Partitura
Partitura es una forma de notación musical escrita a mano o impresa que utiliza símbolos musicales para indicar los tonos, ritmos o acordes de una canción o pieza musical instrumental. Al igual que sus análogos (libros impresos o folletos en inglés, árabe u otros idiomas), el medio de las partituras suele ser el papel (o, en siglos anteriores, el papiro o el pergamino). Sin embargo, el acceso a la notación musical desde la década de 1980 ha incluido la presentación de la notación musical en pantallas de computadora y el desarrollo de programas de computadora para compositores que pueden anotar una canción o pieza electrónicamente y, en algunos casos, "reproducir" la música notada usando un sintetizador o instrumentos virtuales.
El uso del término "hoja" tiene por objeto diferenciar las formas escritas o impresas de música de las grabaciones de sonido (en discos de vinilo, casetes, CD), transmisiones de radio o televisión o actuaciones en vivo grabadas, que pueden capturar filmaciones o videos de la actuación, así como el componente de audio. En el uso diario, las "partituras" (o simplemente "música") puede referirse a la publicación impresa de partituras comerciales junto con el lanzamiento de una nueva película, programa de televisión, disco u otro evento especial o popular que involucre música. La primera partitura impresa hecha con una imprenta se hizo en 1473.
Las partituras son la forma básica en la que se escribe la música clásica occidental para que los solistas, instrumentistas o conjuntos musicales puedan aprenderla e interpretarla. Los cantantes y músicos suelen aprender muchas formas de música occidental tradicional y popular "de oído", en lugar de usar partituras (aunque en muchos casos, la música tradicional y pop también puede estar disponible en forma de partituras)..
El término partitura es un término alternativo común (y más genérico) para las partituras, y existen varios tipos de partituras, como se explica a continuación. El término partitura también puede referirse a música de teatro, música orquestal o canciones escritas para una obra de teatro, musical, ópera o ballet, o música o canciones escritas para un programa de televisión o una película; para el último de estos, consulte Partitura de película.
Elementos
Título y crédito
Las partituras de los siglos XX y XXI suelen indicar el título de la canción o composición en la portada o portada, o en la parte superior de la primera página, si no hay portada o portada. Si la canción o pieza es de una película, musical de Broadway u ópera, se puede indicar el título de la obra principal de la que se extrae la canción/pieza.
Si se conoce al autor de la canción o al compositor, normalmente se indica su nombre junto con el título. La partitura también puede indicar el nombre del autor de la letra, si la letra es de una persona que no sea uno de los cantautores o compositores. También puede incluir el nombre del arreglista, si la canción o pieza ha sido arreglada para la publicación. No se puede indicar el nombre de un autor o compositor para la música folclórica antigua, las canciones tradicionales en géneros como el blues y el bluegrass, y los himnos y espirituales tradicionales muy antiguos, porque para esta música, los autores a menudo son desconocidos; en tales casos, la palabra Tradicional suele colocarse donde normalmente iría el nombre del compositor.
Las páginas de título de las canciones pueden tener una imagen que ilustre los personajes, el escenario o los eventos de la letra. Las portadas de obras instrumentales pueden omitir una ilustración, a menos que la obra sea un programa musical que tenga, por su título o nombres de sección, asociaciones con un escenario, personajes o historia.
Notación musical
El tipo de notación musical varía mucho según el género o estilo de música. En la mayoría de la música clásica, las partes de la melodía y el acompañamiento (si están presentes) se anotan en las líneas de un pentagrama utilizando cabezas de notas redondas. En las partituras clásicas, el pentagrama normalmente contiene:
- una clavija, como la clavija de bajo
o clef treble 
- una firma clave que indica la clave, por ejemplo, una firma clave con tres afilados
se utiliza típicamente para la clave de un mayor o de un menor F Domingo - una firma de tiempo, que normalmente tiene dos números alineados verticalmente con el número inferior indicando el valor de la nota que representa un latido y el número superior que indica cuántos latidos están en una barra, por ejemplo, una firma de tiempo 2
4 indica que hay dos cuartos de notas (crotchets) por bar.
La mayoría de las canciones y piezas del período Clásico (ca. 1750) en adelante indican el tempo de la pieza usando una expresión —a menudo en italiano— como Allegro (rápido) o Grave (slow) así como su dinámica (laudez o suavidad). Las letras, si están presentes, están escritas cerca de las notas de melodía. Sin embargo, la música de la era barroca (ca. 1600-1750) o épocas anteriores no pueden tener ni una marca temporal ni una indicación dinámica. Se esperaba que los cantantes y músicos de esa época supieran qué tempo y ruido tocar o cantar una canción o pieza dada por su experiencia musical y conocimiento. En la era contemporánea de la música clásica (siglo XX y XXI), y en algunos casos antes (como el período romántico en las regiones de habla alemana), los compositores a menudo utilizaron su lengua materna para indicaciones de tempo, en lugar de italiano (por ejemplo, "rápido" o "rápido" o ".schnell") o marcaciones de metrónomo agregadas (por ejemplo, 
= 100 golpes por minuto).
Estas convenciones de notación de música clásica, y en particular el uso de instrucciones de tempo en inglés, también se utilizan para versiones de partituras de canciones de música popular de los siglos XX y XXI. Las canciones de música popular a menudo indican tanto el tempo como el género: "slow blues" o "rock uptempo". Las canciones pop a menudo contienen nombres de acordes sobre el pentagrama usando nombres de letras (por ejemplo, C Maj, F Maj, G7, etc.), para que un guitarrista acústico o pianista pueda improvisar un acompañamiento de cuerdas.
En otros estilos de música, se pueden usar diferentes métodos de notación musical. En el jazz, por ejemplo, mientras que la mayoría de los intérpretes profesionales pueden leer la notación de estilo 'clásico', muchas melodías de jazz se anotan utilizando tablas de acordes, que indican la progresión de acordes de una canción (por ejemplo, C, A7, re menor, G7, etc.) y su forma. Los miembros de una sección rítmica de jazz (un pianista, un guitarrista de jazz y un bajista) usan la tabla de acordes para guiar sus partes de acompañamiento improvisadas, mientras que los "instrumentos principales" en un grupo de jazz, como un saxofonista o un trompetista, use los cambios de acordes para guiar su improvisación en solitario. Al igual que las canciones de música popular, las melodías de jazz suelen indicar tanto el tempo como el género: "slow blues" o "bop rápido".
Los músicos profesionales de sesión de música country suelen utilizar música anotada en el sistema numérico de Nashville, que indica la progresión de acordes mediante números (esto permite a los líderes de la banda cambiar la tonalidad en cualquier momento). Las tablas de acordes que usan nombres de letras, números o números romanos (por ejemplo, I-IV-V) también se usan ampliamente para anotar música de músicos de blues, R&B, rock y heavy metal. Algunas tablas de acordes no proporcionan ninguna información rítmica, pero otras usan barras oblicuas para indicar tiempos de un compás y notación rítmica para indicar "golpes" sincopados. que el compositor quiere que toda la banda toque junta. Muchos guitarristas y bajistas eléctricos aprenden canciones y anotan melodías usando tablatura, que es una representación gráfica de qué trastes y cuerdas debe tocar el intérprete. "Pestaña" es ampliamente utilizado por guitarristas y bajistas de música rock y heavy metal. Los cantantes de muchos estilos musicales populares aprenden una canción usando solo una hoja de letras, aprendiendo la melodía y el ritmo 'de oído'. de la grabación.
Propósito y uso
Las partituras se pueden utilizar como registro, guía o medio para interpretar una canción o una pieza musical. Las partituras permiten a los intérpretes instrumentales que pueden leer la notación musical (un pianista, instrumentistas orquestales, una banda de jazz, etc.) o cantantes para interpretar una canción o pieza. Los estudiantes de música usan partituras para aprender sobre diferentes estilos y géneros musicales. El propósito previsto de una edición de partituras afecta su diseño y presentación. Si la partitura está destinada a fines de estudio, como en una clase de historia de la música, las notas y el pentagrama se pueden hacer más pequeños y el editor no tiene que preocuparse por los cambios de página. Sin embargo, para una partitura de interpretación, las notas deben poder leerse desde un atril y el editor debe evitar pasar demasiado de la página y asegurarse de que cualquier cambio de página se coloque después de un descanso o una pausa (si es posible). Además, una partitura o parte en un libro encuadernado grueso no permanecerá abierta, por lo que una partitura o parte de una interpretación debe estar en una encuadernación más delgada o usar un formato de encuadernación que permanezca abierto en un atril.
En la música clásica, se puede obtener información musical fidedigna sobre una pieza estudiando los bocetos escritos y las primeras versiones de las composiciones que el compositor pudo haber conservado, así como la partitura autógrafa final y las marcas personales en las pruebas y las partituras impresas.
Comprender partituras requiere una forma especial de alfabetización: la capacidad de leer notación musical. La capacidad de leer o escribir música no es un requisito para componer música. Ha habido una serie de compositores y escritores de canciones que han sido capaces de producir música sin la capacidad de leer o escribir en notación musical, siempre que haya un amanuense de algún tipo disponible para escribir las melodías en las que piensan. Los ejemplos incluyen al compositor ciego del siglo XVIII John Stanley y los compositores del siglo XX Lionel Bart, Irving Berlin y Paul McCartney. Además, en estilos musicales tradicionales como el blues y la música folclórica, hay muchos compositores prolíficos que no sabían leer música y, en cambio, tocaban y cantaban música 'de oído'.
La habilidad de lectura a primera vista es la capacidad de un músico para interpretar una obra musical desconocida al ver la partitura por primera vez. Se espera que los músicos profesionales y los aficionados serios que tocan música clásica, jazz y formas afines tengan capacidad para leer a primera vista. Una habilidad aún más refinada es la capacidad de mirar una nueva pieza musical y escuchar la mayoría o todos los sonidos (melodías, armonías, timbres, etc.) en la cabeza sin tener que tocar la pieza o escucharla. tocado o cantado. Los compositores y directores expertos tienen esta habilidad, siendo Beethoven un destacado ejemplo histórico. No todo el mundo tiene esa habilidad específica. Para algunas personas, las partituras no tienen sentido, mientras que otras pueden verlas como melodías y una forma de arte.
Los músicos clásicos que interpretan obras orquestales, música de cámara, sonatas y obras corales cantadas normalmente tienen la partitura frente a ellos en un atril cuando actúan (o frente a ellos en una carpeta de música, en el caso de un coro), con la excepción de las interpretaciones instrumentales solistas de piezas solistas, conciertos o piezas vocales solistas (canción de arte, arias de ópera, etc.), donde se espera la memorización. En el jazz, que es en su mayoría improvisado, las partituras (llamadas partitura principal en este contexto) se utilizan para dar indicaciones básicas de melodías, cambios de acordes y arreglos. Incluso cuando una banda de jazz tiene una partitura principal, una tabla de acordes o música arreglada, se improvisan muchos elementos de una actuación.
Sin embargo, la música escrita a mano o impresa es menos importante en otras tradiciones de la práctica musical, como la música tradicional y la música folclórica, en las que los cantantes e instrumentistas suelen aprender canciones "de oído" o de que otra persona les enseñe una canción o melodía. Aunque gran parte de la música popular se publica en algún tipo de notación, es bastante común que la gente aprenda una canción de oído. Este también es el caso en la mayoría de las formas de música folclórica occidental, donde las canciones y los bailes se transmiten por tradición oral y auditiva. La música de otras culturas, tanto folclórica como clásica, a menudo se transmite oralmente, aunque algunas culturas no occidentales también desarrollaron sus propias formas de notación musical y partituras.
Aunque a menudo se considera que las partituras son una plataforma para música nueva y una ayuda para la composición (es decir, el compositor "escribe" la música), también puede servir como un registro visual de la música. que ya existe. Académicos y otros han realizado transcripciones para presentar la música occidental y no occidental en un formato legible para su estudio, análisis y ejecución recreativa. Esto se ha hecho no sólo con música folclórica o tradicional (p. ej., los volúmenes de música folclórica magiar y rumana de Bartók), sino también con grabaciones sonoras de improvisaciones de músicos (p. ej., piano de jazz) e interpretaciones que pueden ser solo parcialmente interpretadas. basado en la notación. Un ejemplo exhaustivo de esto último en los últimos tiempos es la colección The Beatles: Complete Scores (Londres: Wise Publications, 1993), que pretende transcribir en pentagramas y tablaturas todas las canciones tal como las grabaron los Beatles en detalle instrumental y vocal.
Tipos
Las partituras modernas pueden venir en diferentes formatos. Si una pieza está compuesta para un solo instrumento o voz (como una pieza para un instrumento solista o para una voz solista a cappella), la obra completa puede escribirse o imprimirse como una sola partitura. Si una pieza instrumental está destinada a ser interpretada por más de una persona, cada intérprete generalmente tendrá una partitura separada, llamada parte, para tocar. Este es especialmente el caso en la publicación de obras que requieren más de cuatro intérpretes, aunque invariablemente también se publica una partitura completa. Las partes cantadas en una obra vocal generalmente no se publican por separado en la actualidad, aunque históricamente así fue, especialmente antes de que la impresión de música hiciera que las partituras estuvieran ampliamente disponibles.
Las partituras pueden publicarse como piezas u obras individuales (por ejemplo, una canción popular o una sonata de Beethoven), en colecciones (por ejemplo, obras de uno o varios compositores), como piezas interpretadas por un artista determinado, etc.
Cuando las partes instrumentales y vocales separadas de una obra musical se imprimen juntas, la partitura resultante se denomina partitura. Convencionalmente, una partitura consta de notación musical con cada parte instrumental o vocal en alineación vertical (lo que significa que los eventos concurrentes en la notación de cada parte se organizan en paralelo). El término partitura también se ha utilizado para referirse a partituras escritas para un solo intérprete. La distinción entre partitura y parte se aplica cuando se necesita más de una parte para la interpretación.
Las partituras vienen en varios formatos.
Partituras completas, variantes y condensaciones
Una partitura completa es un libro grande que muestra la música de todos los instrumentos o voces en una composición alineada en un orden fijo. Es lo suficientemente grande para que un director pueda leer mientras dirige ensayos y actuaciones de orquesta u ópera. Además de su uso práctico para los directores de orquesta, las partituras completas también son utilizadas por musicólogos, teóricos de la música, compositores y estudiantes de música que estudian una obra determinada.
Una partitura en miniatura es como una partitura completa pero de tamaño mucho más reducido. Es demasiado pequeño para usarlo en una interpretación de un director, pero útil para estudiar una pieza musical, ya sea para un gran conjunto o para un solista. Una partitura en miniatura puede contener algunos comentarios introductorios.
Una partitura de estudio a veces tiene el mismo tamaño que una partitura en miniatura y, a menudo, no se distingue de ella, excepto en el nombre. Algunas partituras de estudio tienen el tamaño de un octavo y, por lo tanto, se encuentran entre los tamaños de partitura completa y miniatura. Una partitura de estudio, especialmente cuando forma parte de una antología para estudios académicos, puede incluir comentarios adicionales sobre la música y marcas con fines de aprendizaje.
Una partitura para piano (o reducción para piano) es una transcripción más o menos literal para piano de una pieza destinada a muchas partes interpretativas, especialmente obras orquestales; esto puede incluir secciones puramente instrumentales dentro de grandes obras vocales (ver partitura vocal inmediatamente debajo). Dichos arreglos se hacen para piano solo (dos manos) o dúo de piano (uno o dos pianos, cuatro manos). A veces se agregan pentagramas extra pequeños en ciertos puntos de las partituras de piano para dos manos para que la presentación sea más completa, aunque generalmente no es práctico o imposible incluirlos mientras se toca.
Al igual que con la partitura vocal (a continuación), se necesita una habilidad considerable para reducir una partitura orquestal a formas tan pequeñas porque la reducción debe ser no solo ejecutable en el teclado, sino también lo suficientemente completa en su presentación de las armonías, texturas, figuraciones, etc. A veces se incluyen marcas para mostrar qué instrumentos están tocando en determinados puntos.
Si bien las partituras para piano generalmente no están destinadas a la interpretación fuera del estudio y el placer (las transcripciones de conciertos de Franz Liszt de las sinfonías de Beethoven son un grupo de excepciones notables), los ballets obtienen el beneficio más práctico de las partituras para piano. porque con uno o dos pianistas permiten que el ballet haga muchos ensayos a un costo mucho menor, antes de tener que contratar una orquesta para los ensayos finales. Las partituras para piano también se pueden usar para entrenar a directores principiantes, que pueden dirigir a un pianista tocando una reducción para piano de una sinfonía; esto es mucho menos costoso que dirigir una orquesta completa. Las partituras para piano de óperas no incluyen pentagramas separados para las partes vocales, pero pueden agregar el texto cantado y las direcciones escénicas sobre la música.
Una parte es una extracción de la partitura completa de la parte de un instrumento en particular. Lo utilizan los intérpretes de orquesta en actuaciones, en las que la partitura completa sería demasiado engorrosa. Sin embargo, en la práctica, puede ser un documento sustancial si el trabajo es largo y un instrumento en particular se toca durante gran parte de su duración.
Jugar(help·info)Partituras vocales
Una partitura vocal (o, más correctamente, partitura de piano-vocal) es una reducción de la partitura completa de una obra vocal (por ejemplo, ópera, musical, oratorio, cantata, etc.) para mostrar las partes vocales (solo y coral) en sus pentagramas y las partes orquestales en una reducción para piano (generalmente a dos manos) debajo de las partes vocales; las secciones puramente orquestales de la partitura también se reducen para piano. Si una parte de la obra es a capella, a menudo se agrega una reducción de piano de las partes vocales para ayudar en el ensayo (este suele ser el caso de las partituras religiosas a capella).
Las partituras de piano y voz sirven como una forma conveniente para que los solistas vocales y coristas aprendan la música y ensayen por separado de la orquesta. La partitura vocal de un musical normalmente no incluye el diálogo hablado, a excepción de las pistas. Las partituras de piano y voz se utilizan para proporcionar acompañamiento de piano para la interpretación de óperas, musicales y oratorios por parte de grupos de aficionados y algunos grupos profesionales de pequeña escala. Esto puede hacerlo un solo pianista o dos pianistas. Con algunos musicales de la década de 2000, los teclistas pueden tocar sintetizadores en lugar de piano.
La partitura coral relacionada pero menos común contiene las partes corales con acompañamiento reducido.
También existe la partitura de órgano comparable, generalmente en asociación con música de iglesia para voces y orquesta, como los arreglos (de manos posteriores) del Mesías de Handel. >. Es como la partitura de piano y voz en que incluye pentagramas para las partes vocales y reduce las partes orquestales para que las interprete una sola persona. A diferencia de la partitura vocal, el arreglista a veces pretende que la partitura de órgano sustituya a la orquesta en la interpretación si es necesario.
Una colección de canciones de un musical dado se suele imprimir bajo la etiqueta selecciones vocales. Esto es diferente de la partitura vocal del mismo espectáculo en que no presenta la música completa y el acompañamiento de piano generalmente se simplifica e incluye la línea de la melodía.
Otros tipos
Una partitura corta es una reducción de una obra para muchos instrumentos a unos pocos pentagramas. En lugar de componer directamente en partitura completa, muchos compositores elaboran algún tipo de partitura breve mientras componen y luego amplían la orquestación completa. Una ópera, por ejemplo, puede escribirse primero en una partitura corta, luego en una partitura completa y luego reducida a una partitura vocal para el ensayo. Las partituras cortas a menudo no se publican; pueden ser más comunes en algunos lugares de actuación (p. ej., bandas) que en otros. Debido a su carácter preliminar, las partituras breves son el principal punto de referencia para aquellos compositores que deseen intentar una 'completación' de la obra inacabada de otro (por ejemplo, los movimientos 2 a 5 de la 10.ª sinfonía de Gustav Mahler o el tercer acto de la ópera Lulu de Alban Berg).
Una partitura abierta es una partitura de una pieza polifónica que muestra cada voz en un pentagrama separado. En las piezas para teclado del Renacimiento o el Barroco, a veces se usaban partituras abiertas de cuatro pentagramas en lugar de la convención más moderna de un pentagrama por mano. A veces también es sinónimo de partitura completa (que puede tener más de una parte por pentagrama).
En una partitura cerrada, todas las partes de la voz están representadas en los dos pentagramas principales (pentagrama agudo y bajo).
Las partituras del período barroco (1600-1750) suelen tener la forma de una línea de bajo en la clave de fa y las melodías tocadas por un instrumento o cantadas en un pentagrama superior (o pentagramas) en la clave de sol. La línea de bajo normalmente tenía cifras escritas sobre las notas de bajo que indicaban qué intervalos por encima del bajo (por ejemplo, acordes) debían tocarse, un enfoque llamado bajo calculado. Las cifras indican qué intervalos debe tocar el clavecinista, el organista o el laudista sobre cada nota de bajo.
Música popular
Una partitura principal especifica solo la melodía, la letra y la armonía, utilizando un pentagrama con los símbolos de los acordes colocados arriba y la letra debajo. Se usa comúnmente en la música popular y en el jazz para capturar los elementos esenciales de una canción sin especificar los detalles de cómo se debe arreglar o interpretar la canción.
Una tabla de acordes (o simplemente, tabla) contiene poca o ninguna información melódica, pero proporciona información armónica fundamental. Algunas tablas de acordes también indican el ritmo que debe tocarse, especialmente si hay una serie sincopada de "hits" que el arreglista quiere que interprete toda la sección rítmica. De lo contrario, las tablas de acordes dejan el ritmo en blanco o indican barras para cada tiempo.
Este es el tipo de música escrita más común que utilizan los músicos de sesión profesionales que tocan jazz u otras formas de música popular y está destinada a la sección rítmica (que normalmente contiene piano, guitarra, bajo y batería) para improvisar su acompañamiento y para cualquier improvisar solistas (por ejemplo, saxofonistas o trompetistas) para usarlos como punto de referencia para sus líneas improvisadas.
Un libro falso es una colección de canciones y melodías de jazz con solo los elementos básicos de la música proporcionada. Hay dos tipos de libros falsos: (1) colecciones de partituras principales, que incluyen la melodía, los acordes y la letra (si están presentes), y (2) colecciones de canciones y melodías con solo los acordes. Los intérpretes de la sección rítmica (en particular, los músicos que tocan acordes, como los guitarristas eléctricos, los pianistas y el bajista) utilizan libros falsos que contienen solo los acordes para ayudar a guiar su improvisación de las partes de acompañamiento de la canción. Los "instrumentos solistas" también pueden usar libros falsos con solo los acordes. (por ejemplo, saxofón o trompeta) como guía para sus actuaciones solistas improvisadas. Dado que la melodía no está incluida en los libros falsos de solo acordes, se espera que los instrumentistas principales conozcan la melodía.
Una tablatura (o pestaña) es un tipo especial de partitura musical, generalmente para un instrumento solista, que muestra dónde tocar. los tonos en el instrumento dado en lugar de qué tonos producir, con el ritmo indicado también. La tablatura se usa ampliamente en la década de 2000 para canciones y piezas de guitarra y bajo eléctrico en géneros musicales populares como la música rock y la música heavy metal. Este tipo de notación se utilizó por primera vez a finales de la Edad Media y se ha utilizado para teclados (por ejemplo, órganos de tubos) y para instrumentos de cuerda con trastes (laúd, guitarra).
Hojas de canciones
Las hojas de canciones son las letras impresas sin notación musical. Los estudios académicos de la música americana llaman a estas partituras songsters. Durante la primera mitad del siglo XX, las letras de las canciones se imprimieron y vendieron individualmente, en colecciones en hojas del tamaño de un periódico, combinadas en folletos y en revistas. Las hojas de canciones generalmente incluían fotografías de artistas famosos asociados con la canción, así como atribuciones al teatro musical y películas.
Las hojas de canciones fueron reconocidas como competencia de partituras por la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) en 1930, cuando un representante dijo: "Miles ahora aprenden las melodías populares de la radio, afirman los editores. Con las letras disponibles por cinco o diez centavos y la tensión conocida, se elimina el impulso de comprar partituras." Mientras que la partitura de una canción puede costar treinta o treinta y cinco centavos, una hoja de canción normalmente se vende por cinco o diez centavos. Las sociedades corales compraban una sola copia de la partitura para el pianista y luego varias partituras para los cantantes.
Cuando las letras se imprimen sin el permiso del propietario de los derechos de autor, las hojas de canciones se denominan hojas de canciones piratas. El contrabando de partituras se consideraba un problema menor en Chicago a principios de la década de 1890, pero se convirtió en un problema importante desde 1929 hasta la década de 1930. Los primeros editores y distribuidores de hojas de canciones piratas fueron acusados de infracción penal de derechos de autor en febrero de 1930. Gracias a los esfuerzos de Music Publishers' Asociación Protectora y aplicación de la ley, así como el advenimiento de las revistas legales de partituras, el contrabando de partituras terminó a principios de la década de 1940.
Las primeras revistas de partituras legítimas comenzaron en 1934, y Lyle Engel's Song Hits, que se publicó por primera vez en 1937, tuvo éxito durante décadas. Las revistas de partituras incluían anuncios, columnas de chismes, reseñas de discos y biografías promocionales de celebridades.
Historia
Fuera de las culturas eurocéntricas modernas existe una amplia variedad de sistemas de notación musical, cada uno adaptado a las necesidades peculiares de las culturas musicales en cuestión, y algunas músicas clásicas altamente evolucionadas no usan notación en absoluto (o solo en formas rudimentarias como mnemotecnia). sida) como las formas khyal y dhrupad del norte de la India. Los sistemas de notación musical occidentales describen solo música adaptada a las necesidades de formas e instrumentos musicales basados en el temperamento igual, pero están mal equipados para describir músicas de otros tipos, como las formas cortesanas del gagaku japonés, el dhrupad indio o la música de percusión de oveja tamborileando. La infiltración de la notación de pentagrama occidental en estas culturas ha sido descrita por el musicólogo Alain Daniélou y otros como un proceso de imperialismo cultural.
Precursores de las partituras
La notación musical se desarrolló antes de que se usara el pergamino o el papel para escribir. La forma más antigua de notación musical se puede encontrar en una tablilla cuneiforme que se creó en Nippur, en Sumer (el actual Irak), alrededor del año 2000 a. C. La tableta representa instrucciones fragmentarias para interpretar música, que la música se compuso en armonías de tercios y que se escribió usando una escala diatónica.
Una tablilla de alrededor de 1250 a. C. muestra una forma de notación más desarrollada. Aunque la interpretación del sistema de notación sigue siendo controvertida, está claro que la notación indica los nombres de las cuerdas de una lira, cuya afinación se describe en otras tablillas. Aunque son fragmentarias, estas tablillas representan las melodías notadas más antiguas que se encuentran en cualquier parte del mundo.
La notación musical griega antigua estuvo en uso desde al menos el siglo VI a. C. hasta aproximadamente el siglo IV d. C.; sobreviven varias composiciones completas y fragmentos de composiciones que utilizan esta notación. La notación consta de símbolos colocados sobre las sílabas del texto. Un ejemplo de una composición completa es el epitafio de Seikilos, que ha sido fechado de diversas formas entre el siglo II a. C. y el siglo I d. C.
En la música griega antigua, existen manuscritos de tres himnos de Mesomedes de Creta. Uno de los ejemplos más antiguos conocidos de notación musical es un fragmento de papiro de la obra de teatro de la época helénica Orestes (408 a. C.), que contiene notación musical para una oda coral. La notación griega antigua parece haber caído en desuso en la época de la decadencia del Imperio Romano.
Notación manuscrita occidental
Antes del siglo XV, la música occidental se escribía a mano y se conservaba en manuscritos, generalmente encuadernados en grandes volúmenes. Los ejemplos más conocidos de notación musical de la Edad Media son los manuscritos medievales de canto monofónico. La notación del canto indicaba las notas de la melodía del canto, pero sin ninguna indicación del ritmo. En el caso de la polifonía medieval, como el motete, las partes se escribían en porciones separadas de páginas opuestas. Este proceso fue ayudado por el advenimiento de la notación mensural, que también indicaba el ritmo y fue paralelo a la práctica medieval de componer partes de polifonía secuencialmente, en lugar de simultáneamente (como en épocas posteriores). Los manuscritos que mostraban partes juntas en formato de partitura eran raros y se limitaban principalmente al organum, especialmente el de la escuela de Notre Dame. Durante la Edad Media, si una abadesa quería tener una copia de una composición existente, como una composición propiedad de una abadesa en otra ciudad, tendría que contratar a un copista para que hiciera la tarea a mano, lo que sería un proceso largo. y uno que podría dar lugar a errores de transcripción.
Incluso después del advenimiento de la impresión de música a mediados del siglo XV, gran parte de la música siguió existiendo únicamente en los compositores' manuscritos escritos a mano hasta bien entrado el siglo XVIII.
Impresión
Siglo XV
Hubo varias dificultades para traducir la nueva tecnología de imprenta a la música. En el primer libro impreso que incluyó música, el Salterio de Mainz (1457), la notación musical (tanto las líneas del pentagrama como las notas) se añadió a mano. Esto es similar al espacio que se deja en otros incunables para capiteles. El salterio fue impreso en Maguncia, Alemania, por Johann Fust y Peter Schöffer, y uno reside ahora en el Castillo de Windsor y otro en la Biblioteca Británica. Más tarde, se imprimieron las líneas del pentagrama, pero los escribas agregaron el resto de la música a mano. La mayor dificultad en el uso de tipos móviles para imprimir música es que todos los elementos deben estar alineados: la cabeza de la nota debe estar correctamente alineada con el pentagrama. En la música vocal, el texto debe estar alineado con las notas adecuadas (aunque en ese momento, incluso en los manuscritos, esto no era una prioridad alta).
El grabado musical es el arte de dibujar notaciones musicales de alta calidad con el fin de reproducirlas mecánicamente. La primera música impresa a máquina apareció alrededor de 1473, aproximadamente 20 años después de que Gutenberg introdujera la imprenta. En 1501, Ottaviano Petrucci publicó Harmonice Musices Odhecaton A, que contenía 96 piezas musicales impresas. El método de impresión de Petrucci produjo música limpia, legible y elegante, pero fue un proceso largo y difícil que requirió tres pasadas separadas a través de la imprenta. Más tarde, Petrucci desarrolló un proceso que requería solo dos pasadas por la prensa. Pero seguía siendo agotador, ya que cada paso requería una alineación muy precisa para que el resultado fuera legible (es decir, para que las cabezas de las notas estuvieran correctamente alineadas con las líneas del pentagrama). Esta fue la primera música polifónica impresa bien distribuida. Petrucci también imprimió la primera tablatura con tipos móviles. La impresión de una sola impresión, en la que las líneas del pentagrama y las notas se podían imprimir en una sola pasada, apareció por primera vez en Londres alrededor de 1520. Pierre Attaingnant introdujo la técnica en un amplio uso en 1528, y se mantuvo sin cambios durante 200 años.
Un formato común para publicar música polifónica de varias partes durante el Renacimiento eran los partbooks. En este formato, cada parte de voz de una colección de madrigales de cinco partes, por ejemplo, se imprimiría por separado en su propio libro, de modo que se necesitarían los cinco libros de partes para interpretar la música. Los mismos partbooks pueden ser utilizados por cantantes o instrumentistas. Las partituras para música de varias partes rara vez se imprimían en el Renacimiento, aunque el uso del formato de partitura como medio para componer partes simultáneamente (en lugar de sucesivamente, como en la Baja Edad Media) se atribuye a Josquin des Prez.
El efecto de la música impresa fue similar al efecto de la palabra impresa, en el sentido de que la información se difundió más rápido, de manera más eficiente, a un menor costo y a más personas de las que podría a través de manuscritos laboriosamente copiados a mano. Tuvo el efecto adicional de animar a los músicos aficionados de medios suficientes, que ahora podían permitirse partituras, a tocar. Esto afectó de muchas maneras a toda la industria de la música. Los compositores ahora podían escribir más música para artistas aficionados, sabiendo que podría distribuirse y venderse a la clase media.
Esto significaba que los compositores no tenían que depender únicamente del patrocinio de aristócratas adinerados. Los jugadores profesionales podrían tener más música a su disposición y podrían acceder a música de diferentes países. Aumentó el número de aficionados, de los cuales los jugadores profesionales podían ganar dinero enseñándoles. Sin embargo, en los primeros años, el costo de la música impresa limitó su distribución. Otro factor que limitó el impacto de la música impresa fue que, en muchos lugares, el monarca concedía el derecho a imprimir música, y solo aquellos con una dispensa especial podían hacerlo, dándoles el monopolio. Esto fue a menudo un honor (y una bendición económica) otorgado a los músicos o compositores de la corte favorecidos.
Siglo XVI
El grabado mecánico de planchas se desarrolló a finales del siglo XVI. Aunque el grabado de placas se había utilizado desde principios del siglo XV para crear artes visuales y mapas, no se aplicó a la música hasta 1581. En este método, se grababa una imagen especular de una página completa de música en una placa de metal. Luego se aplicó tinta a las ranuras y la impresión musical se transfirió al papel. Las placas de metal se podían almacenar y reutilizar, lo que hizo de este método una opción atractiva para los grabadores musicales. El cobre fue el metal elegido inicialmente para las primeras placas, pero en el siglo XVIII, el peltre se convirtió en el material estándar debido a su maleabilidad y menor costo.
El grabado de planchas fue la metodología elegida para la impresión de música hasta finales del siglo XIX, momento en el que su declive se vio acelerado por el desarrollo de la tecnología fotográfica. Sin embargo, la técnica ha sobrevivido hasta el día de hoy y todavía es utilizada ocasionalmente por editores selectos como G. Henle Verlag en Alemania.
A medida que aumentaba la complejidad de la composición musical, también aumentaba la tecnología necesaria para producir partituras musicales precisas. A diferencia de la imprenta literaria, que contiene principalmente palabras impresas, el grabado musical comunica varios tipos diferentes de información simultáneamente. Para que quede claro para los músicos, es imperativo que las técnicas de grabado permitan una precisión absoluta. Las notas de acordes, marcas dinámicas y otras notaciones se alinean con precisión vertical. Si se incluye texto, cada sílaba coincide verticalmente con su melodía asignada. Horizontalmente, las subdivisiones de tiempos están marcadas no solo por sus banderas y vigas, sino también por el espacio relativo entre ellas en la página. La logística de crear copias tan precisas planteó varios problemas para los grabadores de música antigua y ha resultado en el desarrollo de varias tecnologías de grabado musical.
Siglo XIX
En el siglo XIX, la industria musical estaba dominada por los editores de partituras. En los Estados Unidos, la industria de las partituras creció junto con la juglaría de cara pintada de negro. El grupo de editores de música, compositores y compositores con sede en la ciudad de Nueva York que dominaba la industria se conocía como "Tin Pan Alley". A mediados del siglo XIX, el control de derechos de autor de las melodías no era tan estricto y los editores a menudo imprimían sus propias versiones de las canciones populares en ese momento. Con leyes de protección de derechos de autor más estrictas a fines de siglo, los compositores, letristas y editores comenzaron a trabajar juntos para su beneficio financiero mutuo. Los editores de la ciudad de Nueva York se concentraron en la música vocal. Las casas de música más grandes se establecieron en la ciudad de Nueva York, pero las pequeñas editoriales locales, a menudo conectadas con imprentas comerciales o tiendas de música, continuaron floreciendo en todo el país. Un número extraordinario de inmigrantes de Europa del Este se convirtieron en editores de música y compositores en Tin Pan Alley, siendo el más famoso Irving Berlin. Los compositores que se convirtieron en productores establecidos de canciones exitosas fueron contratados para formar parte del personal de las casas de música.
A fines del siglo XIX se produjo una explosión masiva de música de salón, y la propiedad y la habilidad para tocar el piano se convirtieron en de rigueur para la familia de clase media. A fines del siglo XIX, si una familia de clase media quería escuchar una nueva canción o pieza popular, compraba la partitura y luego interpretaba la canción o pieza de manera amateur en su hogar. Pero a principios del siglo XX, el fonógrafo y la música grabada adquirieron una gran importancia. Esto, unido al crecimiento de la popularidad de la radiodifusión a partir de la década de 1920, disminuyó la importancia de los editores de partituras. La industria discográfica eventualmente reemplazó a los editores de partituras como la fuerza más grande de la industria musical.
Siglo XX y principios del siglo XXI
A finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI, se ha desarrollado un interés significativo en la representación de partituras en un formato legible por computadora (consulte el software de notación musical), así como en archivos descargables. Música OCR, software para "leer" partituras escaneadas para que los resultados puedan ser manipulados, está disponible desde 1991.
En 1998, las partituras virtuales evolucionaron aún más hacia lo que se denominaría partituras digitales, que por primera vez permitió a los editores hacer que las partituras con derechos de autor estuvieran disponibles para su compra en línea. A diferencia de sus contrapartes impresas, estos archivos permitían la manipulación, como cambios de instrumentos, transposición y reproducción MIDI (interfaz digital de instrumentos musicales). La popularidad de este sistema de entrega instantánea entre los músicos parece estar actuando como catalizador de un nuevo crecimiento para la industria en un futuro previsible.
Uno de los primeros programas de notación informática disponible para ordenadores domésticos fue Music Construction Set, desarrollado en 1984 y lanzado para varias plataformas diferentes. Al presentar conceptos en gran parte desconocidos para el usuario doméstico de la época, permitió la manipulación de notas y símbolos con un dispositivo señalador como un mouse; el usuario "agarraría" una nota o símbolo de una paleta y "soltar" en el personal en la ubicación correcta. El programa permitía la reproducción de la música producida a través de varias de las primeras tarjetas de sonido y podía imprimir la partitura musical en una impresora gráfica.
Muchos productos de software para estaciones de trabajo de audio digital modernas y compositores de partituras para computadoras personales en general admiten la generación de partituras a partir de archivos MIDI, cuando un intérprete toca las notas en un teclado equipado con MIDI u otro controlador MIDI o mediante la entrada manual con un mouse o otro dispositivo informático.
En 1999, Harry Connick Jr. patentó un sistema y un método para coordinar la visualización de la música entre los músicos de una orquesta. Es un dispositivo con una pantalla de computadora que se utiliza para mostrar la partitura para los músicos de una orquesta en lugar de el papel más utilizado. Connick usa este sistema cuando está de gira con su big band, por ejemplo. Con la proliferación de redes inalámbricas y iPads se han desarrollado sistemas similares. En el mundo de la música clásica, algunos grupos de cuartetos de cuerda utilizan partes basadas en pantallas de computadora. Hay varias ventajas en las piezas basadas en computadora. Dado que la partitura está en una pantalla de computadora, el usuario puede ajustar el contraste, el brillo e incluso el tamaño de las notas, para facilitar la lectura. Además, algunos sistemas realizarán "cambios de página" usando un pedal, lo que significa que el intérprete no tiene que perderse la reproducción de música durante un cambio de página, como suele ocurrir con las piezas de papel.
De especial interés práctico para el público en general es el proyecto Mutopia, un esfuerzo por crear una biblioteca de partituras de dominio público, comparable a la biblioteca de libros de dominio público del Proyecto Gutenberg. El Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP) también está intentando crear una biblioteca virtual que contenga todas las partituras musicales de dominio público, así como partituras de compositores que estén dispuestos a compartir su música con el mundo de forma gratuita.
Algunos programas de computadora para compositores de partituras tienen una función que es muy útil para compositores y arreglistas: la capacidad de "reproducir" la música notada utilizando sonidos de sintetizador o instrumentos virtuales. Debido al alto costo de contratar una orquesta sinfónica completa para tocar una nueva composición, antes del desarrollo de estos programas de computadora, muchos compositores y arreglistas solo podían escuchar sus obras orquestales arreglándolas para piano, órgano o cuarteto de cuerda. Si bien la reproducción de un programa de scorewiter no contendrá los matices de una grabación de orquesta profesional, aún transmite una sensación de los colores de tono creados por la pieza y de la interacción de las diferentes partes.