los fotógrafos y otros debatían si la fotografía podía ser arte, el advenimiento de la fotografía afectó directamente los roles y medios de vida de muchos artistas tradicionales. Antes del desarrollo de la fotografía, un retrato en miniatura pintado era el medio más común para registrar la semejanza de una persona. Miles de pintores se dedicaron a esta forma de arte. Pero la fotografía rápidamente anuló la necesidad y el interés por los retratos en miniatura. Un ejemplo de este efecto se vio en la exposición anual de la Royal Academy de Londres; en 1830 se exhibieron más de 300 pinturas en miniatura, pero en 1870 solo se exhibieron 33. La fotografía se había convertido en un tipo de forma de arte, pero la cuestión de si la fotografía en sí misma podía ser artística no se había resuelto.

Algunos pintores pronto adoptaron la fotografía como una herramienta para ayudarlos a registrar la pose de un modelo, una escena del paisaje u otros elementos para incluir en su arte. Se sabe que muchos de los grandes pintores del siglo XIX, incluidos Delacroix, Courbet, Manet, Degas, Cézanne y Gauguin, tomaron fotografías ellos mismos, utilizaron fotografías de otros e incorporaron imágenes de fotografías en su trabajo. Mientras continuaban los acalorados debates sobre la relación entre la fotografía y el arte en la prensa y en las salas de conferencias, la distinción entre una imagen fotográfica y una pintura se hizo cada vez más difícil de discernir. A medida que la fotografía continuó desarrollándose, las interacciones entre la pintura y la fotografía se volvieron cada vez más recíprocas. Más de unos pocos fotógrafos pictóricos, incluidos Alvin Langdon Coburn, Edward Steichen, Gertrude Käsebier, Oscar Gustave Rejlander y Sarah Choate Sears, se formaron originalmente como pintores o se dedicaron a la pintura además de sus habilidades fotográficas.

Fue durante este mismo período que las culturas y sociedades de todo el mundo se vieron afectadas por un rápido aumento en los viajes y el comercio intercontinentales. Los libros y revistas publicados en un continente podían exportarse y venderse en otro cada vez con mayor facilidad, y el desarrollo de servicios de correo confiables facilitó los intercambios individuales de ideas, técnicas y, lo que es más importante para la fotografía, impresiones reales. Estos desarrollos llevaron al pictorialismo a ser "un movimiento más internacional en la fotografía que casi cualquier otro género fotográfico". Clubes de cámara en los EE. UU., Inglaterra, Francia, Alemania, Austria, Japón y otros países se prestaron regularmente obras para las exposiciones de los demás, intercambiaron información técnica y publicaron ensayos y comentarios críticos en las revistas de los demás. Liderados por The Linked Ring en Inglaterra, Photo-Secession en los EE. UU. y el Photo-Club de Paris en Francia, primero cientos y luego miles de fotógrafos persiguieron apasionadamente intereses comunes en este movimiento multidimensional. En el lapso de poco más de una década, se encontraron fotógrafos pictóricos notables en Europa occidental y oriental, América del Norte, Asia y Australia.

El impacto de las cámaras Kodak

Durante los primeros cuarenta años después de que se inventara un proceso práctico de captura y reproducción de imágenes, la fotografía siguió siendo el dominio de un grupo muy dedicado de personas que tenían conocimientos expertos y habilidades en la ciencia, la mecánica y el arte. Para hacer una fotografía, una persona tenía que aprender mucho sobre química, óptica, luz, la mecánica de las cámaras y cómo estos factores se combinan para representar correctamente una escena. No era algo que uno aprendiera fácilmente o que se hiciera a la ligera y, como tal, estaba limitado a un grupo relativamente pequeño de académicos, científicos y fotógrafos profesionales.

Ad para una cámara Kodak, 1888 – "Ningún conocimiento de la fotografía es necesario".

Todo eso cambió en unos pocos años' espacio de tiempo. En 1888, George Eastman presentó la primera cámara amateur de mano, la cámara Kodak. Se comercializó con el eslogan "Usted presiona el botón, nosotros hacemos el resto". La cámara estaba precargada con un rollo de película que producía unas 100 películas de 2,5" exposiciones de imagen redondas, y podría transportarse fácilmente y sostenerse en la mano durante su funcionamiento. Después de exponer todas las tomas de la película, se devolvió la cámara completa a la compañía Kodak en Rochester, Nueva York, donde se reveló la película, se hicieron copias y se colocó una nueva película fotográfica en el interior. Luego, la cámara y las impresiones se devolvieron al cliente, quien estaba listo para tomar más fotografías.

El impacto de este cambio fue enorme. De repente, casi cualquiera podía tomar una fotografía y, en el lapso de unos pocos años, la fotografía se convirtió en una de las mayores modas del mundo. El coleccionista de fotografía Michael Wilson observó: "Miles de fotógrafos comerciales y cien veces más aficionados producían millones de fotografías al año... La disminución de la calidad del trabajo profesional y la avalancha de instantáneas (un término tomado de la caza, que significa hacer una toma rápida sin tomarse el tiempo de apuntar) resultó en un mundo inundado de fotografías técnicamente buenas pero estéticamente indiferentes."

Al mismo tiempo que este cambio se produjo el desarrollo de empresas comerciales nacionales e internacionales para satisfacer la nueva demanda de cámaras, películas e impresiones. En la Exposición Colombina Mundial de 1893 en Chicago, que atrajo a más de 27 millones de personas, la fotografía para aficionados se comercializó a una escala sin precedentes. Hubo múltiples exhibiciones grandes que mostraban fotografías de todo el mundo, muchos fabricantes de cámaras y equipos de cuarto oscuro que mostraban y vendían sus productos más recientes, docenas de estudios de retratos e incluso documentación sobre el terreno de la propia Exposición. De repente, la fotografía y los fotógrafos se convirtieron en productos domésticos.

Muchos fotógrafos serios estaban horrorizados. Su oficio, y para algunos su arte, estaba siendo cooptado por una ciudadanía recién comprometida, descontrolada y en su mayoría sin talento. El debate sobre el arte y la fotografía se intensificó en torno al argumento de que si cualquiera pudiera tomar una fotografía, entonces la fotografía no podría llamarse arte. Algunos de los defensores más apasionados de la fotografía como arte señalaron que la fotografía no debe ni puede verse como un 'o esto o lo otro'. medio—algunas fotografías son de hecho simples registros de la realidad, pero con los elementos correctos algunas son de hecho obras de arte. William Howe Downs, crítico de arte del Boston Evening Transcript, resumió esta posición en 1900 diciendo: "El arte no es tanto una cuestión de métodos y procesos como una cuestión de temperamento, del gusto y del sentimiento... En manos del artista, la fotografía se convierte en una obra de arte... En una palabra, la fotografía es lo que el fotógrafo hace de ella: un arte o un oficio."

Todos estos elementos (los debates sobre la fotografía y el arte, los impactos de las cámaras Kodak y los valores sociales y culturales cambiantes de la época) se combinaron para preparar el escenario para una evolución en la forma en que el arte y la fotografía, de forma independiente y conjunta, aparecería a principios de siglo. El rumbo que impulsó el pictorialismo se marcó casi tan pronto como se establecieron los procesos fotográficos, pero no fue hasta la última década del siglo XIX cuando se consolidó un movimiento pictorialista internacional.

Definición del pictorialismo

"Fading Away", de Henry Peach Robinson, 1858

En 1869, el fotógrafo inglés Henry Peach Robinson publicó un libro titulado Pictorial Effect in Photography: Being Hints on Composition and Chiaroscuro for Photographers. Este es el primer uso común del término "pictorial" 34; refiriéndose a la fotografía en el contexto de cierto elemento estilístico, el claroscuro, un término italiano utilizado por pintores e historiadores del arte que se refiere al uso de luces y sombras dramáticas para transmitir un estado de ánimo expresivo. En su libro, Robinson promovió lo que llamó "impresión combinada", un método que había ideado casi 20 años antes al combinar elementos individuales de imágenes separadas en una nueva imagen única mediante la manipulación de múltiples negativos o copias. Robinson consideró así que había creado "arte" a través de la fotografía, ya que sólo a través de su intervención directa se produjo la imagen final. Robinson continuó ampliando el significado del término a lo largo de su vida.

Otros fotógrafos y críticos de arte, incluidos Oscar Rejlander, Marcus Aurelius Root, John Ruskin, se hicieron eco de estas ideas. Una de las principales fuerzas detrás del auge del pictorialismo fue la creencia de que la fotografía directa era puramente figurativa, que mostraba la realidad sin el filtro de la interpretación artística. Era, a todos los efectos, un simple registro de los hechos visuales, carente de intención o mérito artístico. Robinson y otros estaban convencidos de que “las limitaciones de la fotografía generalmente aceptadas tenían que superarse si se quería lograr una igualdad de estatus”.

Robert Demachy luego resumió este concepto en un artículo titulado "¿Qué diferencia hay entre una buena fotografía y una fotografía artística?". Escribió: "Debemos darnos cuenta de que, al emprender fotografías pictóricas, nos hemos obligado, quizás sin darnos cuenta, a la estricta observancia de reglas cientos de años más antiguas que las fórmulas más antiguas de nuestro oficio químico". Nos hemos colado en el Templo del Arte por una puerta trasera y nos encontramos entre la multitud de adeptos."

Uno de los desafíos en la promoción de la fotografía como arte fue que había muchas opiniones diferentes sobre cómo debería verse el arte. Después del Tercer Salón de Filadelfia de 1900, que exhibió a docenas de fotógrafos pictóricos, un crítico se preguntó 'si la gran mayoría de los expositores alguna vez habían escuchado o pensado la idea del arte en el verdadero sentido'.

Si bien algunos fotógrafos se vieron a sí mismos como verdaderos artistas al emular la pintura, al menos una escuela de pintura inspiró directamente a los fotógrafos. Durante la década de 1880, cuando los debates sobre el arte y la fotografía se estaban volviendo comunes, apareció por primera vez un estilo de pintura conocido como tonalismo. En pocos años se convirtió en una importante influencia artística en el desarrollo del pictorialismo. Pintores como James McNeill Whistler, George Inness, Ralph Albert Blakelock y Arnold Böcklin vieron la interpretación de la experiencia de la naturaleza, en contraste con simplemente registrar una imagen de la naturaleza, como el mayor deber del artista. Para estos artistas era esencial que sus pinturas transmitieran una respuesta emocional al espectador, que se obtenía mediante el énfasis en los elementos atmosféricos de la imagen y mediante el uso de "formas vagas y tonalidades tenues... [para transmitir ] una sensación de melancolía elegíaca."

"Spring Showers, the Coach", por Alfred Stieglitz, 1899-1900

Aplicando esta misma sensibilidad a la fotografía, Alfred Stieglitz lo expresó más tarde de esta manera: "La atmósfera es el medio a través del cual vemos todas las cosas. Por lo tanto, para verlos en su verdadero valor en una fotografía, como lo hacemos en la Naturaleza, la atmósfera debe estar allí. La atmósfera suaviza todas las líneas; gradúa la transición de la luz a la sombra; es esencial para la reproducción del sentido de la distancia. Esa oscuridad del contorno que es característica de los objetos distantes se debe a la atmósfera. Ahora bien, lo que la atmósfera es para la Naturaleza, lo es el tono para una imagen."

Paul L. Anderson, un prolífico promotor contemporáneo del pictorialismo, advertía a sus lectores que la verdadera fotografía artística transmitía "sugerencia y misterio", en el que "el misterio consiste en brindar una oportunidad para el ejercicio de la imaginación, mientras que la sugestión implica estimular la imaginación por medios directos o indirectos." La ciencia, sostenían los pictorialistas, podría responder a una demanda de información veraz, pero el arte debe responder a la necesidad humana de estimular los sentidos. Esto solo podría hacerse creando una marca de individualidad para cada imagen e, idealmente, cada impresión.

Para los pictorialistas, la verdadera individualidad se expresaba mediante la creación de una impresión única, considerada por muchos como el epítome de la fotografía artística. Mediante la manipulación de la apariencia de las imágenes a través de lo que algunos llamaron "procesos de ennoblecimiento", como la impresión con goma o bromoil, los pictorialistas pudieron crear fotografías únicas que a veces se confundían con dibujos o litografías.

Muchas de las voces más fuertes que defendieron el pictorialismo en sus inicios fueron una nueva generación de fotógrafos aficionados. En contraste con su significado actual, la palabra "aficionado" tenía una connotación diferente en las discusiones de esa época. En lugar de sugerir un novato sin experiencia, la palabra caracterizó a alguien que luchó por la excelencia artística y la libertad de la influencia académica rígida. Se consideraba que un aficionado era alguien que podía romper las reglas porque no estaba sujeto a las reglas rígidas establecidas por organizaciones de fotografía establecidas desde hace mucho tiempo, como la Royal Photographic Society. Un artículo de la revista británica Amateur Photographer afirmaba que "la fotografía es un arte, quizás el único en el que el aficionado pronto iguala, y con frecuencia supera, al profesional en competencia". Esta actitud prevaleció en muchos países del mundo. En la Exposición Internacional de Fotografía de Hamburgo de 1893 en Alemania, solo se permitió el trabajo de aficionados. Alfred Lichtwark, entonces director de la Kunsthalle de Hamburgo, creía que "el único buen retrato en cualquier medio lo hacían fotógrafos aficionados, que tenían la libertad económica y el tiempo para experimentar".

En 1948, S.D.Jouhar definió una fotografía pictórica como "principalmente un registro simbólico estético de una escena más el comentario personal y la interpretación del artista, capaz de transmitir una respuesta emocional a la mente de un espectador receptivo. Debe mostrar originalidad, imaginación, unidad de propósito, una cualidad de reposo y tener una cualidad infinita al respecto.

A lo largo de los años, el pictorialismo recibió otros nombres, como "fotografía artística" y Camerawork (ambos de Alfred Stieglitz), "Fotografía impresionista" (por George Davison), "nueva visión (Neue Vision), y finalmente "fotografía subjetiva" (Subjektive Fotographie) en Alemania después de la década de 1940. En España, a los fotógrafos pictóricos a veces se les llamaba "intervencionistas" (intervencionistas), aunque el estilo en sí no se conocía como "intervencionistas".

Galería

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  Alice Boughton, Dawn, 1909

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  Annie Brigman, Soul of the Blasted Pine, 1908

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  Clarence H. White, Mañana, 1908

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  Paul Haviland, Doris Keane, 1912

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  Robert Demachy, Lucha contra la corrupción, 1904

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  Alfred Stieglitz, La mano del hombre, 1902

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  Edward Steichen, Edificio Flatiron, 1904

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  Constant Puyo, Sommeil, 1897

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  Alvin Langdon Coburn, Spiderwebs, 1908

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  F. Holland Day, Ebony e Ivory, ca.1897

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  Adolph de Meyer, "Marchesa Casati", 1912

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  Joseph Keiley, Lenore, 1907

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  Clarence H. White, Nude, 1908

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  Constant Puyo, Montmartre, 1906

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  Clarence H. White y Alfred Stieglitz, Torso, 1907

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  Bendita eres entre las mujeres por Gertrude Käsebier, 1899. Brooklyn Museum

Transición al Modernismo

Jane Reece, Espacios, 1922

La evolución del pictorialismo desde el siglo XIX hasta bien entrada la década de 1940 fue lenta y decidida. Desde sus raíces en Europa, se extendió a los EE. UU. y al resto del mundo en varias etapas semidistintas. Antes de 1890, el pictorialismo surgió a través de defensores que se encontraban principalmente en Inglaterra, Alemania, Austria y Francia. Durante la década de 1890, el centro se trasladó a Nueva York y los esfuerzos multifacéticos de Stieglitz. Hacia 1900 el pictorialismo había llegado a países de todo el mundo y en decenas de ciudades se realizaban importantes exposiciones de fotografía pictórica.

Un momento culminante para el pictorialismo y la fotografía en general ocurrió en 1910, cuando la Galería Albright en Buffalo compró 15 fotografías de Stieglitz' 291 Galería. Esta fue la primera vez que la fotografía fue reconocida oficialmente como una forma de arte digna de una colección de museo, y marcó un cambio definitivo en muchos fotógrafos. pensamiento. Stieglitz, que tanto había trabajado para este momento, respondió indicando que ya estaba pensando en una nueva visión más allá del pictorialismo. Él escribió,

Es hora de que la estupidez y la afeitación en la fotografía pictórica se golpee un golpe solarplexus... Las reivindicaciones de arte no servirán. Que el fotógrafo haga una fotografía perfecta. Y si él resulta ser un amante de la perfección y un vidente, la fotografía resultante será recta y hermosa – una verdadera fotografía.

Poco después, Stieglitz comenzó a centrar su atención más en la pintura y la escultura modernas, y Clarence H. White y otros asumieron el liderazgo de una nueva generación de fotógrafos. A medida que las duras realidades de la Primera Guerra Mundial afectaron a personas de todo el mundo, el gusto del público por el arte del pasado comenzó a cambiar. Los países desarrollados del mundo se centraron cada vez más en la industria y el crecimiento, y el arte reflejó este cambio al presentar imágenes de bordes duros de nuevos edificios, aviones y paisajes industriales.

Adolf Fassbender, un fotógrafo del siglo XX que siguió haciendo fotografías pictóricas hasta bien entrada la década de 1960, creía que el pictorialismo es eterno porque se basa primero en la belleza. Escribió: "No hay solución en tratar de erradicar el pictorialismo porque uno tendría que destruir el idealismo, el sentimiento y todo sentido del arte y la belleza". Siempre habrá pictorialismo."

Pictorialismo por país

Australia

Uno de los principales catalizadores del pictorialismo en Australia fue John Kauffmann (1864–1942), quien estudió química fotográfica e impresión en Londres, Zúrich y Viena entre 1889 y 1897. Cuando regresó a su país de origen en 1897, influyó en sus colegas al exhibir lo que un periódico llamó fotografías que podrían ser 'confundidas con obras de arte'. Durante la siguiente década, un núcleo de artistas fotógrafos, incluidos Harold Cazneaux, Frank Hurley, Cecil Bostock, Henri Mallard, Rose Simmonds y Olive Cotton, exhibieron obras pictóricas en salones y exposiciones de todo el país y publicaron sus fotos en el Australian Photographic Journal y Australasian Photo-Review.

Austria

En 1891, el Club der Amateur Photographeren de Viena (Club de fotógrafos aficionados de Viena) celebró la primera Exposición internacional de fotografía en Viena. El Club, fundado por Carl Sma, Federico Mallmann y Charles Scolik [de], fue fundado para fomentar relaciones con grupos fotográficos de otros países. Después de que Alfred Buschbeck se convirtió en director del club en 1893, simplificó su nombre a Wiener Camera-Klub (Vienna Camera Club) y comenzó a publicar una lujosa revista llamada Wiener Photographische Blätter que continuó hasta 1898. Aparecía regularmente artículos de fotógrafos extranjeros influyentes como Alfred Stieglitz y Robert Demachy.

Al igual que en otros países, los puntos de vista opuestos involucraron a una gama más amplia de fotógrafos para definir qué significaba el pictorialismo. Hans Watzek [de], Hugo Henneberg [de] y Heinrich Kühn formaron una organización llamada Das Kleeblatt (El Trilfolium) expresamente para aumentar el intercambio de información con otras organizaciones en otros países, especialmente, Francia, Alemania y Estados Unidos. Inicialmente un pequeño grupo informal, Das Kleeblatt aumentó su influencia en el Wiener Camera-Klub a través de sus conexiones internacionales, y se crearon varias otras organizaciones que promueven el pictorialismo en otras ciudades de la región. Como en otros países, el interés por el pictorialismo se desvaneció después de la Primera Guerra Mundial y, finalmente, la mayor parte de la organización austriaca cayó en la oscuridad durante la década de 1920.

Canadá

Cartel de exposición 1917

El pictorialismo en Canadá inicialmente se centró en Sidney Carter (1880–1956), el primero de sus compatriotas en ser elegido para la Photo-Secession. Esto lo inspiró a reunir a un grupo de fotógrafos pictóricos en Toronto, el Studio Club de Toronto, con Harold Mortimer-Lamb (1872-1970) y su compañero secesionista Percy Hodgins. En 1907, Carter organizó la primera gran exposición de fotografía pictórica de Canadá en la Asociación de Arte de Montreal. Carter y su colega fotógrafo Arthur Goss intentaron presentar los principios pictorialistas a los miembros del Toronto Camera Club, aunque sus esfuerzos encontraron cierta resistencia.

Inglaterra

Ya en 1853, el fotógrafo aficionado William J. Newton propuso la idea de que "un 'objeto natural', como un árbol, debería fotografiarse de acuerdo con 'los principios reconocidos de bellas artes'". A partir de ahí, otros primeros fotógrafos, incluidos Henry Peach Robinson y Peter Henry Emerson, continuaron promoviendo el concepto de fotografía como arte. En 1892, Robinson, junto con George Davison y Alfred Maskell, establecieron la primera organización dedicada específicamente al ideal de la fotografía como arte: The Linked Ring. Invitaron a fotógrafos de ideas afines, incluidos Frank Sutcliffe, Frederick H. Evans, Alvin Langdon Coburn, Frederick Hollyer, James Craig Annan, Alfred Horsley Hinton y otros, a unirse a ellos. Pronto, The Linked Ring estuvo a la vanguardia del movimiento para que la fotografía fuera considerada una forma de arte.

Después de que The Linked Ring invitara a un grupo selecto de estadounidenses como miembros, estallaron debates sobre los objetivos y el propósito del club. Cuando se mostraron más miembros estadounidenses que británicos en su exhibición anual en 1908, se presentó una moción para disolver la organización. En 1910, The Linked Ring se disolvió y sus miembros siguieron su propio camino.

Francia

El pictorialismo en Francia está dominado por dos nombres, Constant Puyo y Robert Demachy. Son los miembros más famosos del Photo-Club de Paris, una organización separada de la Société française de photographie. Son particularmente bien conocidos por su uso de procesos de pigmentos, especialmente el bicromato de goma. En 1906, publicaron un libro sobre el tema, Les Procédés d'art en Photographie. Ambos también escribieron numerosos artículos para el Bulletin du Photo-Club de Paris (1891–1902) y La Revue de Photographie (1903–1908), una revista que rápidamente se convirtió en la publicación francesa más influyente que se ocupa de la fotografía artística a principios del siglo XX.

Alemania

Los hermanos Theodor y Oskar Hofmeister de Hamburgo fueron de los primeros en abogar por la fotografía como arte en su país. En las reuniones de la Sociedad para la Promoción de la Fotografía Amateur (Gesellschaft zur Förderung der Amateur-Photographie), otros fotógrafos, incluidos Heinrich Beck, George Einbeck y Otto Scharf, promovieron la causa del pictorialismo. The Homeisters, junto con Heinrich Kühn, formaron más tarde The Presidium (Das Praesidium), cuyos miembros fueron fundamentales en las principales exposiciones de la Kunsthalle de Hamburgo. Hoy en día, Karl Maria Udo Remmes representa el estilo del pictorialismo en el campo de la fotografía de backstage teatral.

Japón

En 1889, los fotógrafos Ogawa Kazumasa, W. K. Burton, Kajima Seibei y varios otros formaron la Nihon Shashin-kai (Sociedad Fotográfica de Japón) para promover la geijutsu shashin (fotografía artística) en ese país. La aceptación de este nuevo estilo fue lenta al principio, pero en 1893 Burton coordinó una importante exposición por invitación conocida como Gaikoku Shashin-ga Tenrain-kai o Exposición de arte fotográfico extranjero. Las 296 obras que se mostraron procedían de miembros del London Camera Club, incluidas importantes fotografías de Peter Henry Emerson y George Davison. La amplitud y profundidad de esta exposición tuvo un tremendo impacto en los fotógrafos japoneses y "galvanizó el discurso de la fotografía artística en todo el país". Después de que terminó la exposición, Burton y Kajima fundaron una nueva organización, la Dai Nihon Shashin Hinpyō-kai (Sociedad de Crítica de Fotografía del Gran Japón) para promover sus puntos de vista particulares sobre la fotografía artística.

En 1904 se inició una nueva revista llamada Shashin Geppo (Revista fotográfica mensual), y durante muchos años fue la pieza central del avance y los debates sobre el pictorialismo. El significado y la dirección de la fotografía artística defendida por Ogawa y otros fue cuestionada en la nueva revista por los fotógrafos Tarō Saitō y Haruki Egashira, quienes, junto con Tetsusuke Akiyama y Seiichi Katō, formaron un nuevo grupo conocido como Yūtsuzu-sha. Este nuevo grupo promovió sus propios conceptos de lo que llamaron "la verdad interna" de fotografía artística. Durante la década siguiente, muchos fotógrafos se alinearon con una de estas dos organizaciones.

En la década de 1920 se formaron nuevas organizaciones que unieron la transición entre el pictorialismo y el modernismo. La más destacada entre ellas fue la Shashin Geijustu-sha (Sociedad de Arte Fotográfico) formada por Shinzō Fukuhara y su hermano Rosō Fukuhara. Promovieron el concepto de hikari a sono kaichō (luz con su armonía) que rechazaba una manipulación abierta de una imagen a favor de imágenes de enfoque suave usando impresión de gelatina de plata.

Países Bajos

La primera generación de pictorialistas holandeses, incluidos Bram Loman, Chris Schuver y Carl Emile Mögle, comenzó a trabajar alrededor de 1890. Inicialmente se centraron en temas naturalistas y favorecieron la impresión en platino. Aunque inicialmente no había un equivalente holandés de The Linked Ring o Photo-Secession, varias organizaciones más pequeñas colaboraron para producir el Primer Salón Internacional de Fotografía Artística en 1904. Tres años más tarde, Adriann Boer, Ernest Loeb, Johan Huijsen y otros fundaron el Dutch Club for Art Photography (Nederlandsche Club voor Foto-Kunst), que acumuló una importante colección de fotografía pictórica que ahora se encuentra en la Universidad de Leiden. Una segunda generación de pictorialistas holandeses incluyó a Henri Berssenbrugge, Bernard Eilers y Berend Zweers.

Rusia

El pictorialismo se extendió a Rusia primero a través de revistas europeas y fue defendido por los pioneros de la fotografía Evgeny Vishnyakov en Rusia y Jan Bulhak de Polonia. Poco después se puso en marcha una nueva generación de pictorialistas. Estos incluyeron a Aleksei Mazuin, Sergei Lobovikov, Piotr Klepikov, Vassily Ulitin, Nikolay Andreyev, Nikolai Svishchov-Paola, Leonid Shokin y Alexander Grinberg. En 1894 se estableció en Moscú la Sociedad Fotográfica Rusa, pero las diferencias de opinión entre los miembros llevaron al establecimiento de una segunda organización, la Sociedad de Fotografía Artística de Moscú. Ambos fueron los principales promotores del pictorialismo en Rusia durante muchos años.

España

Los principales centros de fotografía pictórica en España fueron Madrid y Barcelona. Al frente del movimiento en Madrid estaba Antonio Cánovas, quien fundó la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y editó la revista La Fotografía. Cánovas pretendió ser el primero en introducir la fotografía artística en España, pero a lo largo de su carrera se mantuvo arraigado en el estilo alegórico de los primeros pictorialistas ingleses como Robinson. Se negó a utilizar cualquier manipulación de la superficie en sus impresiones, diciendo que el estilo "no es, no puede ser y nunca será fotografía". Otros fotógrafos influyentes en el país fueron Carlos Iñigo, Manual Renon, Joan Vilatobà y un personaje conocido sólo como el Conde de la Ventosa. A diferencia del resto de Europa, el pictorialismo siguió siendo popular en España durante las décadas de 1920 y 1930, y Ventosa fue el pictorialista más prolífico de ese período. Desafortunadamente, quedan muy pocas copias originales de cualquiera de estos fotógrafos; la mayoría de sus imágenes ahora se conocen solo a partir de reproducciones de revistas.

Estados Unidos

Una de las figuras clave para establecer tanto la definición como la dirección del pictorialismo fue el estadounidense Alfred Stieglitz, quien comenzó como aficionado pero rápidamente hizo de la promoción del pictorialismo su profesión y obsesión. A través de sus escritos, su organización y sus esfuerzos personales para hacer avanzar y promover a los fotógrafos pictóricos, Stieglitz fue una figura dominante en el pictorialismo desde sus inicios hasta su final. Siguiendo los pasos de los fotógrafos alemanes, en 1892 Stieglitz estableció un grupo al que llamó Photo-Secession en Nueva York. Stieglitz seleccionó personalmente a los miembros del grupo y controló estrictamente lo que hacía y cuándo lo hacía. Al seleccionar fotógrafos cuya visión estaba alineada con la suya, incluidos Gertrude Käsebier, Eva Watson-Schütze, Alvin Langdon Coburn, Edward Steichen y Joseph Keiley, Stieglitz construyó un círculo de amigos que tenían una enorme influencia individual y colectiva sobre el movimiento para que se aceptara la fotografía. como arte Stieglitz también promovió continuamente el pictorialismo a través de dos publicaciones que editó, Camera Notes y Camera Work y al establecer y administrar una galería en Nueva York que durante muchos años exhibió solo fotógrafos pictóricos (el Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión).

Si bien inicialmente gran parte se centró en Stieglitz, el pictorialismo en los EE. UU. no se limitó a Nueva York. En Boston F. Holland Day fue uno de los pictorialistas más prolíficos y destacados de su tiempo. Clarence H. White, quien produjo fotografías pictóricas extraordinarias mientras estuvo en Ohio, enseñó a toda una nueva generación de fotógrafos. En la costa oeste, el California Camera Club y el Southern California Camera Club incluyeron a los destacados pictóricos Annie Brigman, Arnold Genthe, Adelaide Hanscom Leeson, Emily Pitchford y William Edward Dassonville. Más tarde, el Seattle Camera Club fue iniciado por un grupo de ilustradores japoneses-estadounidenses, incluidos el Dr. Kyo Koike, Frank Asakichi Kunishige e Iwao Matsushita (los miembros destacados más tarde incluyeron a Ella E. McBride y Soichi Sunami).

Técnicas

Miron A. Sherling, Retrato Alexander J. Golovin, 1916

Los fotógrafos pictóricos comenzaron tomando una placa de vidrio ordinaria o un negativo de película. Algunos ajustaron el enfoque de la escena o usaron una lente especial para producir una imagen más suave, pero en su mayor parte el proceso de impresión controlaba la apariencia final de la fotografía. Los pictorialistas usaban una variedad de papeles y procesos químicos para producir efectos particulares, y algunos luego manipulaban los tonos y la superficie de las impresiones con pinceles, tinta o pigmentos. La siguiente es una lista de los procesos pictóricos más utilizados. Se pueden encontrar más detalles sobre estos procesos en Crawford (págs. 85–95) y en Daum (págs. 332–334). A menos que se indique lo contrario, las descripciones a continuación se resumen de estos dos libros.

• Proceso de bromoil: Esta es una variante en el proceso de impresión de aceite que permite ampliar una impresión. En este proceso se realiza una impresión gelatina de plata regular, luego blanqueada en una solución de bicromato de potasio. Esto endurece la superficie de la impresión y permite que la tinta se adhiera a ella. Tanto las áreas más ligeras como oscuras de una impresión de bromoil pueden ser manipuladas, proporcionando un rango tonal más amplio que una impresión de aceite.
• Impresión de carbono: Esta es una impresión extremadamente delicada hecha por papel de tejido recubierto con bicromato de potasio, carbono negro u otro pigmento y gelatina. Las huellas de carbono pueden proporcionar un detalle extraordinario y están entre las más permanentes de todas las impresiones fotográficas. Debido a la estabilidad del papel tanto antes como después del procesamiento, el tejido de impresión de carbono fue uno de los primeros productos fotográficos hechos comercialmente.
• Cianotipo: Uno de los primeros procesos fotográficos, los cianotipos experimentaron una breve renovación cuando los pictorialistas experimentaron con sus tonos azules profundos. El color vino de papel de recubrimiento con sales de hierro sensibles a la luz.
• Bicromato Gum: Uno de los favoritos de los pictorialistas, estas impresiones fueron hechas mediante la aplicación de goma arabic, bicromato de potasio y uno o más pigmentos de colores del artista al papel. Esta solución sensibilizada se endurece lentamente donde la luz la golpea, y estas áreas permanecen flexibles durante varias horas. El fotógrafo tenía mucho control al variar la mezcla de la solución, permitiendo una exposición más corta o más larga y cepillando o frotando las áreas pigmentadas después de la exposición.
• Proceso de impresión de aceite: Fabricado mediante la aplicación de tintas grasientas a papel recubierto con una solución de bicromato de goma y gelatina. Cuando se expone a través de un negativo, la goma-gelatina se endurece cuando la luz lo golpea mientras que las áreas no expuestas permanecen suaves. Las tintas del artista se aplican por pincel, y las tintas se adhieren sólo a las áreas endurecidas. A través de este proceso un fotógrafo puede manipular las áreas más ligeras de una impresión de goma mientras que las áreas más oscuras permanecen estables. Una impresión de aceite no se puede ampliar ya que tiene que estar en contacto directo con el negativo.
• Impresión platino: Las impresiones platino requieren un proceso de dos pasos. En primer lugar, el papel está sensibilizado con sales de hierro y expuesto en contacto con un negativo hasta que se forme una imagen débil. Luego el papel se desarrolla químicamente en un proceso que reemplaza las sales de hierro con platino. Esto produce una imagen con una gama muy amplia de tonos, cada uno realizado intensamente.

Fotógrafos pictóricos

A continuación, se incluyen dos listas de destacados fotógrafos que se involucraron en el pictorialismo durante sus carreras. La primera lista incluye fotógrafos que fueron predominantemente pictorialistas durante toda o casi toda su carrera (generalmente aquellos activos desde 1880 hasta 1920). La segunda lista incluye fotógrafos del siglo XX que utilizaron un estilo pictórico al principio de sus carreras, pero que son más conocidos por su fotografía pura o directa.

Fotógrafos predominantemente pictorialistas

Fotógrafos del siglo XX que comenzaron como pictorialistas