Período clásico (música)

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Wolfgang Amadeus Mozart (sentado en el teclado)

El período clásico fue una era de la música clásica entre aproximadamente 1750 y 1820.

El período Clásico se encuentra entre el Barroco y el Romántico. La música clásica tiene una textura más ligera y clara que la música barroca, pero un uso más sofisticado de la forma. Es principalmente homofónico, utilizando una línea melódica clara sobre un acompañamiento de cuerdas subordinadas, pero el contrapunto no se olvidó de ninguna manera, especialmente en la música vocal litúrgica y, más tarde en el período, en la música instrumental secular. También hace uso del estilo galante que enfatizó la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y la grandeza impresionante del barroco. La variedad y el contraste dentro de una pieza se hicieron más pronunciados que antes y la orquesta aumentó en tamaño, rango y potencia.

El clavicémbalo fue reemplazado como principal instrumento de teclado por el piano (o fortepiano). A diferencia del clavicémbalo, que puntea las cuerdas con púas, los pianos golpean las cuerdas con martillos cubiertos de cuero cuando se presionan las teclas, lo que permite al intérprete tocar más fuerte o más suave (de ahí el nombre original "fortepiano", literalmente "loud soft") y jugar con más expresión; por el contrario, la fuerza con la que un ejecutante toca las teclas del clavicémbalo no cambia el sonido. La música instrumental fue considerada importante por los compositores del período clásico. Los principales tipos de música instrumental eran la sonata, el trío, el cuarteto de cuerdas, el quinteto, la sinfonía (interpretada por una orquesta) y el concierto solista, en el que un virtuoso solista tocaba una obra solista para violín, piano, flauta u otro instrumento. acompañado de una orquesta. La música vocal, como las canciones para cantante y piano (en particular, la obra de Schubert), las obras corales y la ópera (una obra dramática escenificada para cantantes y orquesta) también fueron importantes durante este período.

Los compositores más conocidos de este período son Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert; otros nombres en este período incluyen: Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Domenico Cimarosa, Joseph Martin Kraus, Muzio Clementi, Christoph Willibald Gluck, Carl Ditters von Dittersdorf, André Grétry, Pierre-Alexandre Monsigny, Leopold Mozart, Michael Haydn, Giovanni Paisiello, Johann Baptist Wanhal, François-André Danican Philidor, Niccolò Piccinni, Antonio Salieri, Etienne Nicolas Mehul, Georg Christoph Wagenseil, Georg Matthias Monn, Johann Gottlieb Graun, Carl Heinrich Graun, Franz Benda, Georg Anton Benda, Johann Georg Albrechtsberger, Mauro Giuliani, Christian Cannabich y el Caballero de Saint-Georges. Beethoven es considerado un compositor romántico o un compositor del período clásico que formó parte de la transición a la era romántica. Schubert también es una figura de transición, al igual que Johann Nepomuk Hummel, Luigi Cherubini, Gaspare Spontini, Gioachino Rossini, Carl Maria von Weber, Jan Ladislav Dussek y Niccolò Paganini. A veces se hace referencia al período como la era del clasicismo vienés (en alemán: Wiener Klassik), ya que Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven y Schubert todos trabajaron en Viena.

Clasicismo

A mediados del siglo XVIII, Europa comenzó a moverse hacia un nuevo estilo en la arquitectura, la literatura y las artes, generalmente conocido como neoclasicismo. Este estilo buscó emular los ideales de la antigüedad clásica, especialmente los de la Grecia clásica. La música clásica utilizaba la formalidad y el énfasis en el orden y la jerarquía, y un estilo "más claro", "limpio" estilo que utilizaba divisiones más claras entre las partes (en particular, una melodía clara y única acompañada de acordes), contrastes más brillantes y "colores tonales" (logrado mediante el uso de cambios dinámicos y modulaciones a más teclas). En contraste con la música rica en capas de la era barroca, la música clásica se movió hacia la simplicidad en lugar de la complejidad. Además, el tamaño típico de las orquestas comenzó a aumentar, dando a las orquestas un sonido más potente.

El notable desarrollo de las ideas en "filosofía natural" ya se había establecido en la conciencia pública. En particular, se tomó como paradigma la física de Newton: las estructuras deben estar bien fundamentadas en axiomas y ser a la vez bien articuladas y ordenadas. Este gusto por la claridad estructural comenzó a afectar a la música, que se alejó de la polifonía en capas del período barroco hacia un estilo conocido como homofonía, en el que la melodía se toca sobre una armonía subordinada. Este movimiento significó que los acordes se convirtieron en una característica mucho más frecuente de la música, incluso si interrumpían la suavidad melódica de una sola parte. Como resultado, la estructura tonal de una pieza musical se volvió más audible.

El nuevo estilo también fue alentado por los cambios en el orden económico y la estructura social. A medida que avanzaba bien el siglo XVIII, la nobleza se convirtió en la principal mecenas de la música instrumental, mientras que el gusto del público prefería cada vez más las óperas cómicas divertidas y ligeras. Esto condujo a cambios en la forma en que se interpretaba la música, el más crucial de los cuales fue el paso a grupos instrumentales estándar y la reducción de la importancia del continuo: la base rítmica y armónica de una pieza musical., típicamente tocado por un teclado (clavicémbalo u órgano) y generalmente acompañado por un grupo variado de instrumentos bajos, que incluyen violonchelo, contrabajo, viola baja y tiorba. Una forma de rastrear el declive del continuo y sus acordes figurados es examinar la desaparición del término obligato, que significa una parte instrumental obligatoria en una obra de música de cámara. En las composiciones barrocas, se pueden agregar instrumentos adicionales al grupo de continuo según la preferencia del grupo o del líder; en las composiciones clásicas, todas las partes se anotaron específicamente, aunque no siempre anotadas, por lo que el término "obligato" se volvió redundante. Para 1800, el bajo continuo estaba prácticamente extinto, excepto por el uso ocasional de una parte de continuo de órgano de tubos en una misa religiosa a principios de 1800.

Los cambios económicos también tuvieron el efecto de alterar el equilibrio de disponibilidad y calidad de los músicos. Mientras que en el Barroco tardío, un compositor importante tendría todos los recursos musicales de una ciudad para aprovechar, las fuerzas musicales disponibles en un pabellón de caza aristocrático o en una pequeña corte eran más pequeñas y más fijas en su nivel de habilidad. Esto fue un acicate para tener partes más simples para que los músicos de conjunto las toquen y, en el caso de un grupo virtuoso residente, un acicate para escribir partes idiomáticas espectaculares para ciertos instrumentos, como en el caso de la orquesta de Mannheim, o partes solistas virtuosas para ciertos instrumentos. violinistas o flautistas particularmente hábiles. Además, el apetito del público por un suministro continuo de música nueva se heredó del Barroco. Esto significaba que las obras tenían que ser interpretables con, en el mejor de los casos, uno o dos ensayos. Incluso después de 1790, Mozart escribe sobre "el ensayo", con la implicación de que sus conciertos tendrían un solo ensayo.

Dado que había un mayor énfasis en una sola línea melódica, había un mayor énfasis en anotar esa línea para la dinámica y el fraseo. Esto contrasta con la era barroca, cuando las melodías se escribían típicamente sin dinámicas, frases ni adornos, ya que se suponía que el intérprete improvisaría estos elementos en el acto. En la era clásica, se volvió más común que los compositores indicaran dónde querían que los intérpretes tocaran adornos como trinos o giros. La simplificación de la textura hizo que ese detalle instrumental fuera más importante, y también hizo que el uso de ritmos característicos, como las fanfarrias de apertura llamativas, el ritmo de la marcha fúnebre o el género minueto, fuera más importante para establecer y unificar el tono de un solo movimiento..

El período clásico también vio el desarrollo gradual de la forma sonata, un conjunto de principios estructurales para la música que reconcilió la preferencia clásica por el material melódico con el desarrollo armónico, que se podía aplicar a todos los géneros musicales. La sonata en sí siguió siendo la forma principal de la música solista y de cámara, mientras que más tarde, en el período clásico, el cuarteto de cuerdas se convirtió en un género destacado. En este período se creó la forma sinfónica para orquesta (esto se atribuye popularmente a Joseph Haydn). El concerto grosso (un concierto para más de un músico), una forma muy popular en la época barroca, comenzó a ser reemplazado por el concierto para solo, con un solo solista. Los compositores comenzaron a dar más importancia a la habilidad particular del solista para mostrar habilidades virtuosas, con escalas y arpegios desafiantes y rápidos. No obstante, quedaron algunos concerti grossi, el más famoso de los cuales fue la Sinfonía Concertante para violín y viola en mi bemol mayor de Mozart.

Un cuarteto de cuerda moderno. En los años 2000 los cuartetos de cuerda de la era Clásica son el núcleo de la literatura musical de cámara. De izquierda a derecha: violín 1, violín 2, violonchelo, viola

Características principales

En el período clásico, el tema consiste en frases con figuras melódicas y ritmos contrastantes. Estas frases son relativamente breves, generalmente de cuatro compases de longitud, y ocasionalmente pueden parecer escasas o concisas. La textura es principalmente homofónica, con una melodía clara sobre un acompañamiento de acordes subordinados, por ejemplo, un bajo de Alberti. Esto contrasta con la práctica de la música barroca, donde una pieza o movimiento normalmente tendría un solo tema musical, que luego se trabajaría en varias voces de acuerdo con los principios del contrapunto, manteniendo un ritmo o métrica constante en todo momento. Como resultado, la música clásica tiende a tener una textura más ligera y clara que la barroca. El estilo clásico se basa en el estilo galant, un estilo musical que enfatizaba la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y la grandeza impresionante del Barroco.

Estructuralmente, la música clásica generalmente tiene una forma musical clara, con un contraste bien definido entre tónica y dominante, introducido por cadencias claras. La dinámica se utiliza para resaltar las características estructurales de la pieza. En particular, la forma sonata y sus variantes se desarrollaron durante el período clásico temprano y se usaban con frecuencia. El enfoque clásico de la estructura contrasta nuevamente con el Barroco, donde una composición normalmente se movería entre tónica y dominante y viceversa]], pero a través de un progreso continuo de cambios de acordes y sin una sensación de "llegada" en la nueva clave. Si bien el contrapunto se enfatizó menos en el período clásico, de ninguna manera se olvidó, especialmente más adelante en el período, y los compositores todavía usaban el contrapunto en "serious" obras como sinfonías y cuartetos de cuerda, así como piezas religiosas, como Misas.

El estilo musical clásico fue apoyado por desarrollos técnicos en instrumentos. La adopción generalizada del temperamento igual hizo posible la estructura musical clásica, al garantizar que las cadencias en todas las tonalidades sonaran similares. El fortepiano y luego el pianoforte reemplazaron al clavicémbalo, lo que permitió un contraste más dinámico y melodías más sostenidas. Durante el período clásico, los instrumentos de teclado se volvieron más ricos, más sonoros y más potentes.

La orquesta aumentó en tamaño y variedad, y se volvió más estandarizada. El papel del bajo continuo del clavicordio o del órgano de tubos en la orquesta dejó de usarse entre 1750 y 1775, dejando que la sección de cuerdas de vientos de madera se convirtiera en una sección autónoma, que constaba de clarinetes, oboes, flautas y fagotes.

Si bien la música vocal, como la ópera cómica, era popular, se le dio gran importancia a la música instrumental. Los principales tipos de música instrumental eran la sonata, el trío, el cuarteto de cuerdas, el quinteto, la sinfonía, el concierto (normalmente para un virtuoso instrumento solista acompañado de orquesta) y piezas ligeras como serenatas y divertimentos. La forma de sonata se desarrolló y se convirtió en la forma más importante. Se utilizó para construir el primer movimiento de la mayoría de las obras a gran escala en sinfonías y cuartetos de cuerda. La forma de sonata también se usó en otros movimientos y en piezas individuales e independientes, como las oberturas.

Historia

Transición Barroco/Clásico c. 1750–1760

Gluck, detalle de un retrato de Joseph Duplessis, fechado 1775 (Kunsthistorisches Museum, Viena)

En su libro The Classical Style, el autor y pianista Charles Rosen afirma que entre 1755 y 1775, los compositores buscaron a tientas un nuevo estilo que fuera más dramático. En el período del Alto Barroco, la expresión dramática se limitaba a la representación de afectos individuales (la "doctrina de los afectos", o lo que Rosen denomina "sentimiento dramático"). Por ejemplo, en el oratorio Jephtha de Haendel, el compositor interpreta cuatro emociones por separado, una para cada personaje, en el cuarteto 'O, perdona a tu hija'. Finalmente, esta descripción de las emociones individuales llegó a verse como simplista y poco realista; los compositores buscaban retratar múltiples emociones, simultánea o progresivamente, dentro de un solo personaje o movimiento ("acción dramática"). Así, en el final del acto 2 de Die Entführung aus dem Serail de Mozart, los amantes se mueven "desde la alegría pasando por la sospecha y la indignación hasta la reconciliación final".

Musicalmente hablando, esta "acción dramática" requería más variedad musical. Mientras que la música barroca se caracterizó por un flujo continuo dentro de los movimientos individuales y texturas en gran medida uniformes, los compositores posteriores al Alto Barroco buscaron interrumpir este flujo con cambios abruptos en la textura, la dinámica, la armonía o el tempo. Entre los desarrollos estilísticos que siguieron al Alto Barroco, el más dramático se denominó Empfindsamkeit, (más o menos "estilo sensible"), y su practicante más conocido fue Carl Philipp Emanuel Bach.. Los compositores de este estilo emplearon las interrupciones discutidas anteriormente de la manera más abrupta, y la música puede sonar ilógica a veces. El compositor italiano Domenico Scarlatti llevó estos desarrollos más allá. Sus más de quinientas sonatas para teclado de un solo movimiento también contienen cambios abruptos de textura, pero estos cambios están organizados en períodos, frases equilibradas que se convirtieron en un sello distintivo del estilo clásico. Sin embargo, los cambios de textura de Scarlatti todavía suenan repentinos y no preparados. El logro sobresaliente de los grandes compositores clásicos (Haydn, Mozart y Beethoven) fue su habilidad para hacer que estas sorpresas dramáticas suenen motivadas lógicamente, de modo que "lo expresivo y lo elegante puedan unirse".

Entre la muerte de J. S. Bach y la madurez de Haydn y Mozart (aproximadamente entre 1750 y 1770), los compositores experimentaron con estas nuevas ideas, que se pueden ver en la música de los hijos de Bach. Johann Christian desarrolló un estilo que ahora llamamos Roccoco, que comprende texturas y armonías más simples y que era "encantador, poco dramático y un poco vacío." Como se mencionó anteriormente, Carl Philipp Emmanuel buscaba aumentar el dramatismo y su música era "violenta, expresiva, brillante, continuamente sorprendente y, a menudo, incoherente". Y finalmente Wilhelm Friedemann, J.S. El hijo mayor de Bach, extendió las tradiciones barrocas de una manera idiomática y poco convencional.

Al principio, el nuevo estilo se hizo cargo de las formas barrocas: el ternario da capo aria, la sinfonía y el concierto, pero compuesto con formas más sencillas. partes, ornamentación más anotada, en lugar de los ornamentos improvisados que eran comunes en la época barroca, y una división más enfática de las piezas en secciones. Sin embargo, con el tiempo, la nueva estética provocó cambios radicales en la forma en que se ensamblaron las piezas y cambiaron los diseños formales básicos. Los compositores de este período buscaron efectos dramáticos, melodías llamativas y texturas más claras. Uno de los grandes cambios de textura fue un alejamiento del estilo polifónico complejo y denso del Barroco, en el que se tocaban simultáneamente múltiples líneas melódicas entretejidas, y hacia la homofonía, una textura más ligera que utiliza una sola línea melódica clara acompañada de acordes.

La música barroca generalmente usa muchas fantasías armónicas y secciones polifónicas que se enfocan menos en la estructura de la pieza musical, y había menos énfasis en frases musicales claras. En el período clásico, las armonías se simplificaron. Sin embargo, la estructura de la pieza, las frases y pequeños motivos melódicos o rítmicos, adquieren mucha más importancia que en el período barroco.

Sonata de Muzio Clementi en menor G, No. 3, Op. 50, "Didone abbandonata", movimiento adagio

Otra ruptura importante con el pasado fue la revisión radical de la ópera por parte de Christoph Willibald Gluck, quien eliminó gran parte de los adornos de superposición e improvisación y se centró en los puntos de modulación y transición. Al hacer estos momentos en los que la armonía cambia más de un enfoque, permitió poderosos cambios dramáticos en el color emocional de la música. Para resaltar estas transiciones, utilizó cambios en la instrumentación (orquestación), la melodía y el modo. Entre los compositores más exitosos de su tiempo, Gluck generó muchos emuladores, incluido Antonio Salieri. Su énfasis en la accesibilidad trajo grandes éxitos en la ópera y en otra música vocal como canciones, oratorios y coros. Estos fueron considerados los tipos de música más importantes para la interpretación y, por lo tanto, disfrutaron del mayor éxito de público.

La fase entre el Barroco y el auge del Clásico (alrededor de 1730), fue el hogar de varios estilos musicales en competencia. La diversidad de caminos artísticos está representada en los hijos de Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, quien continuó la tradición barroca de manera personal; Johann Christian Bach, quien simplificó las texturas del barroco e influyó más claramente en Mozart; y Carl Philipp Emanuel Bach, quien compuso música apasionada ya veces violentamente excéntrica del movimiento Empfindsamkeit. La cultura musical se vio atrapada en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenían la técnica, pero el público anhelaba lo nuevo. Esta es una de las razones por las que se tenía en tan alta estima a C. P. E. Bach: entendía bastante bien las formas más antiguas y sabía cómo presentarlas con un nuevo atuendo, con una variedad de formas mejorada.

1750–1775

Haydn retrato de Thomas Hardy, 1792

A finales de la década de 1750 había centros florecientes del nuevo estilo en Italia, Viena, Mannheim y París; se compusieron decenas de sinfonías y hubo bandas de músicos asociadas a los teatros musicales. La ópera u otra música vocal acompañada por orquesta era la característica de la mayoría de los eventos musicales, con conciertos y sinfonías (que surgían de la obertura) que servían como interludios instrumentales e introducciones para óperas y servicios religiosos. En el transcurso del período clásico, las sinfonías y los conciertos se desarrollaron y se presentaron independientemente de la música vocal.

Mozart escribió una serie de divertimentos, piezas instrumentales ligeras diseñadas para el entretenimiento. Este es el segundo movimiento de su Divertimento en E-flat Major, K. 113.

El "normal" conjunto de orquesta, un cuerpo de cuerdas complementado con vientos, y movimientos de carácter rítmico particular se establecieron a fines de la década de 1750 en Viena. Sin embargo, la longitud y el peso de las piezas todavía se fijaban con algunas características barrocas: los movimientos individuales seguían centrados en un "afecto" (estado de ánimo musical) o tenían solo una sección central marcadamente contrastante, y su duración no era significativamente mayor que los movimientos barrocos. Todavía no había una teoría claramente enunciada de cómo componer en el nuevo estilo. Era un momento propicio para un gran avance.

El primer gran maestro del estilo fue el compositor Joseph Haydn. A fines de la década de 1750 comenzó a componer sinfonías, y en 1761 había compuesto un tríptico (Mañana, Mediodía y Noche) sólidamente en el estilo contemporáneo. modo. Como vice-Kapellmeister y luego Kapellmeister, su producción se expandió: compuso más de cuarenta sinfonías solo en la década de 1760. Y mientras crecía su fama, se ampliaba su orquesta y se copiaban y difundían sus composiciones, su voz era sólo una entre muchas.

Si bien algunos estudiosos sugieren que Haydn fue eclipsado por Mozart y Beethoven, sería difícil exagerar la centralidad de Haydn en el nuevo estilo y, por lo tanto, en el futuro de la música culta occidental en su conjunto. En ese momento, antes de la preeminencia de Mozart o Beethoven, y con Johann Sebastian Bach conocido principalmente por los conocedores de la música para teclado, Haydn alcanzó un lugar en la música que lo colocó por encima de todos los demás compositores, excepto quizás el George de la era barroca. Federico Händel. Haydn tomó ideas existentes y alteró radicalmente su funcionamiento, lo que le valió los títulos de "padre de la sinfonía" y "padre del cuarteto de cuerdas".

Una de las fuerzas que actuaron como ímpetu para seguir adelante fue el primer movimiento de lo que más tarde se llamaría romanticismo: el Sturm und Drang, o "tormenta y estrés" fase en las artes, un período corto donde el emocionalismo obvio y dramático era una preferencia estilística. En consecuencia, Haydn quería un contraste más dramático y melodías más emocionalmente atractivas, con un carácter más definido e individualidad en sus piezas. Este período se desvaneció en la música y la literatura: sin embargo, influyó en lo que vino después y eventualmente sería un componente del gusto estético en décadas posteriores.

La Sinfonía de despedida, n.º 45 en F♯ minor, ejemplifica la integración de Haydn de las diferentes demandas del nuevo estilo, con sorprendentes giros bruscos y un largo y lento adagio para terminar la obra. En 1772, Haydn completó su conjunto Opus 20 de seis cuartetos de cuerda, en el que desplegó las técnicas polifónicas que había reunido de la era barroca anterior para proporcionar una coherencia estructural capaz de mantener unidas sus ideas melódicas. Para algunos, esto marca el comienzo de la vida "madura" Estilo clásico, en el que el período de reacción contra la complejidad del barroco tardío dio paso a un período de integración de elementos barrocos y clásicos.

1775–1790

Wolfgang Amadeus Mozart, pintura póstuma de Barbara Krafft en 1819

Haydn, habiendo trabajado durante más de una década como director musical de un príncipe, tenía muchos más recursos y posibilidades para componer que la mayoría de los demás compositores. Su puesto también le dio la capacidad de moldear las fuerzas que tocarían su música, ya que podía seleccionar músicos hábiles. Esta oportunidad no se desperdició, ya que Haydn, desde muy temprano en su carrera, buscó impulsar la técnica de construir y desarrollar ideas en su música. Su siguiente avance importante fue en los cuartetos de cuerda Opus 33 (1781), en los que los roles melódico y armónico se alternan entre los instrumentos: a menudo no está claro momentáneamente qué es melodía y qué es armonía. Esto cambia la forma en que el conjunto se abre camino entre momentos dramáticos de transición y secciones culminantes: la música fluye suavemente y sin interrupciones obvias. Luego tomó este estilo integrado y comenzó a aplicarlo a la música orquestal y vocal.

Las barras de apertura de la aria del Commendatore en la ópera de Mozart Don Giovanni. La orquesta comienza con un disonante séptimo acorde (G# dim7 con un B en el bajo) que se mueve a un séptimo acorde dominante (A7 con un C# en el bajo) antes de resolver el acorde tónico (D menor) en la entrada del cantante.

El don de Haydn a la música fue una forma de componer, una forma de estructurar las obras, que al mismo tiempo estaba de acuerdo con la estética rectora del nuevo estilo. Sin embargo, un contemporáneo más joven, Wolfgang Amadeus Mozart, aportó su genio a las ideas de Haydn y las aplicó a dos de los principales géneros de la época: la ópera y el concierto virtuoso. Mientras que Haydn pasó gran parte de su vida laboral como compositor de la corte, Mozart quería el éxito público en la vida de conciertos de las ciudades, tocando para el público en general. Esto significaba que necesitaba escribir óperas y escribir e interpretar piezas virtuosas. Haydn no fue un virtuoso a nivel de giras internacionales; tampoco buscaba crear obras operísticas que pudieran reproducirse durante muchas noches frente a una gran audiencia. Mozart quería lograr ambos. Además, Mozart también tenía un gusto por los acordes más cromáticos (y mayores contrastes en el lenguaje armónico en general), un mayor amor por crear una maraña de melodías en una sola obra y una sensibilidad más italiana en la música en general. Encontró, en la música de Haydn y más tarde en su estudio de la polifonía de J.S. Bach, los medios para disciplinar y enriquecer sus dotes artísticas.

La familia Mozart c. 1780. El retrato en la pared es de la madre de Mozart.

Mozart llamó rápidamente la atención de Haydn, quien elogió al nuevo compositor, estudió sus obras y consideró al joven como su único par verdadero en la música. En Mozart, Haydn encontró una mayor gama de instrumentación, efecto dramático y recurso melódico. La relación de aprendizaje se movió en ambas direcciones. Mozart también tenía un gran respeto por el compositor mayor y más experimentado, y buscaba aprender de él.

La llegada de Mozart a Viena en 1780 aceleró el desarrollo del estilo clásico. Allí, Mozart absorbió la fusión de la brillantez italiana y la cohesión germánica que se había estado gestando durante los 20 años anteriores. Su propio gusto por los brillos llamativos, las melodías y figuras rítmicamente complejas, las largas melodías de cantilena y las florituras virtuosas se fusionaron con una apreciación por la coherencia formal y la conexión interna. Es en este punto que la guerra y la inflación económica detuvieron la tendencia hacia orquestas más grandes y forzaron la disolución o reducción de muchas orquestas de teatro. Esto presionó el estilo clásico hacia adentro: hacia la búsqueda de mayores desafíos técnicos y de conjunto, por ejemplo, esparcir la melodía a través de instrumentos de viento de madera o usar una melodía armonizada en tercios. Este proceso otorgó una prima a la música de conjuntos pequeños, llamada música de cámara. También condujo a una tendencia hacia más actuaciones públicas, dando un nuevo impulso al cuarteto de cuerdas y otras agrupaciones de conjuntos pequeños.

Fue durante esta década que el gusto del público comenzó, cada vez más, a reconocer que Haydn y Mozart habían alcanzado un alto nivel de composición. Cuando Mozart llegó a la edad de 25 años, en 1781, los estilos dominantes de Viena estaban reconociblemente conectados con el surgimiento en la década de 1750 del estilo clásico temprano. A finales de la década de 1780, los cambios en la práctica interpretativa, la posición relativa de la música instrumental y vocal, las demandas técnicas de los músicos y la unidad estilística se habían establecido en los compositores que imitaban a Mozart y Haydn. Durante esta década, Mozart compuso sus óperas más famosas, sus seis últimas sinfonías que ayudaron a redefinir el género y una serie de conciertos para piano que aún se encuentran en la cúspide de estas formas.

Un compositor que influyó en la difusión del estilo más serio que habían formado Mozart y Haydn es Muzio Clementi, un talentoso pianista virtuoso que empató con Mozart en un 'duelo' musical. ante el emperador en el que cada uno improvisaba al piano e interpretaba sus composiciones. Las sonatas para piano de Clementi circularon ampliamente y se convirtió en el compositor más exitoso de Londres durante la década de 1780. También en Londres en ese momento estaba Jan Ladislav Dussek, quien, como Clementi, animó a los fabricantes de pianos a ampliar la gama y otras características de sus instrumentos, y luego explotó por completo las nuevas posibilidades abiertas. La importancia de Londres en el período clásico a menudo se pasa por alto, pero sirvió como sede de la fábrica de pianos de Broadwood y como base para los compositores que, si bien son menos notables que la "Escuela de Viena", tuvo una influencia decisiva en lo que vino después. Fueron compositores de muchas obras excelentes, notables por derecho propio. El gusto de London por el virtuosismo bien puede haber alentado el complejo trabajo de pasajes y declaraciones extendidas sobre la tónica y la dominante.

Alrededor de 1790–1820

Cuando Haydn y Mozart comenzaron a componer, las sinfonías se tocaban como movimientos únicos (antes, entre o como interludios dentro de otras obras) y muchas de ellas duraban solo diez o doce minutos; los grupos instrumentales tenían diferentes estándares de ejecución, y el continuo era una parte central de la creación musical.

En los años intermedios, el mundo social de la música había experimentado cambios dramáticos. Las publicaciones y giras internacionales habían crecido de manera explosiva y se formaron sociedades de conciertos. La notación se volvió más específica, más descriptiva, y los esquemas de las obras se simplificaron (aunque se volvieron más variados en su elaboración exacta). En 1790, justo antes de la muerte de Mozart, con su reputación extendiéndose rápidamente, Haydn estaba preparado para una serie de éxitos, en particular sus últimos oratorios y las sinfonías de Londres. Los compositores de París, Roma y de toda Alemania recurrieron a Haydn y Mozart en busca de sus ideas sobre la forma.

Retrato de Beethoven por Joseph Karl Stieler, 1820

En la década de 1790, surgió una nueva generación de compositores, nacidos alrededor de 1770. Si bien habían crecido con los estilos anteriores, escucharon en las obras recientes de Haydn y Mozart un vehículo para una mayor expresión. En 1788 Luigi Cherubini se instaló en París y en 1791 compuso Lodoiska, ópera que lo elevó a la fama. Su estilo refleja claramente la madurez de Haydn y Mozart, y su instrumentación le dio un peso que aún no se había sentido en la gran ópera. Su contemporáneo Étienne Méhul amplió los efectos instrumentales con su ópera Euphrosine et Coradin de 1790, a la que siguió una serie de éxitos. El impulso final hacia el cambio provino de Gaspare Spontini, profundamente admirado por futuros compositores románticos como Weber, Berlioz y Wagner. El innovador lenguaje armónico de sus óperas, su refinada instrumentación y su "encadenado" los números cerrados (un patrón estructural que luego fue adoptado por Weber en Euryanthe y de él transmitido, a través de Marschner, a Wagner), formaron la base a partir de la cual tuvo sus comienzos la ópera romántica francesa y alemana.

Hummel en 1814

El más fatídico de la nueva generación fue Ludwig van Beethoven, quien lanzó sus obras numeradas en 1794 con un conjunto de tres tríos para piano, que permanecen en el repertorio. Algo más joven que los demás, aunque igualmente realizado debido a su estudio juvenil con Mozart y su virtuosismo innato, fue Johann Nepomuk Hummel. Hummel también estudió con Haydn; fue amigo de Beethoven y Franz Schubert. Se concentró más en el piano que en cualquier otro instrumento, y su estancia en Londres en 1791 y 1792 generó la composición y publicación en 1793 de tres sonatas para piano, opus 2, que utilizaba idiomáticamente las técnicas de Mozart de evitar la cadencia esperada. y la figuración virtuosa a veces modalmente incierta de Clementi. En conjunto, estos compositores pueden verse como la vanguardia de un amplio cambio de estilo y el centro de la música. Estudiaron las obras de los demás, copiaron los gestos de los demás en la música y, en ocasiones, se comportaron como rivales pendencieros.

Las diferencias cruciales con la ola anterior se pueden ver en el cambio descendente de las melodías, el aumento de la duración de los movimientos, la aceptación de Mozart y Haydn como paradigmas, el mayor uso de los recursos del teclado, el cambio de "vocal" 34; escribir a "pianista" la escritura, la atracción creciente de la ambigüedad modal y menor, y la creciente importancia de variar las figuras acompañantes para aportar "textura" hacia adelante como un elemento en la música. En resumen, el Clásico tardío buscaba una música internamente más compleja. El crecimiento de las sociedades de conciertos y las orquestas de aficionados, que marca la importancia de la música como parte de la vida de la clase media, contribuyó a un mercado floreciente de pianos, música para piano y virtuosos para servir como ejemplos. Hummel, Beethoven y Clementi eran famosos por su improvisación.

La influencia directa del barroco continuó desvaneciéndose: el bajo figurado perdió protagonismo como medio para mantener unida la interpretación, las prácticas interpretativas de mediados del siglo XVIII continuaron desapareciendo. Sin embargo, al mismo tiempo, comenzaron a estar disponibles ediciones completas de maestros barrocos, y la influencia del estilo barroco siguió creciendo, particularmente en el uso cada vez más amplio del metal. Otra característica del período es el creciente número de representaciones en las que el compositor no estaba presente. Esto condujo a un mayor detalle y especificidad en la notación; por ejemplo, hubo menos "opcionales" partes que estaban separadas de la partitura principal.

La fuerza de estos cambios se hizo evidente con la 3.ª Sinfonía de Beethoven, que recibió el nombre de Eroica, que en italiano significa "heroico", del compositor. Al igual que con La consagración de la primavera de Stravinsky, puede que no haya sido el primero en todas sus innovaciones, pero su uso agresivo de cada parte del estilo clásico lo distingue de sus obras contemporáneas.: en extensión, ambición y recursos armónicos también.

Primera escuela vienesa

Vista de Viena en 1758, por Bernardo Bellotto

La Primera Escuela Vienesa es un nombre que se usa principalmente para referirse a tres compositores del período clásico en la Viena de finales del siglo XVIII: Haydn, Mozart y Beethoven. Franz Schubert se agrega ocasionalmente a la lista.

En los países de habla alemana, se utiliza el término Wiener Klassik (lit. era/arte clásico vienés). Ese término a menudo se aplica de manera más amplia a la era clásica en la música en su conjunto, como un medio para distinguirla de otros períodos a los que se hace referencia coloquialmente como clásico, a saber, la música barroca y romántica.

El término "Escuela de Viena" fue utilizado por primera vez por el musicólogo austriaco Raphael Georg Kiesewetter en 1834, aunque solo contó a Haydn y Mozart como miembros de la escuela. Otros escritores siguieron su ejemplo y, finalmente, Beethoven se agregó a la lista. La designación "primero" se añade hoy para evitar confusiones con la Segunda Escuela Vienesa.

Si bien, aparte de Schubert, estos compositores sin duda se conocían entre sí (con Haydn y Mozart incluso como socios ocasionales de música de cámara), no tiene sentido que estuvieran comprometidos en un esfuerzo de colaboración en el sentido de que uno se asociaría con el siglo XX. escuelas del siglo XIX como la Segunda Escuela Vienesa, o Les Six. Tampoco hay ningún sentido significativo en el que un compositor haya sido "educado" por otro (al modo en que Schoenberg enseñó a Berg y Webern), aunque es cierto que Beethoven durante un tiempo recibió lecciones de Haydn.

Los intentos de ampliar la Primera Escuela Vienesa para incluir figuras posteriores como Anton Bruckner, Johannes Brahms y Gustav Mahler son meramente periodísticos y nunca se encuentran en la musicología académica.

Influencia clásica en compositores posteriores

1875 pintura al óleo de Franz Schubert por Wilhelm August Rieder, después de su propio retrato de acuarela 1825

Las eras musicales y sus estilos, formas e instrumentos predominantes rara vez desaparecen de una vez; en su lugar, las características se reemplazan con el tiempo, hasta que el antiguo enfoque simplemente se siente como "anticuado". El estilo clásico no "murió" repentinamente; más bien, se eliminó gradualmente bajo el peso de los cambios. Para dar solo un ejemplo, si bien generalmente se afirma que la era clásica dejó de usar el clavicémbalo en las orquestas, esto no sucedió de repente al comienzo de la era clásica en 1750. Más bien, las orquestas dejaron de usar el clavicémbalo para tocar. basso continuo hasta que la práctica se suspendió a fines del siglo XVIII.

Felix Mendelssohn
Retrato de Mendelssohn por James Warren Childe, 1839

Un cambio crucial fue el cambio hacia armonías centradas en "flatward" teclas: cambios en la dirección subdominante. En el estilo clásico, la tonalidad mayor era mucho más común que la menor, y el cromatismo se moderaba mediante el uso de "afilado" modulación (p. ej., una pieza en do mayor modulada a sol mayor, re mayor o la mayor, todas las cuales son tonalidades con más sostenidos). Además, las secciones en el modo menor se usaban a menudo para el contraste. A partir de Mozart y Clementi, comenzó una progresiva colonización de la región subdominante (el acorde ii o IV, que en la tonalidad de do mayor serían las tonalidades de re menor o fa mayor). Con Schubert, las modulaciones subdominantes florecieron después de haber sido introducidas en contextos en los que los primeros compositores se habrían limitado a los cambios de dominante (modulaciones al acorde dominante, por ejemplo, en la tonalidad de do mayor, modulando a sol mayor). Esto introdujo colores más oscuros en la música, fortaleció el modo menor e hizo que la estructura fuera más difícil de mantener. Beethoven contribuyó a esto mediante su uso cada vez mayor de la cuarta como consonancia y ambigüedad modal, por ejemplo, la apertura de la Sinfonía n. ° 9 en re menor.

Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Carl Maria von Weber y John Field se encuentran entre los más destacados de esta generación de "protorrománticos", junto con el joven Felix Mendelssohn. Su sentido de la forma estuvo fuertemente influenciado por el estilo clásico. Si bien aún no estaban "aprendidos" compositores (imitando reglas que fueron codificadas por otros), respondieron directamente a las obras de Haydn, Mozart, Clementi y otros, a medida que las encontraban. Las fuerzas instrumentales a su disposición en las orquestas también eran bastante "clásicas" en número y variedad, lo que permite la similitud con las obras clásicas.

Sin embargo, las fuerzas destinadas a terminar con el dominio del estilo clásico cobraron fuerza en las obras de muchos de los compositores mencionados, particularmente Beethoven. La más citada es la innovación armónica. También es importante el creciente enfoque en tener una figuración acompañante continua y rítmicamente uniforme: la Sonata Claro de luna de Beethoven fue el modelo para cientos de piezas posteriores, donde el movimiento cambiante de una figura rítmica proporciona gran parte del dramatismo y el interés de la obra., mientras una melodía flota sobre él. Mayor conocimiento de las obras, mayor pericia instrumental, mayor variedad de instrumentos, crecimiento de las sociedades de conciertos y el imparable dominio del piano, cada vez más potente (al que los avances tecnológicos, como el uso de cuerdas de acero, le dieron un tono más audaz y sonoro, como el uso de cuerdas de acero, pesados marcos de hierro fundido y cuerdas que vibraban con simpatía) crearon una gran audiencia para la música sofisticada. Todas estas tendencias contribuyeron al cambio a lo "romántico" estilo.

Trazar la línea entre estos dos estilos es muy difícil: algunas secciones de las obras posteriores de Mozart, por sí solas, son indistinguibles en armonía y orquestación de la música escrita 80 años después, y algunos compositores continuaron escribiendo en el clásico normativo. estilos hasta principios del siglo XX. Incluso antes de la muerte de Beethoven, compositores como Louis Spohr se describían a sí mismos como románticos, incorporando, por ejemplo, un cromatismo más extravagante en sus obras (por ejemplo, usando armonías cromáticas en la progresión de acordes de una pieza). Por el contrario, obras como la Sinfonía n.º 5 de Schubert, escrita durante el final cronológico de la era clásica y los albores de la era romántica, exhiben un paradigma artístico deliberadamente anacrónico, que se remonta al estilo compositivo de varias décadas antes.

Sin embargo, la caída de Viena como el centro musical más importante para la composición orquestal a fines de la década de 1820, precipitada por la muerte de Beethoven y Schubert, marcó el eclipse final del estilo clásico y el final de su desarrollo orgánico continuo del aprendizaje de un compositor en estrecha proximidad con otros. Franz Liszt y Frédéric Chopin visitaron Viena cuando eran jóvenes, pero luego se trasladaron a otras ciudades. Compositores como Carl Czerny, aunque profundamente influenciados por Beethoven, también buscaron nuevas ideas y nuevas formas para contener el mundo más amplio de expresión e interpretación musical en el que vivían.

El renovado interés en el equilibrio formal y la moderación de la música clásica del siglo XVIII condujo a principios del siglo XX al desarrollo del llamado estilo neoclásico, que contó con Stravinsky y Prokofiev entre sus defensores, al menos en ciertos momentos de sus carreras.

Instrumentos de época clásica

Fortepiano por Paul McNulty después de Walter & Sohn, c. 1805

Guitarra

La guitarra barroca, con cuatro o cinco juegos de cuerdas dobles o "cursos" y boca de sonido elaboradamente decorada, era un instrumento muy diferente de la guitarra clásica temprana que se parece más al instrumento moderno con las seis cuerdas estándar. A juzgar por la cantidad de manuales de instrucciones publicados para el instrumento -entre 1760 y 1860 se publicaron más de trescientos textos de más de doscientos autores-, el período clásico marcó una época dorada para la guitarra.

Cuerdas

En la era barroca, había más variedad en los instrumentos de cuerda con arco que se usaban en los conjuntos, con instrumentos como la viola d'amore y una gama de violas con trastes que se usaban, desde violas pequeñas hasta violas bajas grandes. En el período clásico, la sección de cuerdas de la orquesta se estandarizó en solo cuatro instrumentos:

En la era barroca, a los contrabajistas no se les solía dar una parte separada; en cambio, normalmente tocaban la misma línea de bajo de bajo continuo que los violonchelos y otros instrumentos de tono bajo (por ejemplo, tiorba, instrumento de viento de serpiente, violas), aunque una octava por debajo de los violonchelos, porque el contrabajo es un instrumento de transposición que suena una octava. más bajo de lo que está escrito. En la era clásica, algunos compositores continuaron escribiendo solo una parte de bajo para su sinfonía, etiquetada como "bassi"; esta parte del bajo fue interpretada por violonchelistas y contrabajistas. Durante la era clásica, algunos compositores comenzaron a dar a los contrabajos su propia parte.

Vientos de madera

Era común que todas las orquestas tuvieran al menos 2 vientos, generalmente oboes, flautas, clarinetes o, a veces, trompas inglesas (ver Sinfonía n.º 22 (Haydn). Los patrocinadores también solían emplear un conjunto de vientos, llamado < i>harmonie, que se emplearía para ciertos eventos. La armonía se uniría a la orquesta de cuerdas más grande a veces para servir como sección de viento.

Percusión

Teclados

Latones