Ornette coleman
Randolph Denard Ornette Coleman (9 de marzo de 1930 - 11 de junio de 2015) fue un saxofonista, trompetista, violinista y compositor de jazz estadounidense. Fue mejor conocido como uno de los principales fundadores del género free jazz, un término derivado de su álbum de 1960 Free Jazz: A Collective Improvisation. Sus trabajos pioneros a menudo abandonaron la composición basada en la armonía, la tonalidad, los cambios de acordes y el ritmo fijo que se encuentran en los modismos de jazz anteriores. En cambio, Coleman enfatizó un enfoque experimental de la improvisación, arraigado en la interpretación en conjunto y el fraseo de blues. AllMusic lo llamó "una de las figuras más queridas y polarizadoras en la historia del jazz" señalando que, si bien "ahora se celebra como un innovador intrépido y un genio, sus compañeros y críticos lo consideraron inicialmente como rebelde, disruptivo e incluso un fraude".
Nacido y criado en Fort Worth, Texas, Coleman aprendió solo a tocar el saxofón cuando era adolescente. Comenzó su carrera musical tocando en grupos locales de R&B y bebop, y finalmente formó su propio grupo en Los Ángeles con miembros como Ed Blackwell, Don Cherry, Charlie Haden y Billy Higgins. En noviembre de 1959, su cuarteto comenzó una controvertida residencia en el club de jazz Five Spot de la ciudad de Nueva York y lanzó el influyente álbum The Shape of Jazz to Come, su LP debut en Atlantic Records. Los posteriores lanzamientos de Coleman en Atlantic a principios de la década de 1960 influirían profundamente en la dirección del jazz en esa década, y sus composiciones "Lonely Woman" y "Broadway Blues" se convirtieron en estándares de género que se citan como importantes obras tempranas en el free jazz.
A mediados de la década de 1960, Coleman dejó Atlantic por sellos como Blue Note y Columbia Records, y comenzó a actuar con su hijo Denardo Coleman en la batería. Exploró las composiciones sinfónicas con su álbum de 1972 Skies of America, con la Orquesta Sinfónica de Londres. A mediados de la década de 1970, formó el grupo Prime Time y exploró el jazz-funk eléctrico y su concepto de música armolódica. En 1995, Coleman y su hijo Denardo fundaron el sello discográfico Harmolodic. Su álbum de 2006 Sound Grammar recibió el Premio Pulitzer de Música, convirtiendo a Coleman en el segundo músico de jazz en recibir el honor.
Biografía
Primeros años
Coleman nació el 9 de marzo de 1930 en Fort Worth, Texas, donde se crió.
Asistió a la escuela secundaria I.M. Terrell, donde participó en la banda hasta que lo despidieron por improvisar durante "The Washington Post" marzo. Comenzó a interpretar R&B y bebop en el saxofón tenor y comenzó The Jam Jivers con Prince Lasha y Charles Moffett.
Ansioso por irse de la ciudad, aceptó un trabajo en 1949 con un espectáculo itinerante de Silas Green de Nueva Orleans y luego con espectáculos itinerantes de Rhythm and Blues. Después de un espectáculo en Baton Rouge, Louisiana, fue asaltado y su saxofón fue destruido.
Cambió al saxofón alto, que siguió siendo su instrumento principal, tocándolo por primera vez en Nueva Orleans después del incidente de Baton Rouge. Luego se unió a la banda de Pee Wee Crayton y viajó con ellos a Los Ángeles. Trabajó en varios trabajos, incluso como ascensorista, mientras seguía su carrera musical.
En California encontró músicos de ideas afines como Ed Blackwell, Bobby Bradford, Don Cherry, Charlie Haden, Billy Higgins y Charles Moffett. Grabó su álbum debut, Something Else!!!! (1958), con Cherry, Higgins, Walter Norris y Don Payne. Durante el mismo año, perteneció brevemente a un quinteto dirigido por Paul Bley que actuó en un club de la ciudad de Nueva York (esa banda está grabada en Live at the Hilcrest Club 1958). Cuando se grabó Tomorrow Is the Question! poco después con Cherry, los bajistas Percy Heath y Red Mitchell, y la baterista Shelly Manne, el mundo del jazz había sido sacudido por la música alienígena de Coleman. Algunos músicos de jazz lo llamaron un fraude, mientras que el director de orquesta Leonard Bernstein lo elogió.
1959: La forma del jazz por venir
En 1959, Atlantic lanzó The Shape of Jazz to Come. Según el crítico musical Steve Huey, el álbum "fue un punto de inflexión en la génesis del jazz de vanguardia, guiando profundamente su curso futuro y lanzando un desafío que algunos aún no han logrado enfrentar". #34; Jazzwise lo incluyó en el tercer lugar de su lista de los 100 mejores álbumes de jazz de todos los tiempos. Cuando el filósofo francés Jacques Derrida lo entrevistó, Ornette dijo que "Lonely Woman" del álbum resultó de ver a una mujer rica que estaba en tal soledad.
El cuarteto de Coleman recibió un compromiso prolongado, y en ocasiones controvertido, en el club de jazz Five Spot de la ciudad de Nueva York. Leonard Bernstein, Lionel Hampton y el Modern Jazz Quartet quedaron impresionados y ofrecieron aliento. Hampton pidió actuar con el cuarteto; Bernstein ayudó a Haden a obtener una beca de composición de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Pero el trompetista Miles Davis dijo que Coleman estaba 'todo jodido por dentro', aunque más tarde se convirtió en un defensor de las innovaciones de Coleman.
El sonido inicial de Coleman se debió en parte a su uso de un saxofón de plástico. Compró una trompeta de plástico en Los Ángeles en 1954 porque no podía pagar un saxofón de metal, aunque al principio no le gustaba el sonido del instrumento de plástico.
En las grabaciones de Atlantic, los acompañantes de Coleman en el cuarteto son Cherry en corneta o trompeta de bolsillo; Charlie Haden, Scott LaFaro y luego Jimmy Garrison al bajo; y Higgins o su reemplazo Ed Blackwell en la batería. Las grabaciones completas para el sello se recopilaron en la caja Beauty Is a Rare Thing.
1960: Free Jazz y Blue Note
En 1960, Coleman grabó Free Jazz: A Collective Improvisation, que incluía un cuarteto doble, que incluía a Don Cherry y Freddie Hubbard a la trompeta, Eric Dolphy al clarinete bajo, Haden y LaFaro al bajo y tanto Higgins como Blackwell en la batería. El álbum fue grabado en estéreo con un cuarteto de cañas, metales, bajo y batería aislado en cada canal estéreo. Free Jazz fue, con 37 minutos, la interpretación continua de jazz más larga registrada hasta la fecha y fue uno de los álbumes más controvertidos de Coleman. La música presenta un pulso regular pero complejo, un baterista toca "directamente" mientras que el otro jugaba a doble tiempo; el material temático es una serie de fanfarrias breves y disonantes. Una serie de funciones en solitario para cada miembro de la banda, pero los otros solistas son libres de participar como lo deseen. En el número del 18 de enero de 1962 de la revista Down Beat, en una reseña titulada "Double View of a Double Quartet", Pete Welding le dio al álbum cinco estrellas mientras que John A. Tynan lo calificó con cero estrellas. Sin embargo, el tiempo ha sido más amable con el álbum, y AllMusic lo incluyó como uno de los '20 álbumes esenciales de jazz gratuito'.
Coleman pretendía "free jazz" simplemente como un título de álbum. Pero su creciente reputación lo colocó a la vanguardia de la innovación del jazz, y el free jazz pronto se consideró un nuevo género, aunque Coleman expresó su incomodidad con el término. Entre las razones por las que puede haber desaprobado el término es que su música contiene composición. Su material melódico, aunque esquelético, recuerda melodías que Charlie Parker compuso sobre armonías estándar. La música está más cerca del bebop anterior de lo que a veces se imagina popularmente.
Después del período Atlántico y en la primera parte de la década de 1960, la música de Coleman se volvió más angulosa y se comprometió con el jazz de vanguardia que se había desarrollado en parte en torno a sus innovaciones. Después de que su cuarteto se disolviera, formó un trío con David Izenzon en el bajo y Charles Moffett en la batería. Amplió el sonido de su música, introduciendo a los instrumentistas de cuerda y comenzó a tocar la trompeta y el violín, que aprendió a tocar de forma autodidacta con la mano izquierda. Tenía poca técnica musical convencional y utilizaba los instrumentos para realizar grandes gestos desenfrenados. Su amistad con Albert Ayler influyó en su desarrollo en la trompeta y el violín. Charlie Haden a veces se unía a este trío para formar un cuarteto de dos contrabajos.
Coleman firmó con Blue Note y grabó At the Golden Circle Stockholm. En 1966 grabó The Empty Foxhole con su hijo, Denardo Coleman, de diez años. Freddie Hubbard y Shelly Manne consideraron esto como una publicidad desacertada por parte de Coleman. A pesar de su juventud, Denardo Coleman había estudiado batería durante varios años. Su técnica era poco refinada pero entusiasta, y se debía más a bateristas de free jazz orientados al pulso como Sunny Murray que a bateristas de bebop. Se convirtió en el baterista principal de su padre a fines de la década de 1970.
Coleman formó otro cuarteto. Aparecieron Haden, Garrison y Elvin Jones, y Dewey Redman se unió al grupo, generalmente en el saxofón tenor. El 29 de febrero de 1968, en un grupo con Haden, Ed Blackwell y David Izenzon Coleman actuó en vivo con Yoko Ono en el Albert Hall. Se incluyó una canción en el álbum Yoko Ono/Plastic Ono Band (1970).
Continuó explorando su interés en las texturas de cuerdas, desde Town Hall, 1962, que culminó con el álbum Skies of America en 1972. (A veces esto tenía un valor práctico, ya que facilitó la aparición de su grupo en el Reino Unido en 1965, donde los músicos de jazz estaban sujetos a un acuerdo de cuotas pero los intérpretes de música clásica estaban exentos).
Décadas de 1970 a 1990: funk armolítico y horario de máxima audiencia
Coleman, como Miles Davis antes que él, empezó a tocar con instrumentos electrificados. El álbum de funk de 1976 Dancing in Your Head, la primera grabación de Coleman con el grupo que más tarde se conocería como Prime Time, destacaba las guitarras eléctricas. Si bien esto marcó un cambio estilístico para Coleman, la música mantuvo ciertas similitudes con su trabajo anterior. Estas actuaciones tenían las mismas melodías angulosas e improvisaciones grupales simultáneas, lo que Joe Zawinul denominó "nadie solos, todos solos" y lo que Coleman llamó armolódica, y aunque se alteró la naturaleza del pulso, el enfoque rítmico de Coleman no.
En la década de 1980, álbumes como Virgin Beauty y Of Human Feelings continuaron usando ritmos de rock y funk, a veces llamados free funk. Jerry García tocó la guitarra en tres temas del álbum de Coleman de 1988 Virgin Beauty: "Three Wishes", "Singing in the Shower" y " 34;Jugadores del desierto". Coleman se unió a Grateful Dead en el escenario en 1993 durante "Space" y se quedó para 'The Other One', 'Stella Blue', 'Turn on Your Lovelight' de Bobby Bland y el bis 'Brokedown'. Palacio". Otra colaboración fue con el guitarrista Pat Metheny, con quien Coleman grabó Song X (1985); aunque el álbum fue lanzado bajo el nombre de Metheny, Coleman fue esencialmente co-líder (aportando todas las composiciones).
En 1990, la ciudad de Reggio Emilia en Italia celebró un "Retrato del artista" con un cuarteto de Coleman con Cherry, Haden y Higgins. El festival también presentó actuaciones de su música de cámara y la sinfónica Skies of America. En 1991, Coleman tocó en la banda sonora de la película Naked Lunch de David Cronenberg; la orquesta fue dirigida por Howard Shore. Es notable, entre otras cosas, por incluir un raro avistamiento de Coleman tocando un estándar de jazz: 'Misterioso' de Thelonious Monk. Dos grabaciones de Coleman de 1972 (preeléctricas), "Happy House" y 'Foreigner in a Free Land', se usaron en Finding Forrester de Gus Van Sant de 2000. Coleman lanzó cuatro discos en 1995 y 1996 y, por primera vez en muchos años, trabajó regularmente con pianistas (ya sea Geri Allen o Joachim Kühn).
Años 2000
En septiembre de 2006, lanzó un álbum en vivo titulado Sound Grammar con su hijo, Denardo Coleman, y dos bajistas, Greg Cohen y Tony Falanga. Este fue su primer álbum de material nuevo en diez años y fue grabado en Alemania en 2005. Ganó el Premio Pulitzer de música 2007, siendo Coleman el segundo músico de jazz en ganar el premio. Aunque Wynton Marsalis ganó el Premio Pulitzer de Música en 1997 por Blood on the Fields, que es un oratorio sobre la esclavitud, Sound Grammar es el primer álbum de jazz en ganar el premio.
La pianista de jazz Joanne Brackeen declaró en una entrevista con Marian McPartland que Coleman fue su mentor y le dio lecciones de música.
Coleman se casó con la poeta Jayne Cortez en 1954. La pareja se divorció en 1964. Tuvieron un hijo, Denardo, nacido en 1956.
Coleman murió de un paro cardíaco a la edad de 85 años en la ciudad de Nueva York el 11 de junio de 2015. Su funeral fue un evento de tres horas con actuaciones y discursos de varios de sus colaboradores y contemporáneos.
Premios y distinciones
- Down Jazz Hall of Fame, 1969
- MacArthur Fellowship, 1994
- Praemium Imperiale, 2001
- Premio Dorothy y Lillian Gish, 2004
- Doctorado honorario de música, Berklee College of Music, 2006
- Grammy Lifetime Achievement Award, 2007
- Premio Pulitzer para la música, 2007
- Premio Miles Davis, Festival Internacional de Jazz de Montréal, 2009
- Doctorado honorario por el Graduate Center, CUNY, 2008
- Doctorado honorario de música, Universidad de Michigan, 2010
Discografía
En la cultura popular
McClintic Sphere, un personaje ficticio de la primera novela de Thomas Pynchon V. (1963), es un innovador saxofonista inspirado en Ornette Coleman.
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