Orson Welles
George Orson Welles (6 de mayo de 1915 - 10 de octubre de 1985) fue un director, actor, guionista y productor estadounidense recordado por su innovador trabajo en cine, radio y teatro. Se le considera uno de los cineastas más grandes e influyentes de todos los tiempos.
Mientras tenía 20 años, Welles dirigió producciones teatrales de alto perfil para el Federal Theatre Project, incluida una adaptación de Macbeth con un elenco totalmente afroamericano y el musical político The Cradle Will Rock. En 1937, él y John Houseman fundaron Mercury Theatre, una compañía de teatro de repertorio independiente que presentó una serie de producciones en Broadway hasta 1941, incluida Caesar (1937), una adaptación moderna y políticamente cargada de Shakespeare. 39;s Julio César.
En 1938, su serie de antología radiofónica The Mercury Theatre on the Air le dio a Welles la plataforma para alcanzar la fama internacional como director y narrador de una adaptación radiofónica de la novela La guerra de los mundos, que hizo creer a algunos oyentes que en realidad se estaba produciendo una invasión marciana. Aunque los informes de pánico eran en su mayoría falsos y exagerados, impulsaron a Welles, de 23 años, a la notoriedad.
Su primera película fue Ciudadano Kane (1941), que se clasifica constantemente como una de las mejores películas jamás realizadas y que coescribió, produjo, dirigió y protagonizó como el personaje principal, Charles Foster Kane. Welles lanzó otras doce películas, las más aclamadas de las cuales incluyen The Magnificent Ambersons (1942), The Lady from Shanghai (1947), Touch of Evil (1958), El juicio (1962), Campanas a medianoche (1966) y F de falso (1973). Su distintivo estilo de dirección se caracterizaba por formas narrativas en capas y no lineales, iluminación dramática, ángulos de cámara inusuales, técnicas de sonido tomadas de la radio, tomas de enfoque profundo y tomas largas. David Thomson atribuye a Welles "la creación de un estilo visual que es a la vez barroco y preciso, abrumadoramente emocional e infaliblemente basado en la realidad". Ha sido elogiado como "el máximo autor". Entre los papeles notables de Welles en películas de otros directores se encuentran Rochester en Jane Eyre (1943), Harry Lime en The Third Man (1949) y Cardinal Wolsey en i>Un hombre para todas las estaciones (1966). Welles fue un amante de Shakespeare durante toda su vida, y Peter Bogdanovich escribe que Chimes at Midnight, en la que Welles interpreta a John Falstaff, es "posiblemente su mejor película y su favorita personal"; Joseph McBride y Jonathan Rosenbaum la han llamado la obra maestra de Welles, y Vincent Canby escribió: "Puede que sea la mejor película de Shakespeare jamás realizada".
Welles era un extraño en el sistema de estudios y luchó por el control creativo de sus proyectos desde el principio con los principales estudios de cine de Hollywood y más tarde con una variedad de financieros independientes en toda Europa, donde pasó la mayor parte de su carrera. Muchas de sus películas fueron editadas en gran medida o permanecieron inéditas; después de que Welles fuera a América del Sur para filmar el documental It's All True, RKO cortó más de cuarenta minutos de Ambersons y agregó un final más feliz, en contra de sus deseos. Las imágenes que faltan de Ambersons se han llamado "santo grial" de cine Welles escribió un memorando de 58 páginas a Universal sobre la edición de Touch of Evil, que ignoraron. En 1998, Walter Murch reeditó la película según las especificaciones de Welles. Con un desarrollo que abarcó casi 50 años, la última película de Welles, The Other Side of the Wind, se estrenó póstumamente en 2018.
Welles tuvo tres matrimonios, incluido uno con Rita Hayworth, y tres hijos. Conocido por su voz de barítono, Welles actuó extensamente en teatro, radio y cine. Fue un mago de toda la vida, conocido por presentar espectáculos de variedades de tropas en los años de guerra. Fue miembro vitalicio de la Hermandad Internacional de Magos y de la Sociedad de Magos Estadounidenses. En 2002, fue votado como el mejor director de cine de todos los tiempos en dos encuestas del British Film Institute entre directores y críticos. En 2018, fue incluido en la lista de los 50 mejores actores de Hollywood de todos los tiempos por The Daily Telegraph. Micheál Mac Liammóir, que interpretó a Yago en Otelo de Welles, dijo que el coraje de Orson, como todo lo demás en él, la imaginación, el egoísmo, la generosidad, la crueldad, la paciencia, la impaciencia, la sensibilidad, la grosería y la visión están magníficamente desproporcionadas."
Primeros años
George Orson Welles nació el 6 de mayo de 1915 en Kenosha, Wisconsin, hijo de Richard Head Welles (1872–1930) y Beatrice Ives Welles (née Beatrice Lucy Ives; 1883–1924). Recibió su nombre de uno de sus bisabuelos, el influyente abogado de Kenosha, Orson S. Head, y su hermano George Head. George Ade contó una historia alternativa sobre el origen de su primer y segundo nombre, quien conoció a los padres de Welles en un crucero por las Indias Occidentales a fines de 1914. Ade viajaba con un amigo, Orson Wells (sin relación), y los dos se sentaron en la misma mesa que el Sr. y la Sra. Richard Welles. La Sra. Welles estaba embarazada en ese momento, y cuando se despidieron, les dijo que había disfrutado tanto de su compañía que si el niño fuera un niño, tenía la intención de llamarlo como ellos: George Orson.
A pesar de la riqueza de su familia, Welles enfrentó dificultades en la infancia. Sus padres se separaron y se mudaron aproximadamente 55 millas al sur de Chicago en 1919. Su padre, quien hizo una fortuna como el inventor de una popular lámpara para bicicletas, se volvió alcohólico y dejó de trabajar. La madre de Welles, pianista, tocó durante las conferencias de Dudley Crafts Watson en el Instituto de Arte de Chicago para apoyar a su hijo y a ella misma; el niño mayor de Welles, 'Dickie', fue institucionalizado a una edad temprana porque tenía dificultades de aprendizaje. Beatrice murió de hepatitis en un hospital de Chicago el 10 de mayo de 1924, justo después del noveno cumpleaños de Welles. El Gordon String Quartet, predecesor del Berkshire String Quartet, que había hecho su primera aparición en su casa en 1921, tocó en el funeral de Beatrice.
Después de la muerte de su madre, Welles dejó de dedicarse a la música. Se decidió que pasaría el verano con la familia Watson en una colonia de arte privada establecida por Lydia Avery Coonley Ward en el pueblo de Wyoming en la región de Finger Lakes de Nueva York. Allí, jugó y se hizo amigo de los hijos de Aga Khan, incluido el príncipe Aly Khan, de 12 años (años más tarde, se casaron sucesivamente con Rita Hayworth). Luego, en lo que Welles describió más tarde como "un período agitado" en su vida, vivió en un apartamento de Chicago con su padre y Maurice Bernstein, un médico de Chicago que había sido amigo cercano de sus padres. Welles asistió brevemente a la escuela pública antes de que su padre alcohólico dejara el negocio por completo y lo llevara en sus viajes a Jamaica y el Lejano Oriente. Cuando regresaron, se instalaron en un hotel en Grand Detour, Illinois, que era propiedad de su padre. Cuando el hotel se incendió, Welles y su padre volvieron a la carretera.
"Durante los tres años que Orson vivió con su padre, algunos observadores se preguntaron quién cuidaba de quién" escribió el biógrafo Frank Brady.
"En cierto modo, él nunca fue realmente un niño, ya sabes," dijo Roger Hill, quien se convirtió en el maestro y amigo de toda la vida de Welles.
Welles asistió brevemente a una escuela pública en Madison, Wisconsin, y se matriculó en cuarto grado. El 15 de septiembre de 1926, ingresó en el Seminario para niños Todd, una costosa escuela independiente en Woodstock, Illinois, a la que su hermano mayor, Richard Ives Welles, había asistido diez años antes hasta que fue expulsado por mala conducta. En Todd School, Welles estuvo bajo la influencia de Roger Hill, un maestro que más tarde fue el director de Todd. Hill proporcionó a Welles un entorno educativo ad hoc que resultó invaluable para su experiencia creativa, lo que le permitió concentrarse en los temas que le interesaban. Welles realizó y organizó experimentos y producciones teatrales allí.
"Todd proporcionó a Welles muchas experiencias valiosas," escribió el crítico Richard France. "Pudo explorar y experimentar en una atmósfera de aceptación y aliento. Además de un teatro, tenía a su disposición la propia emisora de radio de la escuela." La primera experiencia radial de Welles fue en la estación Todd, donde realizó una adaptación de Sherlock Holmes escrita por él.
El 28 de diciembre de 1930, cuando Welles tenía 15 años, su padre murió de insuficiencia cardíaca y renal a la edad de 58 años, solo en un hotel de Chicago. Poco antes de esto, Welles le había anunciado a su padre que dejaría de verlo, creyendo que eso haría que su padre se abstuviera de beber. Como resultado, Orson se sintió culpable porque creía que su padre se había emborrachado hasta morir por su culpa. El testamento de su padre dejó en manos de Orson el nombre de su tutor. Cuando Roger Hill se negó, Welles eligió a Maurice Bernstein.
Después de graduarse de Todd en mayo de 1931, Welles recibió una beca para la Universidad de Harvard, mientras que su mentor, Roger Hill, abogó por que asistiera a la Universidad de Cornell en Iowa. En lugar de inscribirse, eligió viajar. Estudió durante unas semanas en el Instituto de Arte de Chicago con Boris Anisfeld, quien lo animó a dedicarse a la pintura.
Welles regresaba ocasionalmente a Woodstock, el lugar que finalmente nombró cuando le preguntaron en una entrevista de 1960, "¿Dónde está mi casa?" Welles respondió: "Supongo que es Woodstock, Illinois, si es que está en alguna parte". Fui a la escuela allí durante cuatro años. Si trato de pensar en un hogar, es eso."
Principios de su carrera (1931–1935)
Tras la muerte de su padre, Welles viajó a Europa utilizando una pequeña parte de su herencia. Welles dijo que durante un viaje a pie y pintando por Irlanda, entró en el Gate Theatre de Dublín y afirmó que era una estrella de Broadway. El gerente de Gate, Hilton Edwards, dijo más tarde que no le había creído, pero que estaba impresionado por su descaro y la audición apasionada que dio. Welles hizo su debut teatral en el Gate Theatre el 13 de octubre de 1931, apareciendo en la adaptación de Ashley Dukes de Jud Süß como el duque Karl Alexander de Württemberg. Interpretó pequeños papeles secundarios en producciones posteriores de Gate y produjo y diseñó sus propias producciones en Dublín. En marzo de 1932, Welles actuó en The Circle de W. Somerset Maugham en el Abbey Theatre de Dublín y viajó a Londres para encontrar trabajo adicional en el teatro. Al no poder obtener un permiso de trabajo, regresó a los Estados Unidos.
Welles descubrió que su fama era efímera y recurrió a un proyecto de escritura en Todd School que se convirtió en un éxito inmenso, primero titulado Everybody's Shakespeare y, posteriormente, The Mercury Shakespeare. Welles viajó al norte de África mientras trabajaba en miles de ilustraciones para la serie de libros educativos Everybody's Shakespeare, una serie que permaneció impresa durante décadas.
En 1933, Roger y Hortense Hill invitaron a Welles a una fiesta en Chicago, donde Welles conoció a Thornton Wilder. Wilder hizo arreglos para que Welles se reuniera con Alexander Woollcott en Nueva York para que le presentaran a Katharine Cornell, que estaba formando una compañía de teatro de repertorio. El esposo de Cornell, el director Guthrie McClintic, inmediatamente contrató a Welles y lo eligió para tres obras. Romeo and Juliet, The Barretts of Wimpole Street y Candida realizaron una gira de repertorio durante 36 semanas a partir de noviembre de 1933, con la primera de más de 200 actuaciones que tienen lugar en Buffalo, Nueva York.
En 1934, Welles consiguió su primer trabajo en la radio, con The American School of the Air, a través del actor y director Paul Stewart, quien le presentó al director Knowles Entrikin. Ese verano, Welles organizó un festival de teatro con la Escuela Todd en la Ópera de Woodstock, Illinois, e invitó a Micheál Mac Liammóir y Hilton Edwards del Teatro Gate de Dublín a aparecer junto con luminarias del escenario de Nueva York en producciones que incluyen Trilby, Hamlet, El Borracho y Tsar Paul. En la antigua estación de bomberos de Woodstock, también filmó su primera película, un cortometraje de ocho minutos titulado The Hearts of Age.
El 14 de noviembre de 1934, Welles se casó con la actriz y miembro de la alta sociedad de Chicago Virginia Nicolson (a menudo mal escrita como "Nicholson") en una ceremonia civil en Nueva York. Para apaciguar a los Nicolson, que estaban furiosos por la fuga de la pareja, se llevó a cabo una ceremonia formal el 23 de diciembre de 1934 en la mansión de la madrina de la novia en Nueva Jersey. Welles usó un corte que le prestó su amigo George Macready.
Una producción revisada de Romeo y Julieta de Katharine Cornell se inauguró el 20 de diciembre de 1934 en el Teatro Martin Beck de Nueva York. La producción de Broadway atrajo a Welles, de 19 años (que ahora interpreta a Tybalt), a John Houseman, un productor teatral que buscaba el papel principal en la producción debut de una de las obras en verso de Archibald MacLeish, Pánico. El 22 de marzo de 1935, Welles hizo su debut en la serie de CBS Radio The March of Time, interpretando una escena de Panic para un reportaje sobre la producción teatral.
En 1935, Welles complementaba sus ganancias en el teatro como actor de radio en Manhattan, trabajando con muchos actores que luego formaron el núcleo de su Teatro Mercury en programas que incluyen America's Hour, Cavalcade of America, Columbia Workshop y La Marcha del Tiempo. 'Dentro de un año de su debut, Welles podría reclamar ser miembro de esa banda de élite de actores de radio que comandaban salarios sólo superados por las estrellas de cine mejor pagadas,' escribió el crítico Richard France.
Teatro (1936–1938)
Proyecto Teatro Federal
Macbeth (1936)
Macbeth noche de apertura en el Teatro Lafayette (14 de abril de 1936)
Caballo come sombrero (1936)
Faustus (1937)
El Cradle Will Rock (1937)
Parte de la Works Progress Administration, el Federal Theatre Project (1935-1939) fue un programa del New Deal para financiar el teatro y otras representaciones artísticas en vivo y programas de entretenimiento en los Estados Unidos durante la Gran Depresión. Fue creado como una medida de alivio para emplear a artistas, escritores, directores y trabajadores del teatro. Bajo la dirección nacional Hallie Flanagan, se convirtió en un teatro verdaderamente nacional que creó arte relevante, alentó la experimentación y la innovación e hizo posible que millones de estadounidenses vieran teatro en vivo por primera vez.
John Houseman, director de la Unidad de Teatro Negro en Nueva York, invitó a Welles a unirse al Proyecto Federal de Teatro en 1935. Lejos de estar desempleado, "tenía tanto trabajo que olvidé cómo dormir", Welles puso una gran parte de sus ganancias de radio de $ 1,500 a la semana en sus producciones teatrales, evitando la burocracia administrativa y montando los proyectos de manera más rápida y profesional. "Roosevelt dijo una vez que yo era el único operador en la historia que alguna vez desvió dinero ilegalmente a un proyecto de Washington," dijo Welles.
El Federal Theatre Project fue el entorno ideal en el que Welles pudo desarrollar su arte. Su finalidad era el empleo, por lo que pudo contratar a cualquier número de artistas, artesanos y técnicos, y llenó el escenario de artistas. La compañía para la primera producción, una adaptación de Macbeth de William Shakespeare con un elenco completamente afroamericano, sumaba 150. La producción se hizo conocida como Voodoo Macbeth porque Welles cambió el escenario a una isla mítica que sugería la corte haitiana del rey Henri Christophe, con el vudú haitiano desempeñando el papel de la brujería escocesa. La obra se estrenó el 14 de abril de 1936 en el Teatro Lafayette de Harlem y fue recibida con entusiasmo. A los 20, Welles fue aclamado como un prodigio. Luego, la producción realizó una gira nacional de 4,000 millas que incluyó dos semanas en la Exposición del Centenario de Texas en Dallas.
La siguiente en montar fue la farsa Horse Eats Hat, una adaptación de Welles y Edwin Denby de The Italian Straw Hat, una farsa de cinco actos de 1851 de Eugène Marin Labiche y Marc-Michel. La obra se presentó del 26 de septiembre al 5 de diciembre de 1936 en el Maxine Elliott's Theatre, Nueva York, y contó con Joseph Cotten en su primer papel protagónico. Le siguió una adaptación de Dr. Faustus que usó la luz como elemento escénico principal unificador en un escenario casi negro, presentado del 8 de enero al 9 de mayo de 1937 en el Teatro Maxine Elliott.
Fuera del ámbito del Federal Theatre Project, el compositor estadounidense Aaron Copland eligió a Welles para dirigir El segundo huracán (1937), una opereta con libreto de Edwin Denby. Presentada en la Escuela de Música Henry Street Settlement en Nueva York en beneficio de los estudiantes de secundaria, la producción se inauguró el 21 de abril de 1937 y realizó las tres funciones programadas.
En 1937, Welles ensayó la opereta política de Marc Blitzstein, The Cradle Will Rock. Originalmente estaba programado para abrir el 16 de junio de 1937, en su primera vista previa pública. Debido a los severos recortes federales en los proyectos Works Progress, se canceló el estreno del espectáculo en el Teatro Maxine Elliott. El teatro estaba cerrado y vigilado para evitar que los materiales comprados por el gobierno se utilizaran para una producción comercial de la obra. En un movimiento de último minuto, Welles anunció a los que esperaban con boletos que el espectáculo se trasladaría al Venice, a 20 cuadras de distancia. Parte del elenco, parte del equipo y la audiencia recorrieron la distancia a pie. Los músicos sindicalizados se negaron a actuar en un teatro comercial por salarios gubernamentales no sindicalizados más bajos. Los actores' El sindicato manifestó que la producción pertenecía al Federal Theatre Project y no podía representarse fuera de ese contexto sin autorización. Sin la participación de los miembros del sindicato, The Cradle Will Rock comenzó con Blitzstein presentando el espectáculo y tocando el acompañamiento de piano en el escenario con algunos miembros del elenco actuando desde la audiencia. Esta actuación improvisada fue bien recibida por su público.
Teatro Mercurio
Rompiendo con el Federal Theatre Project en 1937, Welles y Houseman fundaron su propia compañía de repertorio, a la que llamaron Mercury Theatre. El nombre se inspiró en el título de la revista iconoclasta The American Mercury. Welles fue el productor ejecutivo y la compañía original incluía a actores como Joseph Cotten, George Coulouris, Geraldine Fitzgerald, Arlene Francis, Martin Gabel, John Hoyt, Norman Lloyd, Vincent Price, Stefan Schnabel e Hiram Sherman.
"Creo que fue el director con mayor talento que jamás hayamos tenido en el teatro [estadounidense]," Lloyd dijo de Welles en una entrevista de 2014. "Cuando veías una producción de Welles, veías que el texto había sido afectado, la puesta en escena era notable, los decorados eran inusuales, la música, el sonido, la iluminación, la totalidad de todo. No habíamos tenido un hombre así en nuestro teatro. Fue el primero y sigue siendo el más grande."
El Mercury Theatre abrió el 11 de noviembre de 1937 con Caesar, la adaptación moderna de Welles de la tragedia de Shakespeare Julius Caesar, simplificada en un tour de force antifascista que Joseph Cotten describió más tarde como "tan vigoroso, tan contemporáneo que puso a Broadway en su oído". El set estaba completamente abierto sin cortinas y la pared de ladrillo del escenario estaba pintada de rojo oscuro. Los cambios de escena se lograron solo con la iluminación. En el escenario había una serie de gradas; los cuadrados se cortaron en uno a intervalos y se colocaron luces debajo, apuntando directamente hacia arriba para evocar la 'catedral de la luz'; en los Rallies de Nuremberg. "Lo representó como un melodrama político que sucedió la noche anterior," dijo Lloyd.
A partir del 1 de enero de 1938, César se presentó en repertorio con Las vacaciones del zapatero; ambas producciones se trasladaron al Teatro Nacional más grande. Les siguieron Heartbreak House (29 de abril de 1938) y Danton's Death (5 de noviembre de 1938). Además de presentarse en una versión reducida de oratorio en el Mercury Theatre los domingos por la noche en diciembre de 1937, The Cradle Will Rock estuvo en el Windsor Theatre durante 13 semanas (del 4 de enero al 2 de abril de 1938).). Tal fue el éxito del Mercury Theatre que Welles apareció en la portada de la revista Time, completamente maquillado como el Capitán Shotover en Heartbreak House, en la edición del 9 de mayo de 1938. —tres días después de su cumpleaños número 23.
El 6 de abril de 1938, durante una producción de Caesar, Orson Welles apuñaló accidentalmente a Joseph Holland con un cuchillo de acero durante el Acto 3, Escena 1, donde Brutus traiciona a Caesar, un cuchillo real que se usa para el camino. se iluminó dramáticamente durante la escena. Holanda tardó un mes en recuperarse de la lesión y este incidente dañó permanentemente las relaciones entre los dos.
Radio (1936-1940)
Simultáneamente con su trabajo en el teatro, Welles trabajó extensamente en la radio como actor, escritor, director y productor, a menudo sin crédito. Entre 1935 y 1937 ganaba hasta 2.000 dólares a la semana, yendo de un estudio de radio a tal ritmo que apenas llegaba a tiempo para echar un vistazo rápido a sus líneas antes de salir al aire. Mientras dirigía el Voodoo Macbeth, Welles viajaba entre Harlem y el centro de Manhattan tres veces al día para cumplir con sus compromisos de radio.
Además de continuar como intérprete de repertorio en La marcha del tiempo, en el otoño de 1936 Welles adaptó e interpretó Hamlet en uno de los primeros episodios de dos partes de CBS. Radio's Taller de Colombia. Su actuación como locutor en la serie' La presentación en abril de 1937 del drama en verso de Archibald MacLeish The Fall of the City fue un avance importante en su carrera radiofónica y convirtió a Welles, de 21 años, en una estrella de la noche a la mañana.
En julio de 1937, Mutual Network le dio a Welles una serie de siete semanas para adaptar Los miserables. Fue su primer trabajo como guionista y director de radio, el debut radiofónico del Mercury Theatre y uno de los primeros y mejores logros de Welles. Inventó el uso de la narración en la radio.
“Al convertirse en el centro del proceso narrativo, Welles fomentó la impresión de autoadulación que acosaría su carrera hasta el día de su muerte”, escribió el crítico Andrew Sarris. "En su mayor parte, sin embargo, Welles fue singularmente generoso con los otros miembros de su elenco e inspiró lealtad de ellos más allá de la llamada del profesionalismo".
Ese septiembre, Mutual eligió a Welles para interpretar a Lamont Cranston, también conocido como La Sombra. Interpretó el papel de forma anónima hasta mediados de septiembre de 1938.
El teatro Mercury en el aire
Después de los éxitos teatrales del Mercury Theatre, CBS Radio invitó a Orson Welles a crear un espectáculo de verano durante 13 semanas. La serie comenzó el 11 de julio de 1938, inicialmente titulada First Person Singular, con la fórmula de que Welles sería el protagonista de cada programa. Unos meses más tarde el espectáculo se llamó The Mercury Theatre on the Air. El programa semanal de una hora presentaba obras radiofónicas basadas en obras literarias clásicas, con música original compuesta y dirigida por Bernard Herrmann.
La adaptación radiofónica de The Mercury Theatre de La guerra de los mundos de H. G. Wells el 30 de octubre de 1938 le dio a Welles fama instantánea. Más tarde se informó que la combinación de la forma de boletín de noticias de la actuación con los hábitos de giro del dial entre descansos de los oyentes creó una confusión generalizada entre los oyentes que no escucharon la introducción, aunque se ha cuestionado el alcance de esta confusión. Según los informes, el pánico se propagó entre los oyentes que creían en las noticias ficticias de una invasión marciana. El mito del resultado creado por la combinación se informó como un hecho en todo el mundo y fue mencionado despectivamente por Adolf Hitler en un discurso público.
La creciente fama de Welles atrajo ofertas de Hollywood, señuelos a los que Welles, de mentalidad independiente, se resistió al principio. The Mercury Theatre on the Air, que había sido un espectáculo sostenido (sin patrocinio) fue recogido por Campbell Soup y rebautizado como The Campbell Playhouse. The Mercury Theatre on the Air realizó su última emisión el 4 de diciembre de 1938, y The Campbell Playhouse comenzó cinco días después.
Welles comenzó a viajar de California a Nueva York para las dos transmisiones dominicales de The Campbell Playhouse después de firmar un contrato cinematográfico con RKO Pictures en agosto de 1939. En noviembre de 1939, la producción del programa se mudó de New York a Los Ángeles.
Después de 20 programas, Campbell comenzó a ejercer un control más creativo y tenía un control total sobre la selección de la historia. Cuando finalizó su contrato con Campbell, Welles decidió no firmar por otra temporada. Después de la transmisión del 31 de marzo de 1940, Welles y Campbell se separaron amigablemente.
Hollywood (1939-1948)
Ciudadano Kane (1941)
El Magnífico Ambersons (1942)
Viaje al miedo (1943)
El Extraño (1946)
La Señora de Shanghai (1947)
Macbeth (1948)
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El presidente de RKO Radio Pictures, George Schaefer, finalmente le ofreció a Welles lo que generalmente se considera el mayor contrato ofrecido a un cineasta, y mucho menos a uno que no había sido probado. Al contratarlo para escribir, producir, dirigir y actuar en dos películas, el contrato subordinaba los intereses financieros del estudio al control creativo de Welles y rompía todos los precedentes al otorgarle a Welles el derecho de corte final. Después de firmar un acuerdo resumido con RKO el 22 de julio, Welles firmó un contrato completo de 63 páginas el 21 de agosto de 1939. Los estudios de Hollywood resintieron amargamente el acuerdo y se burlaron persistentemente de la prensa especializada.
Ciudadana Kane
(feminine)
RKO rechazó las dos primeras propuestas cinematográficas de Welles, pero aceptó la tercera oferta: Ciudadano Kane. Welles coescribió, produjo y dirigió la película e interpretó el papel principal. Welles concibió el proyecto con el guionista Herman J. Mankiewicz, quien estaba escribiendo obras de radio para The Campbell Playhouse. Mankiewicz basó el esquema original del guión de la película en la vida de William Randolph Hearst, a quien conocía socialmente y llegó a odiar después de ser exiliado del círculo de Hearst.
Después de ponerse de acuerdo sobre la trama y el personaje, Welles proporcionó a Mankiewicz 300 páginas de notas y lo contrató para que escribiera el primer borrador del guión bajo la supervisión de John Houseman. Welles escribió su propio borrador, luego condensó y reorganizó drásticamente ambas versiones y agregó escenas propias. La industria acusó a Welles de restar importancia a la contribución de Mankiewicz al guión, pero Welles respondió a los ataques diciendo: "Al final, naturalmente, fui yo quien hizo la película, después de todo, quien tuvo que hacer la película". decisiones Usé lo que quería de Mank's y, para bien o para mal, me quedé con lo que me gustaba de lo mío."
El proyecto de Welles atrajo a algunos de los mejores técnicos de Hollywood, incluido el director de fotografía Gregg Toland. Para el elenco, Welles utilizó principalmente actores de su Mercury Theatre. El rodaje de Ciudadano Kane llevó diez semanas. Welles llamó a Toland "el mayor regalo que cualquier director, joven o viejo, podría tener jamás". Y nunca trató de convencernos de que estaba haciendo milagros. Simplemente siguió adelante y los interpretó. Le estaba pidiendo que hiciera cosas que solo un principiante podría ser lo suficientemente ignorante como para pensar que cualquiera podría hacerlas, y allí estaba él, haciéndolas."
La música de la película estuvo a cargo de Bernard Herrmann, quien había trabajado con Welles en la radio. Welles dijo que trabajó con Hermann en la partitura "muy íntimamente".
Los periódicos de Hearst prohibieron toda referencia a Citizen Kane y ejercieron una enorme presión sobre la comunidad cinematográfica de Hollywood para obligar a RKO a archivar la película. El jefe de RKO, George Schaefer, recibió una oferta en efectivo de Louis B. Mayer de MGM y otros ejecutivos importantes del estudio si destruía las copias negativas y existentes de la película.
Mientras esperaba el estreno de Citizen Kane, Welles produjo y dirigió la producción original de Broadway de Native Son, un drama escrito por Paul Green y Richard Wright basado en Wright& #39;s novela. Protagonizada por Canada Lee, el espectáculo se presentó del 24 de marzo al 28 de junio de 1941 en el St. James Theatre. The Mercury Production fue la última vez que Welles y Houseman trabajaron juntos.
Citizen Kane se estrenó de forma limitada y la película recibió elogios abrumadores de la crítica. Fue votada como la mejor película de 1941 por la National Board of Review y el New York Film Critics Circle. La película obtuvo nueve nominaciones a los Premios de la Academia, pero ganó solo como Mejor Guión Original, compartido por Mankiewicz y Welles. Variety informó que la votación en bloque de los extras de la pantalla privó a Citizen Kane de los Oscar a la Mejor Película y al Mejor Actor (Welles), y es probable que prejuicios similares hayan sido los responsables de que la película recibiera sin premios técnicos.
El retraso en el estreno de la película y la distribución desigual contribuyeron a resultados mediocres en la taquilla. Después de que siguiera su curso teatralmente, Citizen Kane fue retirado a la bóveda en 1942. Sin embargo, en la Francia de la posguerra, la reputación de la película creció después de que se vio por primera vez en 1946. En Estados Unidos, comenzó a ser revalorada después de que comenzara a aparecer en televisión en 1956. Ese año también fue relanzada en cines, y el crítico de cine Andrew Sarris la describió como "la gran película estadounidense" y "la obra que influyó en el cine más profundamente que cualquier película estadounidense desde El nacimiento de una nación." Citizen Kane es ahora ampliamente aclamada como una de las mejores películas jamás realizadas.
Las magníficas Ambersons
(feminine)
La segunda película de Welles para RKO fue The Magnificent Ambersons, adaptada por Welles de la novela ganadora del premio Pulitzer de Booth Tarkington. Toland no estaba disponible, por lo que Stanley Cortez fue nombrado director de fotografía. El meticuloso Cortez trabajó con lentitud y la película se retrasó y sobrepasó el presupuesto. Antes de la producción, se renegoció el contrato de Welles, revocando su derecho a controlar el corte final. The Magnificent Ambersons estuvo en producción del 28 de octubre de 1941 al 22 de enero de 1942. Gran parte del elenco de Kane regresó, incluidos Joseph Cotten, Agnes Moorehead y Ray Collins. También presenta a Anne Baxter como Lucy Morgan, Dolores Costello como Isabel Anderson Minafer, Tim Holt como George Amberson Minafer y Richard Bennett como Major Amberson. RKO cortó más de cuarenta minutos de metraje y agregó un final feliz, en contra de los deseos de Welles. Bernard Herrmann escribió parte de la partitura, pero exigió que se eliminara su nombre de los créditos después de que se editara la película. La película que sobrevive todavía se considera un clásico. Molly Haskell escribe: "Orson Welles maneja tan hábilmente el ritmo y el tono, una mezcla compleja de ironía y empatía, y el entrelazamiento de los efectos auditivos y visuales que, incluso cuando el tiempo transcurre sin descanso y los recuerdos amargos se acumulan, sentimos constantemente la euforia de la narración virtuosa. Aunque menos llamativo que Citizen Kane, el asombroso debut de Welles del año anterior, Ambersons va más allá, y sin la masa magnetizante de Welles en el centro, es más genuinamente polifónico." François Truffaut preguntó: "si Flaubert relee Quijote todos los años, ¿por qué no podemos ver Ambersons siempre que sea posible?"
Como broma interna, Welles incluyó una foto de un periódico llamado Indianapolis Daily Inquirer con una columna titulada "Stage Views" por Jed Leland. El Inquirer fue uno de los periódicos de Kane, y Jed Leland (Joseph Cotten) fue su crítico de teatro.
Durante el rodaje de la película, Welles también estaba produciendo una serie de radio semanal de media hora, The Orson Welles Show. Muchos del elenco de Ambersons participaron en la serie de CBS Radio, que se desarrolló desde el 15 de septiembre de 1941 hasta el 2 de febrero de 1942.
Peter Bogdanovich recordó haber visto la película en la televisión con Welles, quien tenía lágrimas en los ojos. Bogdanovich le preguntó a Orson sobre esa noche. Dije que suponía que había sido doloroso para él ver la película en su forma masacrada. 'No,' él dijo. No fue eso, no fue eso en absoluto. Eso sólo me hace enojar. ¿No ves? Fue porque es el pasado, se acabó... La nostalgia es un tema de muchas de las películas de Welles, incluidas Ambersons.
Viaje al miedo
A pedido de RKO, Welles trabajó en una adaptación del thriller de espías Journey into Fear de Eric Ambler, coescrita con Joseph Cotten. Además de actuar en la película, Welles fue el productor. La dirección fue acreditada a Norman Foster. Welles dijo más tarde que tenían tanta prisa que el director de cada escena lo determinaba el que estaba más cerca de la cámara.
Journey into Fear estuvo en producción del 6 de enero al 12 de marzo de 1942.
Trabajo de guerra
Embajadora de buena voluntad
(feminine)
A fines de noviembre de 1941, Welles fue designado embajador de buena voluntad en América Latina por Nelson Rockefeller, coordinador estadounidense de Asuntos Interamericanos y principal accionista de RKO Radio Pictures. La misión de la OCIAA era la diplomacia cultural, promover la solidaridad hemisférica y contrarrestar la creciente influencia de las potencias del Eje en América Latina. El gobierno brasileño le pidió a John Hay Whitney, jefe de la División Cinematográfica de la agencia, que produjera un documental de la celebración anual del Carnaval de Río que se realizaba a principios de febrero de 1942. En un telegrama del 20 de diciembre de 1941, Whitney escribió Welles, "Personalmente creo que harías una gran contribución a la solidaridad del hemisferio con este proyecto."
La OCIAA patrocinó giras culturales por América Latina y nombró embajadores de buena voluntad, incluidos George Balanchine y el American Ballet, Bing Crosby, Aaron Copland, Walt Disney, John Ford y Rita Hayworth. Welles fue informado minuciosamente en Washington, D.C., inmediatamente antes de su partida a Brasil, y la estudiosa de cine Catherine L. Benamou, especialista en asuntos latinoamericanos, encuentra que "no es improbable" que él estaba entre los embajadores de buena voluntad a quienes se les pidió que reunieran inteligencia para el gobierno de los EE. UU. además de sus deberes culturales. Ella concluye que la aceptación de la solicitud de Whitney por parte de Welles fue "una elección lógica y claramente patriótica".
Además de trabajar en su desafortunado proyecto cinematográfico It's All True, Welles fue responsable de programas de radio, conferencias, entrevistas y charlas informales como parte de su proyecto cultural patrocinado por OCIAA. misión, que fue considerada un éxito. Habló sobre temas que iban desde Shakespeare hasta las artes visuales en reuniones de la élite de Brasil, y sus dos transmisiones de radio intercontinentales en abril de 1942 tenían la intención particular de decirle al público estadounidense que el presidente Vargas era socio de los Aliados. La misión de embajador de Welles se amplió para permitirle viajar a otras naciones, incluidas Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Guatemala, México, Perú y Uruguay. Welles trabajó durante más de medio año sin compensación.
Las propias expectativas de Welles para la película eran modestas. "It's All True no iba a hacer ninguna historia cinematográfica, ni tenía la intención de hacerlo," dijo más tarde. "Se pretendía que fuera una ejecución perfectamente honorable de mi trabajo como embajador de buena voluntad, trayendo entretenimiento al hemisferio norte que les mostrara algo sobre el hemisferio sur."
Todo es verdad
En julio de 1941, Welles concibió It's All True como una película ómnibus que mezclaba documental y docuficción en un proyecto que enfatizaba la dignidad del trabajo y celebraba la diversidad cultural y étnica de América del Norte.. Iba a ser su tercera película para RKO, después de Citizen Kane (1941) y The Magnificent Ambersons (1942). Duke Ellington fue contratado para componer un segmento con el título provisional 'La historia del jazz', extraído de la autobiografía de Louis Armstrong de 1936, Swing That Music. Armstrong fue elegido para interpretarse a sí mismo en la breve dramatización de la historia de la interpretación del jazz, desde sus raíces hasta su lugar en la cultura estadounidense en la década de 1940. "La historia del jazz" iba a entrar en producción en diciembre de 1941.
Mercury Productions compró las historias de otros dos segmentos: "My Friend Bonito" y 'La silla del capitán', del documentalista Robert J. Flaherty. Adaptada por Norman Foster y John Fante, "My Friend Bonito" fue el único segmento del It's All True original que entró en producción. El rodaje se llevó a cabo en México entre septiembre y diciembre de 1941, con la dirección de Norman Foster bajo la supervisión de Welles.
En diciembre de 1941, la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos le pidió a Welles que hiciera una película en Brasil que mostrara el Carnaval de Río de Janeiro. Con el rodaje de "My Friend Bonito" casi dos tercios completos, Welles decidió que podía cambiar la geografía de It's All True e incorporar la historia de Flaherty en una película ómnibus sobre América Latina, apoyando a la administración Roosevelt.;s política del Buen Vecino, que Welles abogó fuertemente. En este concepto revisado, "La historia del jazz" fue reemplazada por la historia de la samba, una forma musical con una historia comparable y que llegó a fascinar a Welles. También decidió hacer un episodio arrancado de los titulares sobre el viaje épico de cuatro pobres pescadores brasileños, los jangadeiros, que se habían convertido en héroes nacionales. Welles dijo más tarde que esta era la historia más valiosa.
Requerido para filmar el Carnaval de Río de Janeiro a principios de febrero de 1942, Welles se apresuró a editar The Magnificent Ambersons y terminar sus escenas de actuación en Journey into Fear. Terminó su lucrativo programa de radio de CBS el 2 de febrero, voló a Washington, D.C., para una sesión informativa y luego armó una versión preliminar de Ambersons en Miami con el editor Robert Wise. Welles registró la narración de la película la noche antes de partir hacia América del Sur: "Fui a la sala de proyección alrededor de las cuatro de la mañana, hice todo, y luego me subí al avión y me fui a Río". —y el fin de la civilización tal como la conocemos."
Welles partió hacia Brasil el 4 de febrero y comenzó a filmar en Río el 8 de febrero de 1942. En ese momento no parecía que los otros proyectos cinematográficos de Welles se interrumpieran, pero como escribió la historiadora de cine Catherine L. Benamou, "el nombramiento del embajador sería el primero de una serie de puntos de inflexión que conducirán—en 'zigs' y 'zags,' en lugar de en línea recta, hasta la pérdida de Welles del control total como director sobre The Magnificent Ambersons y It's All True, la cancelación de su contrato en RKO Radio Studio, la expulsión de su empresa Mercury Productions del lote de RKO y, en definitiva, la suspensión total de It's All True.
En 1942, RKO Pictures experimentó cambios importantes bajo una nueva dirección. Nelson Rockefeller, el principal patrocinador del proyecto de Brasil, dejó su junta directiva, y el principal patrocinador de Welles en RKO, el presidente del estudio, George Schaefer, renunció. RKO tomó el control de Ambersons y editó la película en lo que el estudio consideró un formato comercial. Los intentos de Welles por proteger su versión finalmente fracasaron. En Sudamérica, Welles solicitó recursos para terminar It's All True. Dada una cantidad limitada de material de película en blanco y negro y una cámara silenciosa, pudo terminar de filmar el episodio sobre los jangadeiros, pero RKO se negó a apoyar la producción adicional de la película.
"Así que me despidieron de RKO," Welles recordó más tarde. “E hicieron un gran comentario publicitario sobre el hecho de que me había ido a América del Sur sin un guión y tiré todo este dinero. Nunca me recuperé de ese ataque." Más tarde, en 1942, cuando RKO Pictures comenzó a promocionar su nuevo lema corporativo, 'Showmanship In Place of Genius: A New Deal at RKO', Welles lo entendió como una referencia a él.
Radio (1942-1943)
Welles regresó a los Estados Unidos el 22 de agosto de 1942, después de más de seis meses en América del Sur. Una semana después de su regreso, produjo y presentó las dos primeras horas de una transmisión de siete horas de costa a costa de War Bond titulada I Pledge America. Transmitido el 29 de agosto de 1942 en Blue Network, el programa se presentó en cooperación con el Departamento del Tesoro de los Estados Unidos, Western Union (que transfirió suscripciones de bonos sin cargo) y los Servicios Voluntarios de Mujeres Estadounidenses. Con 21 bandas de baile y una veintena de estrellas del teatro, la pantalla y la radio, la transmisión recaudó más de $10 millones (más de $146 millones en la actualidad) para el esfuerzo bélico.
El 12 de octubre de 1942, Cavalcade of America presentó la obra radiofónica de Welles, Admiral of the Ocean Sea, una mirada entretenida y objetiva a la leyenda de Cristobal colon.
"Pertenece a un período en que la unidad hemisférica era un asunto crucial y muchos programas se dedicaban al patrimonio común de las Américas," escribió el historiador de la radiodifusión Erik Barnouw. “Muchos de esos programas se estaban traduciendo al español y al portugués y se transmitían a América Latina, para contrarrestar muchos años de exitosa propaganda del Eje en esa área. El Eje, tratando de agitar a América Latina contra Angloamérica, había enfatizado constantemente las diferencias entre los dos. Se convirtió en el trabajo de la radio estadounidense enfatizar su experiencia común y unidad esencial."
Admiral of the Ocean Sea, también conocido como Columbus Day, comienza con las palabras "Hello Americans", el título que Welles elegiría para su propia serie cinco semanas después.
Hello Americans, una serie de CBS Radio transmitida del 15 de noviembre de 1942 al 31 de enero de 1943, fue producida, dirigida y presentada por Welles bajo los auspicios de la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos.. El programa semanal de 30 minutos promovió el entendimiento y la amistad interamericanos, basándose en la investigación acumulada para la desafortunada película It's All True. La serie se produjo al mismo tiempo que la otra serie de CBS de Welles, Ceiling Unlimited (9 de noviembre de 1942 - 1 de febrero de 1943), patrocinada por Lockheed-Vega Corporation. El programa fue concebido para glorificar la industria de la aviación y dramatizar su papel en la Segunda Guerra Mundial. Los espectáculos de Welles se consideraron contribuciones significativas al esfuerzo bélico.
A lo largo de la guerra, Welles trabajó en programas de radio patrióticos, incluidos Command Performance, G.I. Journal, Mail Call, Nazi Eyes on Canada, Stage Door Canteen y Tesoro Star Parade.
El espectáculo de las maravillas de Mercurio
A principios de 1943, las dos series de radio simultáneas (Ceiling Unlimited, Hello Americans) que Orson Welles creó para CBS para apoyar el esfuerzo bélico habían terminado. El rodaje también había terminado en la adaptación cinematográfica de 1943 de Jane Eyre y esa tarifa, además de los ingresos de sus papeles regulares de estrella invitada en la radio, hizo posible que Welles cumpliera el sueño de toda su vida. Se acercó a la Liga de Asistencia de Guerra del Sur de California y propuso un espectáculo que evolucionó hasta convertirse en un gran espectáculo, en parte circo y en parte espectáculo de magia. Ofreció sus servicios como mago y director e invirtió unos 40.000 dólares de su propio dinero en un gran espectáculo que coprodujo con su amigo Joseph Cotten: The Mercury Wonder Show for Service Men. Los miembros de las fuerzas armadas de los EE. UU. fueron admitidos de forma gratuita, mientras que el público en general tuvo que pagar. El espectáculo entretuvo a más de 1,000 miembros del servicio cada noche y las ganancias se destinaron a War Assistance League, una organización benéfica para el personal del servicio militar.
El desarrollo del programa coincidió con la resolución del estado de reclutamiento de Welles que cambiaba a menudo en mayo de 1943, cuando finalmente fue declarado 4-F (no apto para el servicio militar) por una variedad de razones médicas. "Me sentí culpable por la guerra", " Welles le dijo a la biógrafa Barbara Leaming. "Estaba lleno de culpa por mi condición de civil." Había sido acosado públicamente por su patriotismo desde Ciudadano Kane, cuando la prensa de Hearst comenzó a investigar persistentemente por qué Welles no había sido reclutado.
The Mercury Wonder Show se llevó a cabo del 3 de agosto al 9 de septiembre de 1943, en una carpa de 80 por 120 pies ubicada en 900 Cahuenga Boulevard, en el corazón de Hollywood.
En el intermedio del 7 de septiembre de 1943, la radio KMPC entrevistó a la audiencia y al elenco de The Mercury Wonder Show, incluidos Welles y Rita Hayworth, quienes se casaron ese mismo día. Welles comentó que The Mercury Wonder Show se había realizado para aproximadamente 48.000 miembros de las fuerzas armadas de EE. UU.
Radio (1944-1945)
La idea de hacer un programa de variedades de radio se le ocurrió a Welles después de su éxito como presentador suplente de cuatro episodios consecutivos (14 de marzo - 4 de abril de 1943) de The Jack Benny Program, radio' El espectáculo más popular de Benny, cuando Benny contrajo neumonía en una gira de presentaciones por bases militares. Un programa de variedades de media hora transmitido del 26 de enero al 19 de julio de 1944 en Columbia Pacific Network, The Orson Welles Almanac presentó sketches de comedia, magia, lectura mental, música y lecturas de obras clásicas. Muchos de los espectáculos se originaron en campamentos militares estadounidenses, donde Welles y su compañía de repertorio e invitados entretuvieron a las tropas con una versión reducida de The Mercury Wonder Show. Las actuaciones del grupo de jazz de estrellas que Welles reunió para el espectáculo fueron tan populares que la banda se convirtió en una característica habitual y fue una fuerza importante para revivir el interés por el jazz tradicional de Nueva Orleans. Welles fue colocado en la nómina del Tesoro de los EE. UU. el 15 de mayo de 1944, como consultor experto durante la guerra, con un anticipo de $ 1 por año. Por recomendación del presidente Franklin D. Roosevelt, el secretario del Tesoro, Henry Morgenthau, le pidió a Welles que dirigiera la campaña Fifth War Loan Drive, que se inauguró el 12 de junio con un programa de radio de una hora en las cuatro cadenas, transmitido desde Texarkana, Texas. Incluyendo una declaración del presidente, el programa definió las causas de la guerra y alentó a los estadounidenses a comprar $16 000 millones en bonos para financiar el desembarco de Normandía y la fase más violenta de la Segunda Guerra Mundial. Welles produjo transmisiones adicionales de campañas de préstamo de guerra el 14 de junio desde el Hollywood Bowl y el 16 de junio desde Soldier Field, Chicago. Los estadounidenses compraron 20 600 millones de dólares en bonos de guerra durante la campaña de préstamos de la Quinta Guerra, que finalizó el 8 de julio de 1944.
Welles hizo una ferviente campaña a favor de Roosevelt en 1944. Partidario de mucho tiempo y orador de la campaña de FDR, ocasionalmente enviaba al presidente ideas y frases que a veces se incorporaban en lo que Welles caracterizó como "discursos menos importantes". Una de estas ideas fue la broma en lo que llegó a llamarse el discurso de Fala, el discurso de Roosevelt transmitido a nivel nacional el 23 de septiembre ante la Unión Internacional de Camioneros que abrió la campaña presidencial de 1944.
Welles hizo campaña a favor de la fórmula Roosevelt-Truman casi a tiempo completo en el otoño de 1944, viajando a casi todos los estados en detrimento de su propia salud y por cuenta propia. Además de sus discursos de radio, reemplazó a Roosevelt, frente al candidato presidencial republicano Thomas E. Dewey, en The New York Herald Tribune Forum transmitido el 18 de octubre por Blue Network. Welles acompañó a FDR a su último mitin de campaña, hablando en un evento el 4 de noviembre en el Fenway Park de Boston ante 40.000 personas, y participó en una histórica campaña de vísperas de elecciones transmitida el 6 de noviembre en las cuatro cadenas de radio.
El 21 de noviembre de 1944, Welles comenzó su asociación con This Is My Best, una serie de radio de CBS que produciría, dirigiría, escribiría y presentaría brevemente (del 13 de marzo al 24 de abril de 1945). Escribió una columna política llamada Orson Welles' Almanac (más tarde titulado Orson Welles Today) para The New York Post de enero a noviembre de 1945, y abogó por la continuación de las políticas del New Deal de FDR y su visión internacional, particularmente el establecimiento de las Naciones Unidas y la causa de la paz mundial.
El 12 de abril de 1945, el día en que murió Franklin D. Roosevelt, la red Blue-ABC reunió a todo su personal ejecutivo y líderes nacionales para rendir homenaje al difunto presidente. "Entre los programas destacados que atrajeron gran atención se encontraba un tributo especial entregado por Orson Welles", informó la revista Broadcasting. Welles habló a las 10:10 p. m. hora del Este, desde Hollywood, y enfatizó la importancia de continuar con el trabajo de FDR: "Él no tiene necesidad de homenaje y nosotros, que lo amamos, no tenemos tiempo para llorar... Nuestros hijos y hermanos luchadores no pueden hacer una pausa esta noche para conmemorar la muerte de aquel cuyo nombre será dado a la era en la que vivimos."
Welles presentó otra transmisión especial sobre la muerte de Roosevelt la noche siguiente: "Debemos avanzar más allá de la mera muerte hacia ese mundo libre que fue la esperanza y el trabajo de su vida".
Dedicó el episodio del 17 de abril de This Is My Best a Roosevelt y al futuro de Estados Unidos en vísperas de la Conferencia de las Naciones Unidas sobre Organización Internacional. Welles fue asesor y corresponsal de la cobertura de la red de radio Blue-ABC de la conferencia de San Francisco que formó la ONU, que tuvo lugar del 24 de abril al 23 de junio de 1945. Presentó un programa dramático de media hora escrito por Ben Hecht. el día de la inauguración de la conferencia y los domingos por la tarde (del 29 de abril al 10 de junio) dirigió una discusión semanal desde el Auditorio Cívico de San Francisco.
La extraña
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En el otoño de 1945, Welles comenzó a trabajar en The Stranger (1946), un drama de cine negro sobre un investigador de crímenes de guerra que rastrea a un fugitivo nazi de alto rango hasta una idílica ciudad de Nueva Inglaterra. Edward G. Robinson, Loretta Young y Welles protagonizan.
El productor Sam Spiegel planeó inicialmente contratar al director John Huston, quien había reescrito el guión de Anthony Veiller. Cuando Houston ingresó al ejército, a Welles se le dio la oportunidad de dirigir y demostrar que era capaz de hacer una película a tiempo y dentro del presupuesto, algo que estaba tan ansioso por hacer que aceptó un contrato desventajoso. Una de sus concesiones fue que cedería al estudio en cualquier disputa creativa.
The Stranger fue el primer trabajo de Welles como director de cine en cuatro años. Le dijeron que si la película tenía éxito, podría firmar un contrato de cuatro películas con International Pictures, haciendo películas de su propia elección. A Welles se le dio cierto grado de control creativo y se esforzó por personalizar la película y desarrollar un tono de pesadilla. Trabajó en la reescritura general del guión y escribió escenas al comienzo de la película que fueron filmadas pero luego cortadas por los productores. Filmó en tomas largas que frustraron en gran medida el control otorgado al editor Ernest J. Nims según los términos del contrato.
The Stranger fue la primera película comercial en utilizar imágenes documentales de los campos de concentración nazis. Welles había visto las imágenes a principios de mayo de 1945 en San Francisco, como corresponsal y moderador de debates en la Conferencia de las Naciones Unidas sobre Organización Internacional. Escribió sobre las imágenes del Holocausto en su columna sindicada del New York Post el 7 de mayo de 1945.
Terminada un día antes de lo previsto y por debajo del presupuesto, The Stranger fue la única película realizada por Welles que fue un auténtico éxito de taquilla tras su estreno. Su costo fue de $1.034 millones; 15 meses después de su lanzamiento había recaudado $3.216 millones. A las pocas semanas de la finalización de la película, International Pictures se retractó de su prometido acuerdo de cuatro películas con Welles. No se dio ninguna razón, pero se dejó la impresión de que The Stranger no ganaría dinero.
Alrededor del mundo
En el verano de 1946, Welles se mudó a Nueva York para dirigir el musical de Broadway La vuelta al mundo, una adaptación teatral de la novela de Julio Verne La vuelta al mundo en ochenta días. con libreto de Welles y música de Cole Porter. El productor Mike Todd, que más tarde produciría la exitosa adaptación cinematográfica de 1956, se retiró de la lujosa y costosa producción, dejando a Welles a cargo de las finanzas. Cuando Welles se quedó sin dinero, convenció al presidente de Columbia Pictures, Harry Cohn, de que enviara suficiente dinero para continuar con el programa y, a cambio, Welles prometió escribir, producir, dirigir y protagonizar una película para Cohn sin pagar más. El espectáculo teatral pronto fracasó debido a la mala taquilla, y Welles no pudo reclamar las pérdidas en sus impuestos. Inspirado por el mago y pionero del cine Georges Méliès, el espectáculo requirió cincuenta y cinco tramoyistas y utilizó películas para unir escenas. Welles dijo que era su favorita de sus producciones teatrales. Con respecto a su extravagancia, el crítico Robert Garland dijo que tenía "todo menos el fregadero de la cocina". La noche siguiente, Welles sacó un fregadero de la cocina.
Radio (1946)
En 1946, Welles comenzó dos nuevas series de radio: The Mercury Summer Theatre of the Air para CBS y Orson Welles Commentaries para ABC. Si bien Mercury Summer Theatre presentó adaptaciones de media hora de algunos programas de radio clásicos de Mercury de la década de 1930, el primer episodio fue una condensación de su obra de teatro Around the World, y es el único registro de la música de Cole Porter para el proyecto. Varios actores originales de Mercury regresaron para la serie, así como Bernard Herrmann. Welles invirtió sus ganancias en su fallida obra de teatro. Comentarios fue un vehículo político para él, continuando los temas de su columna New York Post. Una vez más, Welles carecía de un enfoque claro, hasta que la NAACP llamó su atención sobre el caso de Isaac Woodard. Welles atrajo una atención significativa a la causa de Woodard.
La última emisión de los Comentarios de Orson Welles el 6 de octubre de 1946 marcó el final de los programas de radio del propio Welles.
La dama de Shanghai
La película que Welles se vio obligado a realizar a cambio de la ayuda de Harry Cohn para financiar la producción teatral La vuelta al mundo fue La dama de Shanghai, rodada en 1947 para Columbia Pictures. Pensado como un thriller modesto, el presupuesto se disparó después de que Cohn sugiriera que la segunda esposa de Welles, Rita Hayworth, coprotagonizara.
A Cohn no le gustó el corte preliminar de Welles, en particular la trama confusa y la falta de primeros planos, y no simpatizaba con el uso brechtiano de la ironía y la comedia negra de Welles, especialmente en una escena ridícula en la corte. Cohn ordenó una edición extensa y nuevas tomas. Después de una intensa edición por parte del estudio, se eliminó aproximadamente una hora del primer corte de Welles, incluida gran parte de una escena de confrontación culminante en la casa de la risa de un parque de diversiones. Si bien expresó su descontento por los cortes, Welles se horrorizó particularmente con la partitura musical. La película se consideró un desastre en Estados Unidos en el momento de su estreno, aunque el tiroteo final en una sala de espejos (el uso de espejos es un motivo recurrente de Welles, comenzando con Kane) desde entonces se ha convertido en una piedra de toque del cine negro. No mucho después del lanzamiento, Welles y Hayworth finalizaron su divorcio.
Aunque La dama de Shanghái fue aclamada en Europa, no fue aceptada en los EE. UU. hasta décadas después, donde ahora se la considera a menudo como un clásico del cine negro. Una diferencia similar en la recepción en lados opuestos del Atlántico, seguida de una mayor aceptación estadounidense, le sucedió a la película de Chaplin inspirada en Welles Monsieur Verdoux, originalmente dirigida por Welles protagonizada por Chaplin, luego dirigida por Chaplin con el idea acreditada a Welles.
Macbeth
Antes de 1948, Welles convenció a Republic Pictures para que le permitiera dirigir una versión de bajo presupuesto de Macbeth, que presentaba escenarios y vestuario muy estilizados, y un elenco de actores sincronizando los labios con un pre- banda sonora grabada, una de las muchas técnicas innovadoras de reducción de costos que Welles implementó en un intento de hacer una película épica a partir de recursos de películas B. El guión, adaptado por Welles, es una reelaboración violenta del original de Shakespeare, cortando y pegando libremente líneas en nuevos contextos a través de una técnica de collage y reformulando Macbeth como un choque de pagano y proto-cristiano. ideologías Algunos adornos vudú de la famosa adaptación teatral Welles/Houseman Negro Theatre son visibles, especialmente en la caracterización de la película de las Weird Sisters, quienes crean una efigie de Macbeth como un amuleto para encantarlo. De todas las producciones de Hollywood posteriores a Kane de Welles, Macbeth es estilísticamente más cercana a Citizen Kane en sus tomas largas y fotografía de enfoque profundo.
Republic inicialmente anunció la película como un trabajo importante, pero decidió que no le importaban los acentos escoceses y retrasó el estreno general durante casi un año después de la reacción negativa de la prensa, incluida Life's comentan que la película de Welles "asesina brutalmente a Shakespeare." Welles se fue a Europa, mientras que el coproductor y partidario de toda la vida, Richard Wilson, reelaboró la banda sonora. Welles regresó y cortó 20 minutos de la película a pedido de Republic y grabó la narración para cubrir algunos vacíos. La película fue calificada de desastre. Macbeth tenía admiradores influyentes en Europa, especialmente el poeta y cineasta francés Jean Cocteau, quien elogió el "poder crudo e irreverente" de la película. y un cuidadoso diseño de las tomas, y describió a los personajes como inquietantes 'los pasillos de un metro de ensueño, una mina de carbón abandonada y sótanos en ruinas que rezuman agua'.
Europa (1948–1956)
En Italia interpretó a Cagliostro en la película de 1948 Black Magic. Su coprotagonista, Akim Tamiroff, impresionó tanto a Welles que Tamiroff aparecería en cuatro de las producciones de Welles durante las décadas de 1950 y 1960.
Al año siguiente, Welles interpretó a Harry Lime en The Third Man de Carol Reed, junto a Joseph Cotten, su amigo y coprotagonista de Citizen Kane., con guión de Graham Greene y memorable partitura de Anton Karas. En él, Welles hace lo que Roger Ebert llamó "la entrada más famosa del cine y uno de los discursos más famosos". Greene atribuyó el discurso a Welles.
Pocos años después, el productor de radio británico Harry Alan Towers resucitaría al personaje de Lime en la serie radiofónica Las aventuras de Harry Lime.
Welles interpretó a Cesare Borgia en la película italiana de 1949 Prince of Foxes, con Tyrone Power y el ex alumno de Mercury Theatre Everett Sloane, y como el guerrero mongol Bayan en la versión cinematográfica de 1950 de la novela La Rosa Negra (otra vez con Tyrone Power).
Otelo
Durante este tiempo, Welles estaba canalizando su dinero de trabajos de actuación en una versión cinematográfica autofinanciada de la obra de Shakespeare Othello. De 1949 a 1951, Welles trabajó en Othello, filmando en locaciones de Italia y Marruecos. La película presentaba a los amigos de Welles, Micheál Mac Liammóir como Iago y Hilton Edwards como el padre de Desdémona, Brabantio. Suzanne Cloutier interpretó a Desdémona y el ex alumno de Campbell Playhouse, Robert Coote, interpretó al asociado de Iago, Roderigo.
La filmación se suspendió varias veces porque Welles se quedó sin fondos y se fue a trabajar como actor, como se explica en detalle en las memorias publicadas de MacLiammóir Put Money in Thy Purse. Las copias del lanzamiento estadounidense tenían una banda sonora técnicamente defectuosa, que sufría una pérdida de sonido en cada momento de silencio. La hija de Welles, Beatrice Welles-Smith, restauró Othello en 1992 para una amplia reedición. La restauración incluyó la reconstrucción de la partitura musical original de Angelo Francesco Lavagnino, que originalmente era inaudible, y la adición de efectos de sonido estéreo ambiental, que no estaban en la película original. La restauración tuvo una exitosa presentación teatral en Estados Unidos. David Thomson escribe sobre el Otelo de Welles, "la poesía flota en el aire, como la niebla del mar o el incienso". Anthony Lane escribe que “Parte de la acción se filmó en Venecia, y de vez en cuando me pregunto qué se deslizó dentro de la carcasa de la cámara; la película parece ennegrecida y plateada, como un espejo envejecido, o como si la emulsión de la impresión ya estuviera a punto de descomponerse. No se puede decir qué es o no Shakespeare, dónde comienza y termina su influencia." La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes, donde ganó el Grand Prix (precursor de la Palme d'or).
En 1952, Welles siguió encontrando trabajo en Inglaterra tras el éxito del programa de radio Harry Lime. Harry Alan Towers le ofreció a Welles otra serie, The Black Museum, que duró 52 semanas con Welles como presentador y narrador. El director Herbert Wilcox le ofreció a Welles el papel de la víctima asesinada en El último caso de Trent, basada en la novela de E. C. Bentley. En 1953, la BBC contrató a Welles para leer una hora de selecciones del poema épico de Walt Whitman Song of Myself. Towers volvió a contratar a Welles para interpretar al profesor Moriarty en la serie de radio Las aventuras de Sherlock Holmes, protagonizada por John Gielgud y Ralph Richardson.
Welles regresó brevemente a Estados Unidos para hacer su primera aparición en televisión, protagonizando la presentación Omnibus de King Lear, transmitida en vivo por CBS el 18 de octubre de 1953. Dirigida por Peter Brook, la producción fue coprotagonizada por Natasha Parry, Beatrice Straight y Arnold Moss.
En 1954, el director George More O'Ferrall le ofreció a Welles el papel principal en 'Lord Mountdrago' segmento de Tres casos de asesinato, coprotagonizada por Alan Badel. Herbert Wilcox eligió a Welles como antagonista en Trouble in the Glen junto a Margaret Lockwood, Forrest Tucker y Victor McLaglen. El viejo amigo John Huston lo eligió como el padre Mapple en su adaptación cinematográfica de 1956 de Moby-Dick de Herman Melville, protagonizada por Gregory Peck.
Sr. Arkadín
El siguiente turno de Welles como director fue la película Mr. Arkadin (1955), que fue producido por su mentor político de la década de 1940, Louis Dolivet. Fue filmada en Francia, Alemania, España e Italia con un presupuesto muy limitado. Basado libremente en varios episodios del programa de radio Harry Lime, Welles interpreta a un multimillonario que contrata a un hombre para profundizar en los secretos de su pasado. La película está protagonizada por Robert Arden, que había trabajado en la serie Harry Lime; la tercera esposa de Welles, Paola Mori, cuya voz fue doblada por la actriz Billie Whitelaw; y las estrellas invitadas Akim Tamiroff, Michael Redgrave, Katina Paxinou y Mischa Auer. Frustrado por su lento progreso en la sala de edición, el productor Dolivet sacó a Welles del proyecto y terminó la película sin él. Eventualmente, se estrenarían cinco versiones diferentes de la película, dos en español y tres en inglés. La versión que completó Dolivet se tituló de nuevo Informe confidencial. En 2005, Stefan Droessler, del Museo del Cine de Múnich, supervisó una reconstrucción de los elementos cinematográficos supervivientes.
Proyectos de televisión
En 1955, Welles también dirigió dos series de televisión para la BBC. El primero fue Orson Welles' Sketch Book, una serie de seis espectáculos de 15 minutos en los que Welles dibuja en un cuaderno de bocetos para ilustrar sus recuerdos para la cámara (incluidos temas como la filmación de It's All True y el caso de Isaac Woodard), y el segundo fue La vuelta al mundo con Orson Welles, una serie de seis relatos de viaje ambientados en diferentes lugares de Europa (como Viena, el País Vasco entre Francia y España, y Inglaterra). Welles se desempeñó como presentador y entrevistador, y su comentario incluyó hechos documentales y sus propias observaciones personales (una técnica que continuaría explorando en trabajos posteriores).
Durante el episodio 3 de Sketchbook, Welles ataca deliberadamente el abuso de los poderes policiales en todo el mundo. El episodio comienza con él contando la historia de Isaac Woodard, un veterano afroamericano del Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial al que un conductor de autobús acusa falsamente de estar borracho y desordenado, quien luego hace que un policía saque al hombre del autobús. Woodard no es arrestado de inmediato, sino que lo golpean hasta dejarlo inconsciente casi hasta el punto de la muerte y cuando finalmente recupera el conocimiento, queda permanentemente ciego. Cuando los médicos del ejército de los EE. UU. lo ubicaron tres semanas después, no se podía hacer nada. Welles asegura a la audiencia que él personalmente se encargó de que se hiciera justicia a este policía, aunque no menciona qué tipo de justicia se entregó. Welles luego continúa dando otros ejemplos de policías a los que se les da más poder y autoridad de lo necesario. El título de este episodio es "La policía".
En 1956, Welles completó Retrato de Gina. Dejó la única copia en su habitación del Hôtel Ritz de París. Las latas de película permanecerían en un casillero de objetos perdidos en el hotel durante varias décadas, donde fueron descubiertas en 1986, después de la muerte de Welles.
Regreso a Hollywood (1956-1959)
En 1956, Welles regresó a Hollywood.
Comenzó a filmar un piloto proyectado para Desilu, propiedad de Lucille Ball y su esposo Desi Arnaz, quienes recientemente compraron los antiguos estudios RKO. La película fue La Fuente de la Juventud, basada en una historia de John Collier. Originalmente considerada no viable como piloto, la película no se emitió hasta 1958 y ganó el Premio Peabody a la excelencia.
Welles fue estrella invitada en programas de televisión, incluido I Love Lucy. En la radio, fue el narrador de Mañana (17 de octubre de 1956), un drama sobre el holocausto nuclear producido y distribuido por ABC y la Administración Federal de Defensa Civil.
El siguiente papel cinematográfico de Welles fue en Man in the Shadow para Universal Pictures en 1957, protagonizada por Jeff Chandler.
Toque del mal
Welles se quedó en Universal para dirigir (y coprotagonizar) a Charlton Heston en la película de 1958 Touch of Evil, basada en la novela Badge of Evil. Originalmente solo contratado como actor, Welles fue ascendido a director por Universal Studios ante la insistencia de Heston. La película reunió a muchos actores y técnicos con los que Welles había trabajado en Hollywood en la década de 1940, incluido el camarógrafo Russell Metty (The Stranger), el maquillador Maurice Seiderman (Citizen Kane), y los actores Joseph Cotten, Marlene Dietrich y Akim Tamiroff. El rodaje transcurrió sin problemas, con Welles terminando a tiempo y dentro del presupuesto, y los jefes de estudio elogiando las prisas diarias. Sin embargo, después del final de la producción, el estudio volvió a editar la película, volvió a filmar escenas y filmó nuevas escenas de exposición para aclarar la trama. Welles escribió un memorando de 58 páginas en el que describía sugerencias y objeciones, afirmando que la película ya no era su versión, sino la del estudio, pero como tal, todavía estaba dispuesto a ayudar. La película se proyectó en la Exposición Universal de Bruselas de 1958, donde ganó el gran premio.
En 1978, se descubrió y estrenó una versión preliminar más larga de la película. En 1998, Walter Murch reeditó la película de acuerdo con las especificaciones de Welles en su memorándum. Murch dijo: "Estoy estupefacto cuando leo sus memorandos, pensando que estaba escribiendo estas ideas hace cuarenta años, porque, si estuviera trabajando en una película ahora y un director tuviera ideas como estas, yo". Estaría asombrado, complacido pero asombrado, de darme cuenta de que alguien estaba pensando tanto en el sonido, lo cual es muy raro." Touch of Evil es considerado un clásico del cine negro e influyó en la Nueva Ola francesa.
Mientras Universal reelaboraba Touch of Evil, Welles comenzó a filmar su adaptación de la novela de Miguel de Cervantes Don Quijote en México, protagonizada por Mischa Auer como Quijote y Akim. Tamiroff como Sancho Panza.
Regreso a Europa (1959-1970)
Continuó filmando Don Quijote en España e Italia, pero reemplazó a Mischa Auer por Francisco Reiguera y reanudó sus trabajos como actor. En Italia, en 1959, Welles dirigió sus propias escenas como el rey Saúl en la película David and Goliath de Richard Pottier. En Hong Kong, coprotagonizó con Curt Jürgens la película Ferry to Hong Kong de Lewis Gilbert. En 1960, en París, coprotagonizó la película de Richard Fleischer Crack in the Mirror. En Yugoslavia protagonizó la película The Tartars de Richard Thorpe y la Battle of Neretva de Veljko Bulajić.
A lo largo de la década de 1960, el rodaje de Quijote continuó de forma intermitente hasta el final de la década, mientras Welles evolucionaba el concepto, el tono y el final varias veces. Aunque tenía una versión completa de la película filmada y editada al menos una vez, continuaría jugando con la edición hasta bien entrada la década de 1980, nunca completó una versión de la película con la que estaba completamente satisfecho y desechaba las imágenes existentes y filmaba nuevas imágenes.. (En un caso, tenía listo un corte completo en el que Quijote y Sancho Panza terminan yendo a la luna, pero sintió que el final se había vuelto obsoleto por los alunizajes de 1969 y quemó 10 carretes de esta versión). A medida que avanzaba el proceso en adelante, Welles gradualmente expresó él mismo a todos los personajes y proporcionó la narración. En 1992, el director Jesús Franco construyó una película a partir de los fragmentos del Quijote dejados por Welles. Algunas de las películas se habían deteriorado gravemente. Si bien el metraje de Welles fue recibido con interés, la postproducción de Franco recibió duras críticas.
En 1961, Welles dirigió En la tierra de Don Quijote, una serie de ocho episodios de media hora para la cadena de televisión italiana RAI. Al igual que en la serie La vuelta al mundo con Orson Welles, presentaron diarios de viaje por España e incluyeron a la esposa de Welles, Paola, y a su hija, Beatrice. Aunque Welles hablaba italiano con fluidez, la cadena no estaba interesada en que proporcionara una narración italiana debido a su acento, y la serie permaneció inédita hasta 1964, momento en el que la cadena había agregado su propia narración italiana. Finalmente, se lanzaron versiones de los episodios con la partitura musical original que Welles había aprobado, pero sin la narración.
El Juicio
En 1962, Welles dirigió su adaptación de El proceso, basada en la novela de Franz Kafka y producida por Michael y Alexander Salkind. El elenco incluía a Anthony Perkins como Josef K, Jeanne Moreau, Romy Schneider, Paola Mori y Akim Tamiroff. Mientras filmaba exteriores en Zagreb, se le informó a Welles que los Salkind se habían quedado sin dinero, lo que significa que no podía haber construcción de escenarios. Welles no es ajeno a rodar en lugares encontrados, pronto filmó los interiores de la Gare d'Orsay, en ese momento una estación de tren abandonada en París. Welles pensó que la ubicación poseía un "modernismo de Julio Verne" y una melancólica sensación de 'esperar', ambas propias de Kafka. Para permanecer en el espíritu de Kafka, Welles instaló la sala de montaje junto con el editor de cine, Frederick Muller (como Fritz Muller), en la vieja oficina del jefe de estación sin usar, fría y deprimente. La película fracasó en taquilla. Peter Bogdanovich observaría más tarde que Welles encontró la película tremendamente divertida. Welles también le dijo a un entrevistador de la BBC que era su mejor película. Mientras filmaba The Trial, Welles conoció a Oja Kodar, quien luego se convirtió en su socio y colaborador durante los últimos 20 años de su vida.
Welles interpretó a un director de cine en La Ricotta (1963), el segmento de Pier Paolo Pasolini de la película Ro.Go.Pa.G., aunque su reconocida voz fue doblada por el escritor italiano Giorgio Bassani. Continuó tomando el trabajo que pudo encontrar actuando, narrando o presentando el trabajo de otras personas, y comenzó a filmar Chimes at Midnight, que se completó en 1965.
Campanas a medianoche
Filmada en España, Chimes at Midnight se basó en la obra de Welles, Five Kings, en la que extrajo material de seis obras de Shakespeare para contar la historia. de Sir John Falstaff (Welles) y su relación con el príncipe Hal (Keith Baxter). El reparto incluye a John Gielgud, Jeanne Moreau, Fernando Rey y Margaret Rutherford; La narración de la película, hablada por Ralph Richardson, está tomada del cronista Raphael Holinshed. Welles tenía la película en alta estima: "Es mi película favorita, sí". Si quisiera entrar al cielo sobre la base de una película, esa es la que ofrecería." Anthony Lane escribe que "lo que Welles quiere evocar no es solo la continuidad histórica, lo mejor de Sir John, sino la sensación de que las Obras completas de Shakespeare constituyen, por así decirlo, un gran poema, del cual su devoto y los intérpretes audaces son libres de citar... la película honra a Shakespeare y desprecia la industria, académica y teatral, que lo ha incrustado a lo largo del tiempo."
En 1966, Welles dirigió una película para la televisión francesa, una adaptación de La historia inmortal, de Karen Blixen. Estrenada en 1968, está protagonizada por Jeanne Moreau, Roger Coggio y Norman Eshley. La película tuvo una exitosa carrera en los cines franceses. En ese momento, Welles volvió a encontrarse con Oja Kodar y le entregó una carta que le había escrito y que había estado guardando durante cuatro años; no volverían a separarse. Inmediatamente comenzaron una colaboración tanto personal como profesional. La primera de ellas fue una adaptación de The Heroine de Blixen, destinada a ser una pieza complementaria de The Immortal Story y protagonizada por Kodar. Desafortunadamente, la financiación desapareció después de un día de rodaje. Después de completar esta película, apareció en un breve cameo como el cardenal Wolsey en la adaptación de Fred Zinnemann de A Man for All Seasons, un papel por el que ganó una considerable aclamación.
En 1967, Welles comenzó a dirigir The Deep, basada en la novela Dead Calm de Charles Williams y filmada frente a las costas de Yugoslavia. El elenco incluía a Jeanne Moreau, Laurence Harvey y Kodar. Financiado personalmente por Welles y Kodar, no pudieron obtener los fondos para completar el proyecto, y fue abandonado unos años después de la muerte de Harvey. El metraje superviviente finalmente fue editado y publicado por el Filmmuseum München. En 1968, Welles comenzó a filmar un especial de televisión para CBS con el título Orson's Bag, que combinaba relatos de viajes, parodias cómicas y una condensación de la obra de Shakespeare El mercader de Venecia con Welles como Shylock. En 1969, Welles volvió a llamar al editor de cine Frederick Muller para que trabajara con él en la reedición del material y montaron salas de montaje en los estudios Safa Palatino de Roma. El IRS incautó los fondos para el programa enviados por CBS a Welles en Suiza. Sin financiación, el espectáculo no se completó. Las porciones de clips de película supervivientes finalmente fueron publicadas por el Filmmuseum München.
En 1969, Welles autorizó el uso de su nombre para un cine en Cambridge, Massachusetts. El cine Orson Welles permaneció en funcionamiento hasta 1986, y Welles hizo una aparición personal allí en 1977. También en 1969, interpretó un papel secundario en The Kremlin Letter de John Huston. Atraído por las numerosas ofertas que recibió para trabajar en televisión y cine, y molesto por un escándalo sensacionalista que informaba sobre su romance con Kodar, Welles abandonó la edición de Don Quijote y regresó a Estados Unidos en 1970.
Carrera posterior (1970–1985)
Welles regresó a Hollywood, donde continuó autofinanciando sus proyectos de cine y televisión. Si bien continuaron las ofertas para actuar, narrar y presentar, Welles también encontró una gran demanda en los programas de entrevistas de televisión. Hizo apariciones frecuentes para Dick Cavett, Johnny Carson, Dean Martin y Merv Griffin.
El enfoque principal de Welles durante sus últimos años fue The Other Side of the Wind, un proyecto que se filmó intermitentemente entre 1970 y 1976. Coescrito por Welles y Oja Kodar, es la historia de un director de cine envejecido (John Huston) que busca fondos para completar su última película. El elenco incluye a Peter Bogdanovich, Susan Strasberg, Norman Foster, Edmond O'Brien, Cameron Mitchell y Dennis Hopper. Financiada por patrocinadores iraníes, la propiedad de la película cayó en un atolladero legal después de que el sha de Irán fuera depuesto. Las disputas legales mantuvieron la película en estado inacabado hasta principios de 2017 y finalmente se estrenó en noviembre de 2018.
Welles interpretó a Luis XVIII de Francia en la película Waterloo de 1970 y narró las escenas inicial y final de la comedia histórica Start the Revolution Without Me (1970).
En 1971, Welles dirigió una breve adaptación de Moby-Dick, una actuación de un solo hombre en un escenario desnudo, que recuerda a su producción teatral de 1955 Moby Dick – Ensayado. Nunca se completó, finalmente fue estrenada por el Filmmuseum München. También apareció en Ten Days' Wonder, coprotagonizada por Anthony Perkins y dirigida por Claude Chabrol (quien correspondió con un pequeño papel como él mismo en Other Wind), basada en una novela policiaca de Ellery Queen. Ese mismo año, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó un Premio Honorífico de la Academia "por su arte y versatilidad superlativos en la creación de películas cinematográficas". Welles fingió estar fuera de la ciudad y envió a John Houston a reclamar el premio, agradeciendo a la Academia en video. En su discurso, Houston criticó a la Academia por entregar el premio mientras se negaba a apoyar los proyectos de Welles.
En 1972, Welles actuó como narrador en pantalla para la versión documental cinematográfica del libro Future Shock de Alvin Toffler de 1970. Trabajando nuevamente para un productor británico, Welles interpretó a Long John Silver en Treasure Island (1972) del director John Hough, una adaptación de la novela de Robert Louis Stevenson, que había sido la segunda historia transmitida por The Mercury Theatre on the Air en 1938. Esta fue la última vez que interpretó el papel principal en una película importante. Welles también contribuyó al guión, aunque su crédito como escritor se atribuyó al seudónimo 'O'. W. Jeeves'. En algunas versiones de la película, el diálogo grabado original de Welles fue doblado por Robert Rietty.
En 1973, Welles completó F for Fake, una película de ensayo personal sobre el falsificador de arte Elmyr de Hory y el biógrafo Clifford Irving. Basado en un documental existente de François Reichenbach, incluía material nuevo con Oja Kodar, Joseph Cotten, Paul Stewart y William Alland. Para esta película se recreó un extracto de la transmisión La guerra de los mundos de Welles en la década de 1930; sin embargo, ninguno de los diálogos que se escuchan en la película coincide con lo que se transmitió originalmente. Welles filmó un tráiler de cinco minutos, rechazado en los EE. UU., que presentaba varias tomas de Kodar en topless.
Welles presentó una serie de antología sindicada británica, Los grandes misterios de Orson Welles, durante la temporada televisiva de 1973–74. Sus breves introducciones a los 26 episodios de media hora fueron filmadas en julio de 1973 por Gary Graver. El año 1974 también vio a Welles prestar su voz para la nueva versión de ese año del clásico thriller de Agatha Christie Ten Little Indians, producido por su antiguo socio, Harry Alan Towers y protagonizado por un elenco internacional. que incluía a Oliver Reed, Elke Sommer y Herbert Lom.
En 1975, Welles narró el documental Bugs Bunny: Superstar, centrado en los dibujos animados de Warner Bros. de la década de 1940. También en 1975, el American Film Institute otorgó a Welles su tercer premio Lifetime Achievement Award (los dos primeros fueron para el director John Ford y el actor James Cagney). En la ceremonia, Welles proyectó dos escenas de El otro lado del viento, casi terminada.
En 1976, Paramount Television compró los derechos de todo el conjunto de historias de Nero Wolfe de Rex Stout para Orson Welles. Welles una vez había querido hacer una serie de películas de Nero Wolfe, pero Rex Stout, que desconfiaba de las adaptaciones de Hollywood durante su vida después de dos películas decepcionantes de la década de 1930, lo rechazó. Paramount planeó comenzar con una película de ABC-TV y esperaba persuadir a Welles para que continuara con el papel en una miniserie. Se contrató a Frank D. Gilroy para escribir el guión de televisión y dirigir la película para televisión con la seguridad de que Welles protagonizaría, pero en abril de 1977 Welles se había retirado. En 1980, Associated Press informó sobre "la clara posibilidad" que Welles protagonizaría una serie de televisión de Nero Wolfe para la televisión NBC. Nuevamente, Welles se retiró del proyecto debido a diferencias creativas y William Conrad fue elegido para el papel.
En 1979, Welles completó su documental Filming Othello, que presentaba a Michael MacLiammoir y Hilton Edwards. Hecho para la televisión de Alemania Occidental, también se estrenó en los cines. Ese mismo año, Welles completó su piloto de producción propia para la serie de televisión The Orson Welles Show, con entrevistas a Burt Reynolds, Jim Henson y Frank Oz y como estrella invitada a los Muppets y Angie Dickinson. Al no poder encontrar interés en la red, el piloto nunca se transmitió. También en 1979, Welles apareció en la película biográfica El secreto de Nikola Tesla y un cameo en La película de los Muppets como Lew Lord.
A partir de fines de la década de 1970, Welles participó en una serie de famosos comerciales de televisión. Durante dos años fue el portavoz ante las cámaras de Paul Masson Vineyards, y las ventas crecieron en un tercio durante el tiempo que Welles entonó lo que se convirtió en un eslogan popular: "No venderemos vino antes de tiempo". También fue la voz detrás de la longeva Carlsberg "Probablemente la mejor lager del mundo" campaña, promovió el jerez Domecq en la televisión británica y proporcionó narración en los anuncios de Findus, aunque los anuncios reales se han visto eclipsados por un famoso carrete de grabaciones de voz, conocido como el carrete Frozen Peas. También hizo comerciales para el servicio de televisión por suscripción de vista previa que se ven en estaciones de todo el país, incluidas WCLQ/Cleveland, KNDL/St. Louis y WSMW/Boston. Como el dinero escaseaba, comenzó a dirigir comerciales para llegar a fin de mes, incluido el famoso 'Follow the Bear' británico. comerciales de cerveza Hofmeister.
En 1981, Welles presentó el documental El hombre que vio el mañana, sobre el profeta Nostradamus de la época del Renacimiento. En 1982, la BBC emitió La historia de Orson Welles en la serie Arena. Entrevistado por Leslie Megahey, Welles examinó su pasado con gran detalle y también se entrevistó a varias personas de su pasado profesional. Se reeditó en 1990 como Con Orson Welles: Historias de una vida en el cine. Welles proporcionó la narración de las pistas "Defender" del álbum de Manowar de 1987 Fighting the World y "Dark Avenger" en su álbum de 1982, Battle Hymns. También grabó la introducción del concierto para las presentaciones en vivo de Manowar que dice: "Damas y caballeros, desde los Estados Unidos de América, saluden a Manowar". Manowar ha estado usando esta introducción para todos sus conciertos desde entonces.
Durante la década de 1980, Welles trabajó en proyectos cinematográficos como The Dreamers, basada en dos historias de Isak Dinesen y protagonizada por Oja Kodar, y Orson Welles' Magic Show, que reutilizó material de su piloto de televisión fallido. Otro proyecto en el que trabajó fue Filming the Trial, el segundo de una serie propuesta de documentales que examinan sus largometrajes. Si bien se filmó mucho para estos proyectos, ninguno de ellos se completó. Todos ellos finalmente fueron lanzados por el Filmmuseum München.
En 1984, Welles narró la serie de televisión de corta duración Escena del crimen. Durante los primeros años de Magnum, P.I., Welles fue la voz del personaje invisible Robin Masters, un famoso escritor y playboy. La muerte de Welles obligó a este personaje secundario a ser eliminado en gran medida de la serie. En un homenaje oblicuo a Welles, los productores de Magnum, P.I. concluyeron ambiguamente ese arco argumental haciendo que un personaje acusara a otro de haber contratado a un actor para interpretar a Robin Masters. También, en este penúltimo año, lanzó un sencillo musical, titulado "Sé lo que es ser joven (pero no sabes lo que es ser viejo)", que grabó bajo Sello italiano Compagnia Generale del Disco. La canción fue interpretada con Nick Perito Orchestra y Ray Charles Singers y producida por Jerry Abbott (padre del guitarrista "Dimebag Darrell" Abbott).
Los últimos papeles cinematográficos antes de la muerte de Welles incluyeron trabajo de voz en las películas animadas Enchanted Journey (1984) y la película animada The Transformers: The Movie (1986), en el que prestó su voz al supervillano devorador de planetas Unicron. Su última aparición cinematográfica fue en la película independiente de Henry Jaglom de 1987 Someone to Love, estrenada dos años después de su muerte pero producida antes de su voz en off en Transformers: The Movie. Su última aparición en televisión fue en el programa de televisión Moonlighting. Grabó una introducción a un episodio titulado "La secuencia del sueño siempre suena dos veces" que fue filmada parcialmente en blanco y negro. El episodio se emitió cinco días después de su muerte y estuvo dedicado a su memoria.
A mediados de la década de 1980, Henry Jaglom grabó conversaciones de almuerzo con Welles en Ma Maison de Los Ángeles y en Nueva York. Las transcripciones editadas de estas sesiones aparecen en el libro de Peter Biskind de 2013 My Lunches With Orson: Conversations Between Henry Jaglom and Orson Welles.
Vida privada
Relaciones y familia
Orson Welles y la actriz y socialité nacida en Chicago Virginia Nicolson (1916–1996) se casaron el 14 de noviembre de 1934. La pareja se separó en diciembre de 1939 y se divorciaron el 1 de febrero de 1940. Después de tener relaciones con Welles romances en Nueva York, Virginia se había enterado de que Welles se había enamorado de la actriz mexicana Dolores del Río.
Enamorado de ella desde la adolescencia, Welles conoció a Del Río en el rancho de Darryl Zanuck poco después de que él se mudara a Hollywood en 1939. Su relación se mantuvo en secreto hasta 1941, cuando Del Río solicitó el divorcio de su segundo marido. Aparecieron juntos abiertamente en Nueva York mientras Welles dirigía la producción teatral de Mercury Native Son. Actuaron juntos en la película Journey into Fear (1943). Su relación llegó a su fin debido, entre otras cosas, a las infidelidades de Welles. Del Río regresó a México en 1943, poco antes de que Welles se casara con Rita Hayworth.
Welles se casó con Rita Hayworth el 7 de septiembre de 1943. Se divorciaron el 10 de noviembre de 1947. Durante su última entrevista, grabada para The Merv Griffin Show la noche antes de su muerte, Welles llamó a Hayworth. "una de las mujeres más queridas y dulces que jamás haya existido... y estuvimos juntos mucho tiempo; tuve la suerte de haber estado con ella más tiempo que cualquier otro hombre en su vida".
En 1955, Welles se casó con la actriz Paola Mori (de soltera Condesa Paola di Gerfalco), una aristócrata italiana que interpretó a Raina Arkadin en su película de 1955, Mr. Arkadín. La pareja comenzó una aventura apasionada y se casaron en casa de los padres de ella. insistencia. Se casaron en Londres el 8 de mayo de 1955 y nunca se divorciaron.
La artista y actriz de origen croata Oja Kodar se convirtió en la compañera de mucho tiempo de Welles, tanto personal como profesionalmente, a partir de 1966, y vivieron juntos durante algunos de los últimos veinte años de su vida.
Welles tuvo tres hijas de sus matrimonios: Christopher Welles Feder (nacido en 1938, con Virginia Nicolson); Rebecca Welles Manning (1944–2004), con Rita Hayworth; y Beatrice Welles (nacida en 1955, con Paola Mori).
Se cree que Welles tuvo un hijo, el director británico Michael Lindsay-Hogg (nacido en 1940), con la actriz irlandesa Geraldine Fitzgerald, entonces esposa de Sir Edward Lindsay-Hogg, cuarto baronet. Cuando Lindsay-Hogg tenía 16 años, su madre divulgó a regañadientes rumores generalizados de que su padre era Welles, y los negó, pero con tanto detalle que él dudó de su veracidad. Fitzgerald evadió el tema por el resto de su vida. Lindsay-Hogg conoció a Welles, trabajó con él en el teatro y se encontró con él en intervalos a lo largo de la vida de Welles. Después de enterarse de que la hija mayor de Welles, Chris, su compañero de juegos de la infancia, había sospechado durante mucho tiempo que él era su hermano, Lindsay-Hogg inició una prueba de ADN que no resultó concluyente. En su autobiografía de 2011, Lindsay-Hogg informó que sus preguntas fueron resueltas por la amiga cercana de su madre, Gloria Vanderbilt, quien escribió que Fitzgerald le había dicho que Welles era su padre. Sin embargo, una biografía de Welles de 2015 de Patrick McGilligan informa la imposibilidad de la paternidad de Welles: Fitzgerald se fue de los EE. UU. a Irlanda en mayo de 1939 y su hijo fue concebido antes de su regreso a fines de octubre, mientras que Welles no viajó al extranjero durante ese periodo.
Después de la muerte de Rebecca Welles Manning, se reveló que un hombre llamado Marc McKerrow era su hijo y, por lo tanto, descendiente directo de Orson Welles y Rita Hayworth, después de que él solicitó que se revelaran sus registros de adopción. Si bien McKerrow y Rebecca nunca pudieron conocerse debido a su cáncer, estuvieron en contacto antes de su muerte y él asistió a su funeral. Las reacciones de McKerrow a la revelación y su reunión con Oja Kodar están documentadas en la película de 2008 Prodigal Sons de su hermana Kim Reed. McKerrow murió el 18 de junio de 2010, repentinamente mientras dormía a la edad de 44 años. Su muerte fue "...causada por complicaciones de una convulsión nocturna" relacionado con un accidente automovilístico y la lesión resultante cuando era más joven.
En la década de 1940, Welles tuvo una breve relación con Maila Nurmi, quien, según la biografía Glamour Ghoul: The Passions and Pain of the Real Vampira, Maila Nurmi, quedó embarazada; dado que Welles estaba casado en ese momento con Hayworth, Nurmi dio al niño en adopción. Sin embargo, el niño mencionado en el libro nació en 1944. Nurmi reveló en una entrevista semanas antes de su muerte en enero de 2008 cómo conoció a Welles en una oficina de casting de Nueva York en la primavera de 1946.
A pesar de una leyenda urbana promovida por Welles, no está emparentado con el secretario de Marina de Abraham Lincoln durante la guerra, Gideon Welles. El mito se remonta al primer artículo periodístico que se escribió sobre Welles: "Dibujante, actor, poeta y solo 10", en la edición del 19 de febrero de 1926 de The Capital Times. El artículo afirma falsamente que descendía de 'Gideon Welles, quien fue miembro del gabinete del presidente Lincoln'. Tal como lo presenta Charles Higham en un cuadro genealógico que presenta su biografía de Welles de 1985, el padre de Orson Welles era Richard Head Welles (nacido Wells), hijo de Richard Jones Wells, hijo de Henry Hill Wells (quien tenía un tío llamado Gideon Wells), hijo de William Hill Wells, hijo de Richard Wells (1734–1801).
Características físicas
La biografía de Peter Noble de 1956 describe a Welles como "una magnífica figura de hombre, de más de seis pies de altura, guapo, con ojos centelleantes y una voz gloriosa y resonante". Welles dijo que un especialista en canto le dijo una vez que había nacido para ser un heldentenor, un tenor heroico, pero que cuando era joven y trabajaba en el Gate Theatre de Dublín, forzó su voz a un bajo-barítono.
Incluso cuando era bebé, Welles era propenso a contraer enfermedades, como difteria, sarampión, tos ferina y malaria. Desde la infancia sufrió de asma, dolores de cabeza sinusales y dolor de espalda que más tarde se descubrió que eran causados por anomalías congénitas de la columna vertebral. Los problemas de pie y tobillo a lo largo de su vida fueron el resultado de los pies planos. "A medida que envejecía", escribió Brady, "su mala salud se vio agravada por las largas horas que se le permitía quedarse [y] una afición temprana por el alcohol y el tabaco".
En 1928, a los 13 años, Welles ya medía más de 1,83 metros (6 pies) de altura y pesaba más de 81,6 kg (180 libras). Su pasaporte registró su altura de seis pies y tres pulgadas (192 cm), con cabello castaño y ojos verdes.
"Las dietas drásticas, los medicamentos [farmacéuticos] y los corsés lo habían adelgazado para sus primeros papeles en el cine", escribió el biógrafo Barton Whaley. "Entonces siempre volvemos al consumo gigantesco de alimentos y bebidas alcohólicas con alto contenido calórico. Para el verano de 1949, cuando tenía 34 años, su peso se había deslizado hasta las 230 libras (104 kg). En 1953, pasó de 250 a 275 libras (113 a 125 kg). Después de 1960, permaneció permanentemente obeso."
Creencias religiosas
Cuando Peter Bogdanovich le preguntó una vez sobre su religión, Welles respondió bruscamente que no era de su incumbencia y luego le informó erróneamente que había sido criado como católico.
Aunque la familia Welles ya no era devota, era episcopaliana de cuarta generación y, antes de eso, cuáquera y puritana.
El funeral del padre de Welles, Richard H. Welles, fue episcopal.
En abril de 1982, cuando el entrevistador Merv Griffin le preguntó sobre sus creencias religiosas, Welles respondió: "Trato de ser cristiano". Realmente no oro, porque no quiero aburrir a Dios." Cerca del final de su vida, Welles estaba cenando en Ma Maison, su restaurante favorito en Los Ángeles, cuando el propietario Patrick Terrail le transmitió una invitación del jefe de la Iglesia Ortodoxa Griega, quien le pidió a Welles que fuera su invitado de honor en la liturgia divina en Catedral de Santa Sofía. Welles respondió: "Por favor, dígale que realmente aprecio esa oferta, pero que soy ateo".
"Orson nunca bromeó ni se burló de las creencias religiosas de los demás", escribió el biógrafo Barton Whaley. "Él lo aceptó como un artefacto cultural, adecuado para los nacimientos, muertes y matrimonios de extraños e incluso algunos amigos, pero sin significado emocional o intelectual para él".
Política y activismo
Welles estuvo políticamente activo desde el comienzo de su carrera. Permaneció alineado con la política de izquierda y la izquierda estadounidense a lo largo de su vida, y siempre definió su orientación política como "progresista". Demócrata, fue un crítico abierto del racismo en los Estados Unidos y la práctica de la segregación. Fue un gran partidario de Franklin D. Roosevelt y el New Deal y, a menudo, habló en la radio en apoyo de la política progresista. Hizo una fuerte campaña a favor de Roosevelt en las elecciones de 1944. Welles no apoyó la candidatura presidencial de 1948 del segundo vicepresidente de Roosevelt, Henry A. Wallace, por el Partido Progresista, y luego describió a Wallace como "un prisionero del Partido Comunista". p. 66
En una conversación de 1983 con su amigo Roger Hill, Welles recordó: "Durante una cena en la Casa Blanca, cuando estaba haciendo campaña por Roosevelt, en un brindis, con mucha ironía, dijo: ' Orson, tú y yo somos los dos mejores actores vivos en la actualidad.' En privado esa noche, y en varias otras ocasiones, me instó a postularme para un escaño en el Senado, ya sea en California o en Wisconsin. No estaba solo." En la década de 1980, Welles aún expresaba su admiración por Roosevelt, pero también describía su presidencia como "una semidictadura".p. 187
Durante una aparición en 1970 en The Dick Cavett Show, Welles afirmó haber conocido a Hitler mientras caminaba por Austria con un maestro que era un 'nazi en ciernes'. Dijo que Hitler no le causó ninguna impresión y que no lo recuerda. Dijo que no tenía personalidad en absoluto: “Era invisible. Allí no había nada hasta que hubo 5.000 personas gritando sieg heil."
En 1946, Welles saltó a las ondas en una serie de emisiones de radio exigiendo justicia para un veterano negro condecorado, Isaac Woodard, que había sido golpeado y cegado por policías blancos. Welles dedicó su programa del 28 de julio de 1946 a leer la declaración jurada de Woodard y prometió llevar al oficial responsable ante la justicia. Continuó su cruzada durante cuatro transmisiones posteriores del domingo por la tarde en ABC Radio. “La NAACP sintió que estas transmisiones hicieron más que cualquier otra cosa para impulsar al Departamento de Justicia a actuar en el caso”, declaró el Museo de Radiodifusión en su retrospectiva de 1988 Orson Welles on the Air: The Radio Years.
Durante varios años, escribió una columna en un periódico sobre temas políticos y consideró postularse para el Senado de los EE. UU. en 1946, en representación de su estado natal de Wisconsin, un escaño que finalmente ganó Joseph McCarthy.
Las actividades políticas de Welles se informaron en las páginas 155–157 de Red Channels, la publicación anticomunista que, en parte, alimentó la ya floreciente Lista negra de Hollywood. Estuvo en Europa durante el apogeo de Red Scare, lo que agregó una razón más para que el establecimiento de Hollywood lo condenara al ostracismo.
En 1970, Welles narró (pero no escribió) un registro político satírico sobre el ascenso del presidente Richard Nixon titulado The Begatting of the President.
Welles habló ante una multitud de 700 000 personas en un mitin por el desarme nuclear en Central Park el 12 de junio de 1982 y atacó las políticas del presidente Ronald Reagan y el partido republicano.
American: An Odyssey to 1947, un documental de Danny Wu que analiza la vida de Welles frente al panorama político de las décadas de 1930 y 1940, se estrenó en el Festival de Cine de Newport Beach en octubre. 2022.
Muerte y homenajes
En la tarde del 9 de octubre de 1985, Welles grabó su última entrevista en el programa de televisión sindicado The Merv Griffin Show, apareciendo con la biógrafa Barbara Leaming. "Tanto Welles como Leaming hablaron de la vida de Welles, y el segmento fue un interludio nostálgico", escribió el biógrafo Frank Brady. Welles regresó a su casa en Hollywood y trabajó hasta altas horas de la madrugada escribiendo direcciones de escena para el proyecto que él y Gary Graver planeaban filmar en la UCLA al día siguiente. Welles murió en algún momento de la mañana del 10 de octubre, luego de un ataque al corazón. Su chofer lo encontró alrededor de las 10 a.m.; el primero de los amigos de Welles en llegar fue Paul Stewart. Welles tenía 70 años cuando murió.
Welles fue incinerado por un acuerdo previo con el albacea de su patrimonio, Greg Garrison, cuyo consejo sobre hacer lucrativas apariciones en televisión en la década de 1970 hizo posible que Welles pagara una parte de los impuestos que debía al IRS. Las tres hijas de Paola Mori y Welles asistieron a un breve funeral privado, la primera vez que estaban juntas. Solo se invitó a unos pocos amigos cercanos: Garrison, Graver, Roger Hill y el príncipe Alessandro Tasca di Cuto. Chris Welles Feder luego describió el funeral como una experiencia horrible.
El 2 de noviembre de 1985 se llevó a cabo un homenaje conmemorativo público en el Directors Guild of America Theatre de Los Ángeles. El presentador Peter Bogdanovich presentó a oradores como Charles Champlin, Geraldine Fitzgerald, Greg Garrison, Charlton Heston, Roger Hill, Henry Jaglom, Arthur Knight, Oja Kodar, Barbara Leaming, Janet Leigh, Norman Lloyd, Dan O'Herlihy, Patrick Terrail y Robert Inteligente.
"Sé cuáles eran sus sentimientos con respecto a su muerte", escribió más tarde Joseph Cotten. "Él no quería un funeral; quería ser enterrado tranquilamente en un pequeño lugar en España. No quería servicios conmemorativos..." Cotten se negó a asistir al programa conmemorativo; en cambio, envió un breve mensaje, que terminaba con las dos últimas líneas de un soneto de Shakespeare que Welles le había enviado en su cumpleaños más reciente:
Pero si mientras pienso en ti, querido amigo,
Todas las pérdidas son restauradas y las penas terminan.
Bogdanovich, que fue dirigido por Welles en Al otro lado del viento, escribió que 'ser dirigido por Welles era como respirar oxígeno puro todo el día. Estaba tan totalmente en control que nunca tuvo que probar un punto de ningún tipo. Nunca lo vi enojarse o impacientarse, o levantar la voz de otra manera que no fuera hilaridad... A veces Orson sostenía la cámara él mismo, pero dondequiera que estuviera la cámara, él la había puesto allí, y todas las luces estaban colocadas exactamente donde él quería. dijo que se iban a poner. No se vio ni se escuchó nada en ninguna escena que no estuviera allí porque Orson así lo quiso, pero nunca fue dictatorial.
En 1987, las cenizas de Welles fueron llevadas a Ronda, España, y enterradas en un antiguo pozo cubierto de flores en la finca rural de un viejo amigo, el torero Antonio Ordóñez.
Proyectos sin terminar
La confianza de Welles en la autoproducción significó que muchos de sus proyectos posteriores se filmaran por partes o no se completaran. Welles financió sus proyectos posteriores a través de sus propias actividades de recaudación de fondos. A menudo también asumió otros trabajos para obtener dinero para financiar sus propias películas.
Don Quijote
A mediados de la década de 1950, Welles comenzó a trabajar en Don Quijote, inicialmente un encargo de la televisión CBS. Welles amplió la película a largometraje, desarrollando el guión para llevar a Quijote y Sancho Panza a la era moderna. El rodaje se detuvo con la muerte de Francisco Reiguera, el actor que interpretaba al Quijote, en 1969. Orson Welles continuó editando la película hasta principios de la década de 1970. En el momento de su muerte, la película seguía siendo en gran parte una colección de imágenes en varios estados de edición. El proyecto y, lo que es más importante, la concepción del proyecto de Welles cambió radicalmente con el tiempo.
Una versión supervisada por Oja Kodar, con la ayuda de Jess Franco, asistente de dirección durante la producción, se estrenó en 1992 con malas críticas.
Frederick Muller, el editor de películas de The Trial, Chimes at Midnight, y CBS Special Orson Bag, trabajó en la edición de tres rollos de la versión original, sin adulterar. Cuando en 2013 un periodista de Time Out le preguntó su opinión, dijo que sentía que si se publicaba sin reeditar la imagen pero con la adición de sonido ad hoc y música, probablemente habría tenido bastante éxito.
El Mercader de Venecia
En 1969, Welles recibió un encargo televisivo para filmar una adaptación resumida de El mercader de Venecia. Welles completó la película en 1970, pero el negativo terminado fue robado misteriosamente de su oficina de producción en Roma. Una versión restaurada y reconstruida de la película, realizada con el guión original y las notas del compositor, se estrenó en las ceremonias previas a la inauguración del 72º Festival Internacional de Cine de Venecia, junto con Othello, en 2015.
Al otro lado del viento
En 1970, Welles comenzó a rodar Al otro lado del viento. La película relata los esfuerzos de un director de cine (interpretado por John Huston) para completar su última película de Hollywood y está ambientada en gran parte en una lujosa fiesta. En 1972, Welles informó que la filmación estaba "completa en un 96%", aunque en 1979 Welles solo había editado unos 40 minutos de la película. En ese año, las complicaciones legales sobre la propiedad de la película colocaron el negativo en una bóveda de París. En 2004, el director Peter Bogdanovich, que actuó en la película, anunció su intención de completar la producción.
El 28 de octubre de 2014, la productora Royal Road Entertainment, con sede en Los Ángeles, anunció que había negociado un acuerdo, con la ayuda del productor Frank Marshall, y que compraría los derechos para completar y lanzar The Other Side of the Viento. Bogdanovich y Marshall planearon completar la película casi terminada de Welles en Los Ángeles, con el objetivo de tenerla lista para su proyección el 6 de mayo de 2015, el centenario del nacimiento de Welles. Royal Road Entertainment y el productor alemán Jens Koethner Kaul adquirieron los derechos de Les Films de l'Astrophore y el difunto Mehdi Boushehri. Llegaron a un acuerdo con Oja Kodar, quien heredó la propiedad de la película de Welles, y Beatrice Welles, administradora de los bienes de Welles; pero a fines de 2015, los esfuerzos para completar la película estaban en un callejón sin salida.
En marzo de 2017, Netflix adquirió los derechos de distribución de la película. Ese mes, el negativo original, los diarios y otras imágenes llegaron a Los Ángeles para la posproducción; la película se completó en 2018. La película se estrenó en el 75 ° Festival Internacional de Cine de Venecia el 31 de agosto de 2018.
El 2 de noviembre de 2018, la película se estrenó en cines selectos y en Netflix, 48 años después de que comenzara la fotografía principal.
Algunas secuencias se incluyen en los documentales Working with Orson Welles (1993), Orson Welles: One Man Band (1995) y, más extensamente, They&# 39;Me amaré cuando esté muerto (2018).
Otras películas inacabadas y guiones sin filmar
Demasiada Johnson
(feminine)Demasiado Johnson es una película de comedia de 1938 escrita y dirigida por Welles. Diseñada como el aspecto cinematográfico de la presentación teatral en el Mercury Theatre de Welles de la comedia de William Gillette de 1894, la película no fue completamente editada ni exhibida públicamente. Demasiado Johnson se consideró una película perdida hasta agosto de 2013, con informes noticiosos de que se había descubierto una copia prístina en Italia en 2008. El estreno de una copia restaurada por el museo George Eastman House estaba programado para el 9 de octubre. 2013, en el Festival de Cine Mudo de Pordenone, seguido de un estreno en Estados Unidos. La película se proyectó en una sola proyección en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles el 3 de mayo de 2014. Una sola presentación de Too Much Johnson, el 2 de febrero de 2015, en el Film Forum de Nueva York. Ciudad, fue un gran éxito. Producida por Bruce Goldstein y adaptada y dirigida por Allen Lewis Rickman, presentó a los Film Forum Players con piano en vivo.
Corazón de las Tinieblas
El corazón de las tinieblas fue la primera película proyectada por Welles, en 1940. Fue planeada con extremo detalle y se filmaron algunas tomas de prueba; el metraje ahora está perdido. Se planeó rodar íntegramente en tomas largas desde el punto de vista del narrador, Marlow, que sería interpretado por Welles; su reflejo se veía ocasionalmente en la ventana mientras su bote navegaba río abajo. El proyecto se abandonó porque no se pudo entregar dentro del presupuesto y, en su lugar, se hizo Citizen Kane.
Papá Noel
En 1941, Welles planeó una película con su entonces pareja, la actriz mexicana Dolores del Río. Santa fue una adaptación de la novela del escritor mexicano Federico Gamboa. La película habría marcado el debut de Dolores del Río en el cine mexicano. Welles hizo una corrección del guión en 13 extraordinarias secuencias. El alto salario exigido por del Río frenó el proyecto. En 1943, la película se completó finalmente con los escenarios de Welles, dirigida por Norman Foster y protagonizada por la actriz mexicana Esther Fernández.
El Camino de Santiago
En 1941 Welles también planeó un drama mexicano con Dolores del Río, que cedió a RKO para que lo presupuestara. La película era una versión cinematográfica de la novela del mismo nombre de Calder Marshall. En la historia, Del Río interpretaría a Elena Medina, "la chica más hermosa del mundo", y Welles interpretaría a un estadounidense que se enreda en una misión para desbaratar un complot nazi para derrocar al gobierno mexicano. Welles planeó filmar en México, pero el gobierno mexicano tuvo que aprobar la historia y esto nunca ocurrió.
La vida de Cristo
En 1941, Welles recibió el apoyo del obispo Fulton Sheen para volver a contar la vida de Cristo, ambientada en el oeste americano en la década de 1890. Después de que se completó la filmación de Citizen Kane, Welles, Perry Ferguson y Gregg Toland buscaron locaciones en Baja California y México. Welles escribió un guión con diálogos de los Evangelios de Marcos, Mateo y Lucas. 'Cada palabra de la película debía ser de la Biblia, sin diálogo original, pero hecho como una especie de primitivo americano,' Welles dijo, "ambientada en el país fronterizo en el siglo pasado". Welles revisó el proyecto no realizado en la década de 1950, cuando escribió un segundo guión no filmado, que se filmaría en Egipto.
Todo es verdad
Originalmente, Welles no quería dirigir It's All True, un documental de 1942 sobre América del Sur, pero después de que RKO lo abandonara, pasó gran parte de la década de 1940 intentando comprar el negativo. de su material de RKO, para poder editarlo y publicarlo de alguna forma. El metraje permaneció invisible en las bóvedas durante décadas y se asumió perdido. Más de 50 años después, parte del material superviviente (pero no todo) se publicó en el documental de 1993 Todo es cierto: basado en una película inacabada de Orson Welles.
Señor Verdoux
En 1944, Welles escribió el primer borrador del guión de Monsieur Verdoux, una película que también pretendía dirigir. Charlie Chaplin inicialmente accedió a protagonizarlo, pero luego cambió de opinión, citando que nunca antes había sido dirigido por otra persona en un largometraje. Chaplin compró los derechos de la película e hizo la película él mismo en 1947, con algunos cambios. La película final acredita a Chaplin con el guión, "basado en una idea de Orson Welles".
Cyrano de Bergerac
Welles pasó alrededor de nueve meses entre 1947 y 1948 coescribiendo el guión de Cyrano de Bergerac junto con Ben Hecht, un proyecto que se le asignó a Welles para dirigir para Alexander Korda. Comenzó a buscar locaciones en Europa mientras filmaba Black Magic, pero Korda no tenía dinero, por lo que vendió los derechos a Columbia Pictures, quien finalmente despidió a Welles del proyecto y luego vendió los derechos a United Artists., quien a su vez hizo una versión cinematográfica en 1950, que no estaba basada en el guión de Welles.
La vuelta al mundo en ochenta días
Después de que la elaborada versión teatral musical de Welles de esta novela de Julio Verne, que abarca 38 escenarios diferentes, se pusiera en marcha en 1946, Welles filmó algunas imágenes de prueba en Marruecos en 1947 para una versión cinematográfica. El metraje nunca se editó, la financiación nunca llegó y Welles abandonó el proyecto. Nueve años más tarde, el productor del espectáculo teatral Mike Todd hizo su propia versión cinematográfica del libro, ganadora de premios.
Moby Dick - Ensayada
(feminine)Moby Dick – Ensayado fue una versión cinematográfica de la metaobra londinense de 1955 de Welles, protagonizada por Gordon Jackson, Christopher Lee, Patrick McGoohan y Welles como Ahab. Utilizando decorados minimalistas y desnudos, Welles alternó entre un elenco de actores del siglo XIX que ensayaban una producción de Moby Dick, con escenas de la propia Moby Dick. Kenneth Williams, un miembro del elenco que estaba preocupado por todo el proyecto, registró en su autobiografía que la iluminación tenue y atmosférica del escenario de Welles hizo que algunas de las imágenes fueran tan oscuras que no se podían ver. Toda la obra fue filmada, pero ahora se presume perdida. Esto se hizo durante un fin de semana en el teatro Hackney Empire.
Historias extraordinarias
Los productores de Histoires extraordinaires, una película de antología de 1968 basada en cuentos de Edgar Allan Poe, anunciaron en junio de 1967 que Welles dirigiría un segmento basado tanto en "La máscara del rojo Muerte" y "La barrica de amontillado" para la película ómnibus. Welles se retiró en septiembre de 1967 y fue reemplazado. El guión, escrito en inglés por Welles y Oja Kodar, se encuentra en la colección del Filmmuseum Munchen.
Banda de un solo hombre
Esta parodia al estilo Monty Python en la que Welles interpreta a todos los personajes menos uno (incluidos dos personajes travestidos), se realizó alrededor de 1968-1969. Welles pretendía que este boceto completo fuera uno de varios elementos en un especial de televisión sobre Londres. Otros elementos filmados para este especial, todos incluidos en "One Man Band" documental de su socio Oja Kodar— incluía un sketch sobre Winston Churchill (interpretado en silueta por Welles), un sketch sobre sus compañeros en una casa señorial, un reportaje sobre los clubes de caballeros de Londres y un sketch en el que Welles se burlaba de su sarcástico sastre de Savile Row (interpretado por Charles Gray).
La isla del tesoro
Welles escribió dos guiones para Treasure Island en la década de 1960 y estaba ansioso por buscar respaldo financiero para dirigirla. Su plan era rodarlo en España en concierto con Chimes at Midnight. Welles tenía la intención de interpretar el papel de Long John Silver. Quería que Keith Baxter interpretara al Doctor Livesey y que John Gielgud asumiera el papel de Squire Trelawney. El actor infantil nacido en Australia Fraser MacIntosh (The Boy Cried Murder), que entonces tenía 11 años, fue elegido como Jim Hawkins y viajó a España para el rodaje, que habría sido dirigido por Jess Franco. Alrededor del 70 por ciento del elenco de Chimes at Midnight habría tenido papeles en Treasure Island. Sin embargo, la financiación del proyecto fracasó. Eventualmente, el propio guión de Welles (bajo el seudónimo de O.W. Jeeves) fue reescrito y formó la base de la versión cinematográfica de 1972 dirigida por John Hough, en la que Welles interpretó a Long John Silver.
La profunda
(feminine)The Deep, una adaptación de Dead Calm de Charles Williams, se ambientó íntegramente en dos barcos y se filmó principalmente en primeros planos. Se filmó frente a las costas de Yugoslavia y las Bahamas entre 1966 y 1969, y se completaron todas las escenas menos una. Originalmente se planeó como un thriller comercialmente viable, para demostrar que Welles podía hacer una película popular y exitosa. Se suspendió en 1970 cuando Welles se preocupó de que los críticos no respondieran favorablemente a esta película como su seguimiento teatral de la muy elogiada Chimes at Midnight, y Welles se centró en cambio en F por Falso. Fue abandonada por completo en 1973, quizás debido a la muerte de su estrella Laurence Harvey. En una entrevista de 2015, Oja Kodar culpó del fracaso de Welles en completar la película a la negativa de Jeanne Moreau a participar en el doblaje.
Duna
Dune, uno de los primeros intentos de adaptar la novela de ciencia ficción de Frank Herbert del director de cine chileno Alejandro Jodorowsky, fue protagonizada por Welles como el malvado barón Vladimir Harkonnen. Jodorowsky había elegido personalmente a Welles para el papel, pero la película planeada nunca avanzó más allá de la preproducción.
San Jack
En 1978, su protegido Peter Bogdanovich (quien entonces actuaba como agente de facto de Welles) nombró a Welles para dirigir Saint Jack., una adaptación de la novela de Paul Theroux de 1973 sobre un proxeneta estadounidense en Singapur. Hugh Hefner y la entonces pareja de Bogdanovich, Cybill Shepherd, se unieron al proyecto como productores, y Hefner proporcionó financiación a través de sus producciones de Playboy. Sin embargo, tanto Hefner como Shepherd se convencieron de que el propio Bogdanovich sería un director comercialmente más viable que Welles e insistieron en que Bogdanovich se hiciera cargo. Dado que Bogdanovich también necesitaba trabajo después de una serie de fracasos de taquilla, estuvo de acuerdo. Cuando finalmente se hizo la película en 1979 por Bogdanovich y Hefner (pero sin la participación de Welles o Shepherd), Welles se sintió traicionado y, según Bogdanovich, los dos "se separaron un poco".
Grabar el juicio
Después del éxito de su película de 1978 Filming Othello hecha para la televisión de Alemania Occidental, y que en su mayoría consistía en un monólogo a la cámara, Welles comenzó a filmar escenas para esta película de seguimiento, pero nunca la completó.. Lo que Welles filmó fue una sesión de preguntas y respuestas de 80 minutos en 1981 con estudiantes de cine que preguntaban sobre la película. El metraje fue guardado por el director de fotografía de Welles, Gary Graver, quien lo donó al Museo del Cine de Múnich, que luego lo unió con el tráiler de la película de Welles, en una película de 83 minutos que ocasionalmente se proyecta en festivales de cine
El gran anillo de latón
Escrito por Welles con Oja Kodar, The Big Brass Ring fue adaptado y filmado por el director George Hickenlooper en colaboración con el escritor F.X. Feney. Tanto el guión de Welles como la película de 1999 se centran en un aspirante a la presidencia de EE. UU. de unos 40 años, su anciano mentor, un ex candidato a la presidencia, derribado por un escándalo homosexual, y el periodista italiano que investiga la verdad de la relación entre estos hombres. Durante los últimos años de su vida, Welles luchó por obtener financiación para la película planeada y sus esfuerzos por elegir una estrella para el personaje principal no tuvieron éxito. Jack Nicholson, Robert Redford, Warren Beatty, Clint Eastwood, Burt Reynolds y Paul Newman rechazaron el papel por varias razones.
La cuna se mecerá
En 1984, Welles escribió el guión de una película que planeaba dirigir, un drama autobiográfico sobre la puesta en escena de 1937 de The Cradle Will Rock. Rupert Everett estaba programado para interpretar al joven Welles. Sin embargo, Welles no pudo adquirir fondos. Más tarde, Tim Robbins dirigió una película similar, pero no se basó en el guión de Welles.
Rey Lear
En el momento de su muerte, Welles estaba en conversaciones con una productora francesa para dirigir una versión cinematográfica de la obra de Shakespeare King Lear, en la que también interpretaría el papel principal.
Ada o Ardor: una crónica familiar
Ada or Ardor: A Family Chronicle fue una adaptación de la novela de Vladimir Nabokov. Welles admiraba Ada or Ardor: A Family Chronicle de Nabokov e inició un proyecto cinematográfico del mismo título en colaboración con el autor. Welles voló a París para discutir el proyecto personalmente con Nabokov, porque en ese momento el autor ruso se mudó de América a Europa. Welles y Nabokov tuvieron una discusión prometedora, pero el proyecto no estaba terminado.
Créditos de teatro
Créditos de radio
Filmografía
Discografía
Premios y distinciones
- 1933: La producción escénica de Welles Doce noches para la Escuela Todd para Niños recibió el primer premio de la Liga Drama de Chicago después de la competencia en la Exposición Century of Progress de 1933, la Feria Mundial de Chicago.
- 1938: Como director del Teatro Mercurio, Welles recibió el Premio del Club de Estudios Drama de Nueva York por "la mayor contribución a un teatro vivo y respiratorio esta temporada".
- 1939: Por "su contribución más destacada este año al teatro y al drama radial", Welles recibió el primer premio anual de la Sociedad Sinfónica del Condado de Essex.
- 1941: Ciudadano Kane recibió el Premio Círculo de Críticos de Cine de Nueva York para Best Picture.
- 1942: La Junta Nacional de Revisión votó Ciudadano Kane La mejor película de 1941, y reconocida Welles por su actuación.
- 1942: Ciudadano Kane recibió nueve nominaciones en los Premios de la Academia de 1941, incluyendo Best Picture, Best Director y Best Actor en un papel líder para Welles. Ganó el Premio de la Academia al Mejor Guión Original, un premio Welles compartido con Herman J. Mankiewicz.
- 1943: El Magnífico Ambersons fue nominado para cuatro premios de la Academia de 1942, incluyendo Best Picture.
- 1945: El 24 de mayo de 1945, el Interracial Film y Radio Guild honraron a Welles por sus contribuciones a la armonía interracial a través de la radio. Presentada en el Auditorio Santuario de Los Ángeles, la segunda entrega anual del gremio también honró a Eddie "Rochester" Anderson, Norman Corwin, Bing Crosby, Bette Davis, Lena Horne, James Wong Howe, Earl Robinson, Nathan Straus y Miguel C. Torres.
- 1947: El Extraño fue nominado para el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia.
- 1952: Othello ganó el Palme d'Or en el Festival de Cannes de 1952.
- 1958: Aunque Universal Pictures hizo todo lo posible para prevenir El toque del mal de ser seleccionada para el Festival Mundial de Cine de Bruselas de 1958, parte de la feria mundial Expo 58, la película recibió su estreno europeo y Welles fue invitada a asistir. Para su asombro, Welles recogió los dos premios principales. El toque del mal recibió el Premio Internacional de Crítica, y Welles fue reconocido por su cuerpo de trabajo.
- 1959: Welles recibió un premio especial de 1958 Peabody La Fuente de la JuventudEl único piloto de televisión no vendido jamás tan honrado.
- 1959: Para su conjunto de trabajo en Compulsión, Orson Welles, Bradford Dillman y Dean Stockwell compartieron el premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes.
- 1966: Chimes a medianoche fue proyectado en competición por el Palme d'Or en el Festival de Cine de Cannes de 1966 y ganó el XX Premio Aniversario ("Honneure") y el Gran Premio Técnico. En España ganó el Premio Círculo de Escritores Ciudadanos para la Mejor Película.
- 1968: Welles fue nominado para Mejor Actor Extranjero en un papel destacado en los 21 Premios de Cine de la Academia Británica por su actuación en Chimes a medianoche.
- 1970: El Festival de Cine de Venecia otorgó a Welles el León de Oro para el logro profesional.
- 1970: Welles recibió un Premio Honorario de la Academia por "servicio superlativo y distinguido en la realización de imágenes de movimiento". Welles no asistió a la ceremonia: "No fui, porque me siento como un maldito tonto con esas cosas. Me siento tonto, muy tonto... Hice una película y dije que estaba en España, y les agradecí".
- 1975: Welles recibió el American Film Institute Lifetime Achievement Award.
- 1976: Premio Grammy a la mejor palabra hablada o album no musico por "Grand American Documents", compartido con Helen Hayes, Henry Fonda y James Earl Jones.
- 1978: Welles fue presentado con el Premio Carrera de la Asociación de Crítica de Cine de Los Ángeles.
- 1979: Welles recibió el Premio Grammy a la mejor grabación de palabras habladas para la banda sonora de imagen de movimiento completa Ciudadano Kane.
- 1979: Welles fue inducido a la Asociación Nacional de Radiodifusión de la Fama.
- 1981: Welles recibió un premio Grammy por la mejor grabación de palabras habladas por su papel en El cerebro de Donovan.
- 1982: En París el 23 de febrero de 1982, el Presidente François Mitterrand presentó a Welles la Orden del Comandante del Légion d'honneur, la mayor decoración civil de Francia.
- 1982: Welles fue nominado para el Mejor Actor de Apoyo en un Motion Picture en los Golden Globe Awards por su papel en Mariposa, el mismo papel que le hizo nominar para el premio Golden Raspberry para el peor Actor de Apoyo, ganado por Ed McMahon en la misma película, que también ganó el premio para la peor imagen.
- 1983: Welles fue miembro de la Académie des Beaux-Arts.
- 1983: Welles fue galardonado con la beca del Instituto Británico de Cine.
- 1984: El Gremio de Directores de América presentó a Welles su mayor honor, el Premio D. W. Griffith.
- 1984: Welles recibió una beca especial de la Academia de Artes Mágicas.
- 1985: Welles recibió el Premio de Logros de Carrera de la Junta Nacional de Revisión.
- 1988: Welles fue inducido al Salón Nacional de la Fama.
- 1993: La versión del audiolibro de 1992 Este es Orson Welles por Welles y Peter Bogdanovich fue nominado para un premio Grammy por la mejor palabra hablada o album no musico.
- 1998: En 1998 y 2007, el Instituto Americano de Cine Ciudadano Kane como la mejor película americana. Estas otras películas de Welles fueron nominadas para la lista AFI: El Magnífico Ambersons (1942, director/productor/protector); El Tercer Hombre (1949, actor); El toque del mal (1958, actor/director/scriptor de pantalla); y Un hombre para todas las estaciones (1966, actor).
- 1999: El American Film Institute reconoció a Welles como una de las 25 estrellas de cine masculino de cine clásico de Hollywood en su encuesta, 100 años de AFI...100 estrellas.
- 2002: Welles fue votado el director de cine más grande de todos los tiempos en dos encuestas del British Film Institute, de directores y críticos.
- 2002: Un género muy divergente de arañas hawaianas Orsonwelles fue nombrado en su honor.
- 2003: Un cráter en Marte fue nombrado en su honor.
- 2007: Una estatua de Welles esculpida por Oja Kodar fue instalada en la ciudad de Split, Croacia.
- 2013: El 10 de febrero de 2013, la Woodstock Opera House en Woodstock, Illinois, dedicó su etapa a Welles, honrando el sitio de su debut americano como director profesional del teatro.
- 2015: A lo largo de 2015, numerosos festivales y eventos observaron el 100 aniversario del nacimiento de Welles.
- 2017: Una encuesta de consenso crítico, mejores listas y retrospectivas históricas encuentra que Welles es el segundo director más aclamado de todos los tiempos (detrás de Alfred Hitchcock).
Referencias culturales
- El director Peter Jackson lanzó al actor de Montreal Jean Guérin como Welles en su película de 1994, Criaturas celestiales.
- Vincent D'Onofrio retrató Welles in a cameo appearance in Tim Burton's 1994 film, Ed Wood, donde aparece brevemente y anima al cineasta a luchar por hacer sus películas a pesar de sus productores.
- Voz actor Maurice LaMarche es conocido por su impresión Welles, oído en Ed Wood (en el que apuñaló el diálogo de Vincent D'Onofrio); la serie animada de 1994–95, La crítica; un episodio de 2006 Los Simpson; y un episodio de 2011 Futurama por lo que LaMarche ganó un premio Emmy. La voz que creó para el personaje Brain de la serie animada Animaniacs y Pinky y el cerebro fue influenciada en gran parte por Welles.
- La película de 1996 La batalla sobre el ciudadano Kane, que crónica el conflicto entre Welles y Hearst, fue nominado para un Premio de la Academia para la Mejor Característica Documental.
- Welles es un personaje recurrente en la serie Anno Dracula por el autor y crítico Kim Newman, apareciendo en Drácula Cha Cha Cha (1998) y Johnny Alucard (2013).
- En 1999 Welles apareció en un sello de correo estadounidense en una escena desde Ciudadano Kane. El Servicio Postal de los Estados Unidos fue solicitado para honrar a Welles con un sello en 2015, el 100 aniversario de su nacimiento, pero el esfuerzo no tuvo éxito.
- El docudrama HBO 1999 RKO 281, cuenta la historia de la fabricación de Ciudadano KaneProtagonizada por Liev Schreiber como Orson Welles.
- La película de 1999 de Tim Robbins Cradle Will Rock crónica el proceso y los eventos que rodean Welles y la producción de John Houseman del musical de 1937 por Marc Blitzstein. Welles es interpretado por el actor Angus MacFadyen.
- La obra de Austin Pendleton de 2000, Orson's Shadow, se refiere a la producción de Londres de Eugène Ionesco en 1960 Rhinoceros dirigida por Welles y protagonizada por Laurence Olivier. Primeramente presentada por la Steppenwolf Theatre Company en 2000, la obra abrió off-Broadway en 2005 y tuvo su estreno europeo en Londres en 2015.
- En la novela ganadora del Premio Pulitzer 2000 de Michael Chabon Las increíbles aventuras de Kavalier & Clay, los protagonistas se encuentran con Orson Welles y asistir al estreno de Ciudadano Kane.
- En la película Fade to Black (2006), un thriller de ficción durante el viaje de Welles a Roma en 1948, para estrellarse en la película Magia negraDanny Huston estrellas como Welles.
- Orson Welles (2009), basado en la novela de Robert Kaplow 2003, estrellas Zac Efron como un adolescente que convence a Welles (Christian McKay) para echarlo en su producción de 1937 Julio César. McKay recibió numerosos reconocimientos por su actuación, incluyendo una nominación de BAFTA.
- Welles es el personaje central de "Ian, George y George", una novela de Paul Levinson publicada en 2013 en 2013 Ficción y hechos científicos analógicos revista.
- En 2014 el actor cómico Jack Black retrató a Welles en el show de comedias Historia borracha.
- Un documental de 2014 de Chuck Workman, Mago: La vida asombrosa y el trabajo de Orson Welles, fue liberado a crítica crítica.
- Rapper muestras lógicas Orson Welles dos veces en su álbum 2020 No Pressure, con una parte del episodio del 11 de agosto de 1946 "Orson Welles Commentaries" presentado como el outro del álbum, titulado Obediently Yours.
- Tom Burke retrató a Welles en la película 2020 de David Fincher, Mank, que se centra en Herman J. Mankiewicz, el co-escritor Ciudadano Kane.
- Welles es retratado por tres avatares cuando viene a aferrarse a su propia muerte en la película de 2020 Orson Rehearse por el director del compositor Daron Hagen.
Documentales sobre Orson Welles
- Baratier, Jacques, Désordre, 1950.
- Albert y David Maysles, Orson Welles en España1966.
- Reichenbach, François y Rossif, Frédéric, Orson Welles, 1968 (ORTF, televisión francesa).
- Rozier, Jacques, Vive le cinéma!, 1972, (ORTF, televisión francesa).
- Marienstras, Richard y Romero, Isidro, Shakespeare et Orson Welles, 1973 (TV francesa).
- Philippe, Claude-Jean y Lefebvre, Monique, Une légende, une vie: Citizen Welles, 1974 (TV francesa).
- Orson Welles habla con Roger Hill y Hortense Hill, Sedona, Arizona, 1978.
- Megahey, Leslie y Yentob, Alan, La historia de Orson Welles, 1982 (Arena, BBC-TV).
- Boutang, Pierre-André y Seligmann, Guy, Orson Welles à la cinémathèque (française)1983.
- Graver, Gary, Trabajando con Orson Welles, 1993.
- Giorgini, Ciro y Giagni, Gianfranco, Rosabella: La Storia italiana di Orson Welles, 1993.
- Silovic, Vassili con Kodar Oja, Orson Welles: The One-Man Band, 1995.
- Rodríguez, Carlos, Orson Welles en el país de Don Quijote, 2000.
- Petri, Kristian, Brunnen, 2005.
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- Sedlar, Dominik y Sedlar, Jakov, Búsqueda de Orson, 2006.
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- Trabajador, Chuck. Mago: La vida asombrosa y el trabajo de Orson Welles, 2014.
- Kuperberg, Julia y Kuperberg, Clara, Este es Orson Welles, 2015.
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- Mark Cousins, Los ojos de Orson Welles, 2018.
- Danny Wu, American: An Odyssey to 19472022.