Performance

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El arte de performance es una obra de arte o exhibición de arte creada a través de acciones ejecutadas por el artista u otros participantes. Puede ser presenciado en vivo o a través de documentación, desarrollado espontáneamente o escrito, y tradicionalmente se presenta al público en un contexto de bellas artes en un modo interdisciplinario. También conocida como acción artística, se ha desarrollado a lo largo de los años como un género propio en el que se presenta el arte en directo. Tuvo un papel importante y fundamental en el arte de vanguardia del siglo XX.

Se trata de cuatro elementos básicos: el tiempo, el espacio, el cuerpo y la presencia del artista, y la relación entre el creador y el público. Las acciones, generalmente desarrolladas en galerías de arte y museos, pueden tener lugar en la calle, cualquier tipo de escenario o espacio y durante cualquier período de tiempo. Su objetivo es generar una reacción, a veces con el apoyo de la improvisación y el sentido de la estética. Los temas suelen estar vinculados a experiencias de vida del propio artista, oa la necesidad de denuncia o crítica social y con espíritu de transformación.

El término "arte de performance" y "performance" se volvió ampliamente utilizado en la década de 1970, aunque la historia de la actuación en las artes visuales se remonta a las producciones y cabarets futuristas de la década de 1910. Los principales pioneros de las artes escénicas incluyen a Carolee Schneemann, Marina Abramović, Ana Mendieta, Chris Burden, Hermann Nitsch, Joseph Beuys, Nam June Paik, Yves Klein y Vito Acconci. Algunos de los principales exponentes más recientes son Tania Bruguera, Abel Azcona, Regina José Galindo, Tehching Hsieh, Marta Minujín y Petr Pavlensky. La disciplina se vincula con el happening, el movimiento Fluxus, el body art y el arte conceptual.

Definición

La definición y contextualización histórica y pedagógica de las artes escénicas es controvertida. Uno de los handicaps proviene del propio término, que es polisémico, y una de sus acepciones se relaciona con las artes escénicas. Este significado de performance en el contexto de las artes escénicas es opuesto al significado de performance art, ya que la performance surgió con una posición crítica y antagónica hacia las artes escénicas. Las artes escénicas solo se unen a las artes escénicas en ciertos aspectos, como la audiencia y el cuerpo presente, y todavía no todas las obras de arte performativas contienen estos elementos.

El significado del término en el sentido más estricto está relacionado con las tradiciones posmodernistas de la cultura occidental. Aproximadamente desde mediados de la década de 1960 hasta la década de 1970, a menudo derivada de conceptos de artes visuales, con respecto a Antonin Artaud, Dada, los situacionistas, Fluxus, el arte de instalación y el arte conceptual, el arte de la performance tendía a definirse como una antítesis del teatro. desafiando las formas de arte ortodoxas y las normas culturales. El ideal había sido una experiencia efímera y auténtica para el artista y el público en un evento que no podía repetirse, capturarse o comprarse. La diferencia ampliamente discutida, cómo se utilizan los conceptos de las artes visuales y los conceptos de las artes escénicas, puede determinar los significados de una presentación de artes escénicas.

El arte de la actuación es un término generalmente reservado para referirse a un arte conceptual que transmite un significado basado en el contenido en un sentido más relacionado con el drama, en lugar de ser una simple actuación por sí misma con fines de entretenimiento. Se refiere en gran medida a una actuación presentada ante una audiencia, pero que no busca presentar una obra de teatro convencional o una narrativa lineal formal, o que alternativamente no busca representar un conjunto de personajes ficticios en interacciones formales con guión. Por lo tanto, puede incluir acción o palabra hablada como comunicación entre el artista y la audiencia, o incluso ignorar las expectativas de una audiencia, en lugar de seguir un guión escrito de antemano.

Sin embargo, algunos tipos de artes escénicas pueden estar cerca de las artes escénicas. Dicha actuación puede utilizar un guión o crear un escenario dramático ficticio, pero aun así constituye una actuación artística en el sentido de que no busca seguir la norma dramática habitual de crear un escenario ficticio con un guión lineal que sigue la dinámica convencional del mundo real; más bien, buscaría intencionalmente satirizar o trascender las dinámicas habituales del mundo real que se utilizan en las obras de teatro convencionales.

Los artistas de performance a menudo desafían a la audiencia a pensar de manera nueva y no convencional, rompen las convenciones de las artes tradicionales y rompen las ideas convencionales sobre "qué es el arte". Siempre que el actor no se convierta en un actor que repite un papel, el arte escénico puede incluir elementos satíricos; utilizar robots y máquinas como intérpretes, como en piezas de los Laboratorios de Investigación de Supervivencia; implicar elementos ritualizados (p. ej., Shaun Caton); o tomar prestados elementos de las artes escénicas como la danza, la música y el circo.

Algunos artistas, por ejemplo, los accionista vieneses y los neodadaístas, prefieren utilizar los términos "arte vivo", "arte de acción", "acciones", "intervención" (ver intervención artística) o "maniobra" para describir sus actividades escénicas. Como géneros de performance aparecen el body art, el fluxus-performance, el happening, la poesía de acción y la intermedia.

Orígenes

La performance es una forma de expresión que nació como una manifestación artística alternativa. La disciplina surge en 1916 en paralelo al dadaísmo, bajo el paraguas del arte conceptual. El movimiento fue liderado por Tristan Tzara, uno de los pioneros de Dada. Los teóricos de la cultura occidental han fijado los orígenes de la performance en los inicios del siglo XX, junto con el constructivismo, el futurismo y el dadaísmo. El dadaísmo fue una inspiración importante por sus acciones poéticas, que se alejaron de los convencionalismos, y los artistas futuristas, especialmente algunos miembros del futurismo ruso, también podrían ser identificados como parte del proceso inicial de la performance.

Cabaret Voltaire

El Cabaret Voltaire fue fundado en Zurich (Suiza) por la pareja Hugo Ball y Emmy Hennings con fines artísticos y políticos y fue un lugar donde se exploraron nuevas tendencias. Ubicado en el piso superior de un teatro, de cuyas exhibiciones se burlaban en sus espectáculos, las obras interpretadas en el cabaret eran vanguardistas y experimentales. Se cree que el movimiento Dada se fundó en el local de diez metros cuadrados.Además, los surrealistas, cuyo movimiento descendía directamente del dadaísmo, solían reunirse en el Cabaret. En su breve existencia —apenas seis meses, cerrando el verano de 1916— se leyó el Manifiesto Dadaísta y se realizaron las primeras acciones dadá, performances y presentaciones híbridas de poesía, artes plásticas, música y acción repetitiva. Fundadores como Richard Huelsenbeck, Marcel Janco, Tristan Tzara, Sophie Taeuber-Arp y Jean Arp participaron en hechos provocadores y escandalosos que fueron fundamentales y la base de la fundación del movimiento anarquista llamado Dada.

El dadaísmo nació con la intención de destruir cualquier sistema o norma establecida en el mundo del arte. Es un movimiento antiarte, antiliterario y antipoesía, que cuestionó la existencia del arte, la literatura y la poesía misma. No solo era una forma de crear, sino de vivir; creó toda una nueva ideología. Iba contra la belleza eterna, la eternidad de los principios, las leyes de la lógica, la inmovilidad del pensamiento y claramente contra todo lo universal. Promovió el cambio, la espontaneidad, la inmediatez, la contradicción, la aleatoriedad y la defensa del caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección, ideas similares a las de la performance. Representaron la provocación, la protesta antiarte y el escándalo, a través de formas de expresión muchas veces satíricas e irónicas. El absurdo o falta de valor y el caos protagonizósus acciones de ruptura con la forma artística tradicional.

Futurismo

El futurismo fue un movimiento artístico de vanguardia que apareció en 1909. Primero comenzó como un movimiento literario, aunque la mayoría de los participantes eran pintores. Al principio también incluía la escultura, la fotografía, la música y el cine. La Primera Guerra Mundial puso fin al movimiento, aunque en Italia se prolongó hasta la década de 1930. Uno de los países donde más impacto tuvo fue Rusia. En 1912 surgieron manifiestos como el Manifiesto de la Escultura Futurista y el de Arquitectura Futurista, y en 1913 el Manifiesto de la Lujuria Futurista.de Valentine de Saint-Point, bailarina, escritora y artista francesa. Los futuristas difundieron sus teorías a través de encuentros, encuentros y conferencias en espacios públicos, que se acercaban a la idea de una concentración política, con poesía y music-hall, que se anticipaba a la performance.

Bauhaus

La Bauhaus, fundada en Weimar en 1919, incluía talleres de artes escénicas experimentales con el objetivo de explorar la relación entre el cuerpo, el espacio, el sonido y la luz. El Black Mountain College, fundado en Estados Unidos por instructores de la Bauhaus original exiliados por el Partido Nazi, continuó incorporando las artes escénicas experimentales en la formación en artes escénicas veinte años antes de los acontecimientos relacionados con la historia de la performance en los años sesenta. El nombre Bauhaus deriva de las palabras alemanas Bau, construcción y Haus, casa; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador era arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura los primeros años de su existencia.

Pintura de acción

En las décadas de 1940 y 1950, la técnica o movimiento de la pintura de acción dio a los artistas la posibilidad de interpretar el lienzo como un espacio para actuar, convirtiendo las pinturas en huellas de la actuación del artista en el estudio. Según el crítico de arte Harold Rosenberg, fue una de las los procesos iniciadores de la performance, junto con el expresionismo abstracto. Jackson Pollock es el pintor de acción por excelencia, que realizó muchas de sus acciones en directo. Nombres a destacar son Willem de Kooning y Franz Kline, cuya obra incluye pintura abstracta y de acción.

Nuevo realismo

El nouveau réalisme es otro de los movimientos artísticos citados en los inicios de la performance. Fue un movimiento pictórico fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein, durante la primera exposición colectiva en la Galería Apollinaire de Milán. El nouveau réalisme fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las muchas tendencias vanguardistas de los años sesenta. Pierre Restany creó varios montajes de performance en la Tate Modern, entre otros espacios. Yves Klein es uno de los principales exponentes del movimiento. Fue un claro pionero de las artes escénicas, con sus piezas conceptuales como Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959–62), Anthropométries (1960) y el fotomontaje Saut dans le vide.Todas sus obras tienen una conexión con el arte de la performance, ya que se crean como una acción en vivo, al igual que sus obras de arte más conocidas de pinturas creadas con cuerpos de mujeres. Los integrantes del grupo vieron el mundo como una imagen, de la cual tomaron partes y las incorporaron a su obra; buscaban acercar la vida y el arte.

Gutai

Uno de los otros movimientos que anticipó el arte de la actuación fue el movimiento japonés Gutai, que hizo arte de acción o suceso. Surgió en 1955 en la región de Kansai (Kyōto, Ōsaka, Kōbe). Los principales participantes fueron Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka. El grupo Gutai surgió después de la Segunda Guerra Mundial. Rechazaban el consumismo capitalista, realizando acciones irónicas con agresividad latente (rotura de objetos, acciones con humo). Influyeron en grupos como Fluxus y artistas como Joseph Beuys y Wolf Vostell.

Land art y performance

A fines de la década de 1960, diversos artistas del land art como Robert Smithson o Dennis Oppenheim crearon piezas ambientales que precedieron a la performance en la década de 1970. Las obras de artistas conceptuales de principios de la década de 1980, como Sol LeWitt, que convirtió el dibujo mural en una actuación, recibieron la influencia de Yves Klein y otros artistas del land art.El Land Art es un movimiento de arte contemporáneo en el que el paisaje y la obra de arte están profundamente ligados. Utiliza la naturaleza como material (madera, tierra, rocas, arena, viento, fuego, agua, etc.) para intervenir sobre sí misma. La obra de arte se genera con el propio lugar como punto de partida. El resultado es a veces un cruce entre escultura y arquitectura, y otras veces un cruce entre escultura y paisajismo que cada vez toma un papel más determinante en los espacios públicos contemporáneos. Al incorporar el cuerpo del artista en el proceso creativo, adquiere similitudes con los inicios de la performance.

1960

En la década de 1960, con el propósito de evolucionar la idea generalizada de arte y con principios similares a los originarios del Cabaret Voltaire o el futurismo, una variedad de nuevas obras, conceptos y un número creciente de artistas dieron lugar a nuevos tipos de artes escénicas. Movimientos claramente diferenciados del Accionismo Vienés, la vanguardia de la performance en la ciudad de Nueva York, el arte procesual, la evolución del Living Theatre o el happening, pero sobre todo la consolidación de los pioneros de la performance.

Accionismo vienés

El término accionismo vienés (Wiener Aktionismus) comprende un movimiento artístico breve y controvertido del siglo XX, que es recordado por la violencia, lo grotesco y lo visual de sus obras de arte. Se sitúa en la vanguardia austriaca de los años 60, y tenía como objetivo llevar el arte al terreno de la performance, y se vincula con Fluxus y Body Art. Entre sus principales exponentes se encuentran Günter Brus, Otto Muehl y Hermann Nitsch, quienes desarrollaron la mayor parte de su actividad accionista entre 1960 y 1971. Hermann Nitsch presentó en 1962 su Teatro de Orgías y Misterios (Orgien und Mysterien Theatre), pionero de la performance, cerca a las artes escénicas.

Nueva York y performance de vanguardia

A principios de la década de 1960, la ciudad de Nueva York albergaba muchos movimientos, eventos e intereses relacionados con el arte escénico. Entre otros, Andy Warhol comenzó a crear películas y videos, y a mediados de la década patrocinó The Velvet Underground y realizó eventos y acciones performativas en Nueva York, como Exploding Plastic Inevitable (1966), que incluía música rock en vivo, luces explosivas y películas.

El teatro vivo

Indirectamente influyentes para la actuación en el mundo del arte, particularmente en los Estados Unidos, fueron las nuevas formas de teatro, encarnadas por el San Francisco Mime Troupe y el Living Theatre y exhibidas en los teatros Off-Off Broadway en el SoHO y en La MaMa en la ciudad de Nueva York. The Living Theatre es una compañía de teatro creada en 1947 en Nueva York. Es el teatro experimental más antiguo de los Estados Unidos. A lo largo de su historia ha sido liderada por sus fundadores: la actriz Judith Malina, quien realizó estudios de teatro con Erwin Piscator, con quien estudió la teoría de Bertolt Brecht y Meyerhold; y el pintor y poeta Julian Beck. Después de la muerte de Beck en 1985, el miembro de la compañía Hanon Reznikov se convirtió en codirector junto con Malina. Por ser uno de los grupos de teatro aleatorio o de teatro en vivo más antiguos de la actualidad, es mirado por el resto.Entendían el teatro como una forma de vida, y los actores vivían en comunidad bajo principios libertarios. Fue una campaña teatral dedicada a la transformación de la organización del poder de una sociedad autoritaria y de estructura jerárquica. The Living Theatre realizó giras principalmente en Europa entre 1963 y 1968, y en los EE. UU. en 1968. Una obra de este período, Paradise Now, fue notoria por la participación de la audiencia y una escena en la que los actores recitaban una lista de tabúes sociales que incluían desnudez, mientras se desviste.

Flujo

Fluxus, palabra latina que significa fluir, es un movimiento de artes visuales relacionado con la música, la literatura y la danza. Su momento más activo fue en las décadas de 1960 y 1970. Se proclamaron en contra del objeto artístico tradicional como mercancía y se declararon un movimiento de arte sociológico. Fluxus fue organizado informalmente en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento tuvo representación en Europa, Estados Unidos y Japón.El movimiento Fluxus, desarrollado mayoritariamente en Norteamérica y Europa bajo el impulso de John Cage, no concibió la vanguardia como una renovación lingüística, sino que buscó hacer un uso diferente de los principales cauces del arte que se desvinculan de un lenguaje específico; intenta ser interdisciplinario y adoptar medios y materiales de diferentes campos. El lenguaje no es la meta, sino el medio para una renovación del arte, visto como un arte global. Así como Dada, Fluxus escapó a cualquier intento de definición o categorización. Como dijo uno de los fundadores del movimiento, Dick Higgins:

Fluxus comenzó con el trabajo, y luego se unió, aplicando el nombre Fluxus al trabajo que ya existía. Era como si comenzara en medio de la situación, en lugar de al principio.

Robert Filliou sitúa a Fluxus frente al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la cotidianidad, y da la vuelta a la propuesta de Duchamp, que partiendo del Ready-made introduce lo cotidiano en el arte, mientras que Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano, muchas veces con pequeñas acciones o actuaciones.

John Cage fue un compositor, teórico de la música, artista y filósofo estadounidense. Pionero de la indeterminación en la música, la música electroacústica y el uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las principales figuras de la vanguardia de la posguerra. Los críticos lo han elogiado como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. También jugó un papel decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación con la coreógrafa Merce Cunningham, quien también fue la pareja romántica de Cage durante la mayor parte de sus vidas.

Arte de proceso

El arte de proceso es un movimiento artístico en el que el producto final del arte y la artesanía, el objet d'art (obra de arte/objeto encontrado), no es el foco principal; el proceso de su elaboración es uno de los aspectos más relevantes, si no el más importante: la reunión, clasificación, cotejo, asociación, modelado y, además, la iniciación de acciones y procedimientos. Los artistas de proceso vieron el arte como expresión humana pura. El arte procesual defiende la idea de que el proceso de creación de la obra de arte puede ser una obra de arte en sí misma. El artista Robert Morris predicó "antiforma", proceso y tiempo sobre un producto final objetual.

Sucediendo

Wardrip-Fruin y Montfort en The New Media Reader, "El término 'Happening' se ha utilizado para describir muchas representaciones y eventos organizados por Allan Kaprow y otros durante las décadas de 1950 y 1960, incluida una serie de producciones teatrales que tradicionalmente tenían guiones y invitó solo una interacción limitada de la audiencia". Un happening permite al artista experimentar con el movimiento del cuerpo, los sonidos grabados, los textos escritos y hablados, e incluso los olores. Una de las primeras obras de Kaprow fue Happenings in the New York Scene, escrita en 1961. Los happenings de Allan Kaprow convertían al público en intérprete. A menudo, los espectadores se convertían en parte activa del acto sin darse cuenta. Otros actores que crearon happeningsfueron Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Whitman y Wolf Vostell: El teatro está en la calle (París, 1958).

Artistas principales

Las obras de los artistas de performance posteriores a 1968 mostraron muchas veces influencias de la situación política y cultural de ese año. Barbara T. Smith con Ritual Meal (1969) estuvo a la vanguardia del arte corporal y escénico feminista de los setenta, que incluía, entre otras, a Carolee Schneemann y Joan Jonas. Estos, junto a Yoko Ono, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Allan Kaprow, Vito Acconci, Chris Burden y Dennis Oppenheim fueron pioneros en la relación entre el arte corporal y la performance, así como el colectivo Zaj en España con Esther Ferrer y Juan Hidalgo.

Barbara Smith es una artista y activista estadounidense. Es una de las principales exponentes afroamericanas del feminismo y el activismo LGBT en Estados Unidos. A principios de la década de 1970 se desempeñó como docente, escritora y defensora de la corriente del feminismo negro. Ha enseñado en numerosos colegios y universidades en los últimos cinco años. Los ensayos, reseñas, artículos, cuentos y críticas literarias de Smith han aparecido en una variedad de publicaciones, incluidas The New York Times, The Guardian, The Village Voice y The Nation.

Carolee Schneemann fue una artista experimental visual estadounidense, conocida por sus obras multimedia sobre el cuerpo, la narrativa, la sexualidad y el género. Creó piezas como Meat Joy (1964) e Interior Scroll (1975). Schneemann consideraba su cuerpo una superficie de trabajo. Se describió a sí misma como una "pintora que ha salido del lienzo para activar el espacio real y el tiempo vivido".

Joan Jonas (nacida el 13 de julio de 1936) es una artista visual estadounidense y pionera del video y las artes escénicas, una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. Los proyectos y experimentos de Jonas proporcionaron la base sobre la cual se basaría gran parte del arte de performance de video. Sus influencias también se extendieron al arte conceptual, el teatro, las artes escénicas y otros medios visuales. Vive y trabaja en Nueva York y Nueva Escocia, Canadá. Inmerso en la escena artística del centro de Nueva York de la década de 1960, Jonas estudió con la coreógrafa Trisha Brown durante dos años. Jonas también trabajó con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton.

Yoko Ono formó parte del movimiento de vanguardia de la década de 1960. Ella era parte del movimiento Fluxus. Es conocida por sus piezas de performance a fines de la década de 1960, obras como Cut Piece, donde los visitantes podían intervenir su cuerpo hasta dejarla desnuda. Una de sus piezas más conocidas es Pieza de pared para orquesta (1962).

Joseph Beuys fue un fluxus alemán, artista de performance, pintor, escultor, medallista y artista de instalaciones. En 1962 comenzó su actuación junto al movimiento neodadaísta Fluxus, grupo del que acabó convirtiéndose en el miembro más importante. Su logro más relevante fue su socialización del arte, haciéndolo más accesible para todo tipo de público. En Cómo explicar imágenes a una liebre muerta (1965) se cubrió la cara con miel y pan de oro y explicó su trabajo a una liebre muerta que yacía en sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gesto corporal, a la conciencia de un comunicador cuyo receptor es un animal.Beuys actuó como un chamán con poderes curativos y salvadores hacia la sociedad que consideraba muerta. En 1974 realizó la performance I Like America and America Likes Me donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja constituyeron el vehículo para su creación. Vivió con el coyote durante tres días. Apiló periódicos de Estados Unidos, símbolo del capitalismo. Con el tiempo, la tolerancia entre Beuys y el coyote creció y terminó abrazando al animal. Beuys repite muchos elementos utilizados en otras obras. Objetos que difieren de los ready-mades de Duchamp, no por su pobrey lo efímero, sino porque forman parte de la propia vida de Beuys, quien los colocó después de convivir con ellos y dejar su huella en ellos. Muchos tienen un significado autobiográfico, como la miel o la grasa que usaban los tártaros que salvaron en la Segunda Guerra Mundial. En 1970 realizó su Traje de Fieltro. También en 1970, Beuys enseñó escultura en la Kunstakademie Düsseldorf. En 1979, el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York exhibió una retrospectiva de su trabajo desde la década de 1940 hasta 1970.

Nam June Paik fue un artista de performance, compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música e historia del arte en la Universidad de Tokio. Posteriormente, en 1956, viajó a Alemania, donde estudió Teoría de la Música en Munich, luego continuó en Colonia en el conservatorio de Friburgo. Mientras estudiaba en Alemania, Paik conoció a los compositores Karlheinz Stockhausen y John Cage y a los artistas conceptuales Sharon Grace, así como a George Maciunas, Joseph Beuys y Wolf Vostell y, a partir de 1962, fue miembro del movimiento de arte experimental Fluxus. Nam June Paik luego comenzó a participar en el movimiento de arte Neo-Dada, conocido como Fluxus, que se inspiró en el compositor John Cage y su uso de sonidos y ruidos cotidianos en su música. Fue compañero de Yoko Ono como miembro de Fluxus.

Wolf Vostell fue un artista alemán, uno de los más representativos de la segunda mitad del siglo XX, que trabajó con diversos medios y técnicas como la pintura, la escultura, la instalación, el escote, el videoarte, el happening y el fluxus.

Vito Acconci fue un influyente artista estadounidense de performance, video e instalación, cuya diversa práctica eventualmente incluyó escultura, diseño arquitectónico y diseño de paisajes. Su performance y videoarte fundamentales se caracterizaron por la "inquietud existencial", el exhibicionismo, la incomodidad, la transgresión y la provocación, así como el ingenio y la audacia, y a menudo implicaba cruzar fronteras como público-privado, consensuado-no consensuado y mundo real-mundo del arte.. Se considera que su trabajo ha influido en artistas como Laurie Anderson, Karen Finley, Bruce Nauman y Tracey Emin, entre otros.Acconci se interesó inicialmente en la poesía radical, pero a fines de la década de 1960, comenzó a crear representaciones de influencia situacionista en la calle o para audiencias pequeñas que exploraban el cuerpo y el espacio público. Dos de sus obras más famosas fueron Pieza siguiente (1969), en la que seleccionó a transeúntes al azar en las calles de la ciudad de Nueva York y los siguió todo el tiempo que pudo, y Semillero (1972), en la que afirmó que se masturbó bajo los efectos del alcohol. un piso temporal en la Galería Sonnabend, mientras los visitantes caminaban arriba y lo escuchaban hablar.

Chris Burden fue un artista estadounidense que trabajó en performance, escultura e instalación. Burden se hizo conocido en la década de 1970 por sus obras de arte escénico, incluido Shoot (1971), en el que arregló que un amigo le disparara en el brazo con un rifle de pequeño calibre. Burden, un artista prolífico, creó muchas instalaciones conocidas, obras de arte públicas y esculturas antes de su muerte en 2015. Burden comenzó a trabajar en artes escénicas a principios de la década de 1970. Realizó una serie de polémicas performances en las que la idea del peligro personal como expresión artística fue central. Su primer trabajo de interpretación significativo, Five Day Locker Piece (1971), fue creado para su tesis de maestría en la Universidad de California, Irvine,e involucró su estar encerrado en un casillero durante cinco días.

Dennis Oppenheim fue un artista conceptual, artista de performance, artista de la tierra, escultor y fotógrafo estadounidense. La práctica artística temprana de Dennis Oppenheim es un cuestionamiento epistemológico sobre la naturaleza del arte, la creación del arte y la definición del arte: un metaarte que surgió cuando las estrategias de los minimalistas se ampliaron para centrarse en el sitio y el contexto. Además de una agenda estética, el trabajo progresó desde las percepciones de las propiedades físicas de la galería hasta el contexto social y político, tomando en gran medida la forma de escultura pública permanente en las últimas dos décadas de una carrera altamente prolífica, cuya diversidad podría exasperar su críticos

Yayoi Kusama es una artista japonesa que, a lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios que incluyen: escultura, instalación, pintura, performance, cine, moda, poesía, ficción y otras artes; la mayoría de ellos exhibieron su interés por la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una pionera del arte pop, el minimalismo y los movimientos artísticos feministas e influyó en sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg. Ha sido reconocida como una de las artistas vivas más importantes de Japón y una voz muy relevante en el arte de vanguardia.

1970

En la década de 1970, artistas que habían derivado a trabajos relacionados con la performance evolucionaron y se consolidaron como artistas con la performance como disciplina principal, derivando en instalaciones creadas a través de la performance, la video performance, o acciones colectivas, o en el contexto de un contexto socio-cultural. contexto histórico y político.

Actuación de vídeo

A principios de la década de 1970 se consolidó el uso del formato de video por parte de los artistas de performance. Algunas exposiciones de Joan Jonas y Vito Acconci se realizaron íntegramente en vídeo, activado por procesos performativos previos. En esta década se publicaron varios libros que hablaban sobre el uso de los medios de comunicación, el video y el cine por parte de artistas de performance, como Expanded Cinema, de Gene Youngblood. Uno de los principales artistas que utilizó el vídeo y la performance, con notorias instalaciones audiovisuales, es el artista surcoreano Nam June Paik, que a principios de los 60 ya había estado en el movimiento Fluxus hasta convertirse en media artist y evolucionar hacia las instalaciones audiovisuales que es. conocido por.

También se debe tener en cuenta el trabajo de Carolee Schneemann y Robert Whitman en la década de 1960 con respecto a sus video-performances. Ambos fueron pioneros del arte escénico, convirtiéndolo en una forma de arte independiente a principios de los años setenta.

Joan Jonas comenzó a incluir video en sus performances experimentales en 1972, mientras que Bruce Nauman escenificaba sus actos para ser grabados directamente en video. Nauman es un artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas, videos, obras gráficas y performances han ayudado a diversificar y desarrollar la cultura desde la década de 1960 en adelante. Sus inquietantes obras enfatizaron la naturaleza conceptual del arte y el proceso de creación. Su prioridad es la idea y el proceso creativo sobre el resultado. Su arte utiliza una increíble variedad de materiales y especialmente su propio cuerpo.

Gilbert y George son el artista italiano Gilbert Proesch y el artista inglés George Passmore, quienes han desarrollado su trabajo dentro del arte conceptual, la performance y el arte corporal. Eran más conocidos por sus actos de escultura en vivo. Una de sus primeras creaciones fue The Singing Sculpture, donde los artistas cantaban y bailaban "Underneath the Arches", una canción de la década de 1930. Desde entonces se han forjado una sólida reputación como esculturas vivas, convirtiéndose en obras de arte, exhibidas frente a los espectadores a través de diversos intervalos de tiempo. Suelen aparecer vestidos de traje y corbata, adoptando diversas posturas que mantienen sin moverse, aunque a veces también se mueven y leen un texto, y ocasionalmente aparecen en montajes o instalaciones artísticas.Además de sus esculturas, Gilbert y George también han realizado obras pictóricas, collages y fotomontajes, donde se retrataban junto a diversos objetos de su entorno inmediato, con referencias a la cultura urbana y un fuerte contenido; abordaron temas como el sexo, la raza, la muerte y el VIH, la religión o la política, criticando muchas veces al gobierno británico y al poder establecido. El trabajo más prolífico y ambicioso del grupo fue Jack Freak Pictures., donde tuvieron una presencia constante de los colores rojo, blanco y azul en la Union Jack. Gilbert y George han expuesto su trabajo en museos y galerías de todo el mundo, como el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987) y la Tate Modern (2007). Han participado en la Bienal de Venecia. En 1986 ganaron el Premio Turner.

Arte de resistencia

El arte de performance de resistencia profundiza en los temas del trance, el dolor, la soledad, la privación de libertad, el aislamiento o el agotamiento. Algunas de las obras, basadas en el paso de largos períodos de tiempo, también se conocen como representaciones de larga duración. Uno de los artistas pioneros fue Chris Burden en California desde la década de 1970. En una de sus obras más conocidas, Cinco días en un casillero (1971) permaneció durante cinco días dentro de un casillero de la escuela, en Dispara (1971) recibió un disparo con un arma de fuego, y habitó durante veintidós días una cama dentro de una galería de arte. en Pedazo de cama (1972). Otro ejemplo de artista de resistencia es Tehching Hsieh. Durante una actuación creada en 1980-1981 (Time Clock Piece), donde permaneció un año entero repitiendo la misma acción alrededor de un reloj metafórico. Hsieh también es conocido por sus actuaciones sobre la privación de libertad; pasó un año entero confinado. En La casa con vista al mar (2003), Marina Abramović vivió en silencio durante doce días sin comer. Los Nueve Confinamientos o La Privación de la Libertad es una obra conceptual de resistencia de contenido crítico realizada en los años 2013 y 2016. Todas ellas tienen en común la privación ilegítima de la libertad.

Actuación en un contexto político

A mediados de la década de 1970, detrás del Telón de Acero, en las principales ciudades de Europa del Este como Budapest, Cracovia, Belgrado, Zagreb, Novi Sad y otras, florecieron las artes escénicas de contenido más experimental. Frente al control político y social surgieron diferentes artistas que realizaban performances de contenido político. La serie de actuaciones de Orshi Drozdik, titulada Individual Mythology 1975–77 y NudeModel 1976–77. Todas sus acciones fueron críticas al discurso patriarcal en el arte y al programa de emancipación forzada y construida por el Estado igualmente patriarcal. Drozdik mostró un punto de vista pionero y feminista sobre ambos, convirtiéndose en una de las precursoras de este tipo de arte crítico en Europa del Este. En la década de 1970, la performance, por su fugacidad,tuvo una sólida presencia en las vanguardias de Europa del Este, especialmente en Polonia y Yugoslavia, donde surgieron decenas de artistas que exploraban conceptual y críticamente el cuerpo.

El otro

A mediados de la década de 1976, Ulay y Marina Abramović fundaron el colectivo The Other en la ciudad de Amsterdam. Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración. Los principales conceptos que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados ​​en la tradición de su herencia cultural y el deseo del individuo por los rituales. En consecuencia, formaron un colectivo llamado El Otro. Se vestían y se comportaban como uno solo, y entablaban una relación de absoluta confianza. Crearon una serie de obras en las que sus cuerpos crearon espacios adicionales para la interacción del público. En relación en el espaciocorrieron por la habitación, dos cuerpos como dos planetas, combinando energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "ese yo". Relación en movimiento (1976) hizo que la pareja condujera su automóvil dentro del museo, dando 365 vueltas. Un líquido negro goteaba del auto, formando una escultura, y cada ronda representaba un año. Después de esto, crearon Death Self. , donde ambos unieron sus labios e inspiraron el aire exhalado por el otro hasta agotar todo el oxígeno. Exactamente 17 minutos después del inicio de la función, ambos cayeron inconscientes debido a que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploraba la idea de la capacidad de una persona para absorber la vida de otra, cambiándola y destruyéndola. En 1988, tras unos años de tensa relación, Abramović y Ulay deciden emprender un viaje espiritual que acabaría con el colectivo. Caminaron a lo largo de la Gran Muralla China, comenzando en extremos opuestos y encontrándose a mitad de camino. Abramović concibió este paseo en un sueño y le dio lo que vio como un final apropiado y romántico para la relación llena de misticismo, energía y atracción.Ulay comenzó en el desierto de Gobi y Abramovic en el mar Amarillo. Cada uno caminó 2500 kilómetros, se encontraron en el medio y se despidieron.

Artistas principales

En 1973, Laurie Anderson interpretó Duets on Ice en las calles de Nueva York. Marina Abramović, en la performance Rhythm 10, incluyó conceptualmente la violación de un cuerpo. Treinta años después, el tema de la violación, la vergüenza y la explotación sexual sería reimaginado en las obras de artistas contemporáneos como Clifford Owens, Gillian Walsh, Pat Oleszko y Rebecca Patek, entre otros. Nuevos artistas con actos radicales se consolidaron como los principales precursores de la performance, como Chris Burden, con la obra Shoot de 1971, donde un asistente le disparó en el brazo desde una distancia de cinco metros, y Vito Acconci el mismo año con Semillero. La obra Eye Body (1963) de Carolee Schneemann en 1963, ya había sido considerada un prototipo de performance art. En 1975, Schneemann recurrió a innovadoras actuaciones en solitario como Interior Scroll, que mostraba el cuerpo femenino como medio artístico.

Una de las artistas principales fue Gina Pane, artista francesa de origen italiano. Estudió en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París desde 1960 hasta 1965 y fue miembro del movimiento de performance en la década de 1970 en Francia, llamado "Art Corporel". Paralelamente a su arte, Pane enseñó en la Ecole des Beaux-Arts de Mans desde 1975 hasta 1990 y dirigió un taller dedicado a las artes escénicas en el Centro Pompidou de 1978 a 1979. Una de sus obras más conocidas es The Conditioning (1973), en el que fue acostada en una cama de metal sobre un área de velas encendidas. The Conditioning fue creado como un homenaje a Marina Abramović, parte de sus Seven Easy Pieces(2005) en el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York en 2005. Gran parte de sus obras están protagonizadas por el dolor autoinfligido, separándola de la mayoría de las demás mujeres artistas de la década de 1970. Mediante la violencia de cortarse la piel con navajas o apagar fuegos con sus manos y pies descalzos, Pane tiene la intención de suscitar una experiencia real en el visitante, que se conmueva por su incomodidad. La naturaleza impactante de estas primeras piezas o acciones de arte de performance, como ella prefería llamarlas, eclipsó muchas veces su prolífico trabajo fotográfico y escultórico. No obstante, el cuerpo fue la principal preocupación en la obra de Panes, ya sea literal o conceptualmente.

1980

La técnica del arte escénico.

Hasta la década de 1980, el arte de la performance ha desmitificado el virtuosismo, siendo esta una de sus características fundamentales. No obstante, a partir de la década de 1980 comenzó a adoptar cierta brillantez técnica. En referencia a la obra Presence and Resistance de Philip Auslander, la crítica de danza Sally Banes escribe: "... a fines de la década de 1980, el arte de la performance se había vuelto tan conocido que ya no necesitaba ser definido; la cultura de masas, especialmente la televisión, había llegado a proporcionar estructura y tema para gran parte del arte escénico; y varios artistas de performance, incluidos Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe y Ann Magnuson, se habían convertido en artistas transversales en el entretenimiento convencional".En esta década se definieron los parámetros y tecnicismos construidos para depurar y perfeccionar el arte escénico.

Crítica e investigación de las artes escénicas

A pesar del hecho de que muchas actuaciones se llevan a cabo dentro del círculo de un pequeño grupo del mundo del arte, Roselee Goldberg señala en Performance Art: From Futurism to the Present que "la actuación ha sido una forma de atraer directamente a un gran público, así como impactar audiencias a reevaluar sus propias nociones del arte y su relación con la cultura. Por el contrario, el interés público en el medio, especialmente en la década de 1980, surge de un aparente deseo de ese público de acceder al mundo del arte, de ser un espectador de su ritual. y su comunidad distinta, y ser sorprendido por las presentaciones inesperadas, siempre poco ortodoxas, que los artistas idean". En esta década surgen publicaciones y compilaciones sobre el arte de la performance y sus artistas más conocidos.

Arte de performance desde un contexto político

En la década de 1980, el contexto político jugó un papel importante en el desarrollo artístico y especialmente en la performance, ya que casi todas las obras creadas con un discurso crítico y político se encontraban en esta disciplina. Hasta el declive del bloque del Este de Europa a fines de la década de 1980, la mayoría de los gobiernos comunistas habían rechazado activamente las artes escénicas. Con la excepción de Polonia y Yugoslavia, las artes escénicas estaban más o menos prohibidas en países donde se temía cualquier evento público independiente. En la RDA, Checoslovaquia, Hungría y Letonia sucedió en apartamentos, en reuniones aparentemente espontáneas en estudios de artistas, en entornos controlados por iglesias, o se cubrió como otra actividad, como una sesión de fotos. Aislado del contexto conceptual occidental, en diferentes escenarios podría ser como una protesta lúdica o un comentario amargo,Entre las obras de arte de performance más notables de contenido político en este momento se encuentran las de Tehching Hsieh entre julio de 1983 y julio de 1984, Art/Life: One Year Performance (Rope Piece).

Poesía escénica

En 1982, los términos "poesía" y "actuación" se utilizaron juntos por primera vez. La poesía escénica parecía distinguir las interpretaciones vocales basadas en texto de las artes escénicas, especialmente el trabajo de artistas escénicos y musicales, como Laurie Anderson, que trabajaba con música en ese momento. Los poetas de performance se basaron más en la expresión retórica y filosófica en su poética que los artistas de performance, que surgieron de los géneros de las artes visuales de la pintura y la escultura. Muchos artistas desde John Cage fusionan la interpretación con una base poética.

Arte de performance feminista

Desde 1973 el Taller Taller Feminista en el Edificio de la Mujer de Los Ángeles incidió en la ola de actos feministas, pero hasta 1980 no llegaron a fusionarse del todo. La conjunción entre feminismo y performance progresó a lo largo de la última década. En las dos primeras décadas del desarrollo de las artes escénicas, las obras que no habían sido concebidas como feministas ahora se ven como tales.

Aun así, no fue sino hasta 1980 que las artistas se autodefinieron como feministas. Grupos de artistas en los que se destacaron mujeres influenciadas por el movimiento estudiantil de 1968 así como por el movimiento feminista. Esta conexión ha sido tratada en la investigación de la historia del arte contemporáneo. Algunas de las mujeres cuyo aporte innovador en representaciones y espectáculos fue más relevante fueron Pina Bausch y las Guerrilla Girls que surgieron en 1985 en la ciudad de Nueva York, colectivo de arte anónimo feminista y antirracista. Eligieron ese nombre porque usaron tácticas de guerrilla en su activismo para denunciar la discriminación contra las mujeres en el arte a través del arte político y la performance.Su primera actuación fue colocar carteles y hacer apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, para criticar el hecho de que algunos grupos de personas fueran discriminados por su género o raza. Todo esto se hizo de forma anónima; en todas estas apariciones cubrieron sus rostros con máscaras de gorilas (esto se debió a la pronunciación similar de las palabras "gorila" y "guerrillero"). Usaron como apodos los nombres de mujeres artistas que habían muerto.Desde la década de 1970 hasta la década de 1980, entre las obras que cuestionaron el sistema y sus habituales estrategias de representación, destacan principalmente los cuerpos de mujeres, como las obras de Ana Mendieta en la ciudad de Nueva York donde su cuerpo es ultrajado y abusado, o las representaciones artísticas de Louise Bourgeois con un discurso más bien minimalista que surgen a finales de los años setenta y ochenta. Mención especial a las obras creadas con corporeidad femenina y feministacomo Lynda Benglis y sus acciones performativas fálicas, que reconstruyeron la imagen femenina para convertirla en algo más que un fetiche. A través de la performance feminista, el cuerpo se convierte en un espacio para desarrollar estos nuevos discursos y significados. La artista Eleanor Antin, creadora en las décadas de 1970 y 1980, trabajó los temas de género, raza y clase. Cindy Sherman, en sus primeros trabajos en los setenta y ya en su madurez artística en los ochenta, continúa con su línea crítica de trastocar el yo impuesto, a través de su uso del cuerpo como objeto de privilegio.

Cindy Sherman es una fotógrafa y artista estadounidense. Es una de las artistas más representativas de la posguerra y exhibió más de tres décadas de su trabajo en el MoMA. Aunque aparece en la mayoría de sus fotografías performativas, no las considera autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como vehículo para representar una gran variedad de temas del mundo contemporáneo, como el papel que desempeñan las mujeres en nuestra sociedad y la forma en que se representan en los medios, así como la naturaleza de la creación artística. En 2020 fue galardonada con el premio Wolf en artes.

Judy Chicago es artista y pionera del arte feminista y la performance en Estados Unidos. Chicago es conocida por sus grandes obras de instalación de arte colaborativo sobre imágenes de nacimiento y creación, que examinan el papel de la mujer en la historia y la cultura. En la década de 1970, Chicago fundó el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas como la costura, en contraste con habilidades que requerían mucha mano de obra, como la soldadura y la pirotecnia. La obra más conocida de Chicago es The Dinner Party, que se instaló permanentemente en el Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler en el Museo de Brooklyn. la cenacelebró los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte feminista épica. Otros proyectos notables incluyen International Honor Quilt, The Birth Project, Powerplay y The Holocaust Project.

Expansión a América Latina

En esta década la performance se extendió hasta llegar a América Latina a través de los talleres y programas que ofrecían las universidades e instituciones académicas. Se desarrolló principalmente en México, Colombia -con artistas como María Teresa Hincapié-, en Brasil y en Argentina.

Ana Mendieta fue una artista conceptual y de performance nacida en Cuba y criada en los Estados Unidos. Es conocida principalmente por sus obras de arte y piezas de arte escénico en land art. La obra de Mendieta fue conocida mayoritariamente en el ámbito de la crítica de arte feminista. Años después de su muerte, especialmente desde la retrospectiva del Whitney Museum of American Art en 2004 y la retrospectiva en la Haywart Gallery de Londres en 2013, es considerada una pionera de la performance y otras prácticas relacionadas con el body art y el land art, la escultura y la fotografía. Ella describió su propio trabajo como arte del cuerpo de la tierra.

Tania Bruguera es una artista cubana especializada en performance y arte político. Su trabajo consiste principalmente en su interpretación de temas políticos y sociales. Ha desarrollado conceptos como "arte de la conducta" para definir sus prácticas artísticas con un enfoque en los límites del lenguaje y el cuerpo frente a la reacción y comportamiento de los espectadores. También se le ocurrió el "arte útil", es decir, debe transformar ciertos aspectos políticos y legales de la sociedad. El trabajo de Brugera gira en torno a temas de poder y control, y gran parte de su trabajo cuestiona el estado actual de su país de origen, Cuba. En 2002 crea la Cátedra Arte de Conducta en La Habana.

Regina José Galindo es una artista guatemalteca especializada en performance. Su obra se caracteriza por su contenido político y crítico explícito, utilizando su propio cuerpo como herramienta de confrontación y transformación social. Su carrera artística ha estado marcada por la Guerra Civil guatemalteca que se desarrolló entre 1960 y 1996, que desencadenó un genocidio de más de 200 mil personas, muchos de ellos indígenas, campesinos, mujeres y niños. Con su obra, Galindo denuncia la violencia, el sexismo (uno de sus principales temas es el feminicidio), los cánones de belleza occidentales, la represión del estamento y el abuso de poder, especialmente en el contexto de su país, aunque su lenguaje traspasa fronteras.. Desde sus inicios sólo utilizó su cuerpo como medio, que en ocasiones lleva a situaciones extremas (como enHimenoplastia (2004) donde pasa por una reconstrucción de himen, trabajo que ganó el Lyon de Oro en la Bienal de Venecia), para luego tener voluntarios o personas contratadas para interactuar con ella, de manera que pierde el control de la acción.

1990

La década de 1990 fue un período de ausencia para la interpretación clásica europea, por lo que los artistas de performance mantuvieron un perfil bajo. Sin embargo, Europa del Este experimentó un pico. Por otro lado, la performance latinoamericana siguió en auge, así como la performance feminista. También hubo un auge de esta disciplina en los países asiáticos, cuya motivación surgió de la danza Butō en la década de 1950, pero en este período se profesionalizaron y surgieron nuevos artistas chinos, obteniendo un gran reconocimiento. También hubo una profesionalización generalizada en el aumento de las exposiciones dedicadas a las artes escénicas, en la apertura de la Bienal de Arte de Venecia a las artes escénicas, donde varios artistas de esta disciplina han obtenido el Leone d'Oro, entre ellos Anne Imhof, Regina José Galindo o Santiago Sierra.

Actuación con contexto político

Mientras se disolvía el bloque soviético, comenzaron a difundirse algunas obras de arte de performance prohibidas. Jóvenes artistas del antiguo Bloque del Este, incluida Rusia, se dedicaron a las artes escénicas. Las artes escénicas surgieron casi al mismo tiempo en Cuba, el Caribe y China. “En estos contextos, la performance se convirtió en una nueva voz crítica con una fuerza social similar a la de Europa Occidental, Estados Unidos y América del Sur en los años sesenta y principios de los setenta. Cabe destacar que el auge de la performance en la década de 1990 en Europa del Este, China, Sudáfrica, Cuba y otros lugares no deben ser considerados secundarios o una imitación de Occidente".

Profesionalización de las artes escénicas

En el mundo occidental, en la década de 1990, el arte escénico se unió a la cultura dominante. Diversas obras de performance, en vivo, fotografiadas o documentadas, comenzaron a formar parte de galerías y museos que comenzaron a entender la performance como una disciplina artística. Sin embargo, no fue hasta la siguiente década que se produjo una gran institucionalización, cuando todos los museos comenzaron a incorporar piezas de arte de performance en sus colecciones y dedicando grandes exposiciones y retrospectivas, museos como la Tate Modern en Londres, el MoMA en la ciudad de Nueva York o el Centro Pompidou de París. A partir de la década de 1990, muchos más artistas de performance fueron invitados a importantes bienales como la Bienal de Venecia, la Bienal de Sao Paulo y la Bienal de Lyon.

Rendimiento en China

A fines de la década de 1990, el arte contemporáneo chino y la performance recibieron un gran reconocimiento a nivel internacional, ya que 19 artistas chinos fueron invitados a la Bienal de Venecia. El arte de performance en China y su historia había ido creciendo desde la década de 1970 debido al interés entre el arte, el proceso y la tradición en la cultura china, pero ganó reconocimiento a partir de la década de 1990. En China, las artes escénicas forman parte del programa de educación en bellas artes y se están volviendo cada vez más populares. A principios de la década de 1990, el arte escénico chino ya era aclamado en la escena artística internacional.

Desde la década de 2000

Rendimiento de los nuevos medios

A fines de la década de 1990 y en la década de 2000, varios artistas incorporaron tecnologías como la World Wide Web, el video digital, las cámaras web y los medios de transmisión en sus obras de arte. Artistas como Coco Fusco, Shu Lea Cheang y Prema Murthy produjeron artes escénicas que llamaron la atención sobre el papel del género, la raza, el colonialismo y el cuerpo en relación con Internet. Otros artistas, como Critical Art Ensemble, Electronic Disturbance Theatre y Yes Men, utilizaron tecnologías digitales asociadas con el hacktivismo y el intervencionismo para plantear cuestiones políticas relacionadas con las nuevas formas de capitalismo y consumismo.

En la segunda mitad de la década, comenzaron a tener lugar formas de arte escénico asistidas por computadora. Muchas de estas obras condujeron al desarrollo del arte algorítmico, el arte generativo y el arte robótico, en los que la propia computadora, o un robot controlado por computadora, se convierte en el artista.

Coco Fusco es una artista, escritora y curadora interdisciplinaria cubanoamericana que vive y trabaja en los Estados Unidos. Su carrera artística comenzó en 1988. En su trabajo explora temas como la identidad, la raza, el poder y el género a través de la performance. También realiza videos, instalaciones interactivas y escritura crítica.

Rendimiento radical

Durante la primera y segunda década de los 2000, diversos artistas fueron procesados, judicializados, detenidos o encarcelados por sus obras de contenido político. Artistas como las Pussy Riot, Tania Bruguera y Petr Pavlensky han sido juzgadas por diversas acciones artísticas creadas con la intención de denunciar y visibilizar.

El 21 de febrero de 2012, como parte de su protesta contra la reelección de Vladímir Putin, varias mujeres del colectivo artístico Pussy Riot ingresaron a la Catedral de Cristo Salvador de Moscú de la Iglesia Ortodoxa Rusa. Hicieron la señal de la cruz, se inclinaron ante el santuario y comenzaron a interpretar una actuación compuesta por una canción y un baile bajo el lema "Virgen María, aleja a Putin". El 3 de marzo fueron detenidos. El 3 de marzo de 2012, Maria Alyokhina y Nadezhda Tolokonnikova, integrantes de las Pussy Riot, fueron detenidas por las autoridades rusas y acusadas de vandalismo. Al principio, ambos negaron ser miembros del grupo e iniciaron una huelga de hambre por estar encarcelados y separados de sus hijos hasta que comenzaron los juicios en abril.El 16 de marzo, otra mujer, Yekaterina Samutsévitch, que había sido interrogada previamente como testigo, fue detenida y acusada también. El 5 de julio se presentaron cargos formales contra el grupo y una acusación de 2800 páginas. Ese mismo día se les notificó que tenían hasta el 9 de julio para preparar su defensa. En respuesta, anunciaron una huelga de hambre, alegando que dos días era un plazo inapropiado para preparar su defensa. El 21 de julio, el tribunal extendió su prisión preventiva por seis meses más. Los tres miembros detenidos fueron reconocidos como presos políticos por la Unión de Solidaridad con los Presos Políticos. Amnistía Internacional los considera presos de conciencia por "la severidad de la respuesta de las autoridades rusas".

Desde 2012, el artista Abel Azcona está procesado por algunas de sus obras. La demanda que obtuvo mayor repercusión fue la realizada por el Arzobispado de Pamplona y Tudela, en representación de la Iglesia Católica. La Iglesia demandó a Azcona por los delitos de profanación y blasfemia, delito de odio y atentado contra la libertad religiosa y los sentimientos por su obra Amén o La pederastia. En las últimas demandas, los peticionarios incluyeron el delito de obstrucción a la justicia. En 2016, Azcona fue denunciado por enaltecer el terrorismo por su exposición Natura Morta,en los que el artista recrea situaciones de violencia, memoria histórica, terrorismo o conflictos bélicos a través de performances, esculturas e instalaciones hiperrealistas. En 2018 fue denunciado por la Fundación Francisco Franco por exponer una instalación compuesta por doce documentos que formaban un examen técnico para la detonación del Monumento del Valle de los Caídos firmado por un arquitecto. También ha sido criticado por el Estado de Israel por su obra La Vergüenza., en el que instaló fragmentos del Muro de Berlín a lo largo del Muro de Cisjordania como una instalación performativa crítica. Ese mismo año representó a España en la Bienal de Arte Asiático en Daca, Bangladesh. Azcona instaló sillas en el pabellón con niños de las calles de Daca en situación de desesperación sentados en ellas. Su actuación fue cancelada por las protestas, que estaban en contra de la imagen que el pabellón mostraba de la Bienal y del país.

En diciembre de 2014 Tania Bruguera fue detenida en La Habana para impedirle realizar nuevas obras reivindicativas. Sus piezas de arte escénico le han valido duras críticas y ha sido acusada de promover la resistencia y los disturbios públicos. En diciembre de 2015 y enero de 2016, Bruguera fue detenido por organizar un espectáculo público en la plaza de la Revolución de La Habana. Fue detenida junto a otros artistas, activistas y reporteros cubanos que participaban en la campaña Yo También Exijo, creada tras las declaraciones de Raúl Castro y Barack Obama a favor del restablecimiento de sus relaciones diplomáticas. Durante la función El Susurro de Tatlin #6 colocó micrófonos y parlantesen la Plaza de la Revolución para que los cubanos expresaran su sentir ante el nuevo clima político. El evento tuvo gran repercusión en medios internacionales, incluyendo la presentación de El Susurro de Tatlin #6 en Times Square, y una acción en la que varios artistas e intelectuales se expresaron a favor de la liberación de Bruguera enviando una carta abierta a Raúl Castro firmada por miles de personas en todo el mundo pidiendo la devolución de su pasaporte y denunciando una injusticia criminal, ya que ella solo le dio un micrófono a la gente para que pudiera dar su opinión.

En noviembre de 2015 y octubre de 2017, Petr Pavlensky fue arrestado por realizar una obra de arte radical en la que incendiaba la entrada del edificio Lubyanka, sede del Servicio Federal de Seguridad de Rusia y una sucursal del Banco de Francia. En ambas ocasiones roció con gasolina la entrada principal; en la segunda actuación también roció el interior y lo encendió con un encendedor. Las puertas del edificio quedaron parcialmente quemadas. En ambas ocasiones, Pavlenski fue arrestado sin resistencia y acusado de libertinaje. A las pocas horas de las acciones aparecieron en internet varios videos reivindicativos políticos y artísticos.

Institucionalización de las artes escénicas

Desde la década de 2000, grandes museos, instituciones y colecciones han apoyado las artes escénicas. Desde enero de 2003, la Tate Modern de Londres ha tenido un programa curado de arte en vivo y actuaciones. Con exposiciones de artistas como Tania Bruguera o Anne Imhof. En 2012 se abrieron The Tanks at Tate Modern: los primeros espacios dedicados a la actuación, el cine y la instalación en un importante museo de arte moderno y contemporáneo.

El Museo de Arte Moderno llevó a cabo una gran retrospectiva y recreación performativa de la obra de Marina Abramović, la mayor exposición de artes escénicas en la historia del MoMA, del 14 al 31 de marzo de 2010. La exposición constó de más de veinte piezas de la artista, la mayoría de ellas de los años 1960-1980. Muchos de ellos fueron reactivados por otros jóvenes artistas de múltiples nacionalidades seleccionados para la muestra. Paralelamente a la exposición, Abramovic realizó The Artist is Present, una pieza estática y silenciosa de 726 horas y 30 minutos, en la que se sentó inmóvil en el atrio del museo, mientras los espectadores se turnaban para sentarse frente a ella.La obra es una reproducción actualizada de una de las piezas de 1970, mostradas en la exposición, donde Abramovic permaneció días completos junto a Ulay, quien fue su compañero sentimental. La actuación atrajo a celebridades como Björk, Orlando Bloom y James Franco que participaron y recibieron cobertura mediática.

Arte de performance de reivindicación colectiva

En 2014 se crea la obra de arte performático Carry That Weight, también conocida como "el performance del colchón". La artista detrás de esta pieza es Emma Sulkowicz quien, durante su tesis de fin de grado en artes visuales en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. En septiembre de 2014, comenzó la pieza de Sulkowicz, cuando comenzó a llevar su propio colchón por el campus de la Universidad de Columbia. Esta obra fue creada por la artista con el objetivo de denunciar su violación en ese mismo colchón años antes, en su propio dormitorio, lo cual denunció y no fue escuchado por la universidad ni por la justicia.por lo que decidió llevar consigo el colchón durante todo el semestre, sin dejarlo en ningún momento, hasta su ceremonia de graduación en mayo de 2015. La pieza generó gran polémica, pero fue apoyada por un puñado de sus compañeras y activistas que se sumaron a Sulkowicz en múltiples veces al cargar el colchón, haciendo de la obra una reivindicación internacional. El crítico de arte Jerry Saltz consideró la obra de arte como una de las más importantes del año 2014.

En noviembre de 2018 a través de una conferencia y performance en vivo del artista Abel Azcona en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá se inició la obra España Pide Perdón (España os Pide Perdón), una pieza de contenido crítico y anticolonialista. En la primera acción, Azcona leyó un texto donde se repetía continuamente "España pide perdón". Dos meses después, en el Museo de la Ciudad de México, instaló una lona con la misma frase. Solo unos días después, el presidente de México, Andrés Manuel López Obrador, durante una conferencia de prensa exigió públicamente una disculpa de España. Desde entonces hasta mediados de 2020, la obra ha logrado convertirse en un movimiento colectivo en ciudades como La Habana, Lima, Caracas, Ciudad de Panamá, Tegucigalpa, or Quito, through diverse media.

En 2019, el grupo feminista de Valparaíso, Chile llamado Lastesis, creó la pieza de performance colectiva Un violador en tu camino, que consistió en una manifestación contra las violaciones de los derechos de las mujeres en el contexto de las protestas chilenas de 2019-2020. Se realizó por primera vez frente a la Segunda Comisaría de Carabineros de Chile en Valparaíso el 18 de noviembre de 2019. Una segunda función realizada por 2000 mujeres chilenas el 25 de noviembre de 2019, en el marco del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia. contra la Mujer, fue filmada y se volvió viral en las redes sociales. Su alcance se volvió global.luego de que movimientos feministas en decenas de países adoptaran y tradujeran la performance para sus propias protestas y reclamos por el cese y castigo del feminicidio y la violencia sexual, entre otros.