Paul Cezanne
Paul Cézanne (say-ZAN, sə-ZAN, say-ZAHN; francés: [pɔl sezan]; 19 de enero de 1839 - 22 de octubre de 1906) fue un artista y pintor postimpresionista francés cuyo trabajo sentó las bases de la transición del concepción del esfuerzo artístico del siglo XIX a un mundo del arte nuevo y radicalmente diferente en el siglo XX. Se dice que Cézanne formó el puente entre el impresionismo de finales del siglo XIX y la nueva línea de investigación artística de principios del siglo XX, el cubismo.
Si bien sus primeros trabajos todavía están influenciados por el romanticismo, como los murales en la casa de campo Jas de Bouffan, y el realismo, llegó a un nuevo lenguaje pictórico a través de un examen intensivo de las formas de expresión impresionistas. Abandonó el uso de la perspectiva y rompió con las reglas establecidas del arte académico y luchó por una renovación de los métodos de diseño tradicionales sobre la base del espacio de color impresionista y los principios de modulación del color. Las pinceladas exploratorias y repetitivas de Cézanne son muy características y claramente reconocibles. Usó planos de color y pequeñas pinceladas que se acumulan para formar campos complejos. Las pinturas transmiten el intenso estudio de Cézanne de sus temas. Se dice que tanto Matisse como Picasso comentaron que Cézanne "es el padre de todos nosotros".
Su pintura provocó incomprensión y burla en la crítica de arte contemporánea. Hasta finales de la década de 1890, fueron principalmente compañeros artistas como Pissarro y el marchante de arte y galerista Ambroise Vollard quienes descubrieron la obra de Cézanne y fueron de los primeros en comprar sus pinturas. En 1895 Vollard inauguró la primera exposición individual en su galería de París, lo que condujo a un examen más amplio de la obra del artista.
Vida y obra
Primeros años y familia
Paul Cézanne nació como hijo del sombrerero y luego banquero Louis-Auguste Cézanne y Anne-Elisabeth-Honorine Aubert en 28 rue de l'Opera en Aix-en-Provence. Sus padres solo se casaron después del nacimiento de Paul y su hermana Marie (nacida en 1841) el 29 de enero de 1844. Su hermana menor, Rose, nació en junio de 1854. Los Cézanne procedían del municipio de Saint-Sauveur (Hautes-Alpes, Occitania). Paul Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence. El 22 de febrero, fue bautizado en la Église de la Madeleine, con su abuela y su tío Louis como padrinos, y más tarde se convirtió en un católico devoto. Su padre, Louis Auguste Cézanne (1798–1886), natural de Saint-Zacharie (Var), fue cofundador de una firma bancaria (Banque Cézanne et Cabassol) que prosperó a lo largo de la vida del artista, brindándole seguridad financiera que no estaba disponible para la mayoría de sus contemporáneos y que eventualmente resultó en una gran herencia.
Su madre, Anne Elisabeth Honorine Aubert (1814–1897), era "vivaz y romántica, pero se ofendía rápidamente". De ella obtuvo Cézanne su concepción y visión de la vida. También tenía dos hermanas menores, Marie y Rose, con quienes asistía a la escuela primaria todos los días.
A la edad de diez años, Cézanne ingresó en la escuela Saint Joseph de Aix. Fueron compañeros de clase el posterior escultor Philippe Solari y Henri Gasquet, padre del escritor Joachim Gasquet, que en 1921 publicaría su libro Cézanne, testimonio de la vida del artista. En 1852, Cézanne ingresó en el Collège Bourbon de Aix (ahora Collège Mignet), donde se hizo amigo de Émile Zola, que estaba en una clase menos avanzada, así como de Baptistin Baille, tres amigos que llegaron a ser conocidos como "Les Trois Inséparables" (Los tres inseparables). Probablemente fue el momento más despreocupado de su vida mientras los amigos nadaban y pescaban en las orillas del Arco. Debatieron sobre arte, leyeron a Homero y Virgilio y practicaron escribiendo sus propios poemas. Cézanne solía escribir sus versos en latín. Zola lo instó a tomarse la poesía más en serio, pero Cézanne lo vio como un simple pasatiempo. Permaneció allí durante seis años, aunque en los últimos dos años fue un erudito diurno. En 1857, comenzó a asistir a la Escuela Municipal Libre de Dibujo en Aix, donde estudió dibujo con Joseph Gibert, un monje español.
A petición de su autoritario padre, que tradicionalmente veía en su hijo al heredero de su banco Cézanne & Cabassol, Paul Cézanne se matriculó en la facultad de derecho de la Universidad de Aix-en-Provence en 1859 y asistió a conferencias para el estudio de la jurisprudencia. Pasó dos años con sus estudios no amados, pero los descuidó cada vez más y prefirió dedicarse a dibujar ejercicios y escribir poemas. A partir de 1859, Cézanne tomó cursos nocturnos en la École de dessin d'Aix-en-Provence, que se encontraba en el museo de arte de Aix, el Musée Granet. Su maestro fue el pintor académico Joseph Gibert (1806–1884). En agosto de 1859 ganó el segundo premio en el curso de estudios de figura allí.
Su padre compró la finca Jas de Bouffan (Casa del Viento) ese mismo año. Esta residencia barroca en parte abandonada del ex gobernador provincial se convirtió más tarde en el hogar y el lugar de trabajo del pintor durante mucho tiempo. El edificio y los viejos árboles del parque de la propiedad estaban entre los temas favoritos del artista. En 1860, Cézanne obtuvo permiso para pintar las paredes del salón, y realizó los murales de gran formato de las cuatro estaciones: primavera, verano, otoño e invierno (hoy en el Petit Palais de París), que Cézanne firma irónicamente como Ingres., cuyas obras no apreció. La imagen de invierno también está fechada en 1811, en alusión a Ingres' pintura Júpiter y Tetis, pintada en esa época y expuesta en el Musée Granet.
En contra de las objeciones de su padre banquero, se comprometió a seguir su desarrollo artístico y se fue de Aix a París en 1861. Zola lo animó fuertemente a tomar esta decisión, quien ya vivía en la capital en ese momento y instó a Cézanne a abandonar su vacilación y seguirlo hasta allí. Finalmente, su padre se reconcilió con Cézanne y apoyó su elección de carrera, con la condición de que comenzara un curso regular de estudios, habiendo perdido la esperanza de encontrar a Paul como su sucesor en el negocio bancario. Cézanne recibió más tarde una herencia de 400.000 francos de su padre, lo que lo libró de todas las preocupaciones financieras.
Estudiar en París
Cézanne se mudó a París en abril de 1861. Las grandes esperanzas que había puesto en París no se cumplieron, ya que se había postulado para la École des Beaux-Arts, pero allí fue rechazado. Asistió a la libre Académie Suisse, donde pudo dedicarse al dibujo del natural. Allí conoció a Camille Pissarro, diez años mayor que él, y Achille Emperaire de su ciudad natal de Aix. A menudo copiaba en el Louvre obras de maestros antiguos como Miguel Ángel, Rubens y Tiziano. Pero la ciudad seguía siendo ajena a él, y pronto pensó en volver a Aix-en-Provence. Inicialmente, la amistad formada a mediados de la década de 1860 entre Pissarro y Cézanne fue la de maestro y discípulo, en la que Pissarro ejerció una influencia formativa sobre el joven artista. En el transcurso de la década siguiente, sus excursiones de pintura de paisajes juntos, en Louveciennes y Pontoise, llevaron a una relación de trabajo colaborativo entre iguales.
La fe de Zola en el futuro de Cézanne se vio sacudida, por lo que en junio le escribió a su amigo de la infancia Baille: "Paul sigue siendo el tipo excelente y extraño que conocí en la escuela". Para demostrar que no ha perdido nada de su originalidad, solo tengo que deciros que nada más llegar aquí habló de volver.' Cézanne pintó un retrato de Zola que Zola le había pedido que pintara para animar a su amigo; pero Cézanne no quedó satisfecho con el resultado y destruyó el cuadro. En septiembre de 1861, decepcionado por su rechazo en la École, Cézanne regresa a Aix-en-Provence y vuelve a trabajar en el banco de su padre.
Pero ya a fines del otoño de 1862 se mudó nuevamente a París. Su padre aseguró su nivel de subsistencia con una factura mensual de más de 150 francos. La École des Beaux-Arts tradicional lo rechazó nuevamente. Por lo tanto, asistió nuevamente a la Académie Suisse, que promovió el realismo. Durante este tiempo conoció a muchos artistas jóvenes, después de Pissarro también a Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley.
En contraste con la vida artística oficial de Francia, Cézanne estuvo bajo la influencia de Gustave Courbet y Eugène Delacroix, quienes lucharon por una renovación del arte y exigieron la representación de la realidad sin adornos. Los seguidores de Courbet se autodenominaban 'realistas'. y siguió su principio Il faut encanailler l'art ("Hay que tirar el arte a la alcantarilla"), formulado ya en 1849, lo que significa que el arte debe ser derribado desde su altura ideal y convertirse en una cuestión de la vida cotidiana. Édouard Manet rompió definitivamente con la pintura histórica, que no se preocupaba por la observación analítica, sino por la reproducción de su percepción subjetiva y la liberación del objeto pictórico de las cargas simbólicas.
La exclusión de las obras de Manet, Pissarro y Monet del salón oficial, el Salón de París, en 1863 provocó tal indignación entre los artistas que Napoleón III mandó montar un “Salon des Refusés” (salón de los rechazados) a continuación al salón oficial. Las pinturas de Cézanne se mostraron en la primera exposición del Salon des Refusés en 1863. El Salón rechazó las presentaciones de Cézanne todos los años desde 1864 hasta 1869. Continuó presentando obras al Salón hasta 1882. En ese año el artista Antoine Guillemet, amigo de Cézanne, se convirtió en miembro del jurado del Salón. Como cada miembro del jurado tenía el privilegio de mostrar una foto de uno de sus alumnos, Cézanne se hizo pasar por su alumno y aseguró su primera participación en el Salón. Expuso Portrait de M. L. A., probablemente Portrait of Louis-Auguste Cézanne, The Artist's Father, Reading "L'Événement", 1866 (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.), aunque la pintura se colgó en un lugar mal iluminado en la fila superior de una sala apartada y no recibió atención. Esta iba a ser su primera y última presentación exitosa al Salón.
En el verano de 1865, Cézanne regresó a Aix. Se publicó la primera novela de Zola, La confesión de Claude, dedicada a sus amigos de la infancia Cézanne y Baille. En el otoño de 1866, Cézanne realiza toda una serie de pinturas con la técnica de la espátula, principalmente naturalezas muertas y retratos. Pasó la mayor parte de 1867 en París y la segunda mitad de 1868 en Aix. A principios de 1869 regresa a París y conoce a la ayudante de encuadernador Marie-Hortense Fiquet, once años menor que él, en la Académie Suisse.
L'Estaque – Auvers-sur-Oise – Pontoise 1870–1874
El 31 de mayo de 1870, Cézanne fue el padrino de la boda de Zola en París. Durante la guerra franco-prusiana, Cézanne y Hortense Fiquet vivían en el pueblo pesquero de L'Estaque cerca de Marsella, que Cézanne visitaría y pintaría más tarde con frecuencia, ya que el ambiente mediterráneo del lugar lo fascinaba. Evitó el reclutamiento para el servicio militar. Aunque Cézanne había sido denunciado como desertor en enero de 1871, logró esconderse. No se conocen más detalles ya que faltan documentos de este período.
Después de que la Comuna de París fuera aplastada, la pareja regresó a París en mayo de 1871. Paul fils, el hijo de Paul Cézanne y Hortense Fiquet nació el 4 de enero de 1872. La madre de Cézanne era hacía fiesta a los eventos familiares, pero su padre no se enteró de Hortense por temor a arriesgar su ira y para no perder las asignaciones económicas que su padre le daba para vivir como artista. El artista recibió de su padre una asignación mensual de 100 francos.
Cuando el amigo de Cézanne, el pintor lisiado Achille Emperaire, buscó refugio con la familia en París en 1872 debido a dificultades económicas, pronto dejó a su amigo sin embargo "[...] era necesario, de lo contrario no habría escapado al destino de los demás. Lo encontré aquí abandonado por todos. […] Zola, Solari y todos los demás ya no se mencionan. Es el tipo más extraño que puedas imaginar.
Desde finales de 1872 hasta 1874, Cézanne vivió con su mujer y su hijo en Auvers-sur-Oise, donde conoció al médico y amante del arte Paul Gachet, más tarde médico del pintor Vincent van Gogh. Gachet era también un pintor aficionado ambicioso y puso su estudio a disposición de Cézanne.
En 1872, Cézanne aceptó una invitación de su amigo Pissarro para trabajar en Pontoise, en el valle del Oise. Pissarro, como artista sensible, se convirtió en mentor del tímido e irritable Cézanne; pudo persuadirlo para que se alejara de los colores más oscuros en su paleta de colores y le dio el consejo: "Siempre pinte solo con los tres colores primarios (rojo, amarillo, azul) y sus desviaciones inmediatas." Además, debe abstenerse del contorno lineal, la forma de las cosas resulta de la gradación de los valores tonales del color. Cézanne sintió que la técnica impresionista lo acercaba a su objetivo y siguió el consejo de su amigo. Pissarro informó más tarde: "Siempre estuvimos juntos, pero aún así cada uno de nosotros mantuvo solo lo que cuenta: nuestros propios sentimientos".
Primeras exposiciones colectivas impresionistas de 1874
Los jóvenes pintores de París no vieron ningún apoyo para sus obras en el Salón de París y, por lo tanto, retomaron el plan de Claude Monet para su propia exposición, que se había realizado en 1867. Del 15 de abril al 15 de mayo 1874, tuvo lugar la primera exposición colectiva de la Société anonyme des artistes, peintres, sculpteurs, engravers, más tarde conocida como los impresionistas. Este nombre deriva del título del cuadro expuesto Impression soleil levant de Monet. En la revista satírica Le Charivari, el crítico Louis Leroy describió al grupo como "impresionistas" y así creó el término para este nuevo movimiento artístico. El lugar de exposición fue el estudio del fotógrafo Nadar en el Boulevard des Capucines.
Pissarro impulsó la participación de Cézanne a pesar de las preocupaciones de algunos miembros que temían que las audaces pinturas de Cézanne dañaran la exposición. Cézanne estaba influenciado por su estilo, pero sus relaciones sociales con ellos eran ineptas: parecía grosero, tímido, enojado y dado a la depresión. Además de Cézanne, exhibieron Renoir, Monet, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Edgar Degas y Pissarro, entre otros. Manet declinó participar, para él Cézanne era "un albañil que pinta con una llana". Cézanne en particular causó sensación, despertando la indignación y la burla de la crítica con sus pinturas como el Paisaje cerca de Auvers y la Olimpia moderna. En A Modern Olympia, creado como una cita de la pintura Olympia de Manet de 1863, que a menudo fue vilipendiada, Cézanne buscó una representación aún más drástica y, además de la prostituta y el sirviente, también mostró el pretendiente, cuya figura se cree que es un autorretrato.
La exposición resultó ser un fracaso financiero; las cuentas finales arrojaron un déficit de más de 180 francos para cada uno de los artistas participantes. La casa del ahorcado de Cézanne fue uno de los pocos cuadros que se pudieron vender. El coleccionista Conde Doria lo compró por 300 francos.
En 1875, Cézanne conoció al inspector de aduanas y coleccionista de arte Victor Chocquet, quien, mediado por Renoir, compró tres de sus obras y se convirtió en su coleccionista más fiel y cuyos encargos le proporcionaron algún alivio económico. Cézanne no participó en la segunda exposición del grupo, sino que presentó 16 de sus obras en la tercera exposición en 1877, que a su vez generó críticas considerables. El crítico Louis Leroy dijo sobre el retrato de Chocquet de Cézanne: "Esta cabeza de aspecto peculiar, del color de una bota vieja, podría causarle un shock [a una mujer embarazada] y causarle fiebre amarilla en el fruto de su matriz antes de su muerte". entrada en el mundo." Fue la última vez que expuso con los impresionistas. Otro mecenas fue el comerciante de pinturas Julien "Père" Tanguy, quien apoyó a los jóvenes pintores proporcionándoles pintura y lienzos a cambio de cuadros.
En marzo de 1878, el padre de Cézanne se enteró de la relación oculta durante mucho tiempo con Hortense y su hijo ilegítimo Paul a través de una carta irreflexiva de Victor Chocquet. Luego redujo la factura mensual a la mitad y Cézanne entró en un período de tensión financiera en el que tuvo que pedir ayuda a Zola. Pero en septiembre cedió y decidió darle 400 francos para su familia. Cézanne siguió migrando entre la región de París y la Provenza hasta que Louis-Auguste hizo construir un estudio para él en su casa, Bastide du Jas de Bouffan, a principios de la década de 1880. Esto estaba en el piso superior, y se proporcionó una ventana ampliada, que permitía la entrada de la luz del norte pero interrumpía la línea de los aleros; esta característica permanece. Cézanne estabilizó su residencia en L'Estaque. Allí pintó con Renoir en 1882 y visitó a Renoir y Monet en 1883.
En 1881 Cézanne trabajó en Pontoise con Paul Gauguin y Pissarro; Cézanne volvió a Aix a finales de año. Más tarde acusó a Gauguin de haberle robado su "pequeña sensación" de él y que Gauguin, en cambio, sólo pintó chinoiseries. En la primavera de 1882, Cézanne trabajó con Renoir en Aix y, por primera vez, en L'Estaque, un pequeño pueblo de pescadores cerca de Marsella, que también visitó en 1883 y 1888. Una de las dos primeras estancias fue < i>La Bahía de Marsella vista desde L'Estaque. Durante el otoño de 1885 y los meses siguientes, Cézanne se quedó en Gardanne, un pequeño pueblo en lo alto de una colina cerca de Aix-en-Provence, donde realizó varias pinturas cuyas formas facetadas ya anticipaban el estilo cubista.
Ruptura con Zola y matrimonio
La larga relación amistosa de Cézanne con Émile Zola ya se había vuelto más distante. En 1878, el escritor cortés y exitoso había instalado una lujosa casa de verano en Médan, cerca de Auvers, donde Cézanne lo había visitado repetidamente en los años 1879 a 1882 y en 1885; pero el lujoso estilo de vida de su amigo hizo que Cézanne, que vivía una vida sin pretensiones, se diera cuenta de su propia insuficiencia y le hizo dudar de sí mismo.
Zola, que mientras tanto consideraba al amigo de la infancia como un fracaso, publicó su roman à clef L'Œuvre del ciclo de novelas de Rougon-Macquart en marzo de 1886, cuyo protagonista, el pintor Claude Lantier, no logró la realización de sus objetivos y se suicidó. Para enfatizar aún más los paralelismos entre ficción y biografía, Zola colocó al exitoso escritor Sandoz junto al pintor Lantier en su obra. Monet y Edmond de Goncourt tendieron a ver a Édouard Manet en el pintor ficticio descrito, pero Cézanne se vio reflejado en muchos detalles. Le agradeció formalmente el envío del trabajo supuestamente relacionado con él. Durante mucho tiempo se pensó que el contacto entre los dos amigos de la infancia se rompería para siempre. Recientemente se han descubierto cartas que refutan esto. Una carta de 1887 demuestra que su amistad duró al menos algún tiempo después.
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El 28 de abril de 1886, Paul Cézanne y Hortense Fiquet se casaron en Aix en presencia de sus padres. La conexión con Hortense no se legalizó por amor, ya que su relación se había roto hacía mucho tiempo. Cézanne era tímido con las mujeres y le aterrorizaba que lo tocaran, un trauma que se originó en su infancia cuando, según él mismo admitió, un compañero de clase lo pateó por detrás en las escaleras. Más bien, el matrimonio tenía la intención de asegurar los derechos del hijo Paul, que ahora tiene catorce años, a quien Cézanne amaba mucho, como hijo legítimo. A principios de la década de 1880, la familia Cézanne estabilizó su residencia en Provenza, donde permaneció, a excepción de breves estancias en el extranjero, a partir de entonces. El movimiento refleja una nueva independencia de los impresionistas centrados en París y una marcada preferencia por el sur, la tierra natal de Cézanne. El hermano de Hortense tenía una casa a la vista de Montagne Sainte-Victoire en L'Estaque. Una serie de pinturas de esta montaña de 1880 a 1883 y otras de Gardanne de 1885 a 1888 a veces se conocen como "el período constructivo".
A pesar de la tensión en la relación, Hortense fue la persona que Cézanne retrató con mayor frecuencia. Desde principios de la década de 1870 hasta principios de la de 1890, se conocen 26 pinturas de Hortense. Soportó las extenuantes sesiones inmóvil y pacientemente. En octubre de 1886, tras la muerte de su padre, Cézanne, su madre y hermanas heredaron su patrimonio, que incluía el patrimonio de Jas de Bouffan, por lo que la situación económica de Cézanne se hizo mucho más fácil. "Mi padre era un hombre brillante", " dijo en retrospectiva: 'me dejó una renta de 25.000 francos'. En 1888, la familia se encontraba en la antigua mansión, Jas de Bouffan, una casa sólida y terrenos con dependencias, que brindaban una nueva comodidad. A partir de 2001, esta casa, con terrenos muy reducidos, ahora es propiedad de la ciudad y estaba abierta al público de forma restringida.
Exposición en Les XX 1890 y primera exposición individual en París en 1895
Cézanne vivía en París y cada vez más en Aix sin su familia. Renoir lo visitó allí en enero de 1888 y trabajaron juntos en el estudio de Jas de Bouffan. En 1890, Cézanne contrajo diabetes; la enfermedad le hizo aún más difícil tratar con sus semejantes. Cézanne pasó unos meses en Suiza con ella y su hijo Paul con la esperanza de que la problemática relación con Hortense pudiera estabilizarse. El intento fracasó, por lo que regresó a Provenza, con Hortense y Paul fils yendo a París. La necesidad financiera impulsó el regreso de Hortense a Provenza, pero en viviendas separadas. Cézanne se mudó con su madre y su hermana. En 1891 se volvió al catolicismo.
En el mismo año expone tres de sus obras en el grupo Les XX de Bruselas. La Société des Vingt, abreviada Les XX o Les Vingt, fue una asociación fundada alrededor de 1883 por artistas belgas o residentes en Bélgica, incluidos Fernand Khnopff, Théo van Rysselberghe, James Ensor y los hermanos Anna y Eugène Boch.
En mayo de 1895 asistió a la exposición de Monet en la Galería Durand-Ruel con Pissarro. Estaba entusiasmado, pero luego, significativamente, identificó 1868 como el período más fuerte de Monet, cuando Courbet lo influenció aún más. Con su compañero de estudios de la Académie Suisse, Achille Emperaire, Cézanne fue a los alrededores del pueblo de Le Tholonet, donde vivió en el "Château Noir", que se encuentra en la Montagne Sainte-Victoire. A menudo tomaba las montañas como tema en sus pinturas. Alquiló una choza en la cercana cantera de Bibémus; Bibémus se convirtió en un motivo más para sus pinturas.
Ambroise Vollard, un aspirante a galerista, inauguró la primera exposición individual de Cézanne en noviembre de 1895. En su galería, mostró una selección de 50 de unas 150 obras que Cézanne le había enviado como paquete. Vollard conoció a Degas y Renoir en 1894 cuando estaba exhibiendo un paquete de Manet en su pequeña tienda, e intercambiaron obras de Manet por sus propias obras con él. Vollard también estableció relaciones con Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, y en el mismo año con el conocido comerciante de pinturas Père Tanguy. Cuando Tanguy murió, Vollard pudo comprar obras de tres artistas aún desconocidos en ese momento: Cézanne, Gauguin y van Gogh. El primer comprador de un cuadro de Cézanne fue Monet, seguido de colegas como Degas, Renoir, Pissarro y coleccionistas de arte posteriores. Los precios de las obras de Cézanne se multiplicaron por cien y Vollard, como siempre, se benefició de sus existencias.
En 1897, un museo compró por primera vez una pintura de Cézanne. Hugo von Tschudi adquirió la pintura de paisaje de Cézanne El molino en el Couleuvre cerca de Pontoise en la Galería Durand-Ruel para la Galería Nacional de Berlín.
La madre de Cézanne murió el 25 de octubre de 1897. En noviembre de 1899, ante la insistencia de su hermana, vendió la propiedad ahora prácticamente desierta "Jas de Bouffan" y se mudó a un pequeño apartamento en la ciudad en 23, Rue Boulegon en Aix-en-Provence; la compra prevista de la propiedad “Château Noir” no pudo realizarse. Contrató a un ama de llaves, Mme Bremond, para cuidarlo hasta su muerte.
Homenaje a Cézanne
El mercado del arte, mientras tanto, siguió reaccionando positivamente a las obras de Cézanne; Pissarro escribió desde París en junio de 1899 sobre la subasta de la colección Chocquet de su patrimonio: “Estos incluyen treinta y dos Cézannes de primer rango [...]. Los Cézannes alcanzarán precios muy altos y ya se estiman en cuatro o cinco mil francos”. En esta subasta se alcanzaron por primera vez precios de mercado para las pinturas de Cézanne, pero aún estaban “muy por debajo de los de las pinturas de Manet, Monet o Renoir”.
En 1901, Maurice Denis exhibió su gran cuadro de 1900 Hommage à Cézanne en París y Bruselas. El tema de la imagen es la galería de Ambroise Vollard, que presenta una imagen, la pintura de Cézanne Naturaleza muerta con cuenco de frutas, que anteriormente era propiedad de Paul Gauguin. El escritor André Gide adquirió Hommage à Cézanne y lo regaló al Musée du Luxembourg en 1928. Actualmente se encuentra en el Musée d'Orsay, París. Entre las personas retratadas: Odilon Redon está en primer plano a la izquierda, escuchando a Paul Sérusier frente a él. También aparecen de izquierda a derecha Édouard Vuillard, el crítico André Mellerio con sombrero de copa, Vollard detrás del caballete, Maurice Denis, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel, Pierre Bonnard con una pipa, y en el extremo derecho Marthe Denis, la esposa del pintor.
Últimos años
En 1901, Cézanne adquirió un terreno al norte de la ciudad de Aix-en-Provence a lo largo del Chemin des Lauves, una carretera aislada en un terreno elevado, donde hizo construir su estudio en el Chemin des Lauves en 1902 según a sus necesidades (Atelier de Cézanne, ahora abierto al público). Se mudó allí en 1903. Para pinturas de gran formato como Las bañistas, que creó en el estudio Les Lauves, hizo construir un espacio largo y estrecho en la pared a través del cual podía fluir la luz natural. Ese año murió Zola, dejando a Cézanne de luto a pesar del distanciamiento. Su salud se deterioró con la edad; Además de su diabetes, padecía depresión en la vejez, que se manifestaba en una creciente desconfianza hacia sus semejantes hasta el punto de delirios de persecución.
A pesar del creciente reconocimiento del artista, aparecieron comunicados de prensa llenos de odio y recibió numerosas cartas amenazadoras. Las pinturas de Cézanne no fueron bien recibidas entre la pequeña burguesía de Aix. En 1903 Henri Rochefort visitó la subasta de pinturas que habían estado en posesión de Zola y publicó el 9 de marzo de 1903 en L'Intransigeant un artículo muy crítico titulado "Amor por el Feo". Rochefort describe cómo los espectadores supuestamente experimentaron ataques de risa al ver las pinturas de "un ultraimpresionista llamado Cézanne". El público de Aix estaba indignado y, durante muchos días, aparecieron ejemplares de L'Intransigeant en el felpudo de Cézanne con mensajes pidiéndole que abandonara la ciudad "era deshonra". "Yo no entiendo el mundo y el mundo no me entiende a mí, entonces me retiré del mundo," dijo el viejo Cézanne a su cochero. Cuando Cézanne depositó su testamento ante notario en septiembre de 1902, excluyó a su esposa Hortense de la herencia y declaró a su hijo Paul como único heredero. Se dice que Hortense quemó los recuerdos de su madre.
En 1903 expuso por primera vez en el recién creado Salon d'Automne (Salón de Otoño de París). El pintor y teórico del arte Émile Bernard lo visitó por primera vez durante un mes en febrero de 1904 y publicó un artículo sobre el pintor en la revista L'Occident en julio. Cézanne estaba entonces trabajando en un bodegón de vanitas con tres calaveras sobre una alfombra oriental. Bernard informó que esta pintura cambió de color y forma todos los días durante su estadía, aunque parecía completa desde el primer día. Más tarde consideró este trabajo como el legado de Cézanne y lo resumió: 'Verdaderamente, su manera de trabajar era un reflejo con un pincel en la mano'. En los bodegones memento mori que creó en varias ocasiones, se evidenciaba la creciente depresión de la vejez de Cézanne, que en sus cartas desde 1896 con comentarios como "la vida empieza a ser mortalmente monótona para mí" se hicieron eco. Un intercambio de cartas con Bernard continuó hasta la muerte de Cézanne; publicó por primera vez sus memorias Souvenirs sur Paul Cézanne en el Mercure de France en 1907, y en 1912 aparecieron en forma de libro.
Del 15 de octubre al 15 de noviembre de 1904, una sala entera del Salon d'Automne fue amueblada con las obras de Cézanne. En 1905 se realizó una exposición en Londres, en la que también se mostró su obra; la Galerie Vollard exhibió sus obras en junio, y el Salon d'Automne siguió a su vez del 19 de octubre al 25 de noviembre con 10 pinturas. El historiador del arte y mecenas Karl Ernst Osthaus, que había fundado el Museo Folkwang en 1902, visitó a Cézanne el 13 de abril de 1906 con la esperanza de poder adquirir un cuadro del artista. Su esposa Gertrud probablemente tomó la última fotografía de Cézanne. Osthaus describió su visita en su obra A Visit to Cézanne, publicada ese mismo año.
A pesar de los éxitos posteriores, Cézanne solo pudo acercarse a sus objetivos. El 5 de septiembre de 1906, le escribió a su hijo Paul: "Finalmente, quiero decirle que como pintor me estoy volviendo más clarividente con la naturaleza, pero que siempre me resulta muy difícil darme cuenta de mis sentimientos. No puedo alcanzar la intensidad que se despliega ante mis sentidos, no poseo esa maravillosa riqueza de color que anima la naturaleza."
Muerte
El 15 de octubre de 1906, Cézanne se vio atrapado en una tormenta mientras trabajaba en el campo. Después de trabajar durante dos horas, decidió irse a casa; pero en el camino se desplomó y perdió el conocimiento. Fue llevado a casa por un conductor de un carrito de lavandería que pasaba. Debido a la hipotermia, contrajo una neumonía grave. Su anciana ama de llaves le frotó los brazos y las piernas para restablecer la circulación; como resultado, recuperó la conciencia. Al día siguiente, Cézanne salió al jardín para trabajar en su último cuadro, Retrato del jardinero Vallier, y escribió una carta impaciente a su pintor, lamentando el retraso en la entrega de la pintura, pero más tarde se desmayó. Vallier, con quien estaba trabajando, pidió ayuda; lo acostaron, y nunca lo dejó. Su esposa Hortense y su hijo Paul recibieron un telegrama del ama de llaves, pero llegó demasiado tarde. Murió unos días después, el 22 de octubre de 1906, de neumonía a la edad de 67 años, y fue enterrado en el cementerio de Saint-Pierre en su ciudad natal de Aix-en-Provence.
Principales periodos de la obra de Cézanne
Se han definido varios períodos en la obra y la vida de Cézanne.
Período oscuro, París, 1861–1870
Los primeros 'oscuros' de Cézanne periodo estuvo influenciado por las obras del romanticismo francés y el realismo temprano. Los modelos fueron Eugène Delacroix y Gustave Courbet. Su pintura se caracteriza por una aplicación espesa de pintura, de alto contraste, tonos oscuros con sombras pronunciadas, el uso de negro puro y otros tonos mezclados con negro, pardo, gris y azul de Prusia; en ocasiones se añaden unos puntos blancos o pinceladas verdes y rojas para alegrar, avivando la monotonía monocromática. Los temas de sus cuadros de este período son retratos de miembros de la familia o contenido erótico-demoníaco, en los que recuerdan sus propias experiencias traumáticas. Difieren marcadamente de sus acuarelas y bocetos anteriores en la École Spéciale de dessin en Aix-en-Provence en 1859, y su violencia de expresión contrasta con sus obras posteriores.
En 1866-1867, inspirado en el ejemplo de Courbet, Cézanne pintó una serie de cuadros con una espátula. Más tarde llamó a estas obras, en su mayoría retratos, une couillarde ("una palabra vulgar para virilidad ostentosa"). Lawrence Gowing ha escrito que la fase de la espátula de Cézanne “no fue solo la invención del expresionismo moderno, aunque por cierto fue eso; la idea del arte como eyaculación emocional hizo su primera aparición en este momento".
Entre las pinturas de couillarde hay una serie de retratos de su tío Dominique en los que Cézanne logró un estilo que "era tan unificado como fragmentario era el impresionismo". Las obras posteriores del período oscuro incluyen varios temas eróticos o violentos, como Mujeres vestidas (c. 1867), El secuestro (c. 1867) y El asesinato (c. 1867–68), que representa a un hombre apuñalando a una mujer que está sujeta por su cómplice.
Período impresionista, Provenza y París, 1870–1878
Camille Pissarro vivía en Pontoise. Allí y en Auvers, él y Cézanne pintaron paisajes juntos. Durante mucho tiempo después, Cézanne se describió a sí mismo como alumno de Pissarro, refiriéndose a él como 'Dios Padre', además de decir: 'Todos venimos de Pissarro'.; Bajo la influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar los colores oscuros y sus lienzos se volvieron mucho más brillantes, y ahora utilizó una paleta de colores basada únicamente en los tonos básicos, amarillo, rojo y azul. Al hacerlo, rompió con su técnica de aplicación de pintura pesada, a menudo sobrecargada, y adoptó la técnica de pintura suelta de sus modelos a seguir, que consiste en pinceladas colocadas una al lado de la otra.
Los retratos y las composiciones figurativas retrocedieron en estos años. Posteriormente, Cézanne creó pinturas de paisajes en las que el espacio profundo ilusionista se cancelaba cada vez más claramente. Los “objetos” siguen siendo entendidos como volúmenes y reducidos a sus formas geométricas básicas. Este método de diseño se transfiere a toda el área de la imagen. El gesto pictórico ahora trata la “distancia” de manera similar a los propios “objetos”, dando la impresión de un efecto de larga distancia. De esta forma, Cézanne abandonaba por un lado el espacio pictórico tradicional, pero por otro contrarrestaba la impresión disolvente de las obras pictóricas impresionistas.
Período de madurez, Provenza, 1878–1890
El "período de síntesis" siguió, en el que Cézanne rompió por completo con el estilo de pintura impresionista. Solidificó las formas aplicando pintura en diagonal sobre la superficie, eliminó la representación en perspectiva para crear la profundidad de la imagen y dirigió su atención al equilibrio de la composición. Durante este período, creó cada vez más pinturas de paisajes y figuras. En una carta a su amigo Joachim Gasquet escribió: "¡Las superficies coloreadas, siempre las superficies! El lugar colorido donde tiembla el alma de las superficies, la calidez prismática, el encuentro de las superficies a la luz del sol. Diseño mis superficies con mis tonos en la paleta, ¡entiéndeme! […] Las áreas deben ser claramente visibles. Definitivamente [...] pero tienen que estar distribuidos correctamente, tienen que fluir entre sí. Todo tiene que jugar junto y, sin embargo, crear contrastes. ¡Todo se trata del volumen!
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Las naturalezas muertas que Cézanne pintó desde finales de la década de 1880 son otro foco de su obra. Se abstuvo de representar los motivos en perspectiva lineal y, en cambio, los representó en las dimensiones que tenían sentido para él en términos de composición; una pera, por ejemplo, puede sobredimensionarse para lograr un equilibrio interior y una composición emocionante. Construyó sus arreglos en el estudio. Además de la fruta, hay jarras, ollas y platos, y ocasionalmente un putto, a menudo rodeado por un mantel blanco e hinchado que le da al tema una opulencia barroca. No son los objetos los que deben llamar la atención, sino la disposición de las formas y colores en la superficie.
Cézanne desarrolló la composición a partir de toques individuales de pintura esparcidos por el lienzo, a partir de los cuales se construyen gradualmente la forma y el volumen del objeto. Lograr el equilibrio de estas manchas de color en el lienzo requería un proceso lento, por lo que Cézanne a menudo trabajaba en una pintura durante mucho tiempo. Inicialmente solo retrataba a familiares o amigos, la mejor posición financiera de Cézanne le permitió contratar a un modelo profesional, un joven italiano llamado Michelangelo di Rosa, para El niño del chaleco rojo (1888-1890).), uno de sus cuadros más conocidos. Di Rosa estuvo representado en cuatro pinturas y dos acuarelas.
Período final, Provenza, 1890-1906
Muchas de sus obras posteriores, el llamado "período lírico", como el ciclo de los bañistas, se caracterizan por un giro hacia figuras libremente inventadas en el paisaje; Cézanne creó alrededor de 140 pinturas y bocetos sobre el tema de las escenas de baño. Aquí se puede encontrar su admiración por la pintura clásica, que busca unir en armonía al hombre y la naturaleza en idilios arcádicos. En los últimos siete años creó tres versiones de gran formato de Los grandes bañistas (Les Grandes Baigneuses), siendo la obra de 208 × 249 cm expuesta en Filadelfia la más grande. Cézanne se preocupó por la composición y el juego de formas y colores, de la naturaleza y las figuras. Para sus pinturas en esta época utilizó bocetos y fotografías como plantillas, ya que no le gustaba la presencia de modelos desnudos.
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Cézanne pintó cinco versiones de Los jugadores de cartas (Les Joueurs de cartes) en 1890 y 1895, en las que se representa a un mismo personaje en distintas variantes. Para Los jugadores de cartas, utilizó como modelos a granjeros y jornaleros que trabajaban en los campos cercanos al Jas de Bouffan. No son cuadros de género, aunque muestren escenas de la vida cotidiana; el motivo está construido de acuerdo con estrictas leyes de color y forma.
El área alrededor de la Montagne Sainte-Victoire fue uno de los temas más importantes de sus últimos años. Desde un punto de vista sobre su estudio, más tarde llamado Terrain des Paintres, pintó varias vistas de la montaña. Una observación precisa de la naturaleza era un requisito previo para la pintura de Cézanne: "Para pintar un paisaje correctamente, primero tengo que reconocer la estratificación geológica." En total pintó más de 30 óleos y 45 acuarelas de montañas, y le escribió a un amigo en la década de 1890 "el arte es una armonía paralela a la naturaleza".
Cézanne se preocupó principalmente por la pintura con acuarela en sus últimos trabajos, ya que se dio cuenta de que la aplicación específica de su método podría ser particularmente evidente en este medio. Las acuarelas tardías también influyeron en sus óleos, por ejemplo en el estudio de las bañistas (1902-1906), en el que parece completa una representación llena de “espacios vacíos” flanqueados por el color. El pintor y crítico de arte Roger Fry enfatizó esto en su publicación seminal de Cézanne Cézanne: A Study of His Development de 1927 que después de 1885 la técnica de la acuarela tuvo una fuerte influencia en su pintura con pinturas al óleo. Las acuarelas en la monografía de Cézanne de Vollard de 1914 y en el portafolio de imágenes de Julius Meier-Graefe editado en 1918 con diez facsímiles basados en las acuarelas se dieron a conocer a un grupo más grande de interesados. Solo los estudios a lápiz de colores claros, que ocasionalmente aparecían en álbumes de bocetos, se encuentran junto a trabajos cuidadosamente coloreados. Muchas acuarelas son iguales a las realizaciones sobre lienzo y forman un grupo autónomo de obras. En cuanto a la temática, dominan las acuarelas de paisajes, seguidas de las pinturas de figuras y las naturalezas muertas, mientras que los retratos, a diferencia de las pinturas y los dibujos, son más raros.
Método
Estilo artístico
Los primeros trabajos de Cézanne a menudo se refieren a la figura en el paisaje e incluyen muchas pinturas de grupos de figuras grandes y pesadas en el paisaje, imaginativamente pintadas. Más adelante en su carrera, se interesó más en trabajar a partir de la observación directa y gradualmente desarrolló un estilo de pintura ligero y aireado. Sin embargo, en la obra de madurez de Cézanne se encuentra el desarrollo de un estilo de pintura solidificado, casi arquitectónico. A lo largo de su vida luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visto mediante el método más preciso de representación en pintura que pudo encontrar. Con este fin, ordenó estructuralmente todo lo que percibía en formas simples y planos de color. Su afirmación 'Quiero hacer del impresionismo algo sólido y duradero como el arte de los museos', y su afirmación de que estaba recreando a Poussin 'según la naturaleza' subrayó su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica.
Como en los viejos maestros, para Cézanne la base de la pintura era el dibujo, pero el requisito previo de todo trabajo era la subordinación al objeto, o al ojo o a la pura mirada: “Todas las intenciones del pintor deben ser mudas. Debería silenciar todas las voces de los prejuicios. ¡Olvidar! ¡Olvidar! crea silencio! Sé un eco perfecto. […] El paisaje se refleja, se humaniza, piensa en mí. […] Subo con ella a las raíces del mundo. germinamos Una tierna excitación se apodera de mí y de las raíces de esta excitación surge entonces el jugo, el color. Nací en el mundo real. ¡Ya veo! […] Para pintar eso, pues, hay que usar el oficio, pero un oficio humilde que obedece y está dispuesto a transmitir inconscientemente.”
Además de óleos y acuarelas, Cézanne dejó una extensa obra de más de 1200 dibujos que, escondidos en los armarios y carpetas del estudio durante su vida, solo comenzaron a interesar a los coleccionistas en la década de 1930. Forman el material de trabajo de sus obras y muestran bocetos detallados, notas de observación y rastros de las etapas a veces difíciles de descifrar de Cézanne en el camino hacia la realización de la imagen. Su tarea, ligada al proceso de creación de la obra respectiva, era dar la estructura general y las designaciones de objetos dentro del organismo pictórico. Incluso en la vejez, realizó retratos y dibujos de figuras a partir de modelos de esculturas antiguas y pinturas barrocas del Louvre, lo que le dio claridad sobre el aislamiento de los fenómenos plásticos. Por lo tanto, el blanco y negro de los dibujos era un requisito previo esencial para los diseños de color de Cézanne.
Paul Cézanne fue el primer artista en comenzar a descomponer objetos en formas geométricas simples. En su muy citada carta del 15 de abril de 1904 al pintor y teórico del arte Émile Bernard, que había conocido a Cézanne en sus últimos años, escribió: "Trata a la naturaleza según el cilindro, la esfera y el cono y pon el todo en perspectiva, así que cada lado de un objeto, de una superficie, conduce a un punto central […]" Cézanne realizó sus ideas pictóricas en las pinturas de Montagne Sainte-Victoire y sus Naturalezas muertas. En su concepción pictórica, incluso una montaña se entiende como una superposición de formas, espacios y estructuras que se elevan sobre el suelo.
Émile Bernard escribió sobre la forma inusual de trabajar de Cézanne: "Comenzó con las partes de sombra y con un punto, sobre el cual puso un segundo, más grande, luego un tercero, hasta que todos estos matices, cubriéndose entre sí, modelaron el objeto con su coloración. Fue entonces cuando me di cuenta de que una ley de armonía guiaba su trabajo y que estas modulaciones tenían una dirección predeterminada en su mente.” En esta dirección predeterminada, para Cézanne, se encuentra el verdadero secreto de la pintura en el contexto de la armonía y la ilusión de profundidad. Al coleccionista Karl Ernst Osthaus Cézanne le recalcó el 13 de abril de 1906 durante su visita a Aix que lo principal en un cuadro es el encuentro de la distancia. El color debe expresar cada salto a las profundidades.
Fenómenos ópticos
Cézanne estaba interesado en la simplificación de las formas naturales a sus elementos geométricos esenciales: quería "tratar la naturaleza en términos de cilindro, esfera y cono" (el tronco de un árbol puede concebirse como un cilindro, una manzana o una naranja como una esfera, por ejemplo). Además, el deseo de Cézanne de capturar la verdad de la percepción lo llevó a explorar gráficamente la visión binocular, brindando percepciones visuales ligeramente diferentes pero simultáneas de los mismos fenómenos para brindar al espectador una experiencia estética de profundidad diferente a la de los ideales anteriores. de perspectiva, en particular la perspectiva de un solo punto. Su interés por nuevas formas de modelar el espacio y el volumen deriva de la obsesión por la estereoscopia de su época y de la lectura de la teoría berkeliana de la percepción espacial de Hippolyte Taine. Las innovaciones de Cézanne han llevado a los críticos a sugerir explicaciones tan variadas como las retinas enfermas, la visión pura y la influencia del tren de vapor.
Aller sur le motif, sensación y realización
Cézanne prefería usar estos términos al describir su proceso de pintura. En primer lugar, está el “motivo”, con el que no solo se refería al concepto representacional del cuadro, sino también a la motivación de su incansable trabajo de observación y pintura. Aller sur le motif, como llamaba a su forma de trabajar, significaba por tanto entrar en una relación con un objeto exterior que conmovía al artista hacia dentro y que había que traducir en un cuadro.
Sensación es otro término clave en el vocabulario de Cézanne. En primer lugar, se refería a la percepción visual en el sentido de “impresión”, es decir, un estímulo sensorial óptico que emana del objeto. Al mismo tiempo, incluye la emoción como reacción psicológica a lo percibido. Cézanne expresamente no colocó el objeto a representar en el centro de su esfuerzo pictórico, sino la sensación: "Pintar de la naturaleza no significa copiar el objeto, significa darse cuenta de sus sensaciones." El medio que mediaba entre las cosas y las sensaciones era el color, aunque Cézanne dejaba abierta hasta qué punto surge de las cosas o es una abstracción de su visión.
Cézanne usó el tercer término realización para describir la actividad pictórica real, que temía fracasaría hasta el final. Había que “realizar” varias cosas al mismo tiempo: primero el motivo en toda su diversidad, luego los sentimientos que el motivo suscitaba en él, y finalmente el cuadro mismo, cuya realización podría sacar a la luz las otras “realizaciones”.. "Pintura" por lo tanto significaba dejar que esos movimientos opuestos de recibir y dar, de "impresión" y "expresión" fundirse entre sí en un solo gesto. La "realización en el arte" se convirtió en un concepto clave en el pensamiento y la actuación de Cézanne.
Cita y catalogación
Las fechas de creación a veces más largas en los catálogos de las obras de Cézanne no siempre indican que no se pueda aclarar la fecha exacta, incluso si Cézanne rara vez fechó sus cuadros, especialmente porque trabajó en algunos cuadros durante meses si no años antes de quedar satisfecho con el resultado. El propio artista consideró muchas de sus pinturas como inacabadas, ya que pintar era un proceso interminable para él.
Catalogar las obras de Cézanne resultó ser una tarea difícil. Ambroise Vollard hizo el primer intento, un álbum de fotos de varios volúmenes, similar a su catálogo de Renoir. Sin embargo, el catálogo de Vollard nunca se materializó. Georges Rivière, el suegro del hijo de Cézanne, publicó una biografía del artista en 1923 (Le Maître Paul Cézanne) que incluía una lista cronológica y anotada de muchas de las obras del pintor.. Concebido por el marchante de arte Paul Rosenberg, el primer catálogo razonado completo fue publicado por Lionello Venturi en 1936. Los dos volúmenes Cézanne: Son Art, Son Oeuvre se convirtieron en el catálogo definitivo de la obra del artista. durante más de cinco décadas, aunque requirió un suplemento a medida que se descubrieron trabajos adicionales y se introdujeron nuevos estudios y documentación. Adrien Chappuis' Los dibujos de Paul Cézanne: un catálogo razonado fue publicado por Thames and Hudson en Londres en 1973 y sigue siendo la fuente clásica de la obra gráfica del artista.
John Rewald continuó el trabajo de Venturi después de su muerte. A Rewald se le encomendó la tarea de combinar el suplemento planificado de Venturi con su propia investigación, un acuerdo que no funcionó como se esperaba. Después de años de estudiar las obras de Cezanne, Rewald descubrió que no solo no estaba de acuerdo con muchas de las fechas de su predecesor, sino también con varias de sus atribuciones. Por lo tanto, se dedicó a desarrollar un catálogo razonado completamente nuevo. Paul Cézanne – The Watercolours: A Catalog Raisonné de Rewald fue publicado por Thames and Hudson, Londres con 645 ilustraciones en 1983. Falta la datación de las pinturas (Rewald solo encontró una) y formulaciones imprecisas del motivo pictórico como Paysage o Quelques pommes causaron confusión. En su tratamiento inicial del Venturi, Rewald hizo una lista de todas las obras que podían fecharse sin un análisis estilístico, porque Rewald rechazó tal análisis por no ser científico. Continuó su lista siguiendo los diversos paraderos de Cézanne que podían verificarse mediante documentos. Otro esquema de su enfoque fue apoyarse en los recuerdos de las personas retratadas, especialmente si eran contemporáneos de Cézanne. Basado en sus propias entrevistas, hizo asignaciones cronológicas. Entre las obras que se pudieron datar con certeza estaban el Retrato del crítico Gustave Geffroy de Cézanne, que el retratado confirmó como de 1895, y el Lago de Annecy, que el artista visitado una sola vez, en 1896.
Rewald murió en 1994, no pudo completar completamente su trabajo. En caso de duda, la tendencia de Rewald era incluir en lugar de excluir. Este método fue adoptado por sus colaboradores más cercanos, Walter Feilchenfeldt Jr., hijo del marchante de arte Walter Feilchenfeldt, y Jayne Warman, quienes completaron el catálogo y lo introducieron. El catálogo se publicó en 1996 con el título The Paintings of Paul Cézanne: A Catalog Raisonne – Review. Incluye las 954 obras que Rewald quería grabar. Feilchenfeldt, Warman y David Nash produjeron el primer catálogo completo de la obra del artista desde entonces con Las pinturas, acuarelas y dibujos de Paul Cezanne, un catálogo razonado en línea.[3]
Legado
Testimonios de amigas y pintores contemporáneas
(feminine)¡Sí, Cézanne, es el mejor de todos nosotros!
—Claude Monet a Georges Clemenceau
El amigo de la infancia de Cézanne, el escritor Émile Zola, se mostró escéptico acerca de las cualidades humanas y artísticas de Cézanne, diciendo ya en 1861 que "Paul puede tener el genio de un gran pintor, pero nunca tendrá el genio para convertirse en uno. El más mínimo obstáculo lo lleva a la desesperación." De hecho, fueron las dudas y la negativa de Cézanne a hacer compromisos artísticos, así como su rechazo a las concesiones sociales, lo que llevó a sus contemporáneos a considerarlo un bicho raro.
Las obras de Cézanne fueron rechazadas en numerosas ocasiones por el Salón oficial de París y ridiculizadas por los críticos de arte cuando se exhibían con los impresionistas. Sin embargo, durante su vida, Cézanne fue considerado un maestro por los artistas más jóvenes que visitaban su estudio en Aix. En el círculo de los impresionistas, sin embargo, la obra de Cézanne recibió un reconocimiento especial; Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet y Edgar Degas hablaron con entusiasmo sobre su trabajo, y Pissarro dijo: "Creo que pasarán siglos antes de que tengamos un relato de él".
Su amigo y mentor Pissarro pintó un retrato de Cézanne en 1874, y en 1901 el cofundador del grupo Nabis, Maurice Denis, creó Hommage à Cézanne, mostrando a Cézanne' s pintando Bodegón con frutas en el caballete entre amigos artistas en la Galería Vollard. Originalmente propiedad de Paul Gauguin, Hommage à Cézanne fue adquirido más tarde por el escritor francés y Denis' amigo, André Gide, que lo poseyó hasta 1928. Ahora se exhibe en el Musée d'Orsay.
Crítica de arte contemporáneo
La primera exposición impresionista conjunta en París entre abril y mayo de 1874 atrajo muchas críticas. Público y críticos de arte, para quienes "el ideal" de la École de Beaux Arts era prueba de la existencia del arte, se echó a reír. Un crítico afirmó que Monet pintaba cargando sus pinturas en una pistola y disparándolas al lienzo. Un colega realizó una danza india frente a un cuadro de Cézanne y gritó: “¡Hugh! […] Soy la impresión ambulante, la espátula vengadora, el 'Boulevard des Capucines' de Monet, 'La casa del ahorcado' y 'La Olimpia moderna' por el Sr. Cézanne. ¡Hugh! ¡Hugh!
En 1883, el escritor francés Joris-Karl Huysmans respondió a Pissarro en una carta a la acusación de Pissarro de que Cézanne solo fue mencionado brevemente en el libro de Huysman L'Art Moderne al sugerir que la visión de Cézanne de los motivos estaba distorsionada por el astigmatismo: "[...] pero ciertamente hay un defecto ocular involucrado, del que estoy seguro que él también es consciente». Cinco años más tarde, en la revista La Cravache, su juicio se hizo más positivo al calificar las obras de Cézanne de “extrañas pero reales” y de “revelaciones”. designado.
El comerciante de arte Ambroise Vollard entró en contacto por primera vez con las obras de Cézanne en 1892 a través del comerciante de pinturas Tanguy, quien las había exhibido en su tienda en la Rue Clauzel en Montmartre a cambio de la entrega de utensilios de pintura. Vollard recordó la falta de respuesta: rara vez se visitaba la tienda, "ya que aún no estaba de moda en ese momento comprar 'obras atroces' caro, ni siquiera barato." Tanguy incluso llevó a los interesados al estudio del pintor, del cual tenía una llave donde se podían comprar cuadros pequeños y cuadros grandes de 100 francos a un precio fijo de 40 francos. El Journal des Artistes se hizo eco del tono general de la época, ansioso por preguntarse si sus sensibles lectores no se asquearían al ver "estas abominaciones opresivas, que exceden la medida del mal permitida por ley."
El crítico de arte Gustave Geffroy fue uno de los pocos críticos que juzgó la obra de Cézanne de manera justa y sin reservas durante su vida. Ya el 25 de marzo de 1894, escribió en el Journal sobre la relación actual entre la pintura de Cézanne y los esfuerzos de los artistas más jóvenes, que Cézanne se había convertido en una especie de precursor del que los simbolistas referido, y que había una conexión directa entre la pintura de Cézanne y la de los Gauguin, Bernard e incluso Vincent van Gogh. Un año más tarde, tras la exitosa exposición en la Galería Vollard en 1895, Geffroy volvió a dirigir el Journal: "Es un gran fanático de la verdad, fogoso e ingenuo, duro y matizado. Irá al Louvre. Entre estas dos crónicas, Cézanne pintó el retrato de Geffroy, que Cézanne dejó inacabado porque no estaba satisfecho con él.
Exposiciones póstumas
Dos retrospectivas rindieron homenaje póstumo al artista en 1907. Del 17 al 29 de junio, la galería Bernheim-Jeune de París mostró 79 acuarelas de Cézanne. El 5º Salon d'Automne luego le rindió homenaje del 5 de octubre al 15 de noviembre, exhibiendo 49 pinturas y siete acuarelas en dos salas del Grand Palais. Los visitantes incluyeron al historiador de arte Julius Meier-Graefe, quien escribiría la primera biografía de Cézanne en 1910, Harry Graf Kessler y Rainer Maria Rilke. Las dos exposiciones motivaron a muchos artistas, como Georges Braque, André Derain, Wassily Kandinsky, Henri Matisse y Pablo Picasso, en sus ideas cruciales para el arte del siglo XX.
En 1910, algunas de las pinturas de Cézanne se mostraron en la exposición Manet and the Post-Impressionists en Londres (a la que siguió otra en 1912). La exposición había sido iniciada por el pintor y crítico de arte Roger Fry en las Grafton Galleries, que quería acercar a los amantes del arte inglés la obra de Édouard Manet, Georges Seurat, Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Cézanne. Fry usó el nombre para describir el estilo posimpresionista. Aunque la exposición fue juzgada negativamente por la crítica y el público, iba a ser significativa en la historia del arte moderno. Fry reconoció el extraordinario valor del camino que habían tomado artistas como van Gogh y Cézanne al expresar sus sentimientos personales y su visión del mundo a través de sus pinturas, incluso si los visitantes de ese momento aún no podían entenderlo. La primera exposición de Cézanne en los Estados Unidos tuvo lugar en 1910/11 en la Galería 291 de Nueva York. En 1913 sus obras se exhibieron en el Armory Show de Nueva York; fue una exposición pionera de arte moderno y escultura, aunque aquí también las exhibiciones fueron recibidas con críticas y burlas. Hoy en día, estos artistas, que fueron criticados y ridiculizados incluso por sus propias academias de arte durante su vida, son considerados los padres del arte moderno.
Influencia en la modernidad y malas interpretaciones
¡Cezanne! Cézanne era el padre de todos nosotros.
—Pablo Picasso
Una especie de querido dios de la pintura.
—Henri Matisse
Muchos "productivos" los malentendidos se esconden en la recepción de las obras y las supuestas intenciones de Cézanne, que tuvieron una influencia considerable en el curso y desarrollo posteriores del arte moderno. La lista de aquellos artistas que más o menos justificadamente se refirieron a él y que acuñaron elementos individuales de la riqueza de sus planteamientos creativos para sus propias invenciones pictóricas muestra una historia del arte casi completa del siglo XX. Ya en 1910, Guillaume Apollinaire afirmó que "la mayoría de los nuevos pintores afirman ser sucesores de este pintor serio que solo estaba interesado en el arte".
Inmediatamente después de la muerte de Cézanne en 1906, estimulado por una exposición completa de sus acuarelas en la primavera de 1907 en la Galerie Bernheim-Jeune y una retrospectiva en octubre de 1907 en la Salon d'Automne en París, comenzó un animado examen de su obra. Entre los jóvenes artistas franceses, Henri Matisse y André Derain fueron los primeros en apasionarse por Cézanne, seguidos por Picasso, Fernand Léger, Georges Braque, Marcel Duchamp y Piet Mondrian. Este entusiasmo fue duradero, ya que Matisse, de ochenta años, dijo en 1949 que le debía más al arte de Cézanne. Braque también describió la influencia de Cézanne en su arte como una "iniciación" y dijo en 1961: "Cézanne fue el primero en alejarse de la perspectiva mecanizada aprendida." Picasso admitió que "él era el único maestro para mí..., era una figura paterna para nosotros: era él quien nos ofrecía protección".
El experto en Cézanne, Götz Adriani, señala, sin embargo, que la recepción de Cézanne por parte de los cubistas, particularmente por parte de Albert Gleizes y Jean Metzinger, quienes colocaron a Cézanne al comienzo de su forma de pintar en su tratado de 1912 Du "Cubisme" – fue en conjunto bastante arbitrario. Ignoraron en gran medida la motivación obtenida al observar la naturaleza. En este contexto, señala las malas interpretaciones formalistas que hacen referencia al artículo publicado por Émile Bernard en 1907. Aquí dice, entre otras cosas, "trata a la naturaleza según cilindro, esfera y cono". Se pueden encontrar más interpretaciones erróneas de este tipo en el texto de 1919 de Kazimir Malevich Sobre los nuevos sistemas en el arte. Por ejemplo, en su cita, Cézanne no pretendía reinterpretar la experiencia de la naturaleza en el sentido de orientarse hacia elementos de forma cúbica; estaba más preocupado por corresponder a las formas de los objetos y su colorido bajo los diversos aspectos de la imagen.
Uno de los muchos ejemplos de la influencia de Cézanne en el modernismo es la pintura Mardi Gras, que muestra a su hijo Paul con su amigo Louis Guillaume e incluye un tema de la Commedia dell'arte. Picasso se inspiró en él para el tema del arlequín en su época rosa. Matisse, a su vez, retomó el tema de la pintura más clásica de la serie Bañistas, Los grandes bañistas del Museo de Arte de Filadelfia, en su cuadro de 1909 Los bañistas.
Los artistas que acabamos de mencionar son solo el comienzo de una serie de personas inspiradas. La pintora Paula Modersohn-Becker, que murió prematuramente, ya había visto las pinturas de Cézanne en Vollard's en 1900, lo que la había impresionado profundamente. Poco antes de su muerte, le escribió a Clara Westhoff en una carta el 21 de octubre de 1907: "Estoy pensando y pensando mucho estos días en Cézanne y en cómo es uno de los tres o cuatro pintores que me impactaron como una tormenta". o un evento importante.” Paul Klee anotó en su diario en 1909: “Cézanne es un maestro por excelencia para mí” después de ver más de una docena de cuadros de Cézanne en la Secesión de Munich. El grupo de artistas Der Blaue Reiter se refirió a él en su almanaque de 1912 cuando Franz Marc informó sobre el parentesco entre El Greco y Cézanne, cuyas obras entendía como las puertas de entrada a una nueva era de la pintura. Nuevamente, Kandinsky, que había visto la pintura de Cézanne en la retrospectiva de 1907 en el Salon d'Automne, se refiere a Cézanne en su tratado de 1912 Sobre lo espiritual en el arte. i>, en cuya obra encontró una "fuerte resonancia de lo abstracto". reconoció y encontró la parte espiritual de sus creencias predeterminada en él. El Lissitzky enfatizó su importancia para la vanguardia rusa hacia 1923 y Lenin sugirió erigir monumentos a los héroes de la revolución mundial en 1918; en el cuadro de honor estaban Courbet y Cézanne. Después de Matisse, Alberto Giacometti se ocupó más extensamente del estilo de representación de Cézanne. Aristide Maillol trabajó en un monumento a Cézanne en 1909, pero fracasó por el rechazo de la ciudad de Aix-en-Provence. Cézanne también fue una autoridad importante para los artistas de la nueva generación. Jasper Johns lo describió como el modelo a seguir más importante junto a Duchamp y Leonardo da Vinci.
Inspirándose en Cézanne, Albert Gleizes y Jean Metzinger escribieron:
Cézanne es uno de los mayores que cambiaron el curso de la historia del arte... De él hemos aprendido que alterar la coloración de un objeto es alterar su estructura. Su obra demuestra sin duda que la pintura no es —o ya no— el arte de imitar un objeto por líneas y colores, sino de dar forma [sólida, pero alterable] a nuestra naturaleza. ()Du "Cubisme", 1912)
Junto con el trabajo de Vincent van Gogh y Paul Gauguin, el trabajo de Cézanne, con su sentido de inmediatez e incompletitud, influyó críticamente en Matisse y otros antes del fauvismo y el expresionismo. Las exploraciones de Cézanne sobre la simplificación geométrica y los fenómenos ópticos inspiraron a Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Gris y otros a experimentar con visiones cada vez más complejas del mismo tema y, finalmente, a la fractura de la forma. Cézanne provocó así una de las áreas de investigación artística más revolucionarias del siglo XX, que iba a afectar profundamente el desarrollo del arte moderno. Picasso se refirió a Cézanne como "el padre de todos nosotros" y lo reclamó como "¡mi único maestro!" Otros pintores como Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Gauguin, Kasimir Malevich, Georges Rouault, Paul Klee y Henri Matisse reconocieron el genio de Cézanne.
Ernest Hemingway comparó su escritura con los paisajes de Cézanne. Como describe en A Moveable Feast, estaba "aprendiendo algo de la pintura de Cézanne que hacía que escribir oraciones simples y verdaderas estuviera lejos de ser suficiente para que las historias tuvieran las dimensiones que yo estaba tratando de poner en ellas".
La pintura de Cézanne El niño del chaleco rojo fue robada de un museo suizo en 2008. Fue recuperada en una redada de la policía serbia en 2012.
Películas sobre Cézanne
Une visite au Louvre, 2004. Filmado y dirigido por Jean-Marie Straub y Danièle Huillet sobre Cézanne, basado en las conversaciones con el pintor publicadas póstumamente, transmitidas por su admirador Joachim Gasquet. La película describe un paseo de Cézanne en el Louvre frente a las pinturas de sus compañeros artistas.
En el centenario de la muerte de Cézanne en 2006, se relanzaron dos documentales de 1995 y 2000 sobre Paul Cézanne y su motivo La Montagne Sainte-Victoire. El triunfo de Cézanne se volvió a filmar para el año del aniversario de 2006.
La violencia del motivo, 1995. Película dirigida por Alain Jaubert. Una montaña cerca de su ciudad natal de Aix-en-Provence se convierte en el motivo principal de Cézanne. Muestra La Montagne Sainte-Victoire desde diferentes perspectivas y en diferentes épocas del año más de 80 veces. El motivo se convierte en una obsesión que Jaubert llega al fondo de su película.
Cézanne – the Painter, 2000. Una película de Elisabeth Kapnist. Se retrata la historia de una pasión y una búsqueda artística de toda la vida: el pintor Cézanne, su infancia, su amistad con Zola y su encuentro con el impresionismo.
El triunfo de Cézanne, 2006. Una película de Jacques Deschamps. Deschamps aprovecha el centenario de la muerte de Cézanne en octubre de 2006 como una oportunidad para rastrear la génesis de una leyenda. Cézanne se encontró con el rechazo y la incomprensión antes de que se le permitiera subir al Olimpo de la historia del arte y del mercado internacional del arte.
La película de 2016 Cézanne and I explora la amistad entre el artista y Émile Zola.
Cezanne y la filosofía
El filósofo francés Jean-François Lyotard argumenta en su obra Misère de la philosophie, que Cézanne tiene, por así decirlo, el sexto sentido: intuye la realidad en gestación antes de que se complete en percepción normal. Así, el pintor toca lo sublime cuando ve la calidad abrumadora del paisaje montañoso, que no puede representarse con lenguaje normal ni con la técnica pictórica habitual. Lyotard lo resume: "También se puede decir que la extrañeza de las pinturas al óleo y las acuarelas dedicadas a montañas y frutas deriva tanto de un profundo sentido de la desaparición de las apariencias como de la desaparición del mundo visible."
Los enfoques estilísticos y las creencias de Cézanne sobre cómo pintar fueron analizados y escritos por el filósofo francés Maurice Merleau-Ponty, conocido principalmente por su asociación con la fenomenología y el existencialismo. En su ensayo de 1945 titulado "Cézanne's Doubt", Merleau-Ponty analiza cómo Cézanne renunció a elementos artísticos clásicos como arreglos pictóricos, perspectivas de vista única y esquemas que color adjunto en un intento de obtener una "perspectiva vivida" al capturar todas las complejidades que un ojo observa. Quería ver y sentir los objetos que estaba pintando, en lugar de pensar en ellos. En última instancia, quería llegar al punto en el que la "vista" también era "tocar". A veces le tomaba horas escribir un solo trazo porque cada trazo necesitaba contener "el aire, la luz, el objeto, la composición, el carácter, el contorno y el estilo". Una naturaleza muerta podría haberle llevado a Cézanne cien sesiones de trabajo, mientras que un retrato le llevó alrededor de ciento cincuenta sesiones. Cézanne creía que mientras pintaba, estaba capturando un momento en el tiempo, que una vez pasado, no podía volver. La atmósfera que rodeaba lo que pintaba formaba parte de la realidad sensacional que pintaba. Cézanne afirmó: "El arte es una percepción personal, que yo encarno en sensaciones y que le pido al entendimiento que organice en una pintura."
Mercado del arte
El aumento de valor de la obra de Cézanne se puede ver en la subasta de su pintura Rideau, Cruchon et Compotier el 10 de mayo de 1999, que se vendió por 60,5 millones de dólares en Sotheby' s en Nueva York, el cuarto precio más alto pagado por una pintura hasta ese momento, y la pintura de naturaleza muerta más cara en ese momento.
La acuarela Naturaleza muerta con melón verde de Cézanne estableció el récord de una obra en papel en una subasta, cuando se vendió por 25,5 millones de dólares el 8 de mayo de 2007, muy por encima de su estimación de 18 dólares. millón. Una acuarela preparatoria para la serie The Card Players que antes se creía perdida durante sesenta años se vendió por 19,1 millones de dólares el 1 de mayo de 2012 a un postor anónimo.
Una de las cinco versiones de Los jugadores de cartas de Cézanne se vendió en 2011 a la familia real de Qatar por un precio estimado entre 250 millones de dólares (301,1 millones de dólares en la actualidad) y posiblemente tan alto como $ 300 millones ($ 361,4 millones en la actualidad), cualquier precio que signifique una nueva marca para el precio más alto para una pintura hasta esa fecha. El precio récord fue superado en noviembre de 2017 por Salvator Mundi de Leonardo da Vinci. Los jugadores de cartas es ahora el tercer cuadro más caro de todos los tiempos tras la venta de Intercambio de Willem de Kooning.
El 8 de noviembre de 2022, se pagaron 138 millones de dólares por la pintura La Montagne Sainte-Victoire como parte de la venta de la colección de Paul Allen en Christie's en la ciudad de Nueva York para establecer un nuevo marca por un precio pagado por su trabajo en una subasta.
Arte saqueado por los nazis
En 2000, los tribunales franceses ordenaron la incautación de "El mar en l'Estaque" de Cézanne, que formaba parte de la exposición "De Fra Angelico a Bonnard: obras maestras de la Colección Rau" en el Museo de Luxemburgo debido a una afirmación de que había sido saqueada por los nazis del galerista Josse Bernheim-Jeune.
En 2020, se analizó la procedencia de un Cézanne de la colección Buehrle. La pintura, Paysage, ya había sido señalada como potencialmente problemática en el Schwarzbuch Bührle: Raubkunst für das Kunsthaus Zürich? de 2015. En Die Wochenzeitung, Keller dijo que la procedencia de Paysage había sido "blanqueada". "Entre las objeciones de Keller a la descripción de la procedencia en el sitio web de la fundación está el hecho de que los propietarios de antes de la guerra, Berthold y Martha Nothmann, se vieron obligados a huir de Alemania como judíos en 1939."
La Provenza de Cézanne
Los visitantes de Aix-en-Provence pueden descubrir los motivos paisajísticos de Cézanne a lo largo de cinco senderos señalizados desde el centro de la ciudad. Conducen a Le Tholonet, al Jas de Bouffan, a la cantera de Bibémus, a las orillas del río Arc y al taller de Les Lauves.
El Atelier Les Lauves ha estado abierto al público desde 1954. Una fundación estadounidense iniciada por James Lord y John Rewald lo hizo posible con fondos proporcionados por 114 donantes. Se lo compraron al propietario anterior Marcel Provence y lo transfirieron a la Universidad de Aix. En 1969 el estudio se trasladó a la ciudad de Aix. El visitante encontrará el mobiliario, el caballete y la paleta de Cézanne, los objetos que aparecen en sus naturalezas muertas y algunos dibujos y acuarelas originales.
Durante su vida, la mayoría de los residentes de Aix se burlaron de su conciudadano Cézanne. Más recientemente, incluso nombraron una universidad en honor a su artista de fama mundial: en 1973 se fundó en Aix-en-Provence, la Universidad Paul Cézanne con los departamentos de derecho y ciencias políticas, administración de empresas, así como ciencias naturales y tecnología. En 2011 se disolvió y se combinó con las otras dos universidades de Aix y Marsella para formar la Universidad de Aix-Marseille.
A raíz de su rechazo a sus obras en el pasado, el Musée Granet de Aix tuvo que conformarse con un préstamo de pinturas del Louvre para poder presentar a los visitantes a Cézanne, el hijo de su ciudad. En 1984, el museo recibió ocho pinturas y algunas acuarelas, incluido un motivo de la serie Bañistas y un retrato de Mme Cézanne. Gracias a otra donación en 2000, ahora se exhiben allí nueve pinturas de Cézanne.
Galería
Paisajes
Mont Sainte-Victoire
1882–1885
Metropolitan Museum of Art
L'Estaque
1883–1885
Casas en Provenza: El Valle de Riaux cerca de L'Estaque
1883
La Bahía de Marsella, vista desde L'Estaque
1885
El Barrio de Jas de Bouffan
1885-1887
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Thanhauser Collection
Maison Maria en el camino al castillo Noir
1895
Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas
Château Noir
1900-1904
National Gallery of Art, Washington, US
Mont Sainte-Victoire y Château Noir
1904–05
Bridgestone Museum of Art, Tokio, Japón
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Pinturas de bodegones
Vida con un cajón abierto
1867–1869
Musée d'Orsay
Flores en un horno Rococo
1876
National Gallery of Art, Washington D.C.
Vida con cerezas y melocotones
1885-87
Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Vida con cesta de frutas
1888-90
Musée d'Orsay, Paris
La cesta de manzanas
1890–1894
Art Institute of Chicago
Vida, Drapery, Pitcher y Fruit Bowl
1893–1894
Whitney Museum of American Art, Nueva York
Vida con Cherub
1895
Courtauld Institute of Art, London
Vida con Plaster Cupido
1890s
Nationalmuseum, Estocolmo
Vida con un Teapot
1902-05
National Museum Cardiff
Retratos y autorretratos
Retrato del tío Dominique
1865–1867
Metropolitan Museum of Art
Autotransporte
1875
Musée d'Orsay
Autotransporte
1880–81
National Gallery, London
Autotransporte
1879–1882
Kunstmuseum Berna
Femme au Chapeau Vert ()Mujer en un sombrero verde, Madame Cézanne) 1894-1895
Retrato de Madame Cézanne
1885–1886
Berggruen Museum, Berlin, Germany
Madame Cézanne
1885–1887
Solomon R. Guggenheim Museo
Retrato del Hijo de Pablo Cézanne
Pastel
1888-1890
The National Gallery of Art, Washington, D.C.
Madame Cézanne en un vestido rojo
c.1890–1894
Museo de Arte de São Paulo
Hombre con una pipa
1892–1896
Courtauld Institute of Art
Niño en una cabra roja
1888-1890
National Gallery of Art
Autotransporte con Beret
1898–1900
Museo de Bellas Artes, Boston![Woman with a Coffeepot Oil on canvas c. 1895 Musée d'Orsay[161]](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7d/Paul_C%C3%A9zanne_-_Woman_with_a_Coffeepot_-_Google_Art_Project.jpg/218px-Paul_C%C3%A9zanne_-_Woman_with_a_Coffeepot_-_Google_Art_Project.jpg)
Mujer con cafetera
Óleo sobre lienzo
c.1895
Musée d'Orsay
Mujer italiana joven en una mesa
1895-1900
J. Paul Getty Museum, Los Angeles
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![Woman with a Coffeepot Oil on canvas c. 1895 Musée d'Orsay[161]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Paul_C%C3%A9zanne_-_Woman_with_a_Coffeepot_-_Google_Art_Project.jpg)
Bañistas
Bañera
1885–1887
Museo de Arte Moderno
Albornoces,
c. 1890,
Musée d'Orsay, Paris
The Bathers
1898-1905
National Gallery, London
Albornoces,
1900-05,
Colección privada
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Acuarelas
Niño con rojo Vest
1890
Autotransporte
1895
Tres peras, ca. 1888-1890, Henry y Rose Pearlman Collection en préstamo a largo plazo al Museo de Arte de la Universidad de Princeton
The Plaster Kiln,
1890-94,
Colección privada
Árbol de pino en frente de las cuevas sobre Château Noir, ca. 1900, Princeton University Art Museum
Mill en el río
1900-1906
Estudio de un cráneo, 1902-1904, Henry y Rose Pearlman Collection en préstamo a largo plazo al Museo de Arte de la Universidad de Princeton
Vida con Carafe, Botella y Fruta, 1906, Henry y Rose Pearlman Colección en préstamo a largo plazo al Museo de Arte de la Universidad de Princeton
Río con el Puente de las Tres Fuentes
1906
Museo de Arte Cincinnati
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Proscenio
Museo Británico
Herbert bayer