Orfeo en el inframundo

Poster for Paris revival, 1878

Orfeo en el inframundo y Orfeo en el infierno son nombres en inglés de Orphée aux enfers (francés: [ɔʁfe oz‿ɑ̃fɛʁ]), una ópera cómica con música de Jacques Offenbach y letra de Hector Crémieux y Ludovic Halévy. Se representó por primera vez como una "opéra bouffon" en dos actos. en el Théâtre des Bouffes-Parisiens, París, el 21 de octubre de 1858, y fue ampliamente revisada y ampliada en una "opéra féerie" versión, presentada en el Théâtre de la Gaîté, París, el 7 de febrero de 1874.

La ópera es una sátira de la antigua leyenda de Orfeo y Eurídice. En esta versión Orfeo no es el hijo de Apolo sino un rústico profesor de violín. Se alegra de haberse librado de su esposa, Eurídice, cuando el dios del inframundo, Plutón, la rapta. La opinión pública tiene que intimidar a Orfeo para que intente rescatar a Eurídice. La conducta reprobable de los dioses del Olimpo en la ópera fue ampliamente vista como una sátira velada de la corte y el gobierno de Napoleón III, emperador de los franceses. Algunos críticos expresaron su indignación por los libretistas' falta de respeto por la mitología clásica y la parodia del compositor de la ópera de Gluck Orfeo ed Euridice; otros elogiaron mucho la pieza.

Orphée aux enfers fue la primera ópera de larga duración de Offenbach. La producción original de 1858 se convirtió en un éxito de taquilla y funcionó hasta bien entrado el año siguiente, rescatando a Offenbach y su compañía Bouffes de dificultades financieras. El renacimiento de 1874 batió récords en la taquilla de Gaîté. La obra se representó con frecuencia en Francia e internacionalmente durante la vida del compositor y durante todo el siglo XX. Es una de sus óperas representadas con más frecuencia y continúa reviviéndose en el siglo XXI.

En la última década del siglo XIX los cabarets parisinos Moulin Rouge y Folies Bergère adoptaron la música del "Galop infernal" de la escena culminante de la ópera para acompañar al cancán, y desde entonces la tonada se asocia popularmente con el baile.

Antecedentes y primeras producciones

Offenbach c.1860

Entre 1855 y 1858, Offenbach presentó más de dos docenas de operetas en un acto, primero en la Bouffes-Parisiens, Salle Lacaze, y luego en la Bouffes-Parisiens, Salle Choiseul. Las leyes de licencias teatrales entonces le permitían solo cuatro cantantes en cada pieza, y con elencos tan pequeños, las obras de larga duración estaban fuera de discusión. En 1858 se relajaron las restricciones de las licencias y Offenbach pudo seguir adelante con una obra en dos actos que tenía en mente desde hacía algún tiempo. Dos años antes le había dicho a su amigo el escritor Héctor Crémieux que cuando era director musical de la Comédie-Française a principios de la década de 1850 juró vengarse del aburrimiento que sufría con las poses de los héroes y dioses míticos del Olimpo en las obras que allí se presentaban.. Cremieux y Ludovic Halévy esbozaron un libreto para él satirizando a tales personajes. En 1858, cuando finalmente se le permitió a Offenbach un elenco lo suficientemente grande como para hacer justicia al tema, Halévy estaba preocupado por su trabajo como alto funcionario, y el libreto final se atribuyó solo a Crémieux. La mayoría de los papeles se escribieron pensando en miembros populares de la compañía Bouffes, incluidos Désiré, Léonce, Lise Tautin y Henri Tayau como un Orphée que realmente podía tocar el violín de Orpheus.

Los Bouffes-Parisiens, Salle Choiseul

La primera representación tuvo lugar en la Salle Choiseul el 21 de octubre de 1858. Al principio, la pieza funcionó razonablemente bien en taquilla, pero no fue el tremendo éxito que Offenbach esperaba. Insistía en espléndidas puestas en escena para sus óperas: los gastos solían superar los ingresos y necesitaba una importante fuente de ingresos. Los negocios recibieron un impulso involuntario del crítico Jules Janin del Journal des débats). Había elogiado producciones anteriores en el Bouffes-Parisiens, pero se indignó con vehemencia por lo que, según él, era un ultraje blasfemo y lascivo, "una profanación de la santa y gloriosa antigüedad". Su ataque, y las irreverentes réplicas públicas de Crémieux y Offenbach, ocuparon los titulares y provocaron un gran interés por la pieza entre el público parisino, que acudió en masa a verla. En su estudio de 1980 sobre Offenbach, Alexander Faris escribe: "Orphée se convirtió no solo en un triunfo, sino un culto." Tuvo 228 funciones, en un momento en que una carrera de 100 noches se consideraba un éxito. Albert Lasalle, en su Historia de las Bouffes-Parisiens (1860), escribió que la obra se cerró en junio de 1859 -aunque seguía teniendo un gran éxito de taquilla- "porque los actores, que no podían cansar al público, estaban ellos mismos agotados".

En 1874, Offenbach amplió sustancialmente la pieza, duplicando la longitud de la partitura y convirtiendo la íntima opéra bouffon de 1858 en una opéra féerie extravaganza en cuatro actos, con importantes secuencias de ballet. Esta versión se estrenó en el Théâtre de la Gaîté el 7 de febrero de 1874, tuvo 290 funciones y rompió récords de taquilla para ese teatro. Durante la primera ejecución de la versión revisada, Offenbach la amplió aún más, agregando ballets que ilustran el reino de Neptuno en el Acto 3 y elevando el número total de escenas en los cuatro actos a veintidós.

Funciones

Sinopsis

Versión original en dos actos

Acto 1, Escena 1: El campo cerca de Tebas, Antigua Grecia

Diseño de conjunto de Charles-Antoine Cambon para Acta I, Escena 1, en la edición revisada 1874

Una introducción hablada con acompañamiento orquestal (Introducción y Melodrama) abre la obra. Public Opinion explica quién es ella: la guardiana de la moralidad ("Qui suis-je? du Théâtre Antique" ). Dice que, a diferencia del coro de las obras de teatro de la Grecia antigua, no se limita a comentar la acción, sino que interviene en ella para asegurarse de que la historia mantenga un alto tono moral. Sus esfuerzos se ven obstaculizados por los hechos del asunto: Orfeo no es el hijo de Apolo, como en el mito clásico, sino un rústico profesor de música, cuya aversión por su esposa, Eurídice, es correspondida de todo corazón. Está enamorada del pastor, Aristée (Aristaeus), que vive al lado ("La femme dont le coeur rêve" ), y Orphée está enamorada de Chloë, una pastora. Cuando Orphée confunde a Eurydice con ella, todo sale a la luz y Eurydice insiste en que abandonen el matrimonio. Orphée, temiendo la reacción de la opinión pública, atormenta a su esposa para que mantenga el escándalo en silencio usando música de violín, que ella odia (" Ah, c'est ainsi").

Marie Garnier como Vénus en la producción original de 1858

Entra Aristée. Aunque aparentemente es un pastor, en realidad es Plutón (Plutón), Dios del Inframundo. Mantiene su disfraz cantando una canción pastoral sobre las ovejas ("Moi, je suis Aristée"). Eurydice ha descubierto lo que cree que es un complot de Orphée para matar a Aristée, dejando serpientes sueltas en los campos, pero en realidad es una conspiración entre Orphée y Pluton para matarla, de modo que Pluton pueda tenerla y Orphée se deshaga de ella. Pluton la engaña para que camine hacia la trampa al mostrar inmunidad a ella, y ella es mordida. Cuando ella muere, Pluton se transforma en su verdadera forma (escena de transformación). Eurídice descubre que la muerte no es tan mala cuando el Dios de la Muerte está enamorado de uno ("La mort m'apparaît souriante& #34;). Descienden al Inframundo tan pronto como Eurydice ha dejado una nota diciéndole a su esposo que ha sido inevitablemente detenida.

Todo parece ir bien para Orphée hasta que Public Opinion lo alcanza y amenaza con arruinar su carrera como profesor de violín a menos que vaya a rescatar a su esposa. Orphée acepta a regañadientes.

Acto 1, Escena 2: Olimpo

La escena cambia al Olimpo, donde los dioses duermen ("Dormons, dormons"). Cupidon y Vénus entran separados de sus escapadas nocturnas amorosas y se unen a sus compañeros dormidos, pero pronto todos se despiertan con el sonido del cuerno de Diane, supuestamente casta cazadora y diosa. Lamenta la repentina ausencia de Acteón, su amor actual ("Quand Diane descend dans la plaine"); para su indignación, Júpiter le dice que ha convertido a Acteón en un ciervo para proteger su reputación. Mercury llega e informa que ha visitado el inframundo, al que Pluton acaba de regresar con una hermosa mujer. Pluton entra y Júpiter lo regaña por su escandalosa vida privada. Para alivio de Plutón, los demás dioses eligen este momento para rebelarse contra el reinado de Júpiter, su aburrida dieta de ambrosía y néctar, y el puro tedio del Olimpo ("Aux armes, dieux et demi-dieux!"). Las demandas de Júpiter de saber qué está pasando los lleva a señalar su hipocresía en detalle, burlándose de todos sus asuntos mitológicos (& #34;Pour séduire Alcmène la fière").

La llegada de Orphée, con la opinión pública a su lado, tiene a los dioses en su mejor comportamiento ("Il approche !Il s'avance"). Orphée obedece a Public Opinion y finge suspirar por Eurídice: ilustra su supuesto dolor con un fragmento de "Che farò senza Euridice" del Orfeo de Gluck. Pluton está preocupado de verse obligado a devolver a Eurydice; Júpiter anuncia que irá al Inframundo para arreglar todo. Los otros dioses suplican ir con él, él accede, y estallan celebraciones masivas en esta festividad ("Gloire! gloire à Jupiter... Partons, partons").

Acto 2, Escena 1: El tocador de Plutón en el inframundo

Júpiter se transformó en una mosca – Désiré, en la producción de 1858

Eurydice está encerrada por Plutón y la vida le resulta muy tediosa. Su carcelero es un borracho tonto llamado John Styx. Antes de morir, era rey de Beocia (una región de Grecia que Aristófanes convirtió en sinónimo de paletos del campo), y canta a Eurídice un lamento lastimero por su realeza perdida ("Quand j'étais roi de Béotie").

Júpiter descubre dónde Plutón ha escondido a Eurídice y se desliza por el ojo de la cerradura convirtiéndose en una hermosa mosca dorada. Se encuentra con Eurydice en el otro lado y canta un dúo de amor con ella donde su parte consiste enteramente en zumbidos ("Duo de la mouche& #34;). Luego, él se revela a ella y promete ayudarla, en gran parte porque la quiere para él. Pluton se queda regañando furiosamente a John Styx.

Acto 2, Escena 2: Las orillas del Styx

La escena cambia a una gran fiesta que están dando los dioses, donde la ambrosía, el néctar y el decoro no se ven por ningún lado ("Vive le vin! Vive Pluton!"). Eurídice está presente, disfrazada de bacante ("J'ai vu le dieu Bacchus"), pero el plan de Júpiter para escabullirse se ve interrumpido por llamadas para un baile. Júpiter insiste en un minueto, que todos los demás encuentran aburrido ("La la la. Le menuet n'est vraiment si charmant&# 34;). Las cosas se animan cuando comienza el número más famoso de la ópera, el "Galop infernal", y todos los presentes se lanzan a él con salvaje abandono ("Ce bal est original").

Una siniestra música de violín anuncia el acercamiento de Orphée (Entrance of Orphée and Public Opinion), pero Júpiter tiene un plan y promete mantener a Eurydice alejada de su esposo. Al igual que con el mito estándar, Orphée no debe mirar hacia atrás, o perderá a Eurydice para siempre ("Ne lookinge pas en arrière!&# 34;). Public Opinion lo vigila de cerca para evitar que haga trampa, pero Júpiter lanza un rayo que lo hace saltar y mirar hacia atrás, y Eurydice desaparece. En medio de la agitación que siguió, Júpiter proclama que de ahora en adelante pertenecerá al dios Baco y se convertirá en una de sus sacerdotisas. La opinión pública no está contenta, pero Pluton se ha hartado de Eurydice, Orphée está libre de ella y todo termina felizmente.

Versión revisada de 1874

La trama es esencialmente la de la versión de 1858. En lugar de dos actos con dos escenas cada uno, la última versión consta de cuatro actos, que siguen la trama de las cuatro escenas del original. La versión revisada se diferencia de la primera en que tiene varias secuencias de ballet interpoladas y algunos personajes y números musicales adicionales. Las adiciones no afectan la narrativa principal pero aumentan considerablemente la duración de la partitura. En el Acto I hay un coro de apertura para pastores y pastoras reunidos, y Orfeo tiene un grupo de jóvenes estudiantes de violín, que se despiden de él al final del acto. En el Acto 2, Mercure recibe un número de entrada en solitario ("Eh hop!"). En el Acto 3, Eurydice tiene un nuevo solo, el "Couplets des lamentas" ("¡Ah! quelle triste destinée!"), Cupidon tiene un nuevo número, el "Couplets des baisers" ("Allons, mes fins limitiers"), los tres jueces de Hades y una pequeña banda de policías se suman al elenco para participar en Júpiter&# 39;s búsqueda de la oculta Eurydice, y al final del acto el furioso Pluton es capturado y llevado por un enjambre de moscas.

Música

Faris describe la partitura de la ópera, que sirvió de modelo para las muchas óperas completas de Offenbach que siguieron, con una "abundancia de coplas" (canciones con versos repetidos para uno o más cantantes), "una variedad de otros solos y dúos, varios coros grandes y dos finales extendidos". Offenbach escribió en una variedad de estilos, desde la vena pastoral rococó, pasando por el pastiche de la ópera italiana, hasta el galope estruendoso, mostrando, en el análisis de Faris, muchas de sus características personales, como melodías que "saltan hacia atrás". y avanza de una manera notablemente acrobática sin dejar de sonar no solo suavemente lírico, sino también espontáneo. En números tan acelerados como el 'Galop infernal', Offenbach hace de la simplicidad una virtud, a menudo manteniendo la misma tonalidad durante la mayor parte del número, con una instrumentación prácticamente invariable en todo momento. En otra parte de la partitura, Offenbach otorga mayor protagonismo a la orquesta. En el "duo de la mouche", la parte de Júpiter, que consiste en zumbar como una mosca, está acompañado por el primer y segundo violines tocando sul ponticello, para producir un zumbido similar. En Le Figaro, Gustave Lafargue comentó que el uso de Offenbach de un trino flautín puntuado por un toque en un platillo en el final de la primera escena era una recreación moderna de un efecto inventado por Gluck en su partitura de Iphigénie en Aulide. Wilfrid Mellers también comenta sobre el uso que hace Offenbach del flautín para realzar los pareados de Eurídice con "risitas de niña". en el instrumento. Gervase Hughes comenta sobre la elaborada partitura del "ballet des mouches" [Acto 3, versión de 1874], y lo llama "un tour de force" eso podría haber inspirado a Tchaikovsky.

Temas de apertura "Quand j'étais roi de Béotie", "J'ai vu le Dieu Bacchus" y el "Galop infernal", mostrando las principales notas en común: A-C▪–E–C▪–B–A

Faris comenta que en Orphée aux enfers Offenbach demuestra que era un maestro en establecer el estado de ánimo mediante el uso de figuras rítmicas. Faris cita tres números del segundo acto (versión de 1858), que están todos en la tonalidad de La mayor y usan notas idénticas en casi el mismo orden, "pero sería difícil imaginar una diferencia de sentimiento más extrema que que entre el canto del Rey de los Beocios y el Galop". En un estudio de 2014, Heather Hadlock comenta que para el primero, Offenbach compuso "una melodía lánguida pero inquieta" sobre un acompañamiento estático de bajo-dron estilo musette de armonías dominantes y tónicas alternas, evocando y burlándose simultáneamente de la nostalgia por un lugar y un tiempo perdidos y "creando una tensión perpetuamente no resuelta entre el patetismo y la ironía". Mellers encuentra que el aria de Styx tiene "un patetismo que toca el corazón". – tal vez, sugiere, el único ejemplo de verdadero sentimiento en la ópera.

En 1999, Thomas Schipperges escribió en el International Journal of Musicology que muchos académicos sostienen que la música de Offenbach desafía todos los métodos musicológicos. Él no estuvo de acuerdo y analizó el 'Galop infernal', encontrándolo sofisticado en muchos detalles: 'A pesar de toda su sencillez, revela un diseño calculado. La 'economía' de la pieza sirve a una dramaturgia musical deliberada." Hadlock observa que aunque la música más conocida de la ópera está "impulsada por las energías propulsoras de la comedia rossiniana" y el galope acelerado, estos números animados van de la mano con música más majestuosa en una vena del siglo XVIII: "La sofisticación de la partitura es el resultado del entrelazamiento de Offenbach del lenguaje musical urbano contemporáneo con un tono sobrio y melancólico que se socava e ironiza sin llegar a deshacer nunca del todo".

Orphée aux enfers fue la primera de las principales obras de Offenbach en tener un coro. En un estudio de 2017, Melissa Cummins comenta que aunque el compositor usó el coro ampliamente como los secuaces de Pluton, los residentes aburridos del Olimpo y las bacantes en el Hades, simplemente están allí para completar las partes vocales en los grandes números del conjunto, y "son tratados como una multitud sin nombre y sin rostro que simplemente está presente." En la escena del Olimpo, el coro tiene una sección inusual de bocca chiusa, marcada como "Bouche fermée", un efecto utilizado más tarde por Bizet en Djamileh y Puccini en el "Humming Chorus" 34; en Madama Butterfly.

Ediciones

La orquesta de Bouffes-Parisiens era pequeña, probablemente unos treinta músicos. La versión de 1858 de Orphée aux enfers está escrita para dos flautas (la segunda piccolo doblada), un oboe, dos clarinetes, un fagot, dos trompas, dos cornetas, un trombón, timbales, percusión (bombo/platillos, triángulo) y cuerdas. El erudito de Offenbach, Jean-Christophe Keck, especula que las secciones de cuerdas constaban como máximo de seis primeros violines, cuatro segundos violines, tres violas, cuatro violonchelos y un contrabajo. La partitura de 1874 requiere fuerzas orquestales considerablemente mayores: Offenbach agregó partes adicionales para secciones de viento de madera, metales y percusión. Para el estreno de la versión revisada contrató una orquesta de sesenta músicos, así como una banda militar de otros cuarenta músicos para la procesión de los dioses del Olimpo al final del segundo acto.

La música de la revisión de 1874 fue bien recibida por los críticos contemporáneos, pero algunos críticos posteriores sintieron que la partitura más larga, con sus amplias secciones de ballet, tiene partes aburridas ocasionalmente. No obstante, algunos de los números añadidos, en particular el "Couplets des baisers", Mercure's rondo "Eh hop", y el "Coro de policías" han ganado favor, y algunos o todos a menudo se agregan a las representaciones utilizando el texto de 1858.

Durante más de un siglo después de la muerte del compositor, una de las causas de las reservas de la crítica sobre esta y sus otras obras fue la persistencia de lo que el musicólogo Nigel Simeone ha llamado "estropeado, masacrado y extorsionado" versiones. Desde principios del siglo XXI ha estado en marcha un proyecto para publicar partituras académicas y fiables de las óperas de Offenbach, bajo la dirección de Keck. La primera que se publicó, en 2002, fue la versión de 1858 de Orphée aux enfers. La edición de Offenbach Keck ha publicado posteriormente la partitura de 1874 y otro dibujo de las versiones de 1858 y 1874.

Obertura y galop

Overture to Orphée aux enfers: Carl Binder arreglo (9:23)

De Musopen

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La obertura Orphée aux enfers más conocida y más grabada no es de Offenbach, y no es parte de las partituras de 1858 o 1874. Fue arreglada por el músico austriaco Carl Binder (1816–1860) para la primera producción de la ópera en Viena, en 1860. La partitura de Offenbach de 1858 tiene una breve introducción orquestal de 104 compases; comienza con una melodía tranquila para viento de madera, seguida por el tema del minueto del Acto 2 de Júpiter, en A♭ mayor y continúa a través de una fuga pomposa fingida en fa mayor hacia el monólogo de apertura de Public Opinion. La obertura de la revisión de 1874 es una pieza de 393 compases, en la que se repiten el minué de Júpiter y la canción de John Styx, intercalados con muchos temas de la partitura, incluido "J'ai vu le Dieu Bacchus", las coplas "Je suis Vénus", el Rondeau des métamorphoses , la sección "Partons, partons" del final del Acto 2, y el galope del Acto 4.

Quince años más o menos después de la muerte de Offenbach, el galope del Acto 2 (o Acto 4 en la versión de 1874) se convirtió en una de las piezas musicales más famosas del mundo, cuando el Moulin Rouge y el Folies Bergère la adoptó como música habitual para su can-can. Keck ha comentado que el "galope infernal" fue un asunto considerablemente más espontáneo y desenfrenado que el fin de siècle can-can (Keck compara el original con un rave moderno), pero la melodía ahora es inseparable en la mente del público de las bailarinas de can-can.

Números

Recepción

Siglo XIX

Gluck y Offenbach Orphées en comparación:

"Llévanos al teatro donde están Orfeo."

"El Orfeo Eso es aburrido o el Orfeo ¿Eso es gracioso?"

Desde el principio, la Orphée aux enfers dividió la opinión crítica. La furiosa condena de Janin hizo mucho más bien que mal a la obra, y contrastaba con la crítica elogiosa del estreno de Jules Noriac en el Figaro-Programme, que calificó la obra como "sin precedentes, espléndida, escandalosa, graciosa, deliciosa, ingeniosa, divertida, exitosa, perfecta, melodiosa". Bertrand Jouvin, en Le Figaro, criticó a parte del elenco pero elogió la puesta en escena: "una fantasía espectáculo, que tiene toda la variedad, todas las sorpresas de la ópera de hadas. La Revue et Gazette Musicale de Paris pensó que aunque sería un error esperar demasiado de una pieza de este género, Orphée aux enfers fue una de las obras más destacadas de Offenbach, con encantadoras coplas para Eurídice, Aristée-Pluton y el rey de Beocia. Le Ménestrel llamó al elenco "pura sangre" quien hizo plena justicia a 'todos los chistes encantadores, todas las deliciosas originalidades, todas las ridículas rarezas arrojadas con profusión en la música de Offenbach'.

Al escribir la versión revisada de 1874, los autores de Les Annales du théâtre et de la musique dijeron: "Orphée aux enfers es ante todo un buen espectáculo. La música de Offenbach ha conservado su juventud y espíritu. La divertida opereta de antaño se ha convertido en una espléndida extravagancia", contra la cual Félix Clément y Pierre Larousse escribieron en su Dictionnaire des Opéras (1881) que la pieza es "una parodia tosca y grotesca" llena de "escenas vulgares e indecentes" que "desprenden un olor insalubre".

Se consideraba que la ópera contenía una sátira apenas disimulada del régimen de Napoleón III, pero las primeras críticas de la prensa sobre la obra se centraron en su burla de los venerados autores clásicos como Ovidio y la música igualmente sacrosanta de Gluck. Orfeo. Faris comenta que la sátira perpetrada por Offenbach y sus libretistas era más descarada que contundente, y Richard Taruskin en su estudio de la música del siglo XIX observa: "El libertinaje calculado y el sacrilegio fingido, que atrajo con éxito a los críticos más sofocantes, fueron reconocidos por todos por lo que eran: un paliativo social, todo lo contrario de la crítica social [...] El espectáculo de los dioses olímpicos haciendo el cancán no amenazó a nadie' s dignidad." El Emperador disfrutó mucho Orphée aux enfers cuando lo vio en una función de mando en 1860; le dijo a Offenbach que "nunca olvidaría esa noche deslumbrante".

Siglos XX y XXI

Después de la muerte de Offenbach, su reputación en Francia sufrió un eclipse temporal. En palabras de Faris, sus óperas cómicas fueron 'desestimadas como recuerdos irrelevantes y ridículos de un Imperio desacreditado'. Los obituarios de otros países también dieron por sentado que las óperas cómicas, incluidas Orphée, eran efímeras y serían olvidadas.. En el momento del centenario del compositor, en 1919, había quedado claro durante algunos años que tales predicciones habían estado equivocadas. Orphée se revivió con frecuencia, al igual que varias de sus óperas más, y las críticas por motivos morales o musicales habían cesado en gran medida.. Gabriel Groviez escribió en The Musical Quarterly:

El libreto Orphée rebosa de espíritu y humor y la puntuación está llena de ingenio espumoso y encanto melodioso. Es imposible analizar adecuadamente una pieza en la que la frase más sublime y el choque de fantasía más asombroso a cada vuelta.[...] Offenbach nunca produjo un trabajo más completo.

Entre los críticos modernos, Traubner describe Orphée como "el primer gran clásico francés de larga duración opereta [...] clásica (en ambos sentidos del término)", aunque considera la revisión de 1874 como "exagerada". Peter Gammond escribe que el público apreció la frivolidad de la obra al tiempo que reconoció que está enraizada en las mejores tradiciones de la opéra comique. Entre los escritores del siglo XXI, Bernard Holland ha comentado que la música está "hermosamente hecha, implacablemente alegre, de mala gana seria", pero no se muestra como lo hace el posterior Tales of Hoffmann "qué compositor tan profundamente dotado fue realmente Offenbach"; Andrew Lamb ha comentado que aunque Orphée aux enfers sigue siendo la obra más conocida de Offenbach, &# 34;un consenso sobre la mejor de sus operetas probablemente preferiría La vie parisienne por su chispa, La Périchole por su encanto y La belle Hélène por su brillantez total". Kurt Gänzl escribe en La enciclopedia del teatro musical que, en comparación con esfuerzos anteriores, Orphée aux enfers era "algo en una escala diferente [...] una parodia gloriosamente imaginativa de la mitología clásica y de los eventos modernos decorados con los personajes más divertidos de Offenbach. música bufa." En un estudio de 2014 sobre la parodia y el burlesque en Orphée aux enfers, Hadlock escribe:

Con Orphée aux enfers, el género que ahora conocemos como operetta recogió sus fuerzas y saltó hacia adelante, al tiempo que conserva el estilo rápido y conciso de sus predecesores de un acto, su absurdista y risqué sensibilidad, y su economía en la creación de un máximo impacto cómico con recursos limitados. Al mismo tiempo, refleja el deseo de Offenbach de establecerse a sí mismo y a su empresa como legítimos herederos de la tradición cómica francesa del siglo XVIII de Philidor y Grétry.

Avivamientos

Francia

Jeanne Granier y Eugène Vauthier como Eurídice y Júpiter, 1887 – "Bel insecte à l'aile dorée"

Entre la primera ejecución y el primer renacimiento de París, en 1860, la compañía Bouffes-Parisiens recorrió las provincias francesas, donde Orphée aux enfers se reunió con "inmenso" y "increíble" éxito'. Tautin fue sucedido como Eurydice por Delphine Ugalde cuando la producción se revivió en Bouffes-Parisiens en 1862 y nuevamente en 1867.

La primera reposición de la versión de 1874 fue en el Théâtre de la Gaîté en 1875 con Marie Blanche Peschard como Eurydice. Fue revivido nuevamente allí en enero de 1878 con Meyronnet (Orphée), Peschard (Eurydice), Christian (Júpiter), Habay (Pluton) y Pierre Grivot como Mercure y John Styx. Para la temporada de Exposition Universelle ese mismo año, Offenbach revivió la pieza. de nuevo, con Grivot como Orphée, Peschard como Eurydice, el viejo amigo y rival del compositor, Hervé como Júpiter y Léonce como Pluton. La ópera se volvió a ver en la Gaîté en 1887 con Taufenberger (Orphée), Jeanne Granier (Eurydice), Eugène Vauthier (Júpiter) y Alexandre (Pluton). Hubo un renacimiento en el Éden-Théâtre (1889) con Minart, Granier, Christian y Alexandre.

Los renacimientos del siglo XX en París incluyeron producciones en el Théâtre des Variétés (1902) con Charles Prince (Orphée), Juliette Méaly (Eurydice), Guy (Júpiter) y Albert Brasseur (Pluton), y en 1912 con Paul Bourillon, Méaly, Guy y Prince; el Théâtre Mogador (1931) con Adrien Lamy, Manse Beaujon, Max Dearly y Lucien Muratore; la Opéra-Comique (1970) con Rémy Corazza, Anne-Marie Sanial, Michel Roux y Robert Andreozzi; el Théâtre de la Gaïté-Lyrique (1972) con Jean Giraudeau, Jean Brun, Albert Voli y Sanial; y por el Théâtre français de l'Opérette en el Espace Cardin (1984) con múltiples elencos que incluyen (en orden alfabético) André Dran, Maarten Koningsberger, Martine March, Martine Masquelin, Marcel Quillevere, Ghyslaine Raphanel, Bernard Sinclair y Michel Trempont. En enero de 1988, la obra recibió sus primeras representaciones en la Ópera de París, con Michel Sénéchal (Orphée), Danielle Borst (Eurydice), François Le Roux (Júpiter) y Laurence Dale (Pluton).

En diciembre de 1997 se vio una producción de Laurent Pelly en la Opéra National de Lyon, donde se filmó en DVD, con Yann Beuron (Orphée), Natalie Dessay (Eurydice), Laurent Naouri (Júpiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Pluton) con Marc Minkowski dirigiendo. La producción se originó en Ginebra, donde había sido presentada en septiembre -en una antigua central hidroeléctrica utilizada durante la renovación del área escénica del Grand Théâtre- por un elenco encabezado por Beuron, Annick Massis, Naouri y Éric Huchet.

Europa continental

Se cree que la primera producción fuera de Francia fue en Breslau en octubre de 1859. En diciembre del mismo año se inauguró la ópera en Praga. La obra fue presentada en alemán en el Carltheater de Viena en marzo de 1860 en una versión de Ludwig Kalisch, revisada y embellecida por Johann Nestroy, quien interpretó a Júpiter. Burlarse de la mitología greco-romana tenía una larga tradición en el teatro popular de Viena, y el público no tuvo problemas con la falta de respeto que había indignado a Jules Janin y otros en París. Fue para esta producción que Carl Binder armó la versión de la obertura que ahora es la más conocida. Hubo reposiciones en el mismo teatro en febrero y junio de 1861 (ambas en francés) y en el Theatre an der Wien en enero de 1867. 1860 vio los estrenos locales de la obra en Bruselas, Estocolmo, Copenhague y Berlín. Siguieron producciones en Varsovia, San Petersburgo y Budapest, y luego en Zúrich, Madrid, Ámsterdam, Milán y Nápoles.

Gänzl menciona entre "otras innumerables producciones [...] un renacimiento alemán grande y deslumbrante bajo la dirección de Max Reinhardt" en el Großes Schauspielhaus de Berlín en 1922. Una producción más reciente de Berlín fue dirigida por Götz Friedrich en 1983; se lanzó un video de la producción. Las producciones de 2019 incluyen las dirigidas por Helmut Baumann en la Viena Volksoper, y por Barrie Kosky en la Haus für Mozart, Salzburgo, con un reparto encabezado por Anne Sophie von Otter como L'Opinion publique, una coproducción entre el Festival de Salzburgo, Komische Oper Berlin y Deutsche Oper am Rhein.

Gran Bretaña

Programa para la producción de Londres en 1876, dado en inglés a pesar del título francés

La primera producción londinense de la obra fue en el Her Majesty's Theatre en diciembre de 1865, en una versión en inglés de J. R. Planché titulada Orpheus in the Haymarket. Hubo producciones del West End en el francés original en 1869 y 1870 por compañías encabezadas por Hortense Schneider. Versiones en inglés seguidas por Alfred Thompson (1876) y Henry S. Leigh (1877). Una adaptación de Herbert Beerbohm Tree y Alfred Noyes se estrenó en His Majesty's en 1911. La ópera no se volvió a ver en Londres hasta 1960, cuando una nueva adaptación de Geoffrey Dunn se estrenó en el Sadler's Wells Theatre; esta producción de Wendy Toye se revivió con frecuencia entre 1960 y 1974. Una versión en inglés de Snoo Wilson para English National Opera (ENO), montada en el London Coliseum en 1985, se revivió allí en 1987. Una coproducción de Opera North y el D'Oyly Carte Opera Company en una versión de Jeremy Sams abrió sus puertas en 1992 y fue revivida varias veces. En 2019 ENO presentó una nueva producción dirigida por Emma Rice, que se abrió a críticas desfavorables.

Fuera de Europa

La primera producción de Nueva York fue en el Stadt Theatre, en alemán, en marzo de 1861; la producción duró hasta febrero de 1862. Se cantaron dos producciones más en alemán: diciembre de 1863 con Fritze, Knorr, Klein y Frin von Hedemann y diciembre de 1866 con Brügmann, Knorr, Klein y Frin Steglich-Fuchs. La ópera se produjo en el Theatre Français en enero de 1867 con Elvira Naddie y en el Fifth Avenue Theatre en abril de 1868 con Lucille Tostée. En diciembre de 1883 se produjo en el Teatro Bijou con Max Freeman, Marie Vanoni, Digby Bell y Harry Pepper. Hubo producciones en Río de Janeiro en 1865, Buenos Aires en 1866, Ciudad de México en 1867 y Valparaíso en 1868. La ópera se representó por primera vez en Australia en el Princess Theatre de Melbourne en marzo de 1872, en el texto londinense de Planché, con Alice May como Eurídice.

Una espectacular producción de Reinhardt se presentó en Nueva York en 1926. La New York City Opera representó la obra, dirigida por Erich Leinsdorf, en 1956, con Sylvia Stahlman como Eurídice y Norman Kelley como Plutón. Las producciones estadounidenses más recientes han incluido una versión de 1985 de la Ópera de Santa Fe y la versión de ENO de 1985, que fue representada en los EE. UU. por la Gran Ópera de Houston (coproductores) en 1986 y la Ópera de Los Ángeles en 1989.

Siglo XXI en todo el mundo

En abril de 2019, el sitio web de Operabase registró 25 producciones pasadas o programadas de la ópera a partir de 2016, en francés o traducidas: nueve en Alemania, cuatro en Francia, dos en Gran Bretaña, dos en Suiza, dos en EE. UU. y producciones en Gdańsk, Lieja, Ljubljana, Malmö, Praga y Tokio.

Grabaciones

Poster for 1867 revival

Sonido

En francés

Hay tres grabaciones de larga duración. El primero, de 1951, cuenta con el Coro y la Orquesta Filarmónica de París, dirigidos por René Leibowitz, con Jean Mollien (Orphée), Claudine Collart (Eurydice), Bernard Demigny (Júpiter) y André Dran (Pluton); utiliza la versión de 1858. Una edición de 1978 de EMI emplea la versión ampliada de 1874; cuenta con el Coro y la Orquesta del Capitolio de Toulouse dirigidos por Michel Plasson, con Michel Sénéchal (Orphée), Mady Mesplé (Eurydice), Michel Trempont (Júpiter) y Charles Burles (Pluton). Una grabación de 1997 de la partitura de 1858 con algunas adiciones de la revisión de 1874 presenta al Coro y la Orquesta de la Ópera Nacional de Lyon, dirigida por Marc Minkowski, con Yann Beuron (Orphée), Natalie Dessay (Eurydice), Laurent Naouri (Júpiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Plutón).

En inglés

Hasta 2022, la única grabación de la obra completa realizada en inglés es la producción D'Oyly Carte de 1995, dirigida por John Owen Edwards con David Fieldsend (Orpheus), Mary Hegarty (Eurydice), Richard Suart (Júpiter) y Barry Patterson (Plutón). Utiliza la partitura de 1858 con algunas adiciones de la revisión de 1874. El texto en inglés es de Jeremy Sams. Se grabaron extractos extensos de dos producciones anteriores: Sadler's Wells (1960), dirigida por Alexander Faris, con June Bronhill como Eurydice y Eric Shilling como Júpiter; y English National Opera (1985), dirigida por Mark Elder, con Stuart Kale (Orfeo), Lillian Watson (Eurydice), Richard Angas (Júpiter) y Émile Belcourt (Plutón).

En alemán

Ha habido tres grabaciones de larga duración en alemán. El primero, grabado en 1958, cuenta con la Orquesta Sinfónica y el Coro de la Radio del Norte de Alemania dirigidos por Paul Burkhard, con Heinz Hoppe (Orfeo), Anneliese Rothenberger como Eurydice (Eurydike), Max Hansen como Júpiter y Ferry Gruber como Plutón. Rothenberger repitió su papel en un set de EMI de 1978, con la Philharmonia Hungarica y el Coro de la Ópera de Colonia dirigido por Willy Mattes, con Adolf Dellapozza (Orfeo), Benno Kusche (Júpiter) y Gruber (Plutón). Una grabación basada en la producción berlinesa de 1983 de Götz Friedrich cuenta con la Orquesta y Coro de la Deutsche Oper Berlin, dirigida por Jesús López Cobos, con Donald Grobe (Orfeo), Julia Migenes (Eurydike), Hans Beirer (Júpiter) y George Shirley (Plutón).

Vídeo

Se han lanzado grabaciones en DVD basadas en la producción de 1997 de Herbert Wernicke en el Théâtre de la Monnaie, Bruselas, con Alexandru Badea (Orpheus), Elizabeth Vidal (Eurydice), Dale Duesing (Júpiter) y Reinaldo Macias (Pluton), y la producción de Laurent Pelly del mismo año, con Natalie Dessay (Eurydice), Yann Beuron (Orphée), Laurent Naouri (Júpiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Pluton). Se ha publicado en DVD una versión en inglés realizada para la BBC en 1983. Está dirigida por Faris y cuenta con Alexander Oliver (Orfeo), Lillian Watson (Eurídice), Denis Quilley (Júpiter) y Émile Belcourt (Plutón). La producción de Berlín de Friedrich se filmó en 1984 y se lanzó en DVD; En 2019 se publicó un DVD de la producción del Festival de Salzburgo dirigida por Kosky.

Notas, referencias y fuentes

Notas

Referencias

Fuentes

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