Película muda

A quiet from the 1921 Cuatro jinetes del Apocalipsis, una de las películas silenciosas más grandes

Charlie Chaplin, ampliamente aclamado como uno de los actores más icónicos de la era silenciosa, c. 1919

Una película muda es una película sin sonido grabado sincronizado (o más generalmente, sin diálogo audible). Si bien las películas mudas transmiten narrativa y emoción visualmente, varios elementos de la trama (como un escenario o una época) o líneas clave de diálogo pueden, cuando sea necesario, transmitirse mediante el uso de tarjetas de título.

El término "película muda" es un nombre algo inapropiado, ya que estas películas casi siempre iban acompañadas de sonidos en vivo. Durante la era del cine mudo que existió desde mediados de la década de 1890 hasta finales de la década de 1920, un pianista, un organista de teatro o incluso, en las grandes ciudades, una pequeña orquesta solía tocar música para acompañar las películas. Los pianistas y organistas tocarían a partir de partituras o improvisaciones. A veces, una persona incluso narraba las tarjetas entre títulos para la audiencia. Aunque en ese momento no existía la tecnología para sincronizar el sonido con la película, la música se consideraba una parte esencial de la experiencia visual. "Cine mudo" se usa típicamente como un término histórico para describir una era del cine anterior a la invención del sonido sincronizado, pero también se aplica a películas de la era del sonido como City Lights,, Modern Times, Silent Movie y The Artist, que van acompañadas de una banda sonora de solo música en lugar de diálogos.

El término película muda es un retroónimo, un término creado para distinguir retroactivamente algo de desarrollos posteriores. Las primeras películas sonoras, comenzando con The Jazz Singer en 1927, se denominaban de diversas formas "talkies", "películas sonoras" o "hablando fotos". La idea de combinar imágenes en movimiento con sonido grabado es más antigua que la película (se sugirió casi inmediatamente después de que Edison introdujera el fonógrafo en 1877), y algunos de los primeros experimentos tenían al proyeccionista ajustando manualmente la velocidad de fotogramas para adaptarse al sonido, pero debido a la técnica desafíos involucrados, la introducción del diálogo sincronizado se volvió práctica solo a fines de la década de 1920 con la perfección del amplificador de válvulas Audion y la llegada del sistema Vitaphone. En una década, cesó la producción generalizada de películas mudas para el entretenimiento popular y la industria entró de lleno en la era del sonido, en la que las películas iban acompañadas de grabaciones sonoras sincronizadas de diálogos hablados, música y efectos de sonido.

La mayoría de las primeras películas se consideran perdidas porque la película de nitrato utilizada en esa época era extremadamente inestable e inflamable. Además, muchas películas fueron destruidas deliberadamente porque tenían un valor financiero continuo insignificante en esta época. A menudo se ha afirmado que alrededor del 75 por ciento de las películas mudas producidas en los EE. UU. se han perdido, aunque estas estimaciones pueden ser inexactas debido a la falta de datos numéricos.

Elementos e inicios (1833–1894)

El Caballo en Moción, animado de un plato de Eadweard Muybridge, hecho con una serie de cámaras montadas a lo largo de una pista de carreras

Escena de jardín de Roundhay, que tiene un tiempo de funcionamiento de poco más de dos segundos, fue filmado en 1888. Se cree que es la primera película sobre el movimiento que sobrevivió el mundo. La anciana de negro es Sarah Whitley, la suegra del cineasta Louis Le Prince; murió diez días después de que esta escena fuera filmada.

La proyección de películas evolucionó principalmente a partir de espectáculos de linternas mágicas, que utilizaban una lente de vidrio y una fuente de luz persistente (como una linterna potente) para proyectar imágenes de diapositivas de vidrio en una pared. Estas diapositivas fueron originalmente pintadas a mano, pero, después del advenimiento de la fotografía en el siglo XIX, a veces se utilizaron fotografías fijas. La invención de un práctico aparato fotográfico precedió al cine en unos cincuenta años.

En 1833, Joseph Plateau introdujo el principio de la animación estroboscópica con su Fantascope (más conocido como phenakistiscope). Seis años más tarde, Louis Daguerre presentó el primer sistema fotográfico exitoso. Inicialmente, los productos químicos no eran lo suficientemente sensibles a la luz para capturar adecuadamente sujetos en movimiento. Plateau sugirió un método temprano para animar fotografías estereoscópicas en 1849, con una técnica de stop motion. Jules Duboscq produjo un dispositivo simplificado en 1852, pero no tuvo mucho éxito. Los primeros éxitos en la fotografía instantánea a fines de la década de 1850 inspiraron nuevas esperanzas para desarrollar sistemas de fotografía animada (estéreo), pero en las siguientes dos décadas los pocos intentos volvieron a utilizar técnicas de stop-motion.

En 1878, Eadweard Muybridge usó una fila de una docena de cámaras para grabar un caballo corriendo (como sugirieron otros mucho antes) y sorprendió al mundo con los resultados, publicados como gabinete El caballo en movimiento. tarjetas con filas de pequeñas imágenes fijas. Muchos otros comenzaron a trabajar con cronofotografía e intentaron animar y proyectar los resultados. Ottomar Anschutz tuvo mucho éxito con su electrotaquiscopio desde 1887, con imágenes fotográficas animadas muy claras que se mostraban en una pequeña pantalla de vidrio lechoso o dentro de visores con ranura para monedas, hasta que comenzó a proyectar las imágenes en una pantalla grande en 1894. Sus grabaciones solo duraron un pocos segundos, e inspiró a Edison Company a competir con películas que podían durar alrededor de 20 segundos en sus visores de películas Kinetoscope peep-box desde 1893 en adelante.

Era del cine mudo

El trabajo de Muybridge, Marey y Le Prince sentó las bases para el desarrollo futuro de cámaras cinematográficas, proyectores y películas de celuloide transparente, que condujeron al desarrollo del cine tal como lo conocemos hoy. El inventor estadounidense George Eastman, que fabricó por primera vez placas secas fotográficas en 1878, avanzó en un tipo estable de película de celuloide en 1888.

El arte de las películas alcanzó su plena madurez en la "era del cine mudo" (1894 en cine - 1929 en cine). El apogeo de la era muda (desde principios de la década de 1910 en el cine hasta finales de la década de 1920) fue un período particularmente fructífero, lleno de innovación artística. Los movimientos cinematográficos del Hollywood clásico, así como el impresionismo francés, el expresionismo alemán y el montaje soviético comenzaron en este período. Los cineastas mudos fueron pioneros en la forma de arte hasta el punto de que prácticamente todos los estilos y géneros cinematográficos de los siglos XX y XXI tienen sus raíces artísticas en la era del cine mudo. La era del cine mudo también fue pionera desde el punto de vista técnico. La iluminación de tres puntos, el primer plano, el plano general, la panorámica y la edición de continuidad se hicieron predominantes mucho antes de que las películas mudas fueran reemplazadas por "películas sonoras" o "sonido" a fines de la década de 1920. Algunos académicos afirman que la calidad artística del cine disminuyó durante varios años, a principios de la década de 1930, hasta que los directores de cine, los actores y el personal de producción se adaptaron por completo al nuevo 'talkie'. alrededor de mediados de la década de 1930.

La calidad visual de las películas mudas, especialmente las producidas en la década de 1920, a menudo era alta, pero sigue existiendo la idea errónea de que estas películas eran primitivas o apenas se podían ver según los estándares modernos. Este concepto erróneo proviene de la falta de familiaridad del público en general con el medio, así como del descuido por parte de la industria. La mayoría de las películas mudas están mal conservadas, lo que lleva a su deterioro, y las películas bien conservadas a menudo se reproducen a una velocidad incorrecta o sufren cortes de censura y faltan fotogramas y escenas, lo que da la apariencia de una mala edición. Muchas películas mudas existen solo en copias de segunda o tercera generación, a menudo hechas de material de película ya dañado y descuidado. Otro concepto erróneo ampliamente difundido es que las películas mudas carecían de color. De hecho, el color prevalecía mucho más en las películas mudas que en las primeras décadas del cine sonoro. A principios de la década de 1920, el 80 por ciento de las películas se podían ver en algún tipo de color, por lo general en forma de película matizada o tonificada o incluso coloreada a mano, pero también con procesos de dos colores bastante naturales como Kinemacolor y Technicolor. Los procesos de colorización tradicionales cesaron con la adopción de la tecnología de sonido en película. La coloración de películas tradicional, que implicaba el uso de tintes de alguna forma, interfería con la alta resolución requerida para el sonido grabado incorporado y, por lo tanto, se abandonó. El innovador proceso de tecnicolor de tres tiras introducido a mediados de los años 30 era costoso y estaba plagado de limitaciones, y el color no tendría la misma prevalencia en el cine que en el cine mudo durante casi cuatro décadas.

Intertítulos

El Gabinete del Dr. Caligari (1920) usó intertítulos estilizados.

A medida que aumentaba gradualmente el tiempo de ejecución de las películas, se necesitaba un reemplazo para el intérprete interno que explicaría partes de la película a la audiencia. Debido a que las películas mudas no tenían sonido sincronizado para el diálogo, se usaron intertítulos en pantalla para narrar puntos de la historia, presentar diálogos clave y, a veces, incluso comentar la acción para la audiencia. El escritor del título se convirtió en un profesional clave en el cine mudo y, a menudo, estaba separado del escritor de escenarios que creaba la historia. Los intertítulos (o títulos como se los llamaba generalmente en ese momento) "a menudo eran elementos gráficos en sí mismos, con ilustraciones o decoraciones abstractas que comentaban la acción".

Música en vivo y otros acompañamientos sonoros

Las proyecciones de películas mudas casi siempre incluían música en vivo, comenzando con la primera proyección pública de películas de los hermanos Lumière el 28 de diciembre de 1895 en París. Esto fue promovido en 1896 por la primera exhibición cinematográfica en los Estados Unidos en Koster and Bial's Music Hall en la ciudad de Nueva York. En este evento, Edison sentó el precedente de que todas las exposiciones debían ser acompañadas por una orquesta. Desde el principio, la música fue reconocida como esencial, contribuyendo a la atmósfera y brindando a la audiencia claves emocionales vitales. En ocasiones, los músicos tocaban en platós durante el rodaje por motivos similares. Sin embargo, dependiendo del tamaño del sitio de exhibición, el acompañamiento musical podría cambiar drásticamente en escala. Los cines de barrios y pueblos pequeños solían tener un pianista. A partir de mediados de la década de 1910, los teatros de las grandes ciudades tendían a tener organistas o conjuntos de músicos. Los órganos de teatro masivos, que fueron diseñados para llenar el vacío entre un simple solista de piano y una orquesta más grande, tenían una amplia gama de efectos especiales. Órganos teatrales como el famoso "Mighty Wurlitzer" podría simular algunos sonidos orquestales junto con una serie de efectos de percusión, como bombos y platillos, y efectos de sonido que van desde 'silbatos de trenes y barcos [hasta] bocinas de automóviles y silbatos de pájaros;... algunos incluso podrían simular disparos de pistola, teléfonos que suenan, el sonido de las olas, caballos & # 39; cascos, rompiendo cerámica, [y] truenos y lluvia".

Las partituras musicales de las primeras películas mudas fueron improvisadas o recopiladas de música clásica o de repertorio teatral. Sin embargo, una vez que las características completas se convirtieron en algo común, el pianista, el organista, el director de orquesta o el propio estudio de cine compilaron la música a partir de música de reproducción de fotografías, que incluía una hoja de referencia con la película. Estas hojas a menudo eran largas, con notas detalladas sobre los efectos y estados de ánimo a tener en cuenta. Comenzando con la partitura mayoritariamente original compuesta por Joseph Carl Breil para la épica El nacimiento de una nación de D. W. Griffith (1915), se volvió relativamente común que llegaran las películas de mayor presupuesto. en el teatro de exhibición con partituras originales especialmente compuestas. Sin embargo, las primeras partituras completas designadas de hecho habían sido compuestas en 1908 por Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guisa y por Mikhail Ippolitov-Ivanov para Stenka Razin. .

Cuando los organistas o los pianistas usaban partituras, aún podían agregar florituras de improvisación para realzar el drama en la pantalla. Incluso cuando los efectos especiales no se indicaron en la partitura, si un organista estaba tocando un órgano de teatro capaz de producir un efecto de sonido inusual como "caballos al galope", se usaría durante escenas de dramáticas persecuciones a caballo.

En el apogeo de la era del cine mudo, las películas eran la principal fuente de empleo para los músicos instrumentales, al menos en los Estados Unidos. Sin embargo, la introducción del cine sonoro, junto con el inicio casi simultáneo de la Gran Depresión, fue devastador para muchos músicos.

Varios países idearon otras formas de llevar el sonido a las películas mudas. El primer cine de Brasil, por ejemplo, presentaba fitas cantatas (películas cantadas), operetas filmadas con cantantes actuando detrás de la pantalla. En Japón, las películas no solo tenían música en vivo, sino también el benshi, un narrador en vivo que brindaba comentarios y voces de personajes. El benshi se convirtió en un elemento central en el cine japonés, además de proporcionar traducción para películas extranjeras (en su mayoría estadounidenses). La popularidad del benshi fue una de las razones por las que las películas mudas persistieron hasta bien entrada la década de 1930 en Japón. Por el contrario, como las películas narradas por benshi a menudo carecían de intertítulos, al público actual en ocasiones le puede resultar difícil seguir las tramas sin subtítulos especializados o comentarios adicionales.

Restauraciones de partituras desde 1980 hasta la actualidad

Pocas partituras de películas sobrevivieron intactas del período mudo, y los musicólogos todavía se enfrentan a preguntas cuando intentan reconstruir con precisión las que quedan. Las partituras utilizadas en reediciones o proyecciones actuales de películas mudas pueden ser reconstrucciones completas de composiciones, recién compuestas para la ocasión, ensambladas a partir de bibliotecas musicales ya existentes, o improvisadas en el acto a la manera del músico de teatro de la era del cine mudo.

El interés por la música de películas mudas pasó de moda durante las décadas de 1960 y 1970. Muchos programas universitarios de cine y cines de repertorio creían que el público debería experimentar el cine mudo como un medio visual puro, sin distracciones musicales. Esta creencia puede haber sido alentada por la mala calidad de las pistas musicales que se encuentran en muchas reimpresiones de películas mudas de la época. Desde alrededor de 1980, ha habido un resurgimiento del interés en presentar películas mudas con partituras musicales de calidad (ya sea reelaboraciones de partituras de época u hojas de referencia, o la composición de partituras originales apropiadas). Un esfuerzo temprano de este tipo fue la restauración de Kevin Brownlow en 1980 de Napoléon (1927) de Abel Gance, con una partitura de Carl Davis. Posteriormente, Francis Ford Coppola distribuyó en los Estados Unidos una versión ligeramente reeditada y acelerada de la restauración de Brownlow, con una partitura orquestal en vivo compuesta por su padre Carmine Coppola.

En 1984, se lanzó una restauración editada de Metropolis (1927) con una nueva partitura de música rock del productor y compositor Giorgio Moroder. Aunque la partitura contemporánea, que incluía canciones pop de Freddie Mercury, Pat Benatar y Jon Anderson de Yes, fue controvertida, se había abierto la puerta a un nuevo enfoque para la presentación de películas mudas clásicas.

Hoy en día, un gran número de solistas, conjuntos musicales y orquestas interpretan partituras tradicionales y contemporáneas para películas mudas a nivel internacional. El legendario organista de teatro Gaylord Carter continuó interpretando y grabando sus partituras originales para películas mudas hasta poco antes de su muerte en 2000; algunas de esas partituras están disponibles en reediciones de DVD. Otros proveedores del enfoque tradicional incluyen organistas como Dennis James y pianistas como Neil Brand, Günter Buchwald, Philip C. Carli, Ben Model y William P. Perry. Otros pianistas contemporáneos, como Stephen Horne y Gabriel Thibaudeau, a menudo han adoptado un enfoque más moderno de la partitura.

Directores de orquesta como Carl Davis y Robert Israel han escrito y recopilado partituras para numerosas películas mudas; muchos de estos han aparecido en proyecciones en Turner Classic Movies o se han lanzado en DVD. Davis ha compuesto nuevas partituras para dramas mudos clásicos como The Big Parade (1925) y Flesh and the Devil (1927). Israel ha trabajado principalmente en comedia muda, poniendo música a las películas de Harold Lloyd, Buster Keaton, Charley Chase y otros. Timothy Brock ha restaurado muchas de las partituras de Charlie Chaplin, además de componer nuevas partituras.

Los conjuntos de música contemporánea están ayudando a presentar películas mudas clásicas a un público más amplio a través de una amplia gama de estilos y enfoques musicales. Algunos artistas crean nuevas composiciones utilizando instrumentos musicales tradicionales, mientras que otros agregan sonidos electrónicos, armonías modernas, ritmos, improvisación y elementos de diseño de sonido para mejorar la experiencia visual. Entre los conjuntos contemporáneos en esta categoría se encuentran Un Drame Musical Instantané, Alloy Orchestra, Club Foot Orchestra, Silent Orchestra, Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima y Caspervek Trio, RPM Orchestra. Donald Sosin y su esposa Joanna Seaton se especializan en agregar voces a las películas mudas, particularmente cuando hay cantos en pantalla que se benefician al escuchar la canción real que se está interpretando. Las películas en esta categoría incluyen Lady of the Pavements de Griffith con Lupe Vélez, Evangeline de Edwin Carewe con Dolores del Río y Rupert Julian' s El fantasma de la ópera con Mary Philbin y Virginia Pearson.

El archivo de música y sonido de películas mudas digitaliza la música y las hojas de referencia escritas para películas mudas y las pone a disposición de artistas, académicos y entusiastas.

Técnicas de actuación

Lillian Gish, la "Primera Dama del Cine Americano", fue una estrella líder en la era silenciosa con una de las carreras más largas (1912 a 1987.

Los actores del cine mudo enfatizaron el lenguaje corporal y la expresión facial para que la audiencia pudiera entender mejor lo que un actor estaba sintiendo y retratando en la pantalla. Gran parte de la actuación en el cine mudo puede parecer simplista o cursi al público de hoy en día. El estilo de actuación melodramático fue en algunos casos un hábito que los actores transfirieron de su anterior experiencia en el escenario. El vodevil fue un origen especialmente popular para muchos actores de cine mudo estadounidenses. La presencia omnipresente de los actores de teatro en el cine fue la causa de este arrebato del director Marshall Neilan en 1917: "Cuanto antes salga la gente del escenario que ha entrado en las películas, mejor para las películas". En otros casos, directores como John Griffith Wray requerían que sus actores presentaran expresiones grandiosas para dar énfasis. Ya en 1914, los espectadores estadounidenses habían comenzado a manifestar su preferencia por una mayor naturalidad en la pantalla.

Lon Chaney (activo 1913-1930) fue uno de los actores más talentosos del personaje de spinet de todos los tiempos. Su habilidad única para transformarse en los personajes más grotescos físicamente le ganó el nombre universal, “Hombre de Mil Caras”.

El cine mudo se volvió menos vodevil a mediados de la década de 1910, cuando las diferencias entre el escenario y la pantalla se hicieron evidentes. Debido al trabajo de directores como D. W. Griffith, la cinematografía se volvió menos escénica y el desarrollo del primer plano permitió una actuación realista y discreta. Lillian Gish ha sido llamada la 'primera actriz verdadera' de la película. por su trabajo en el período, ya que fue pionera en nuevas técnicas de interpretación cinematográfica, reconociendo las diferencias cruciales entre la actuación en el escenario y la pantalla. Directores como Albert Capellani y Maurice Tourneur comenzaron a insistir en el naturalismo en sus películas. A mediados de la década de 1920, muchas películas mudas estadounidenses habían adoptado un estilo de actuación más naturalista, aunque no todos los actores y directores aceptaron la actuación naturalista y discreta de inmediato; Todavía en 1927, todavía se estrenaban películas con estilos de actuación expresionistas, como Metropolis. Greta Garbo, que hizo su debut en 1926, se haría conocida por su actuación naturalista.

Según Anton Kaes, un estudioso del cine mudo de la Universidad de California, Berkeley, el cine mudo estadounidense comenzó a ver un cambio en las técnicas de actuación entre 1913 y 1921, influenciado por las técnicas que se encuentran en el cine mudo alemán. Esto se atribuye principalmente a la afluencia de emigrantes de la República de Weimar, "incluidos directores de cine, productores, camarógrafos, técnicos de iluminación y teatro, así como actores y actrices".

Velocidad de proyección

Hasta la estandarización de la velocidad de proyección de 24 fotogramas por segundo (fps) para películas sonoras entre 1926 y 1930, las películas mudas se rodaban a velocidades variables (o "velocidades de fotogramas") entre 12 y 40 fps, dependiendo del año y estudio. "Velocidad estándar de película muda" a menudo se dice que es de 16 fps como resultado de los hermanos Lumière' Cinematógrafo, pero la práctica de la industria varió considerablemente; no había un estándar real. William Kennedy Laury Dickson, un empleado de Edison, se decidió por la asombrosa velocidad de 40 cuadros por segundo. Además, los camarógrafos de la época insistieron en que su técnica de arranque era exactamente de 16 fps, pero un examen moderno de las películas muestra que esto era un error y que a menudo giraban más rápido. A menos que se muestren cuidadosamente a las velocidades previstas, las películas mudas pueden parecer anormalmente rápidas o lentas. Sin embargo, algunas escenas se redujeron intencionalmente durante el rodaje para acelerar la acción, especialmente para comedias y películas de acción.

Cinématographe Lumière en el Institut Lumière, Francia. Tales cámaras no tenían dispositivos de grabación de audio incorporados en las cámaras.

La proyección lenta de una película a base de nitrato de celulosa conllevaba un riesgo de incendio, ya que cada cuadro estaba expuesto durante más tiempo al intenso calor de la lámpara de proyección; pero había otras razones para proyectar una película a un ritmo mayor. A menudo, los proyeccionistas recibían instrucciones generales de los distribuidores en la hoja de referencia del director musical sobre qué tan rápido debían proyectar carretes o escenas particulares. En raras ocasiones, generalmente para producciones más grandes, las hojas de referencia producidas específicamente para el proyeccionista proporcionaron una guía detallada para presentar la película. Los cines también, para maximizar las ganancias, a veces variaban las velocidades de proyección según la hora del día o la popularidad de una película, o para adaptar una película a un intervalo de tiempo prescrito.

Todos los proyectores de películas cinematográficas requieren un obturador móvil para bloquear la luz mientras la película se mueve; de lo contrario, la imagen se mancha en la dirección del movimiento. Sin embargo, este obturador hace que la imagen parpadee, y las imágenes con bajas tasas de parpadeo son muy desagradables de ver. Los primeros estudios realizados por Thomas Edison para su máquina kinetoscopio determinaron que cualquier velocidad por debajo de 46 imágenes por segundo 'cansará la vista'. y esto es válido también para las imágenes proyectadas en condiciones normales de cine. La solución adoptada para el Kinetoscopio fue ejecutar la película a más de 40 fotogramas por segundo, pero esto era costoso para la película. Sin embargo, al usar proyectores con obturadores de dos y tres hojas, la tasa de parpadeo se multiplica dos o tres veces más que el número de fotogramas de la película; cada fotograma se muestra dos o tres veces en la pantalla. Un obturador de tres palas que proyecte una película de 16 fps superará ligeramente la cifra de Edison, dando al público 48 imágenes por segundo. Durante la era del cine mudo, los proyectores solían estar equipados con obturadores de 3 hojas. Desde la introducción del sonido con su velocidad estándar de 24 fotogramas por segundo, los obturadores de dos hojas se han convertido en la norma para los proyectores de cine de 35 mm, aunque los obturadores de tres hojas siguen siendo estándar en los proyectores de 16 mm y 8 mm, que se utilizan con frecuencia para proyectar películas de aficionados. metraje filmado a 16 o 18 fotogramas por segundo. Una velocidad de fotogramas de película de 35 mm de 24 fps se traduce en una velocidad de película de 456 milímetros (18,0 pulgadas) por segundo. Un carrete de 300 m (1000 pies) requiere 11 minutos y 7 segundos para proyectarse a 24 fps, mientras que una proyección de 16 fps del mismo carrete tomaría 16 minutos y 40 segundos, o 304 milímetros (12,0 pulgadas) por segundo.

En la década de 1950, muchas conversiones de telecine de películas mudas a velocidades de fotogramas extremadamente incorrectas para la televisión abierta pueden haber alienado a los espectadores. La velocidad de la película es a menudo un tema controvertido entre académicos y cinéfilos en la presentación de películas mudas hoy en día, especialmente cuando se trata de lanzamientos en DVD de películas restauradas, como el caso de la restauración de 2002 de Metropolis.

Teñido

Una escena de El Gabinete del Dr. Caligari protagonizada por Conrad Veidt, un ejemplo de una película de ámbar

Con la falta de procesamiento de color natural disponible, las películas de la era del cine mudo se sumergieron con frecuencia en colorantes y se tiñeron de varios tonos y matices para señalar un estado de ánimo o representar una hora del día. El teñido a mano se remonta a 1895 en los Estados Unidos con el lanzamiento de Edison de impresiones teñidas a mano seleccionadas de Butterfly Dance. Además, los experimentos con películas en color comenzaron en 1909, aunque la industria tardó mucho más en adoptar el color y desarrollar un proceso eficaz. El azul representaba escenas nocturnas, el amarillo o el ámbar significaban día. El rojo representaba fuego y el verde representaba una atmósfera misteriosa. De manera similar, el tono de la película (como la generalización común de la película muda del tono sepia) con soluciones especiales reemplazó las partículas de plata en el material de la película con sales o tintes de varios colores. Se podría utilizar una combinación de tintado y tonificación como un efecto que podría resultar llamativo.

Algunas películas fueron teñidas a mano, como Annabelle Serpentine Dance (1894), de Edison Studios. En él, Annabelle Whitford, una joven bailarina de Broadway, está vestida con velos blancos que parecen cambiar de color mientras baila. Esta técnica fue diseñada para capturar el efecto de las presentaciones en vivo de Loie Fuller, a partir de 1891, en las que las luces del escenario con geles de colores convirtieron sus vestidos y mangas blancas y sueltas en movimiento artístico. La coloración a mano se usaba a menudo en los primeros "trucos" y películas fantásticas de Europa, especialmente las de Georges Méliès. Méliès comenzó a teñir a mano su trabajo ya en 1897 y Cendrillion (Cenicienta) de 1899 y Jeanne d'Arc (Juana de Arco) de 1900 brindan ejemplos tempranos de -películas tintadas en las que el color era una parte fundamental de la escenografía o puesta en escena; un teñido tan preciso utilizó el taller de Elisabeth Thuillier en París, con equipos de mujeres artistas agregando capas de color a cada marco a mano en lugar de usar un proceso más común (y menos costoso) de estarcido. Una versión recién restaurada de Méliès' Un viaje a la luna, lanzado originalmente en 1902, muestra un uso exuberante del color diseñado para agregar textura e interés a la imagen.

Los comentarios de un distribuidor estadounidense en un catálogo de suministro de películas de 1908 subrayan aún más el dominio continuo de Francia en el campo de las películas coloreadas a mano durante la era muda temprana. El distribuidor ofrece a la venta a precios variables "High-Class" películas de Pathé, Urban-Eclipse, Gaumont, Kalem, Itala Film, Ambrosio Film y Selig. Varias de las películas más largas y prestigiosas del catálogo se ofrecen tanto en blanco y negro estándar "cartón plano" así como en "pintado a mano" color. Una copia normal, por ejemplo, del lanzamiento de 1907 Ben Hur se ofrece por $120 ($3,619 USD hoy), mientras que una versión en color de la misma película de 1000 pies y 15 minutos cuesta $270 ($8,143) incluido el cargo adicional de coloración de $150, que ascendió a 15 centavos más por pie. Si bien las razones del cargo adicional citado probablemente eran obvias para los clientes, el distribuidor explica por qué las películas en color de su catálogo tienen precios significativamente más altos y requieren más tiempo de entrega. Su explicación también proporciona información sobre el estado general de los servicios de coloreado de películas en los Estados Unidos en 1908:

Precio para una impresión a mano de Ben Hur en 1908

La coloración de películas de imágenes móviles es una línea de trabajo que no puede ser realizada satisfactoriamente en los Estados Unidos. En vista de la enorme cantidad de trabajo involucrado que llama a la pintura individual de cada una de dieciséis imágenes al pie o 16.000 imágenes separadas por cada 1.000 pies de película muy pocos coloristas americanos emprenderán el trabajo a cualquier precio.
Como la coloración cinematográfica ha progresado mucho más rápidamente en Francia que en cualquier otro país, todo nuestro colorido es hecho por nosotros por el mejor establecimiento de color en París y hemos encontrado que obtenemos mejores precios de calidad, precios más baratos y entregas más rápidas, incluso en la coloración de películas hechas por Estados Unidos, que si el trabajo se hizo en otro lugar.

A principios de la década de 1910, con el inicio de los largometrajes, los tintes se usaban como otro elemento que marcaba el estado de ánimo, tan común como la música. El director D. W. Griffith mostró un interés y una preocupación constantes por el color, y utilizó el tinte como efecto especial en muchas de sus películas. Su epopeya de 1915, El nacimiento de una nación, usó varios colores, incluidos ámbar, azul, lavanda y un llamativo tinte rojo para escenas como el "incendio de Atlanta" y el paseo del Ku Klux Klan en el clímax de la imagen. Más tarde, Griffith inventó un sistema de color en el que las luces de colores parpadeaban en áreas de la pantalla para lograr un color.

Con el desarrollo de la tecnología de sonido en película y la aceptación de la misma por parte de la industria, el teñido se abandonó por completo, porque los tintes utilizados en el proceso de teñido interferían con las bandas sonoras presentes en las tiras de película.

Primeros estudios

Los primeros estudios estaban ubicados en el área de la ciudad de Nueva York. Edison Studios estuvo primero en West Orange, Nueva Jersey (1892), luego se trasladaron al Bronx, Nueva York (1907). Fox (1909) y Biograph (1906) comenzaron en Manhattan, con estudios en St George, Staten Island. Otras películas se rodaron en Fort Lee, Nueva Jersey. En diciembre de 1908, Edison lideró la formación de Motion Picture Patents Company en un intento de controlar la industria y excluir a los productores más pequeños. El 'Edison Trust', como se le apodó, estaba formado por Edison, Biograph, Essanay Studios, Kalem Company, George Kleine Productions, Lubin Studios, Georges Méliès, Pathé, Selig Studios y Vitagraph Studios, y dominó la distribución a través de General Film Company. Esta empresa dominó la industria como un monopolio tanto vertical como horizontal y es un factor que contribuye en los estudios & # 39; migración a la Costa Oeste. Motion Picture Patents Co. y General Film Co. fueron declaradas culpables de violación antimonopolio en octubre de 1915 y fueron disueltas.

El estudio de cine Thanhouser fue fundado en New Rochelle, Nueva York, en 1909 por el empresario teatral estadounidense Edwin Thanhouser. La compañía produjo y estrenó 1086 películas entre 1910 y 1917, incluida la primera serie de películas, The Million Dollar Mystery, estrenada en 1914. Los primeros westerns se filmaron en Fred Scott's Movie Ranch en South Beach, Staten Island. Actores disfrazados de vaqueros y nativos americanos galoparon por el plató del rancho de la película de Scott, que tenía una calle principal fronteriza, una amplia selección de diligencias y una empalizada de 56 pies. La isla proporcionó un sustituto útil para lugares tan variados como el desierto del Sahara y un campo de cricket británico. Se rodaron escenas de guerra en las llanuras de Grasmere, Staten Island. Los peligros de Pauline y su secuela, aún más popular, Las hazañas de Elaine se filmaron en gran parte en la isla. También lo fue el éxito de taquilla de 1906 Life of a Cowboy, de Edwin S. Porter Company y el rodaje se trasladó a la costa oeste alrededor de 1912.

Películas mudas más taquilleras en los Estados Unidos

Poster for El nacimiento de una nación (1915)

Poster for Ben-Hur (1925)

Las siguientes son películas estadounidenses de la era del cine mudo que obtuvieron los ingresos brutos más altos hasta 1932. Los montos proporcionados son alquileres brutos (la participación del distribuidor en la taquilla) en lugar de exhibición bruta.

Durante la era del sonido

Transición

Aunque los intentos de crear películas con sonido sincronizado se remontan al laboratorio de Edison en 1896, solo a principios de la década de 1920 estuvieron disponibles las tecnologías básicas, como los amplificadores de válvulas y los altavoces de alta calidad. Los años siguientes vieron una carrera para diseñar, implementar y comercializar varios formatos de sonido rivales de sonido en disco y sonido en película, como Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fox Movietone (1927) y Fotófono RCA (1928).

Warner Bros. fue el primer estudio en aceptar el sonido como un elemento en la producción de películas y utilizó Vitaphone, una tecnología de sonido en disco, para hacerlo. Luego, el estudio estrenó The Jazz Singer en 1927, que marcó la primera película sonora de éxito comercial, pero las películas mudas seguían siendo la mayoría de los largometrajes estrenados tanto en 1927 como en 1928, junto con las llamadas películas de glande de cabra. películas: mudas con una subsección de película sonora insertada. Por lo tanto, se puede considerar que la era moderna del cine sonoro llegó a dominar a partir de 1929.

Para obtener una lista de películas notables de la era muda, consulte Lista de años en el cine para los años entre el comienzo de la película y 1928. La siguiente lista incluye solo películas producidas en la era del sonido con el específico intención artística de callar.

• City Girl, F. W. Murnau, 1930
• TierraAleksandr Dovzhenko, 1930
• El enemigo silencioso, H.P. Carver, 1930
• Borderline, Kenneth Macpherson, 1930
• City LightsCharlie Chaplin, 1931
• Tabu, F. W. Murnau, 1931
• Nací, pero..., Yasujirō Ozu, 1932
• Passing Fancy, Yasujirō Ozu, 1933
• La diosaWu Yonggang, 1934
• Una historia de la hierba flotante, Yasujirō Ozu, 1934
• La caída de Osen, Kenji Mizoguchi, 1935
• Legong, Henri de la Falaise, 1935
• An Inn in Tokyo, Yasujirō Ozu, 1935
• Felicidad, Aleksandr Medvedkin, 1935
• Voyage cósmico, Vasili Zhuravlov, 1936

Homenajes posteriores

Varios cineastas han rendido homenaje a las comedias de la era muda, entre ellos Charlie Chaplin, con Modern Times (1936), Orson Welles con Too Much Johnson (1938), Jacques Tati con Les Vacances de Monsieur Hulot (1953), Pierre Etaix con The Suitor (1962) y Mel Brooks con Silent Movie (1976). El aclamado drama del director taiwanés Hou Hsiao-hsien Three Times (2005) está en silencio durante su tercio medio, completo con intertítulos; The Impostors de Stanley Tucci tiene una secuencia muda inicial al estilo de las primeras comedias mudas. La fiesta de Margarita (2003) del cineasta brasileño Renato Falcão es muda. El escritor y director Michael Pleckaitis le da su propio giro al género con Silent (2007). Si bien no está en silencio, el Mr. Las series de televisión y las películas de Bean han utilizado la naturaleza no habladora del personaje principal para crear un estilo de humor similar. Un ejemplo menos conocido es La fille du garde-barrière (1975) de Jérôme Savary, un homenaje al cine mudo que usa intertítulos y combina comedia, drama y escenas de sexo explícito (lo que llevó a que la Junta Británica de Clasificación de Películas le negara un certificado de cine).

En 1990, Charles Lane dirigió y protagonizó Sidewalk Stories, un homenaje de bajo presupuesto a las comedias mudas sentimentales, en particular The Kid de Charlie Chaplin.

La película alemana Tuvalu (1999) es mayoritariamente muda; la pequeña cantidad de diálogo es una extraña mezcla de idiomas europeos, lo que aumenta la universalidad de la película. Guy Maddin ganó premios por su homenaje a las películas mudas de la era soviética con su cortometraje El corazón del mundo, después de lo cual hizo un largometraje mudo, Brand Upon the Brain! (2006), incorporando artistas de Foley en vivo, narración y orquesta en presentaciones seleccionadas. Shadow of the Vampire (2000) es una representación altamente ficticia del rodaje de la clásica película muda de vampiros de Friedrich Wilhelm Murnau Nosferatu (1922). Werner Herzog rindió homenaje a la misma película en su propia versión, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979).

Algunas películas establecen un contraste directo entre la era del cine mudo y la era del cine sonoro. Sunset Boulevard muestra la desconexión entre las dos épocas en el personaje de Norma Desmond, interpretada por la estrella del cine mudo Gloria Swanson, y Singin' in the Rain trata sobre los artistas de Hollywood que se adaptan al cine sonoro. La película Nickelodeon de Peter Bogdanovich de 1976 trata sobre la agitación del cine mudo en Hollywood a principios de la década de 1910, que condujo al estreno de la épica The Nacimiento de una Nación (1915).

En 1999, el cineasta finlandés Aki Kaurismäki produjo Juha en blanco y negro, que captura el estilo de una película muda, utilizando intertítulos en lugar de diálogo hablado. Se produjeron impresiones de lanzamiento especiales con títulos en varios idiomas diferentes para su distribución internacional. En India, la película Pushpak (1988), protagonizada por Kamal Haasan, fue una comedia negra totalmente desprovista de diálogo. La película australiana Doctor Plonk (2007), fue una comedia muda dirigida por Rolf de Heer. Las obras de teatro se han basado en estilos y fuentes del cine mudo. Actor/escritores Billy Van Zandt &Amp; Jane Milmore puso en escena su comedia Off-Broadway Silent Laughter como un tributo de acción en vivo a la era del cine mudo. Geoff Sobelle y Trey Lyford crearon y protagonizaron All Wear Bowlers (2004), que comenzó como un homenaje a Laurel y Hardy y luego evolucionó para incorporar secuencias de películas mudas de tamaño real de Sobelle y Lyford que saltan hacia atrás y adelante entre la acción en vivo y la pantalla grande. La película de animación Fantasía (1940), que consta de ocho secuencias de animación diferentes con música, puede considerarse una película muda, con solo una breve escena que involucra diálogo. La película de espionaje The Thief (1952) tiene música y efectos de sonido, pero no tiene diálogo, al igual que Thierry Zéno de 1974 Vase de Noces y Patrick Bokanowski' s 1982 El ángel.

En 2005, la Sociedad Histórica de H. P. Lovecraft produjo una versión cinematográfica muda de la historia de Lovecraft La llamada de Cthulhu. Esta película mantuvo un estilo de filmación fiel a la época y fue recibida como "la mejor adaptación de HPL hasta la fecha" y, refiriéndose a la decisión de convertirla en una película muda, "una presunción brillante".

La película francesa The Artist (2011), escrita y dirigida por Michel Hazanavicius, juega como una película muda y está ambientada en Hollywood durante la era del cine mudo. También incluye segmentos de películas mudas ficticias protagonizadas por sus protagonistas. Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película.

La película de vampiros japonesa Sanguivorous (2011) no solo se realiza al estilo de una película muda, sino que incluso se realizó una gira con acompañamiento orquestal en vivo. Eugene Chadbourne ha estado entre los que han tocado música en vivo para la película.

Blancanieves es una película dramática muda de fantasía española en blanco y negro de 2012escrita y dirigida por Pablo Berger.

El largometraje mudo estadounidense Silent Life iniciado en 2006, cuenta con las actuaciones de Isabella Rossellini y Galina Jovovich, madre de Milla Jovovich, y se estrenará en 2013. La película está basada en la vida de el ícono de la pantalla muda Rodolfo Valentino, conocido como el primer 'Gran Amante' de Hollywood. Después de la cirugía de emergencia, Valentino pierde el control de la realidad y comienza a ver el recuerdo de su vida en Hollywood desde una perspectiva de coma, como una película muda que se muestra en un palacio de cine, el portal mágico entre la vida y la eternidad, entre la realidad y espejismo.

The Picnic es un cortometraje de 2012 realizado al estilo de los melodramas y comedias mudas de dos carretes. Era parte de la exhibición, No Spectators: The Art of Burning Man, una exhibición de 2018-2019 curada por la Galería Renwick del Museo Smithsonian de Arte Americano. La película se proyectó dentro de un palacio de cine Art Deco en miniatura de 12 asientos sobre ruedas llamado The Capitol Theatre, creado por Oakland, CA. colectivo de arte Five Ton Crane.

Right There es un cortometraje de 2013 que es un homenaje a las comedias del cine mudo.

La película animada británica de 2015 Shaun the Sheep Movie basada en Shaun the Sheep recibió críticas positivas y fue un éxito de taquilla. Aardman Animations también produjo Morph y Timmy Time, así como muchos otros cortometrajes mudos.

La American Theatre Organ Society rinde homenaje a la música de las películas mudas, así como a los órganos de teatro que tocaban esa música. Con más de 75 capítulos locales, la organización busca preservar y promover los órganos de teatro y la música, como una forma de arte.

El Globe International Silent Film Festival (GISFF) es un evento anual centrado en la imagen y la atmósfera en el cine que se lleva a cabo en un entorno universitario o académico de renombre todos los años y es una plataforma para exhibir y juzgar películas de cineastas activos en este campo. En 2018, el director de cine Christopher Annino filmó el largometraje mudo de este tipo, ahora galardonado internacionalmente, Silent Times. La película rinde homenaje a muchos de los personajes de la década de 1920, incluido el oficial Keystone interpretado por David Blair y Enzio Marchello, que interpreta a un personaje de Charlie Chaplin. Silent Times ha ganado el premio a la mejor película muda en el Festival de Cine de Oniros. Ambientada en un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra, la historia se centra en Oliver Henry III (interpretado por el nativo de Westerly Geoff Blanchette), un ladrón de poca monta convertido en propietario de un teatro de vodevil. Desde sus humildes comienzos en Inglaterra, emigra a los EE. UU. en busca de felicidad y dinero rápido. Se familiariza con personas de todos los ámbitos de la vida, desde artistas burlescos, mimos, vagabundos hasta elegantes chicas flapper, a medida que aumenta su fortuna y su vida se sale cada vez más de control.

Preservación y películas perdidas

A still from Salvado del Titanic (1912), que contó con sobrevivientes del desastre. Ahora está entre los considerados una película perdida.

La gran mayoría de las películas mudas producidas a finales del siglo XIX y principios del XX se consideran perdidas. Según un informe de septiembre de 2013 publicado por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, alrededor del 70 por ciento de las películas mudas estadounidenses entran en esta categoría. Hay numerosas razones para que este número sea tan alto. Algunas películas se han perdido sin querer, pero la mayoría de las películas mudas se destruyeron a propósito. Entre el final de la era del cine mudo y el surgimiento del video casero, los estudios cinematográficos a menudo descartaban grandes cantidades de películas mudas en un deseo de liberar almacenamiento en sus archivos, asumiendo que habían perdido la relevancia cultural y el valor económico para justificar el cantidad de espacio que ocupaban. Además, debido a la naturaleza frágil del material de película de nitrato que se usó para filmar y distribuir películas mudas, muchas películas se han deteriorado irremediablemente o se han perdido en accidentes, incluidos incendios (porque el nitrato es altamente inflamable y puede entrar en combustión espontáneamente cuando se almacena incorrectamente).). Ejemplos de tales incidentes incluyen el incendio de la bóveda de MGM de 1965 y el incendio de la bóveda de Fox de 1937, los cuales provocaron pérdidas catastróficas de películas. Muchas de estas películas que no se destruyeron por completo sobreviven solo parcialmente o en copias muy dañadas. Algunas películas perdidas, como London After Midnight (1927), perdida en el incendio de MGM, han sido objeto de considerable interés por parte de coleccionistas e historiadores de películas.

Las principales películas mudas presuntamente perdidas incluyen:

• Salvado del Titanic (1912), que contó con sobrevivientes del desastre;
• La vida de Villa General, mirando el propio Pancho Villa
• El Apóstol, el primer largometraje animado (1917)
• Cleopatra (1917)
• Bésame otra vez (1925)
• Arirang (1926)
• El Gran Gatsby (1926)
• Londres después de medianoche (1927)
• El Patriot (1928), el único nominado de Best Picture perdido, pero sólo el trailer sobrevive
• Caballeros Preferentes Rubias (1928)

Aunque la mayoría de las películas mudas perdidas nunca se recuperarán, algunas se han descubierto en archivos de películas o colecciones privadas. Las versiones descubiertas y preservadas pueden ser ediciones hechas para el mercado de alquiler de viviendas de las décadas de 1920 y 1930 que se descubren en ventas de inmuebles, etc. La degradación de las películas antiguas se puede ralentizar mediante un archivo adecuado, y las películas se pueden transferir a películas de seguridad o a medios digitales para su conservación. La preservación de películas mudas ha sido una alta prioridad para historiadores y archivistas.

Búsqueda de películas de Dawson

Dawson City, en el territorio de Yukón en Canadá, alguna vez fue el final de la línea de distribución de muchas películas. En 1978, se descubrió un alijo de más de 500 carretes de película de nitrato durante la excavación de un lote baldío que anteriormente era el sitio de la Asociación Atlética Amateur de Dawson, que había comenzado a proyectar películas en su centro recreativo en 1903. Obras de Pearl White, Helen Se incluyeron Holmes, Grace Cunard, Lois Weber, Harold Lloyd, Douglas Fairbanks y Lon Chaney, entre otros, así como muchos noticieros. Los títulos se almacenaron en la biblioteca local hasta 1929 cuando el nitrato inflamable se utilizó como vertedero en una piscina condenada. Habiendo pasado 50 años bajo el permafrost del Yukón, los carretes resultaron estar extremadamente bien conservados. Debido a su peligrosa volatilidad química, el hallazgo histórico fue trasladado por transporte militar a la Biblioteca y Archivos de Canadá y la Biblioteca del Congreso de EE. UU. para su almacenamiento (y transferencia a una película de seguridad). En 2016 se estrenó un documental sobre el hallazgo, Dawson City: Frozen Time.