Piano
El piano es un instrumento de teclado de cuerdas en el que las cuerdas se golpean con martillos de madera recubiertos con un material más blando (los martillos modernos están cubiertos con fieltro de lana densa; algunos pianos antiguos usaban cuero). Se toca con un teclado, que es una fila de teclas (pequeñas palancas) que el intérprete presiona hacia abajo o golpea con los dedos y los pulgares de ambas manos para que los martillos golpeen las cuerdas. Fue inventado en Italia por Bartolomeo Cristofori alrededor del año 1700.
Descripción
La palabra "piano" es una forma abreviada de pianoforte, el término italiano para las versiones de principios de 1700 del instrumento, que a su vez se deriva de clavicembalo col piano e forte (cimbalom clave con silencioso y fuerte) y fortepiano. Los términos musicales italianos piano y forte indican "suave" y "fuerte" respectivamente, en este contexto se refiere a las variaciones de volumen (es decir, sonoridad) producidas en respuesta al toque o presión de un pianista sobre las teclas: cuanto mayor sea la velocidad de la pulsación de una tecla, mayor será la fuerza del martillo golpeando las cuerdas, y cuanto más fuerte sea el sonido de la nota producida y más fuerte será el ataque. Los primeros fortepianos en la década de 1700 permitían un sonido más silencioso y un mayor rango dinámico que el clavicémbalo.
Un piano suele tener una caja protectora de madera que rodea la caja de resonancia y cuerdas de metal, que se ensartan bajo gran tensión en un marco de metal pesado. Al presionar una o más teclas en el teclado del piano, un martillo de madera o plástico (generalmente acolchado con fieltro firme) golpea las cuerdas. El martillo rebota en las cuerdas y las cuerdas continúan vibrando a su frecuencia resonante. Estas vibraciones se transmiten a través de un puente a una caja de resonancia que amplifica acoplando de manera más eficiente la energía acústica al aire. Cuando se suelta la tecla, un amortiguador detiene las cuerdas' vibración, terminando el sonido. Las notas se pueden sostener, incluso cuando las teclas se sueltan con los dedos y los pulgares, mediante el uso de pedales en la base del instrumento. El pedal de sostenido permite a los pianistas tocar pasajes musicales que de otro modo serían imposibles, como hacer sonar un acorde de 10 notas en el registro más bajo y luego, mientras este acorde continúa con el pedal de sostenido, cambiar ambas manos al rango de agudos para tocar. una melodía y arpegios por encima de este acorde sostenido. A diferencia del órgano de tubos y el clavicémbalo, dos importantes instrumentos de teclado ampliamente utilizados antes que el piano, el piano permite gradaciones de volumen y tono según la fuerza o la suavidad con que el intérprete presiona o golpea las teclas.
La mayoría de los pianos modernos tienen una fila de 88 teclas blancas y negras, 52 teclas blancas para las notas de la escala de Do mayor (C, D, E, F, G, A y B) y 36 teclas negras más cortas, que son levantado por encima de las teclas blancas y colocado más atrás en el teclado. Esto significa que el piano puede tocar 88 tonos diferentes (o "notas"), que abarcan un rango de un poco más de siete octavas. Las teclas negras son para los "accidentes" (F♯/G♭, G♯/A♭, A♯/B♭, C♯/D♭, y D♯/E♭), que son necesarios para tocar en las doce teclas. Más raramente, algunos pianos tienen teclas adicionales (que requieren cuerdas adicionales), un ejemplo es el Bösendorfer Concert Grand 290 Imperial, que tiene 97 teclas. La mayoría de las notas tienen tres cuerdas, excepto el bajo, que se gradúa de uno a dos. Las cuerdas suenan cuando se presionan o golpean las teclas, y los amortiguadores las silencian cuando se levantan las manos del teclado. Aunque un piano acústico tiene cuerdas, generalmente se clasifica como un instrumento de percusión en lugar de un instrumento de cuerda, porque las cuerdas se golpean en lugar de puntear (como con un clavicémbalo o una espineta); en el sistema Hornbostel-Sachs de clasificación de instrumentos, los pianos se consideran cordófonos. Hay dos tipos principales de piano: el piano de cola y el piano vertical. El piano de cola tiene un mejor sonido y le da al ejecutante un control más preciso de las teclas y, por lo tanto, es la opción preferida para cada situación en la que el espacio disponible y el presupuesto lo permitan, además de que a menudo se considera un requisito en lugares donde los pianistas expertos darán con frecuencia actuaciones públicas. El piano vertical, que necesariamente implica cierto compromiso tanto en el tono como en la acción de las teclas en comparación con un piano de cola de calidad equivalente, es, sin embargo, mucho más utilizado porque ocupa menos espacio (lo que le permite caber cómodamente en una habitación donde un piano de cola ser demasiado grande) y es significativamente menos costoso.
Durante la década de 1800, influenciados por las tendencias musicales de la era de la música romántica, las innovaciones como la estructura de hierro fundido (que permitía tensiones de cuerda mucho mayores) y las cuerdas alícuotas dieron a los pianos de cola un sonido más potente, con un sustain más largo y más rico. tono. En el siglo XIX, el piano de una familia jugaba el mismo papel que jugaba una radio o un fonógrafo en el siglo XX; cuando una familia del siglo XIX quería escuchar una pieza musical o una sinfonía recién publicada, podían escucharla haciendo que un miembro de la familia tocara una versión simplificada en el piano. Durante el siglo XIX, las editoriales de música produjeron muchos tipos de obras musicales (sinfonías, oberturas de ópera, valses, etc.) en arreglos para piano, para que los amantes de la música pudieran tocar y escuchar las piezas populares del momento en su hogar. El piano se emplea ampliamente en música clásica, jazz, tradicional y popular para interpretaciones solistas y de conjunto, acompañamiento y para composición, escritura de canciones y ensayos. Aunque el piano es muy pesado y, por tanto, no portátil y caro, su versatilidad musical, la gran cantidad de músicos –tanto aficionados como profesionales– formados en él, y su amplia disponibilidad en salas de espectáculos, escuelas y locales de ensayo, lo han convertido en uno de los los instrumentos musicales más conocidos del mundo occidental.
Historia
El piano se basó en innovaciones tecnológicas anteriores en instrumentos de teclado. Los órganos de tubos se han utilizado desde la antigüedad y, como tal, el desarrollo de los órganos de tubos permitió a los constructores de instrumentos aprender a crear mecanismos de teclado para tonos sonoros. Los primeros instrumentos de cuerda con cuerdas golpeadas fueron los dulcimers martillados, que se utilizaban desde la Edad Media en Europa. Durante la Edad Media, hubo varios intentos de crear instrumentos de teclado de cuerda con cuerdas golpeadas. En el siglo XVII, los mecanismos de los instrumentos de teclado como el clavicémbalo y el clavicémbalo estaban bien desarrollados. En un clavicordio, las cuerdas son golpeadas por tangentes, mientras que en un clavicémbalo, son punteadas mecánicamente por púas cuando el ejecutante presiona la tecla. Siglos de trabajo en el mecanismo del clavicémbalo en particular habían mostrado a los constructores de instrumentos las formas más efectivas de construir la caja, la caja de resonancia, el puente y la acción mecánica de un teclado destinado a hacer sonar las cuerdas.
Invención
La invención del piano se atribuye a Bartolomeo Cristofori (1655–1731) de Padua, Italia, quien fue empleado de Ferdinando de' Medici, Gran Príncipe de Toscana, como Guardián de los Instrumentos. Cristofori era un fabricante de clavicémbalo experto y estaba bien familiarizado con el conjunto de conocimientos sobre instrumentos de teclado de cuerda; este conocimiento de los mecanismos y acciones del teclado lo ayudó a desarrollar los primeros pianos. No se sabe exactamente cuándo Cristofori construyó por primera vez un piano. Un inventario realizado por sus empleadores, la familia Medici, indica la existencia de un piano en el año 1700. Los tres pianos Cristofori que sobreviven hoy datan de la década de 1720. Cristofori nombró al instrumento un cimbalo di cipresso di piano e forte ("un teclado de ciprés con suave y fuerte"), abreviado con el tiempo como pianoforte, fortepiano, y luego, simplemente, piano.
El gran éxito de Cristofori fue diseñar un instrumento de teclado de cuerdas en el que las notas se golpean con un martillo. El martillo debe golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella, porque el contacto continuo amortiguaría el sonido y evitaría que la cuerda vibre y emita sonido. Esto significa que después de golpear la cuerda, el martillo debe caer (o rebotar) rápidamente de las cuerdas. Además, el martillo debe volver a su posición de reposo sin rebotar violentamente (evitando así que las notas se vuelvan a tocar por un rebote accidental), y debe volver a una posición en la que esté listo para tocar de nuevo casi inmediatamente después de que se presione la tecla. para que el jugador pueda repetir la misma nota rápidamente cuando lo desee. La acción de piano de Cristofori fue un modelo para los muchos enfoques de acciones de piano que siguieron en el siglo siguiente.
Los primeros instrumentos de Cristofori estaban hechos con cuerdas delgadas y eran mucho más silenciosos que el piano moderno, pero eran mucho más fuertes y con más sostenido en comparación con el clavicordio, el único instrumento de teclado anterior capaz de responder a los matices dinámicos. al toque del jugador, la velocidad con la que se presionan las teclas. Si bien el clavicordio permite un control expresivo del volumen y el sostenido, es relativamente silencioso incluso en su nivel más alto. El clavicémbalo produce un sonido suficientemente alto, especialmente cuando un acoplador une cada tecla a ambos manuales de un clavicémbalo de dos manuales, pero no ofrece control dinámico o expresivo sobre las notas individuales. El piano, en cierto sentido, ofrece lo mejor de los dos instrumentos más antiguos, combinando la capacidad de tocar al menos tan fuerte como un clavicémbalo con la capacidad de variar continuamente la dinámica al tacto.
Fortepiano antiguo
El nuevo instrumento de Cristofori permaneció relativamente desconocido hasta que un escritor italiano, Scipione Maffei, escribió un entusiasta artículo sobre él en 1711, incluido un diagrama del mecanismo, que se tradujo al alemán y se distribuyó ampliamente. La mayoría de la próxima generación de constructores de pianos comenzó su trabajo basándose en la lectura de este artículo. Uno de estos constructores fue Gottfried Silbermann, más conocido como organero. Los pianos de Silbermann eran prácticamente copias directas de los de Cristofori, con una adición importante: Silbermann inventó el precursor del pedal de sostenido moderno, que levanta todos los amortiguadores de las cuerdas simultáneamente. Esta innovación le permite al pianista sostener las notas que ha presionado incluso después de que sus dedos ya no estén presionando las teclas. Como tal, al sostener un acorde con el pedal de sostenido, los pianistas pueden reubicar sus manos en un registro diferente del teclado en preparación para una sección posterior.
Silbermann le mostró a Johann Sebastian Bach uno de sus primeros instrumentos en la década de 1730, pero a Bach no le gustó el instrumento en ese momento y dijo que las notas más altas eran demasiado suaves para permitir un rango dinámico completo. Aunque esto le valió cierta animosidad por parte de Silbermann, aparentemente se prestó atención a las críticas. Bach aprobó un instrumento posterior que vio en 1747, e incluso se desempeñó como agente en la venta de pianos de Silbermann. "Instrumento: piano et forte genandt"—una referencia a la capacidad del instrumento para tocar suave y alto—fue una expresión que Bach usó para ayudar a vender el instrumento cuando actuaba como Silbermann' s agente en 1749.
La construcción de pianos floreció a finales del siglo XVIII en la escuela vienesa, que incluía a Johann Andreas Stein (que trabajó en Augsburgo, Alemania) y los constructores vieneses Nannette Streicher (hija de Stein) y Anton Walter. Los pianos de estilo vienés se construyeron con marcos de madera, dos cuerdas por nota y martillos cubiertos de cuero. Algunos de estos pianos vieneses tenían el color opuesto al de los pianos modernos; las claves naturales eran negras y las claves accidentales blancas. Fue para tales instrumentos que Wolfgang Amadeus Mozart compuso sus conciertos y sonatas, y se construyen réplicas de ellos en el siglo XXI para usar en la interpretación de su música con instrumentos auténticos. Los pianos de la época de Mozart tenían un tono más suave que los pianos del siglo XXI o los pianos ingleses, con menos poder sostenido. El término fortepiano ahora distingue estos primeros instrumentos (y recreaciones modernas) de los pianos posteriores.
Piano moderno
En el período de aproximadamente 1790 a 1860, el piano de la era de Mozart experimentó cambios tremendos que llevaron a la estructura moderna del instrumento. Esta revolución fue en respuesta a la preferencia de los compositores y pianistas por un sonido de piano más potente y sostenido, y fue posible gracias a la Revolución Industrial en curso con recursos como cuerdas de piano de alta calidad para cuerdas y fundición de precisión para la producción de hierro macizo. marcos que podían soportar la tremenda tensión de las cuerdas. Con el tiempo, el rango tonal del piano también aumentó de las cinco octavas de la época de Mozart al rango de siete octavas (o más) que se encuentra en los pianos de hoy.
Los primeros avances tecnológicos de finales del siglo XVIII se deben en gran medida a la empresa Broadwood. John Broadwood se unió a otro escocés, Robert Stodart, y un holandés, Americus Backers, para diseñar un piano en la caja del clavicémbalo, el origen del 'grand'. Esto se logró alrededor de 1777. Rápidamente se ganaron una reputación por el esplendor y el tono poderoso de sus instrumentos, con Broadwood construyendo pianos que eran progresivamente más grandes, más fuertes y de construcción más robusta. Enviaron pianos tanto a Joseph Haydn como a Ludwig van Beethoven, y fueron la primera empresa en construir pianos con un rango de más de cinco octavas: cinco octavas y una quinta durante la década de 1790, seis octavas en 1810 (Beethoven usó las notas adicionales en su obras posteriores) y siete octavas en 1820. Los fabricantes vieneses siguieron de manera similar estas tendencias; sin embargo, las dos escuelas usaron diferentes acciones de piano: Broadwoods usó una acción más robusta, mientras que los instrumentos vieneses eran más sensibles.
En la década de 1820, el centro de la innovación pianística se había trasladado a París, donde la firma Pleyel fabricaba los pianos usados por Frédéric Chopin y la firma Érard fabricaba los usados por Franz Liszt. En 1821, Sébastien Érard inventó la acción de doble escape, que incorporaba una palanca de repetición (también llamada balanzador) que permitía repetir una nota incluso si la clave aún no había subido a su máxima posición vertical. Esto facilitó la ejecución rápida de notas repetidas, un recurso musical explotado por Liszt. Cuando la invención se hizo pública, revisada por Henri Herz, la acción de doble escape se convirtió gradualmente en estándar en los pianos de cola y todavía se incorpora a todos los pianos de cola producidos actualmente en la década de 2000. Otras mejoras del mecanismo incluyeron el uso de revestimientos de martillo de fieltro firme en lugar de capas de cuero o algodón. El fieltro, que Jean-Henri Pape fue el primero en utilizar en pianos en 1826, era un material más consistente, que permitía rangos dinámicos más amplios a medida que aumentaba el peso de los martillos y la tensión de las cuerdas. El pedal de sostenuto (ver más abajo), inventado en 1844 por Jean-Louis Boisselot y copiado por la firma Steinway en 1874, permitió una gama más amplia de efectos.
Una innovación que ayudó a crear el poderoso sonido del piano moderno fue el uso de una estructura de hierro fundido sólida y maciza. También llamada "placa", la estructura de hierro se asienta sobre la caja de resonancia y sirve como baluarte principal contra la fuerza de tensión de las cuerdas que puede superar las 20 toneladas (180 kilonewtons) en un piano de cola moderno. El marco de hierro fundido de una sola pieza fue patentado en 1825 en Boston por Alpheus Babcock, combinando la placa de pasador de enganche de metal (1821, reclamada por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y barras de resistencia (Thom y Allen, 1820, pero también reclamada por Broadwood y Érard). Babcock más tarde trabajó para Chickering & Mackays, que patentó el primer marco de hierro completo para pianos de cola en 1843. Muchos fabricantes europeos prefirieron los marcos de metal forjado compuesto hasta que el sistema estadounidense se adoptó por completo a principios del siglo XX. La mayor integridad estructural del marco de hierro permitió el uso de cuerdas más gruesas, más tensas y más numerosas. En 1834, Webster & La firma Horsfal de Birmingham sacó una forma de cuerda de piano hecha de acero fundido; era 'tan superior al alambre de hierro que la firma inglesa pronto tuvo el monopolio'. Pero pronto, en 1840, la firma vienesa de Martin Miller creó un alambre de acero mejor, y siguió un período de innovación y competencia intensa, con marcas rivales de alambre de piano que se probaron entre sí en competencias internacionales, lo que finalmente condujo a la forma moderna de alambre de acero. cuerda de piano.
Varios avances importantes incluyeron cambios en la forma en que se encordaba el piano. El uso de un "coro" de tres cuerdas, en lugar de dos para todas las notas excepto las más bajas, realzaba la riqueza y complejidad de los agudos. El uso de una barra Capo d'Astro en lugar de agraffes en los agudos más altos permitió que los martillos golpearan las cuerdas en su posición óptima, aumentando considerablemente la potencia de esa área. La implementación del over-stringing (también llamado cross-stringing), en el que las cuerdas se colocan en dos planos separados, cada uno con su propia altura de puente, permitió mayor longitud a las cuerdas bajas y optimizó la transición de las cuerdas de tenor desenrolladas a las de hierro. o cuerdas de bajo enrolladas en cobre. Pape inventó el exceso de cuerdas durante la década de 1820 y Henry Steinway Jr. lo patentó por primera vez para su uso en pianos de cola en los Estados Unidos en 1859.
Algunos fabricantes de pianos agregaron variaciones para mejorar el tono de cada nota, como Pascal Taskin (1788), Collard & Collard (1821) y Julius Blüthner, quienes desarrollaron las cuerdas Aliquot en 1893. Estos sistemas se utilizaron para fortalecer el tono del registro más alto de notas en el piano, que hasta ese momento se consideraba que sonaba demasiado débil. Cada uno usó vibraciones no amortiguadas con un timbre más distintivo de cuerdas que vibraban simpáticamente para agregar al tono, excepto el encordado Blüthner Aliquot, que usa una cuarta cuerda adicional en las dos secciones de agudos superiores. Si bien las clavijas de estas cuerdas alícuotas suspendidas por separado se elevan ligeramente por encima del nivel de las cuerdas tri-coro habituales, no son golpeadas por los martillos, sino que son amortiguadas por los accesorios de los amortiguadores habituales. Ansioso por copiar estos efectos, Theodore Steinway inventó la escala dúplex, que usaba tramos cortos de cable sin habla unidos por la "alícuota" a lo largo de gran parte del rango superior del piano, siempre en lugares que los hacían vibrar por simpatía de acuerdo con sus respectivos armónicos, generalmente en octavas dobles y doceavas partes.
Variaciones en forma y diseño
Algunos de los primeros pianos tenían formas y diseños que ya no se usan. El piano cuadrado (no realmente cuadrado, sino rectangular) tenía cuerdas cruzadas en un ángulo extremadamente agudo sobre los martillos, con el teclado colocado a lo largo del lado largo. Este diseño se atribuye a Christian Ernst Friderici, alumno de Gottfried Silbermann, en Alemania, y de Johannes Zumpe en Inglaterra, y fue mejorado por cambios introducidos por primera vez por Guillaume-Lebrecht Petzold en Francia y Alpheus Babcock en los Estados Unidos. Los pianos cuadrados se construyeron en gran número durante la década de 1840 en Europa y la década de 1890 en los Estados Unidos, y vieron el cambio más visible de cualquier tipo de piano: los cuadrados con estructura de hierro y cuerdas excesivas fabricados por Steinway & Los sons eran más de dos veces y media más grandes que los instrumentos con estructura de madera de Zumpe del siglo anterior. Su abrumadora popularidad se debió a su construcción y precio económicos, aunque su tono y rendimiento estaban limitados por cajas de resonancia estrechas, acciones simples y espaciado de cuerdas que dificultaba la alineación adecuada de los martillos.
El alto piano de cola vertical con cuerdas verticales estaba dispuesto como un piano de cola, con la caja de resonancia y los puentes encima de las teclas y las clavijas de afinación debajo. "Pianos jirafa", "pianos piramidales" y "pianos de lira" se dispusieron de una manera algo similar, utilizando cajas de formas evocadoras. El piano de gabinete muy alto se introdujo alrededor de 1805 y se construyó durante la década de 1840. Tenía las cuerdas dispuestas verticalmente en un marco continuo con puentes extendidos casi hasta el suelo, detrás del teclado y una acción adhesiva muy grande. El corto cottage vertical o pianino con cuerdas verticales, popularizado por Robert Wornum alrededor de 1815, se construyó en el siglo XX. Se les llama informalmente pianos de jaula de pájaros debido a su prominente mecanismo de amortiguación. El montante oblicuo, popularizado en Francia por Roller & Blanchet a fines de la década de 1820, estaba ensartado en diagonal a lo largo de su brújula. La diminuta espineta vertical se fabricó desde mediados de la década de 1930 hasta tiempos recientes. La posición baja de los martillos requería el uso de una "acción de caída" para preservar una altura de teclado razonable. Los pianos verticales y de cola modernos alcanzaron sus formas actuales de la era 2000 a fines del siglo XIX. Si bien se han realizado mejoras en los procesos de fabricación, y muchos detalles individuales del instrumento siguen recibiendo atención, y una pequeña cantidad de pianos acústicos en la década de 2010 se producen con grabación MIDI y capacidades de activación de módulos de sonido digital, el siglo XIX fue la era. de las innovaciones y modificaciones más dramáticas del instrumento.
Tipos
Los pianos modernos tienen dos configuraciones básicas, el piano de cola y el piano vertical, con varios estilos de cada uno. También hay pianos especializados y novedosos, pianos eléctricos basados en diseños electromecánicos, pianos electrónicos que sintetizan tonos similares a los de un piano usando osciladores y pianos digitales que usan muestras digitales de sonidos de piano acústico.
Grandioso
En los pianos de cola, el marco y las cuerdas son horizontales, y las cuerdas se extienden alejándose del teclado. La acción se encuentra debajo de las cuerdas y utiliza la gravedad como medio de retorno a un estado de reposo. Los pianos de cola varían en longitud desde aproximadamente 1,5 metros (4 pies 11 pulgadas) hasta 3 metros (9 pies 10 pulgadas). Algunas de las longitudes han recibido nombres más o menos habituales, que varían de un momento a otro y de un lugar a otro, pero pueden incluir:
- Grandes bebés – alrededor de 1,5 metros (4 pies 11 en)
- Parlor grand o boudoir grand – 1,7 a 2,2 metros (5 ft 7 en – 7 ft 3 in)
- Gran concierto – entre 2.2 y 3 metros (7 pies 3 en – 9 pies 10 en)
En igualdad de condiciones, los pianos más largos con cuerdas más largas tienen un sonido más grande y rico y una falta de armonía más baja en las cuerdas. La falta de armonía es el grado en que las frecuencias de los sobretonos (conocidos como parciales o armónicos) suenan nítidos en relación con los múltiplos enteros de la frecuencia fundamental. Esto se debe a la considerable rigidez de las cuerdas del piano; cuando una cuerda golpeada decae, sus armónicos vibran, no desde su terminación, sino desde un punto muy ligeramente hacia el centro (o parte más flexible) de la cuerda. Cuanto más alto es el parcial, más agudo se ejecuta. Los pianos con cuerdas más cortas y gruesas (es decir, pianos pequeños con escalas de cuerdas cortas) tienen más falta de armonía. Cuanto mayor es la inarmonía, más el oído la percibe como aspereza de tono.
La falta de armonía de las cuerdas de un piano requiere que las octavas se estiren o se afinen al sobretono agudo correspondiente de una octava inferior en lugar de a una octava teóricamente correcta. Si las octavas no se estiran, las octavas individuales suenan afinadas, pero las octavas dobles, y especialmente las triples, son inaceptablemente estrechas. Estirar las octavas de un piano pequeño para que coincida con su nivel de inarmonía inherente crea un desequilibrio entre todas las relaciones interválicas del instrumento. Sin embargo, en un piano de cola de concierto, la octava "estirar" conserva el equilibrio armónico, incluso cuando se alinean las notas agudas con un armónico producido a partir de tres octavas por debajo. Esto permite que las octavas cercanas y amplias suenen puras y produce quintas perfectas prácticamente sin tiempos. Esto le da al piano de cola una calidad de tono brillante, cantada y sostenida, una de las principales razones por las que se utilizan pianos de cola de tamaño completo en la sala de conciertos. Los pianos de cola más pequeños satisfacen las necesidades de espacio y costo del uso doméstico; además, se utilizan en algunos pequeños estudios de enseñanza y lugares de actuación más pequeños.
Vertical
Los pianos verticales, también llamados pianos verticales, son más compactos debido a la estructura vertical del marco y las cuerdas. La estructura de acción mecánica del piano vertical fue inventada en Londres, Inglaterra en 1826 por Robert Wornum, y los modelos verticales se convirtieron en el modelo más popular para uso doméstico. Los pianos verticales ocupaban menos espacio que un piano de cola y, como tales, tenían un mejor tamaño para su uso en hogares privados para la práctica y la creación de música doméstica. Los martillos se mueven horizontalmente y vuelven a su posición de reposo mediante resortes, que son susceptibles de degradación. Los pianos verticales con marcos inusualmente altos y cuerdas largas a veces se comercializaban como pianos verticales de cola, pero esa etiqueta es engañosa. Algunos autores clasifican los pianos modernos según su altura y las modificaciones de la acción que son necesarias para acomodar la altura. Los pianos verticales son generalmente menos costosos que los pianos de cola. Los pianos verticales se utilizan ampliamente en iglesias, centros comunitarios, escuelas, conservatorios de música y programas universitarios de música como instrumentos de ensayo y práctica, y son modelos populares para comprar en el hogar.
- La parte superior de un modelo de columna apenas se eleva por encima del teclado. A diferencia de todos los otros pianos, la acción de la espina dorsal se encuentra debajo de las teclas, operada por alambres verticales que se adjuntan a la parte posterior de las teclas.
- Los pianos de consola, que tienen una acción compacta (martillos cortos que una gran recta tiene), pero debido a que la acción de la consola está por encima de las teclas en lugar de debajo de ellas como en una columna vertebral, una consola casi siempre juega mejor que una columna vertebral. Los pianos de consola son más cortos que los modelos de estudio.
- Los pianos de estudio son de unos 107 a 114 cm de altura (42–45). Este es el armario más corto que puede acomodar una acción de tamaño completo situada sobre el teclado.
- Cualquier cosa más alta que un piano de estudio se llama vertical. (Técnicamente, cualquier piano con una tabla de sonar verticalmente orientada podría llamarse una vertical, pero esa palabra se reserva a menudo para los modelos de tamaño completo.)
Especializado
El piano de juguete, introducido en el siglo XIX, es un pequeño instrumento parecido a un piano que generalmente usa varillas redondas de metal para producir sonido, en lugar de cuerdas. La Biblioteca del Congreso de EE. UU. reconoce el piano de juguete como un instrumento único con la designación de tema Partituras para piano de juguete: M175 T69.
En 1863, Henri Fourneaux inventó la pianola, que se toca sola con un rollo de pianola. Una máquina perfora la grabación de una interpretación en rollos de papel y la pianola reproduce la interpretación utilizando dispositivos neumáticos. Los equivalentes modernos de la pianola incluyen Bösendorfer CEUS, Yamaha Disklavier y QRS Pianomation, que utilizan solenoides y MIDI en lugar de neumáticos y rollos.
Un piano silencioso es un piano acústico que tiene la opción de silenciar las cuerdas mediante una barra de percusión interpuesta. Están diseñados para la práctica privada en silencio, para no molestar a los demás.
Edward Ryley inventó el piano de transposición en 1801. Este raro instrumento tiene una palanca debajo del teclado para mover el teclado en relación con las cuerdas, de modo que un pianista pueda tocar en una clave familiar mientras la música suena en una clave diferente.
El minipiano es un instrumento patentado por los hermanos Brasted de la compañía de pianos Eavestaff Ltd. en 1934. Este instrumento tiene un respaldo sin tirantes y una caja de resonancia colocada debajo de las teclas: largas varillas de metal tiran de las palancas para que los martillos golpeen el instrumentos de cuerda. El primer modelo, conocido como Pianette, era único en el sentido de que las clavijas de afinación se extendían a través del instrumento, por lo que se podía afinar en la parte delantera.
El piano preparado, presente en algunas obras musicales contemporáneas de los siglos XX y XXI, es un piano al que se le colocan objetos en su interior para alterar su sonido, o al que se le ha cambiado el mecanismo de alguna otra forma. Las partituras de música para piano preparado especifican las modificaciones, por ejemplo, instruir al pianista para que inserte piezas de goma, papel, tornillos de metal o arandelas entre las cuerdas. Estos objetos silencian las cuerdas o alteran su timbre.
El piano de pedales es un tipo raro de piano que tiene un teclado de pedales en la base, diseñado para ser tocado con los pies. Los pedales pueden tocar las cuerdas de bajo existentes en el piano o, en raras ocasiones, los pedales pueden tener su propio conjunto de cuerdas de bajo y mecanismos de martillo. Si bien el uso típico previsto para los pianos de pedal es permitir que un teclista practique música de órgano de tubos en casa, algunos jugadores de piano de pedal lo usan como instrumento de interpretación.
Wadia Sabra hizo que Pleyel fabricara un piano de microtonos en 1920. Más tarde, Abdallah Chahine construyó su piano de cuartos de tono "Oriental piano" con la ayuda del austriaco Hofmann.
Eléctrico, electrónico y digital
Con los avances tecnológicos, se han desarrollado pianos eléctricos amplificados (1929), pianos electrónicos (década de 1970) y pianos digitales (década de 1980). El piano eléctrico se convirtió en un instrumento popular en los géneros de jazz fusión, funk y rock de las décadas de 1960 y 1970. Los primeros pianos eléctricos de finales de la década de 1920 usaban cuerdas de metal con una pastilla magnética, un amplificador y un altavoz. Los pianos eléctricos que se hicieron más populares en la música pop y rock en las décadas de 1960 y 1970, como el Fender Rhodes, usan dientes de metal en lugar de cuerdas y usan pastillas electromagnéticas similares a las de una guitarra eléctrica. La señal analógica eléctrica resultante se puede amplificar con un amplificador de teclado o manipular electrónicamente con unidades de efectos. En la música clásica, los pianos eléctricos se utilizan principalmente como instrumentos económicos de ensayo o práctica. Sin embargo, los pianos eléctricos, particularmente el Fender Rhodes, se convirtieron en instrumentos importantes en la fusión de funk y jazz de la década de 1970 y en algunos géneros musicales de rock.
Los pianos electrónicos no son acústicos; no tienen cuerdas, púas ni martillos, sino que son un tipo de sintetizador analógico que simula o imita sonidos de piano mediante osciladores y filtros que sintetizan el sonido de un piano acústico. Deben estar conectados a un amplificador de teclado y altavoz para producir sonido (sin embargo, algunos teclados electrónicos tienen un amplificador y altavoz integrados). Alternativamente, una persona puede tocar un piano electrónico con auriculares en entornos más silenciosos.
Los pianos digitales tampoco son acústicos y no tienen cuerdas ni martillos. Utilizan tecnología de muestreo de audio digital para reproducir con precisión el sonido acústico de cada nota del piano. También deben estar conectados a un amplificador de potencia y un parlante para producir sonido (sin embargo, la mayoría de los pianos digitales tienen un amplificador y un parlante incorporados). Alternativamente, una persona puede practicar con auriculares para evitar molestar a los demás. Los pianos digitales pueden incluir pedales de sostenido, teclas contrapesadas o semicontrapesadas, múltiples opciones de voz (por ejemplo, imitaciones muestreadas o sintetizadas de piano eléctrico, órgano Hammond, violín, etc.) e interfaces MIDI. Las entradas y salidas MIDI conectan un piano digital a otros instrumentos electrónicos o dispositivos musicales. Por ejemplo, la señal de salida MIDI de un piano digital podría conectarse mediante un latiguillo a un módulo de sintetizador, lo que permitiría al intérprete utilizar el teclado del piano digital para reproducir sonidos de sintetizador modernos. Los primeros pianos digitales tendían a carecer de un juego completo de pedales, pero el software de síntesis de los modelos posteriores, como la serie Yamaha Clavinova, sintetizaba la vibración simpática de las otras cuerdas (como cuando se presiona el pedal de sostenido) y ahora se pueden replicar juegos completos de pedales.. El poder de procesamiento de los pianos digitales ha permitido pianos muy realistas que utilizan conjuntos de muestras de piano de varios gigabytes con hasta noventa grabaciones, cada una de ellas con una duración de muchos segundos, para cada tecla en diferentes condiciones (por ejemplo, hay muestras de cada nota tocada suavemente, en voz alta, con un ataque agudo, etc.). Las muestras adicionales emulan la resonancia simpática de las cuerdas cuando se presiona el pedal de sostenido, la liberación de la tecla, la caída de los amortiguadores y simulaciones de técnicas como volver a pedalear.
Los pianos digitales equipados con MIDI pueden generar un flujo de datos MIDI o grabar y reproducir a través de un CD ROM o una unidad flash USB utilizando archivos de formato MIDI, un concepto similar a una pianola. El archivo MIDI registra la física de una nota en lugar de su sonido resultante y recrea los sonidos a partir de sus propiedades físicas (por ejemplo, qué nota se golpeó y con qué velocidad). El software basado en computadora, como el Pianoteq 2006 de Modartt, se puede usar para manipular el flujo MIDI en tiempo real o posteriormente para editarlo. Es posible que este tipo de software no use muestras, sino que sintetice un sonido basado en aspectos de la física que intervinieron en la creación de una nota tocada.
Instrumentos híbridos
En la década de 2000, algunos pianos incluyen un piano de cola acústico o un piano vertical combinado con funciones electrónicas MIDI. Tal piano se puede tocar acústicamente, o el teclado se puede usar como un controlador MIDI, que puede activar un módulo de sintetizador o una muestra de música. Algunos pianos equipados con funciones electrónicas, como el piano reproductor electrónico Yamaha Disklavier, presentado en 1987, están equipados con sensores electrónicos para grabar y solenoides electromecánicos para la reproducción al estilo de un piano reproductor. Los sensores registran los movimientos de las teclas, martillos y pedales durante una interpretación, y el sistema guarda los datos de interpretación como un archivo MIDI estándar (SMF). Durante la reproducción, los solenoides mueven las teclas y los pedales y así reproducen la interpretación original. Los Disklavier modernos suelen incluir una serie de funciones electrónicas, como un generador de tonos integrado para reproducir pistas de acompañamiento MIDI, altavoces, conectividad MIDI que admite la comunicación con dispositivos informáticos e instrumentos MIDI externos, puertos adicionales para audio y entrada/salida SMPTE (E/S) y conectividad a Internet. Los Disklaviers se han fabricado en forma de piano vertical, de media cola y de cola (incluido un piano de cola de concierto de nueve pies). Los sistemas de reproducción van desde modelos relativamente simples, solo de reproducción, hasta modelos profesionales que pueden grabar datos de interpretación a resoluciones que exceden los límites de los datos MIDI normales. La unidad montada debajo del teclado del piano puede reproducir software MIDI o de audio en su CD.
Construcción y componentes
Los pianos pueden tener más de 12 000 partes individuales, compatibles con seis características funcionales: teclado, martillos, amortiguadores, puente, caja de resonancia y cuerdas. Muchas partes de un piano están hechas de materiales seleccionados por su resistencia y longevidad. Esto es especialmente cierto en el borde exterior. Por lo general, está hecho de madera dura, generalmente arce duro o haya, y su tamaño sirve como un objeto esencialmente inmóvil desde el cual la caja de resonancia flexible puede vibrar mejor. Según Harold A. Conklin, el propósito de un aro resistente es que, "... la energía vibratoria permanezca tanto como sea posible en la tapa armónica en lugar de disiparse inútilmente en las partes de la caja, que son radiadores ineficientes de sonido."
Las llantas de madera dura se suelen fabricar laminando tiras de madera dura delgadas y, por lo tanto, flexibles, y doblándolas a la forma deseada inmediatamente después de la aplicación del pegamento. El sistema de contrachapado doblado fue desarrollado por C.F. Theodore Steinway en 1880 para reducir el tiempo y los costes de fabricación. Anteriormente, el borde se construía con varias piezas de madera maciza, unidas y enchapadas, y los fabricantes europeos utilizaron este método hasta bien entrado el siglo XX. Una excepción moderna, Bösendorfer, el fabricante austriaco de pianos de alta calidad, construye sus llantas internas de abeto macizo, la misma madera de la que está hecha la tapa armónica, que tiene muescas para permitir que se doble; en lugar de aislar la llanta de la vibración, su "principio de caja de resonancia" permite que el marco resuene más libremente con la caja de resonancia, creando coloración adicional y complejidad del sonido general.
Los gruesos postes de madera en la parte inferior (grandes) o en la parte posterior (montantes) del piano estabilizan la estructura del borde y están hechos de madera blanda para mayor estabilidad. El requisito de resistencia estructural, que se cumple con la madera maciza y el metal grueso, hace que un piano sea pesado. Incluso un instrumento vertical pequeño puede pesar 136 kg (300 lb), y el piano de cola de concierto Steinway (Modelo D) pesa 480 kg (1060 lb). El piano más grande disponible en el mercado general, el Fazioli F308, pesa 570 kg (1260 lb).
El pinblock, que mantiene las clavijas de afinación en su lugar, es otra área donde la dureza es importante. Está hecho de madera dura (típicamente arce duro o haya) y está laminado para brindar resistencia, estabilidad y longevidad. Las cuerdas de piano (también llamadas cuerdas de piano), que deben soportar años de tensión extrema y golpes duros, están hechas de acero con alto contenido de carbono. Están fabricados para variar lo menos posible en diámetro, ya que todas las desviaciones de la uniformidad introducen distorsión tonal. Las cuerdas bajas de un piano están hechas de un núcleo de acero envuelto con alambre de cobre, para aumentar su masa manteniendo la flexibilidad. Si todas las cuerdas a lo largo del compás del piano fueran individuales (monocordio), las cuerdas graves masivas dominarían los rangos superiores. Los fabricantes compensan esto con el uso de cuerdas dobles (bicordio) en el tenor y cuerdas triples (tricordio) en los agudos.
La placa (arpa), o marco de metal, de un piano generalmente está hecho de hierro fundido. Un plato masivo es ventajoso. Dado que las cuerdas vibran desde la placa en ambos extremos, una placa con una masa insuficiente absorbería demasiada energía vibratoria que debería atravesar el puente hacia la caja de resonancia. Mientras que algunos fabricantes utilizan acero fundido en sus placas, la mayoría prefiere el hierro fundido. El hierro fundido es fácil de moldear y mecanizar, tiene suficiente flexibilidad para usarse en pianos, es mucho más resistente a la deformación que el acero y es especialmente tolerante a la compresión. La fundición de placas es un arte, ya que las dimensiones son cruciales y el hierro se contrae alrededor del uno por ciento durante el enfriamiento. Incluir una pieza de metal extremadamente grande en un piano es potencialmente una desventaja estética. Los fabricantes de pianos superan esto puliendo, pintando y decorando el plato. Las placas suelen incluir el medallón ornamental del fabricante. En un esfuerzo por hacer pianos más livianos, Alcoa trabajó con los fabricantes de pianos Winter and Company para fabricar pianos con una placa de aluminio durante la década de 1940. Las placas de piano de aluminio no fueron ampliamente aceptadas y se descontinuaron.
Las numerosas partes de la acción de un piano generalmente están hechas de madera dura, como arce, haya y carpe; sin embargo, desde la Segunda Guerra Mundial, los fabricantes también han incorporado plásticos. Los primeros plásticos utilizados en algunos pianos a fines de la década de 1940 y 1950 resultaron desastrosos cuando perdieron fuerza después de algunas décadas de uso. A partir de 1961, la sucursal de Nueva York de la firma Steinway incorporó teflón, un material sintético desarrollado por DuPont, para algunas partes de su gran acción Permafree en lugar de bujes de tela, pero abandonó el experimento en 1982 debido a la fricción excesiva y un &# 34;hacer clic en" que se desarrolló con el tiempo; El teflón es "estable a la humedad" mientras que la madera adyacente al teflón se hincha y encoge con los cambios de humedad, causando problemas. Más recientemente, la firma Kawai fabricó pianos con piezas de acción fabricadas con materiales más modernos, como plástico reforzado con fibra de carbono, y el fabricante de piezas de piano Wessell, Nickel and Gross ha lanzado una nueva línea de piezas compuestas cuidadosamente diseñadas. Hasta ahora, estas piezas han funcionado razonablemente, pero llevará décadas saber si igualan la longevidad de la madera.
En todos los pianos, excepto en los de menor calidad, la tapa armónica está hecha de pícea maciza (es decir, tablas de pícea pegadas a lo largo de la fibra lateral). La alta relación entre fuerza y peso de la picea minimiza la impedancia acústica al tiempo que ofrece la fuerza suficiente para soportar la fuerza descendente de las cuerdas. Los mejores fabricantes de pianos utilizan abeto aserrado en cuartos, sin defectos, de grano anular cerrado, y lo curan cuidadosamente durante un largo período antes de fabricar las tapas armónicas. Este es el mismo material que se utiliza en cajas de resonancia de guitarra acústica de calidad. Los pianos baratos suelen tener tapas de madera contrachapada.
El diseño de los martillos de piano requiere que el martillo sea lo suficientemente suave para que no cree los armónicos fuertes y muy altos que causaría un martillo duro. El martillo debe ser lo suficientemente liviano para moverse rápidamente cuando se presiona una tecla; sin embargo, al mismo tiempo, debe ser lo suficientemente fuerte para que pueda golpear las cuerdas con fuerza cuando el jugador golpea las teclas con fuerza para tocar fortissimo o acentos sforzando.
Teclado
En los primeros años de la construcción de pianos, las teclas solían estar hechas de pino de azúcar. En la década de 2010, generalmente están hechos de abeto o tilo. El abeto se usa típicamente en pianos de alta calidad. Las teclas negras se hacían tradicionalmente de ébano y las teclas blancas se cubrían con tiras de marfil. Sin embargo, dado que las especies que producen marfil ahora están en peligro y protegidas por un tratado, o son ilegales en algunos países, los fabricantes usan plásticos casi exclusivamente. Además, el marfil tiende a astillarse más fácilmente que el plástico. El marfil legal todavía se puede obtener en cantidades limitadas. Yamaha desarrolló un plástico llamado Ivorite destinado a imitar la apariencia del marfil; otros fabricantes han hecho lo mismo.
Casi todos los pianos modernos tienen 52 teclas blancas y 36 teclas negras para un total de 88 teclas (siete octavas más una tercera menor, desde A0 a C8). Muchos pianos antiguos solo tienen 85 teclas (siete octavas desde A0 a A7). Algunos fabricantes de pianos han ampliado aún más la gama en una o ambas direcciones. Por ejemplo, el Imperial Bösendorfer tiene nueve teclas adicionales en el extremo del bajo, dando un total de 97 teclas y un rango de ocho octavas. Estas teclas adicionales a veces se ocultan debajo de una pequeña tapa con bisagras que puede cubrir las teclas para evitar la desorientación visual de los pianistas que no están familiarizados con las teclas adicionales, o los colores de las teclas blancas adicionales están invertidos (negro en lugar de blanco). Más recientemente, el fabricante australiano Stuart & Sons creó un piano con 108 teclas, desde C0 hasta B8, cubriendo nueve octavas completas. Las teclas adicionales son iguales a las otras teclas en apariencia.
Las teclas adicionales se agregan principalmente para aumentar la resonancia de las cuerdas asociadas; es decir, vibran simpáticamente con otras cuerdas cada vez que se presiona el pedal amortiguador y, por lo tanto, dan un tono más completo. Solo un número muy reducido de obras compuestas para piano utilizan realmente estas notas.
La empresa de pianos de juguete Schoenhut fabrica pianos de cola y verticales con solo 44 o 49 teclas y una distancia más corta entre el teclado y los pedales. Estos son verdaderos pianos con mecanismos de trabajo y cuerdas.
Una rara variante del piano llamada Emánuel Moór Pianoforte tiene teclados dobles, uno encima del otro. Fue inventado por el compositor y pianista húngaro Emánuel Moór (19 de febrero de 1863 - 20 de octubre de 1931). El teclado inferior tiene las 88 teclas habituales, mientras que el teclado superior tiene 76 teclas. Cuando se toca el teclado superior, un mecanismo interno baja la tecla correspondiente del teclado inferior, pero una octava más alta. Esto permite que un pianista alcance dos octavas con una mano, algo imposible en un piano convencional. Debido a su doble teclado, las obras musicales que originalmente fueron creadas para clavicémbalo de doble manual, como las Variaciones Goldberg de Bach, se vuelven mucho más fáciles de tocar, ya que tocar en un piano convencional de un solo teclado implica complejos y movimientos de manos cruzadas que enredan las manos. El diseño también cuenta con un cuarto pedal especial que acopla el teclado superior e inferior, por lo que cuando se toca en el teclado inferior, también suena la nota una octava más alta. Solo se fabricaron unos 60 Emánuel Moór Pianofortes, en su mayoría por Bösendorfer. Otros fabricantes de pianos, como Bechstein, Chickering y Steinway & Sons, también fabricó unos cuantos.
Los pianos se han construido con sistemas de teclado alternativos, por ejemplo, el teclado Jankó.
Pedales
Los pianos han tenido pedales, o algún equivalente cercano, desde los primeros días. (En el siglo XVIII, algunos pianos usaban palancas presionadas hacia arriba por la rodilla del ejecutante en lugar de pedales). La mayoría de los pianos de cola en los EE. UU. tienen tres pedales: el pedal suave (una corda), el sostenuto y el pedal sostenido (de de izquierda a derecha, respectivamente), mientras que en Europa, el estándar son dos pedales: el pedal suave y el pedal sostenido. La mayoría de los pianos verticales modernos también tienen tres pedales: pedal suave, pedal de práctica y pedal de sostenido, aunque los modelos más antiguos o más baratos pueden carecer del pedal de práctica. En Europa, el estándar para los pianos verticales es de dos pedales: el suave y el sostenido.
El pedal de sostenido (o pedal amortiguador) a menudo se denomina simplemente "el pedal", ya que es el que se usa con más frecuencia. Se coloca como el pedal más a la derecha del grupo. Levanta los amortiguadores de todas las teclas, manteniendo todas las notas tocadas. Además, altera el tono general al permitir que todas las cuerdas, incluidas las que no se tocan directamente, resuenen. Cuando todas las demás cuerdas del piano pueden vibrar, esto permite la vibración por simpatía de las cuerdas que están armónicamente relacionadas con los tonos que suenan. Por ejemplo, si el pianista toca la "A" nota, la octava más alta "A" las notas también sonarán con simpatía.
El pedal suave o una corda se coloca más a la izquierda en la fila de pedales. En los pianos de cola, desplaza todo el conjunto de acción/teclado hacia la derecha (muy pocos instrumentos se han desplazado hacia la izquierda) de modo que los martillos golpean dos de las tres cuerdas para cada nota. En los primeros pianos cuyos unísonos eran bicordios en lugar de tricordios, la acción cambiaba de modo que los martillos golpeaban una sola cuerda, de ahí el nombre una corda, o "una cuerda". El efecto es suavizar la nota y cambiar el tono. En montantes esta acción no es posible; en cambio, el pedal acerca los martillos a las cuerdas, lo que permite que los martillos golpeen con menos energía cinética. Esto produce un sonido ligeramente más suave, pero sin cambios en el timbre.
En los pianos de cola, el pedal del medio es un pedal de sostenuto. Este pedal mantiene levantado cualquier amortiguador ya levantado en el momento en que se pisa el pedal. Esto hace posible sostener las notas seleccionadas (pisando el pedal de sostenuto antes de que se suelten esas notas) mientras que las manos del ejecutante están libres para tocar notas adicionales (que no se sostienen). Esto puede ser útil para pasajes musicales con puntos de pedal de bajo bajos, en los que una nota de bajo se mantiene mientras una serie de acordes cambia sobre ella, y otras partes complicadas. En muchos pianos verticales, el pedal del medio se llama "práctica" o pedal celeste. Esto deja caer un trozo de fieltro entre los martillos y las cuerdas, silenciando mucho los sonidos. Este pedal se puede cambiar mientras está presionado, a una posición de "bloqueo" posición.
También hay variantes no estándar. En algunos pianos (de cola y verticales), el pedal del medio puede ser un pedal de sostenido de bajos: es decir, cuando se presiona, los amortiguadores levantan las cuerdas solo en la sección de bajos. Los músicos usan este pedal para sostener una sola nota de bajo o acorde en muchos compases, mientras tocan la melodía en la sección de agudos.
El raro piano de transposición (un ejemplo del cual era propiedad de Irving Berlin) tiene un pedal central que funciona como un embrague que desconecta el teclado del mecanismo, por lo que el jugador puede mover el teclado hacia la izquierda o hacia la derecha con una palanca.. Esto cambia toda la acción del piano para que el pianista pueda tocar música escrita en una clave para que suene en una clave diferente.
Algunas empresas de pianos han incluido pedales adicionales además de los dos o tres estándar. En los pianos Stuart and Sons, así como en el piano Fazioli más grande, hay un cuarto pedal a la izquierda de los tres principales. Este cuarto pedal funciona de la misma manera que el pedal suave de un piano vertical, acercando los macillos a las cuerdas. The Crown and Schubert Piano Company también produjo un piano de cuatro pedales.
Wing and Son of New York ofreció un piano de cinco pedales desde aproximadamente 1893 hasta la década de 1920. No se menciona a la empresa más allá de la década de 1930. Etiquetados de izquierda a derecha, los pedales son Mandolin, Orchestra, Expression, Soft y Forte (Sustain). El pedal orquestal producía un sonido similar a una sensación de trémolo haciendo rebotar un conjunto de pequeñas cuentas que colgaban contra las cuerdas, lo que permitía que el piano imitara una mandolina, guitarra, banjo, cítara y arpa, de ahí el nombre orquestal. El pedal de mandolina usó un enfoque similar, bajando un conjunto de tiras de fieltro con anillos de metal entre los martillos y las cuerdas (también conocido como efecto rinky-tink). Esto extendió la vida útil de los martillos cuando se usó el pedal Orch, una buena idea para practicar, y creó un sonido similar al eco que simulaba tocar en una sala orquestal.
El piano pedalier, o piano de pedales, es un tipo de piano poco común que incluye una pedalera para que los músicos puedan usar los pies para tocar notas de registro bajo, como en un órgano. Hay dos tipos de piano de pedal. En uno, la pedalera es una parte integral del instrumento y utiliza las mismas cuerdas y el mismo mecanismo que el teclado manual. El otro tipo, más raro, consta de dos pianos independientes (cada uno con mecanismos y cuerdas separados) colocados uno encima del otro, uno para las manos y otro para los pies. Este fue desarrollado principalmente como un instrumento de práctica para organistas, aunque hay un pequeño repertorio escrito específicamente para el instrumento.
Mecánica
Cuando se pulsa la tecla, se produce una reacción en cadena para producir el sonido. Primero, la tecla levanta el "wippen" mecanismo, que fuerza el gato contra el rodillo del martillo (o articulación). El rodillo del martillo entonces levanta la palanca que lleva el martillo. La llave también eleva el amortiguador; e inmediatamente después de que el martillo golpea el alambre, vuelve a caer, permitiendo que el alambre resuene y produzca sonido. Cuando se suelta la tecla, el amortiguador vuelve a caer sobre las cuerdas, evitando que el cable vibre y, por lo tanto, deteniendo el sonido. Las cuerdas vibrantes del piano en sí mismas no son muy fuertes, pero sus vibraciones se transmiten a una gran caja de resonancia que mueve el aire y, por lo tanto, convierte la energía en sonido. La forma irregular y la ubicación descentrada del puente aseguran que la caja de resonancia vibre fuertemente en todas las frecuencias. El amortiguador elevado permite que la nota suene hasta que se suelta la tecla (o el pedal de sostenido).
Hay tres factores que influyen en el tono de una cuerda vibrante.
- Duración: Todos los otros factores iguales, más corto el alambre, más alto el campo.
- Masa por unidad de longitud: Todos los otros factores igual, más delgado el alambre, más alto el campo.
- Tensión: Todos los otros factores iguales, más apretado el alambre, más alto el campo.
Una cuerda vibrante se subdivide en muchas partes que vibran al mismo tiempo. Cada parte produce un tono propio, llamado parcial. Una cuerda vibrante tiene una fundamental y una serie de parciales. La combinación más pura de dos tonos es cuando uno tiene el doble de frecuencia que el otro.
Para una onda repetitiva, la velocidad v es igual a la longitud de onda λ veces la frecuencia f,
- v = λf
En la cuerda del piano, las ondas se reflejan desde ambos extremos. La superposición de ondas reflectantes da como resultado un patrón de onda estacionaria, pero solo para longitudes de onda λ = 2L, L, 2L/3, L /2,... = 2L/n, donde L es la longitud de la cadena. Por lo tanto, las únicas frecuencias producidas en una sola cadena son f = nv/2L. El timbre está determinado en gran medida por el contenido de estos armónicos. Diferentes instrumentos tienen diferente contenido armónico para el mismo tono. Una cuerda real vibra con armónicos que no son múltiplos perfectos de la fundamental. Esto da como resultado una pequeña inarmonía, lo que da riqueza al tono pero provoca importantes desafíos de afinación en todo el compás del instrumento.
Al golpear la tecla del piano con mayor velocidad aumenta la amplitud de las ondas y por lo tanto el volumen. De pianissimo (pp ) a fortissimo (ff) la velocidad del martillo cambia en casi un factor de cien. El tiempo de contacto del martillo con la cuerda se reduce de 4 milisegundos en pp a menos de 2 ms en ff. Si se golpean al mismo tiempo dos cables ajustados al mismo tono, el sonido producido por uno refuerza al otro y se produce un sonido combinado más fuerte y de menor duración. Si un cable vibra fuera de sincronización con el otro, se restan entre sí y producen un tono más suave de mayor duración.
Mantenimiento
Los pianos son instrumentos pesados y potentes, pero delicados. A lo largo de los años, los transportistas profesionales de pianos han desarrollado técnicas especiales para transportar tanto los pianos de cola como los verticales, que evitan daños en la caja y en los elementos mecánicos del piano. Los pianos necesitan una afinación regular para mantenerlos en el tono correcto. Los martillos de los pianos están sonorizados para compensar el endurecimiento gradual del fieltro, y otras partes también necesitan una regulación periódica. Los pianos necesitan un mantenimiento regular para garantizar que los martillos de fieltro y los mecanismos clave funcionen correctamente. Los pianos envejecidos y desgastados pueden ser reconstruidos o reacondicionados por reconstructores de pianos. Eventualmente, las cuerdas deben ser reemplazadas. A menudo, reemplazando un gran número de sus partes y ajustándolas, los instrumentos antiguos pueden funcionar tan bien como los pianos nuevos.
La afinación del piano consiste en ajustar las tensiones de las cuerdas del piano con una llave especial, alineando así los intervalos entre sus tonos para que el instrumento esté afinado. Mientras que los guitarristas y violinistas afinan sus propios instrumentos, los pianistas suelen contratar a un afinador de pianos, un técnico especializado, para afinar sus pianos. El afinador de pianos utiliza herramientas especiales. El significado del término afinado en el contexto de la afinación de un piano no es simplemente un conjunto fijo particular de tonos. La afinación fina de piano evalúa cuidadosamente la interacción entre todas las notas de la escala cromática, diferente para cada piano, y por lo tanto requiere tonos ligeramente diferentes de cualquier estándar teórico. Los pianos generalmente se afinan con una versión modificada del sistema llamado temperamento igual (ver Frecuencias de las teclas del piano para la afinación teórica del piano). En todos los sistemas de afinación, cada tono se deriva de su relación con un tono fijo elegido, generalmente el tono de concierto estándar reconocido internacionalmente de A4 (el A sobre el C central). El término A440 se refiere a una frecuencia ampliamente aceptada de este tono: 440 Hz.
La relación entre dos tonos, llamada intervalo, es la razón de sus frecuencias absolutas. Dos intervalos diferentes se perciben como iguales cuando los pares de tonos involucrados comparten la misma relación de frecuencia. Los intervalos más fáciles de identificar y los intervalos más fáciles de ajustar son aquellos que son justos, lo que significa que tienen una proporción simple de números enteros. El término temperamento se refiere a un sistema de afinación que atempera los intervalos justos (normalmente la quinta justa, que tiene la proporción 3:2) para satisfacer otra propiedad matemática; en el temperamento igual, una quinta se atempera estrechándola ligeramente, lo que se logra aplanando ligeramente su tono superior o elevando ligeramente su tono inferior. Un sistema de temperamento también se conoce como un conjunto de "cojinetes". Templar un intervalo hace que lata, que es una fluctuación en la intensidad del sonido percibido debido a la interferencia entre tonos cercanos (pero desiguales). La tasa de batido es igual a las diferencias de frecuencia de cualquier armónico que esté presente para ambos tonos y que coincida o casi coincida. Los afinadores de piano tienen que usar su oído para "estirar" la afinación de un piano para que suene afinado. Esto implica afinar las cuerdas con el tono más alto un poco más alto y las cuerdas con el tono más bajo un poco más bajo de lo que sugeriría una tabla de frecuencia matemática (en la que las octavas se derivan duplicando la frecuencia).
Toque y técnica
Al igual que con cualquier otro instrumento musical, el piano se puede tocar a partir de música escrita, de oído o mediante improvisación. Si bien algunos pianistas de folk y blues fueron autodidactas, en música clásica y jazz existen sistemas e instituciones de enseñanza de piano bien establecidos, que incluyen exámenes graduados preuniversitarios, diplomas y títulos universitarios, universitarios y de conservatorio de música, que van desde el B.Mus. y M.Mus. al Doctorado en Artes Musicales en piano. La técnica pianística evolucionó durante la transición del clavicémbalo y el clavicordio a la ejecución del fortepiano, y continuó durante el desarrollo del piano moderno. Los cambios en los estilos musicales y las preferencias de la audiencia durante los siglos XIX y XX, así como la aparición de intérpretes virtuosos, contribuyeron a esta evolución y al crecimiento de distintos enfoques o escuelas de interpretación pianística. Aunque la técnica a menudo se considera solo como la ejecución física de una idea musical, muchos pedagogos e intérpretes enfatizan la interrelación de los aspectos físicos y mentales o emocionales de tocar el piano. Los enfoques más conocidos de la técnica del piano incluyen los de Dorothy Taubman, Edna Golandsky, Fred Karpoff, Charles-Louis Hanon y Otto Ortmann.
Estilos de interpretación
Muchos compositores de música clásica, incluidos Haydn, Mozart y Beethoven, compusieron para fortepiano, un instrumento bastante diferente al piano moderno. Incluso los compositores del movimiento romántico, como Franz Liszt, Frédéric Chopin, Clara y Robert Schumann, Fanny y Felix Mendelssohn y Johannes Brahms, escribieron para pianos sustancialmente diferentes a los pianos modernos de la era de 2010. Los músicos contemporáneos pueden ajustar su interpretación de composiciones históricas de los años 1600 a 1800 para tener en cuenta las diferencias de calidad de sonido entre los instrumentos antiguos y los nuevos o para cambiar la práctica de interpretación.
A partir de la carrera posterior de Beethoven, el fortepiano evolucionó hasta convertirse en un instrumento más parecido al piano moderno de la década de 2000. Los pianos modernos se usaban ampliamente a fines del siglo XIX. Presentaron un rango de octava más grande que el anterior instrumento fortepiano, agregando alrededor de 30 teclas más al instrumento, lo que amplió el rango de graves profundos y el rango de agudos altos. La producción en masa de fábrica de pianos verticales los hizo más asequibles para un mayor número de personas de clase media. Aparecieron en salas de música y pubs durante el siglo XIX, brindando entretenimiento a través de un solista de piano o en combinación con una pequeña banda de baile. Así como los clavecinistas habían acompañado a los cantantes o bailarines que actuaban en el escenario o tocaban para bailes, los pianistas asumieron este papel a fines del siglo XVIII y en los siglos siguientes.
Durante el siglo XIX, los músicos estadounidenses que tocaban para audiencias de clase trabajadora en pequeños pubs y bares, en particular los compositores afroamericanos, desarrollaron nuevos géneros musicales basados en el piano moderno. La música ragtime, popularizada por compositores como Scott Joplin, llegó a un público más amplio en 1900. La popularidad de la música ragtime fue reemplazada rápidamente por el piano Jazz. Se inventaron nuevas técnicas y ritmos para el piano, incluido el ostinato para el boogie-woogie y la voz Shearing. Rhapsody in Blue de George Gershwin abrió nuevos caminos musicales al combinar el piano de jazz estadounidense con sonidos sinfónicos. Comping, una técnica para acompañar a los vocalistas de jazz en el piano, fue ejemplificado por la técnica de Duke Ellington. La música Honky-tonk, que presenta otro estilo de ritmo de piano, se hizo popular durante la misma época. Las técnicas del bebop surgieron del jazz, con compositores y pianistas destacados como Thelonious Monk y Bud Powell. A finales del siglo XX, Bill Evans compuso piezas combinando técnicas clásicas con su experimentación jazzística. En la década de 1970, Herbie Hancock fue uno de los primeros compositores y pianistas de jazz en encontrar una gran popularidad trabajando con nuevas técnicas de música urbana como el jazz-funk y el jazz-rock.
Intérpretes como Jerry Lee Lewis, Little Richard, Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer), Elton John, Ben Folds, Billy Joel, Nicky Hopkins, y Tori Amos, por nombrar algunos. Los estilos musicales modernistas también han atraído a los compositores que escriben para el piano de cola moderno, incluidos John Cage y Philip Glass.
Rol
El piano es un instrumento fundamental en la música clásica occidental, el jazz, el blues, el rock, la música folclórica y muchos otros géneros musicales occidentales. Los pianos se utilizan en papeles solistas o melódicos y como instrumentos de acompañamiento. Además, los pianos se pueden tocar solos, con una voz u otro instrumento, en grupos pequeños (bandas y conjuntos de música de cámara) y conjuntos grandes (big band u orquesta). Un gran número de compositores y cantautores son pianistas competentes porque el teclado del piano ofrece un medio eficaz para experimentar con complejas interacciones melódicas y armónicas de acordes y probar múltiples líneas melódicas independientes que se tocan al mismo tiempo. Los pianos son utilizados por compositores que realizan bandas sonoras para cine y televisión, ya que la amplia gama permite a los compositores probar melodías y líneas de bajo, incluso si la música se orquestará para otros instrumentos.
Los directores de orquesta y de coro a menudo aprenden a tocar el piano, ya que es un excelente instrumento para aprender nuevas piezas y canciones para dirigir la interpretación. Muchos directores están formados en piano, porque les permite tocar partes de las sinfonías que están dirigiendo (usando una reducción para piano o haciendo una reducción de la partitura completa), para que puedan desarrollar su interpretación. El piano es una herramienta esencial en la educación musical en escuelas primarias y secundarias, universidades y colegios. La mayoría de las aulas de música y muchas salas de práctica tienen un piano. Los pianos se utilizan para ayudar a enseñar teoría musical, historia de la música y clases de apreciación musical, e incluso los profesores o instructores de música que no son pianistas pueden tener un piano en su oficina.
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