Olga de Amaral

Olga de Amaral (nacida en 1932) es una artista textil y visual colombiana conocida por sus obras abstractas de gran formato realizadas con fibras y recubiertas de pan de oro y/o plata. Debido a su capacidad para conciliar las preocupaciones locales con los acontecimientos internacionales, de Amaral se convirtió en una de las pocas artistas de América del Sur en alcanzar fama internacional por su trabajo en fibra durante las décadas de 1960 y 1970. También se la considera una importante artista en el desarrollo de la abstracción latinoamericana de posguerra. Actualmente vive y trabaja en Bogotá, Colombia.

Olga de Amaral nació con el nombre de Olga Ceballos Vélez en 1932 en Bogotá, Cundinamarca, Colombia, de padres de la región de Antioquia, Colombia. Fue criada en una familia religiosa tradicional con 5 hermanas y 2 hermanos. Creció en un barrio tradicional de Bogotá en un ambiente familiar cálido y seguro, manteniendo una relación especial con su madre amorosa y cariñosa. Al graduarse de la escuela secundaria, en los años 1951-52 obtuvo el título de Diseño Arquitectónico en el Colegio Mayor de Cundinamarca en Bogotá. Después de graduarse, la futura artista textil trabajó durante un año como directora de la Facultad de Dibujo Arquitectónico en la misma escuela.

En 1954, de Amaral fue a Nueva York para estudiar inglés en la Universidad de Columbia. De 1954 a 1955, estudió arte textil en la Academia de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan. Ella misma comentó sobre su tiempo allí como estudiante: "En Cranbrook, el taller textil tenía ocho telares colocados contra las ventanas: uno de ellos, en la esquina, sería mi hogar durante un año. Allí viví mis momentos más íntimos de soledad; allí nació mi certeza sobre el color; su fuerza; sentí que amaba el color como si fuera algo tangible. También aprendí a hablar en color. Recuerdo con nostalgia esa experiencia en la que las almas se tocaron las manos". En Cranbrook, de Amaral conoció a Jim Amaral y se hicieron muy amigos.

En 1955, después de un año en Cranbrook, regresó a Colombia y comenzó a hacer textiles decorativos por encargo para sus amigos arquitectos. Mientras tanto, Jim Amaral sirvió en la Marina de los EE. UU. en una base en Filipinas. En 1956, Jim Amaral visitó Colombia para ver a Olga, inicialmente por unas semanas. Se casaron en 1957 y se establecieron en Bogotá. Tuvieron dos hijos, Diego y Andrea, y comenzaron un taller de textiles tejidos a mano. Durante ese período, Jack Lenor Larsen visitó Colombia y el taller de Amaral. Expresó interés en los tapices de Olga. Su relación profesional y artística fue crucial para proyectar su trabajo en el mundo internacional de los tapices contemporáneos. En 1965, de Amaral fundó y enseñó en el Departamento de Textiles de la Universidad de Los Andes (Colombia) en Bogotá.

En 1966-1967 la familia Amaral vivió en Nueva York. Allí, Olga de Amaral conoció a Eileen Vanderbilt del Consejo Mundial de Artesanía y se convirtió en la representante colombiana del Consejo. Con la colaboración de Larsen, Olga de Amaral exhibió sus tapices en la ciudad de Nueva York (durante una exposición individual en 1967 en la sala de exposiciones de Larsen en Nueva York) y enseñó en la Escuela de Artesanía de Penland en Carolina del Norte y en la Escuela de Artesanía de Haystack Mountain en Maine. Después de regresar a Colombia, los Amaral viajaron a Popayán y la región de Tierradentro, con su visita obligada a San Agustín. Más tarde, Olga visitó Perú como representante del CMI. En una visita rápida a Irlanda para participar en una conferencia del CMI, Olga conoció a Lucie Rie, una ceramista británica que la inspiró a incorporar oro a los tapices. A principios de los años setenta, los Amaral se mudaron a Barcelona y luego a París. Visitaron Grecia, Italia, Holanda, Bélgica, Suiza, Suecia e Inglaterra. Hicieron contactos con los centros de arte europeos. Vivieron un tiempo en Europa, luego regresaron a Bogotá, visitaron diferentes zonas de Colombia y luego regresaron a Francia, entre exposiciones, trabajos y nuevas amistades. Otro viaje importante para la artista fue el que hizo a Japón.

"No estoy familiarizado con las tendencias actuales en el diseño textil. Me parece que aquellos que tejen artísticamente se basan sólo parcialmente en la fibra artesanal, que en mi opinión no tiene sentido. Considero que uno debe basarse en la precisión, en las matemáticas, en la teoría del color. Lo que se teje, no ocurre por casualidad, pero totalmente lo contrario - es muy calculado. No puedo hacerlo porque no estoy entrenado y porque estoy en medio de una abstracción. Finalmente, mi trabajo no es más que mi manera de decir cómo me siento sobre la vida, sobre el alma de las cosas." –Olga de Amaral

Desde el principio, el arte de Olga de Amaral ha estado impulsado por la creación de obras que redefinen nuestras nociones de unidad, concepto, representación y expresión personal. De Amaral explora y revisa ideas, técnicas y procesos, buscando variaciones sutiles e intrincadas dentro de su propio proceso artístico. Es una figura importante entre un grupo de artistas dispersos por todo el mundo que están deconstruyendo y repensando la estructura, la superficie y el soporte de la pintura añadiendo dimensiones escultóricas y materiales atípicos. Su obra saca los elementos de la pintura del bastidor y los lleva al espacio, abordando el problema de la superposición, de la superposición en una forma de pintura del punto de vista del material en sí: el soporte de la pintura, el lienzo, la tela o la textura.

Al principio, sus obras se catalogaron como obras bidimensionales y figurativas para colgar en la pared; a finales de los años 60, entraron en los géneros de la escultura, la instalación, el arte abstracto y el arte conceptual:

"El arte de De Amaral puentea de manera descabellada las tradiciones artesanas; está preocupado por el proceso y la materialidad, con los principios del formalismo, abstracción y metafísica. La artista ha desarrollado una voz distinta en su campo a través de su comando de técnicas convencionales para construir objetos textiles mientras empuja progresivamente los límites de la comprensión ortodoxa de cómo los textiles trabajan como objetos en el espacio. Ella ha movido gradualmente obras basadas en telas más allá de la categoría de tapiz tejido - uno que privilegia la flatness, la adherencia a la pared, los pictóricos, y una obsesión con las propiedades orgánicas y físicas de los materiales - en una práctica más conceptual que abarca estrategias de otra manera encontradas en la pintura, escultura y arquitectura."

La manera en que el artista incorpora los materiales, fibras naturales y artificiales, pintura, yeso y metales preciosos (hoja de oro y plata principalmente), a través de la artesanía, el proceso y las técnicas artesanales, hacen referencia al arte prehispánico de Colombia, las tradiciones de tejido indígenas y el legado barroco colonial español, traído al Nuevo Mundo por los colonizadores católicos. Como indicó Twylene Moyer, esta inspiración es "un verdadero mestizaje o mezcla de culturas". Lo que esas culturas tenían en común era que todas atribuían un gran poder expresivo a lo visual, al igual que la obra de Amaral encarna contenido visual y táctil "reconectándonos con una antigua comprensión y apreciación de las imágenes como presencias en sí mismas, capaces de trascender la materialidad para expresar la verdad a través de la belleza". Esta capacidad de conectar lo antiguo y lo contemporáneo ha permitido a la artista crear obras bajo la premisa de que "el arte tiene el poder de trascender la representación y encarnar valores espirituales y emocionales a través de la forma. (...) Sus tapices no son nada menos que meditaciones sobre la naturaleza ilusoria del significado".

Hilo, color y luz determinan el aspecto visual y metafórico de las obras de de Amaral. "Empecé a trabajar con la fibra por casualidad -una casualidad buscada- y he continuado con ella porque nunca me ha decepcionado. Cuanto más la conozco, mejor me conoce ella a mí. En pocas palabras, nunca ha dejado de despertar mi curiosidad. La fibra es como un lápiz viejo: uno la ha usado durante tanto tiempo que la da por descontada. Yo estoy hecha de fibra porque la he abrazado y porque la conozco". Olga de Amaral sobre el color: "Cuando pienso en el color, cuando toco el color, cuando vivo el color -exaltación íntima de mi ser, de mi otro yo-, vuelo, me siento otra, siempre hay otro ser a mi lado."

El arte de De Amaral se interpreta con mayor frecuencia a través de temas de arquitectura, matemáticas y dicotomías socioculturales en Colombia, pero principalmente del paisaje: "Fascinada por las formas de rocas, arroyos, colinas, montañas y nubes, encuentra inspiración en las texturas rotas y los movimientos de los paisajes que rodean su hogar en Bogotá. Desde los diseños geométricos de los diagramas cosmológicos medievales hasta las cuadrículas de Mondrian, la simetría armoniosa de la forma ha aludido y participado de la perfección y lo absoluto". Su obra se caracteriza por varias series, cada una con una esencia o técnica particular que abarca una plétora de intrincadas variaciones desarrolladas a lo largo de su carrera. Los títulos de las numerosas series de Amaral revelan los temas que se esconden detrás de sus tejidos: Alquimias, Canastas lunares, Imágenes perdidas, Pañuelos ceremoniales, Escrituras, Bosques, Ríos, Montañas, Lunas, Soles cuadrados, Umbras, Estelas, etc. Como señala Amparo Osorio, "gran parte de la poesía (...) surge de estas imágenes en movimiento, cuya titulación (…) es un referente más para que logremos comprender ese sentido recóndito, ese deseo de decir en el lenguaje de los símbolos todo lo que está más allá de las palabras".

El período inicial de la obra de Amaral se caracteriza por tapices visualmente relativamente tradicionales, pero que ya presentan la búsqueda de un lenguaje individual a través de experimentaciones formales. Desde mediados de los años 60, trabajó principalmente con lana, algodón, lino y tintes hilados a mano. Los colores vivos y las combinaciones audaces y la exploración de la estructura y los bordes del tejido caracterizan algunos de sus primeros trabajos en pequeña escala de este período. La concepción geométrica y la composición de estas obras revelan una profunda conciencia y comprensión de las tendencias artísticas modernas de la época, que recuerdan la corriente abstracta De Stijl, entre otras. En 1966, los Amaral fueron invitados por Miguel Arroyo a mostrar su trabajo en el Museo de Bellas Artes de Caracas, Venezuela. Fue la primera exposición individual de Olga de Amaral fuera de su país natal. En 1967, Olga presentó su trabajo por primera vez en la destacada Bienal de Lausana en Suiza, la primera de seis apariciones posteriores en ese evento. En 1969, Olga de Amaral participó en una exposición colectiva de 27 artistas textiles en el MoMA de Nueva York titulada “Wall Hangings”. Se trataba de una exposición internacional comisariada por la curadora de arquitectura y diseño Mildred Constantine, organizada junto con Jack Lenor Larsen, y presentada no en el vestíbulo de arquitectura y diseño, como era habitual para los artistas textiles, sino en la sección de arte del MoMA, que hasta entonces estaba reservada únicamente a la pintura o la escultura. Esa fue la importancia de esa exposición: abordó las transformaciones en el medio del arte textil, señaló las diferencias entre los continentes y anticipó la experimentación que vendría.

A finales de los años 60, con la creación de la pieza Entrelazado en naranja, gris, multicolor (1969), de Amaral acabó por "explotar el plano pictórico de dentro hacia fuera". Al final de este período, el artista abandonó el concepto fundamental del tejido (la oposición entre urdimbre y trama), dejando sólo la urdimbre (en forma de trenzado) y dejándola flotar libremente. La forma plena o el volumen acentuado en la composición de las piezas de este período, las hacen parecer casi esculturas de hilo. Sin embargo, después de este período de llevar el arte del tejido a sus límites, en la década siguiente, la cuestión de la superficie plana surgirá nuevamente en el arte de Amaral. Los enormes tapices de Olga, llamados Muros tejidos, sólidos baluartes construidos con lana rígida y crin de caballo, debutaron en una exposición individual en el Museo de Artesanía Contemporánea de Nueva York en 1970. En 1971, Olga participó en una exposición llamada "Deliberate Entanglements" en la Universidad de California, Los Ángeles, organizada por su profesor de arte Bernard Kester. Mostraba arte textil americano y de Europa del Este por primera vez en el sur de California. Reflejaba la escultura textil revolucionaria de la época, en particular su tendencia hacia la monumentalidad. "Cuando comencé a mostrar mi trabajo en Europa y los EE. UU., se consideraba arte, no artesanía. Y fue entonces cuando me di cuenta de que no era el tejido, sino la calidad visual lo que ahora importaba en mis creaciones".

En la década de 1970, Olga de Amaral inició las siguientes series: Muros, Corazas, Hojarascas, Marañas, Estructuras, Fragmentos completos, la serie Calicanto, Farallones y Eslabones. "Desde el comienzo de su carrera en la década de 1960, ciertamente desde los Muros y Hojarascas de la década de 1970, Amaral había dejado en claro que el debate sobre si el tejido era arte o artesanía sería, al menos en su caso, discutible. Desde el principio, ha habido una clara sensación en su obra de que podía, y de hecho lo hizo, encarnar ideas y reflexiones importantes de carácter existencial e histórico".

The Walls fue la primera serie en la que la artista comenzó a tomar más riesgos que la llevaron a romper con los patrones geométricos predecibles y reemplazarlos por ritmos que por primera vez involucraban la mirada en la obra. La inclusión del espectador en la experiencia, junto con las dimensiones crecientes de las obras de Amaral, marcaron un umbral en la carrera de la artista y la colocaron en el mapa internacional de las bellas artes: “(…) a fines de la década de 1960 y hasta mediados de la década de 1970 (…) los artistas textiles se volvieron más atentos a la forma y las dimensiones del contexto arquitectónico y a la experiencia fenomenológica del espectador. (…) De modo que cuando una obra como El Gran Muro de seis pisos de Olga de Amaral se instaló en 1976 en el vestíbulo del Westin Peachtree Plaza en Atlanta, la pared funcionó menos como telón de fondo o marco que como determinante de la forma vertical y monumental del tapiz de lana y crin de caballo”.

Durante su estancia en París a principios de los años 70, viviendo en espacios reducidos, Olga creó una serie de pequeñas piezas tituladas Fragmentos completos (1975). En esta serie la artista utilizó por primera vez el oro, jugando y experimentando con él. También comenzó a pintar fibras con pintura acrílica y yeso para obtener colores directamente sobre la pieza tejida terminada con el fin de disolver la geometría impuesta por la estructura rígida de urdimbre y trama. Estos bocetos poéticos se exhibieron en la Galería Rivolta en Lausana, Suiza. Esta innovación técnica le dio a la artista mucha más libertad con las superficies finales de las obras que las fibras teñidas con colores. También hizo que sus tapices pasaran de la categoría de "artesanía" a la de "bellas artes". "El color es un lenguaje común a todas las culturas. El color me ayuda a distanciarme de la superficie para agregar diferentes significados al tapiz". Los Fragmentos dan inicio a un período de obras mayoritariamente monocromáticas que culmina con la serie Calicanto.

El título de la serie hace referencia a las piedras utilizadas para la construcción. La serie incluye las obras Vestiduras de Calicanto, Paredes de Calicanto y Paisajes de calicanto y se inició en 1977. Las piezas de esta serie son tejidos de mayor tamaño en tonos hierba, tierra clara y tonos arena.

Este período se caracteriza por la experimentación entusiasta y la introducción de nuevos materiales. Durante su visita a Japón para una exposición en el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, de Amaral comienza a explorar el uso del oro y el yeso inspirada en el Kintsugi, el arte japonés de reparar cerámica rota con oro. Comienza su exploración del oro como material y como color. También continúa explorando las posibilidades de la estructura. La luz y el aire que se filtran a través de las construcciones tejidas se convierten en protagonistas principales. En la década de 1980, Olga de Amaral inició las siguientes series: Riscos, Tejidos policromos, Tierras, Tablas, Entornos, Cestas lunares, Lienzos ceremoniales, Alquimias y Montañas.

El título de esta serie alude a los acantilados. Las bandas verticales segmentadas también hacen alusión a los quipus incas (khipus/nudos parlantes), dispositivos de registro utilizados para recopilar datos y mantener registros del tiempo y las tareas. Los quipus estaban hechos de hilos de colores o cuerdas de algodón o fibra. Las piezas de la serie Riscos son en su mayoría formas rectangulares y, en contraste con las trenzas encadenadas y onduladas verticales que cuelgan de arriba a abajo, crean una sensación de movimiento, un efecto casi cinético. En términos de estilo, los efectos orgánicos se parecen mucho a una forma viva, pero las obras de esta serie son estrictamente conceptuales, basadas en las posibilidades y los cambios en la estructura de la fibra.

La serie Pañuelos ceremoniales se inició en 1986 y continuó hasta 1998. El título hace referencia a las prendas ceremoniales. Cada pieza de esta serie está "impregnada" de un color intenso y profundo que emerge de la superficie de fondo unificada. Esta serie explora la forma en que las imágenes emergen de una superficie tejida y la creación de una sensación de profundidad. Las superposiciones de capas de hilo crean un juego aéreo de luz que conecta esta serie con los problemas artísticos del arte óptico.

Las canastas lunares exploran los mismos problemas que los pañuelos ceremoniales: la profundidad y las imágenes abstractas y coloridas. Cada pieza, dentro de su composición única, estudia los cambios cromáticos y de textura en las superficies tejidas (cada fibra de algodón está recubierta de yeso y pintura), donde emergen las imágenes geométricas: el círculo del sol y la luna, el arco y el remolino de energías y agua. Las piezas de esta serie expresan sentimientos que surgieron cuando el artista vio las canastas hechas por los Yanomami, una tribu en la frontera entre Venezuela y Brasil, también conocidos como los Hijos de la Luna. Esta tribu crea canastas de paja con decoración circular que el artista vio como una unificación de la mente y la luna a la que adoran. Esta inspiración se puede ver en el trenzado de las canastas lunares.

En una rápida visita a Irlanda para participar en una conferencia del Consejo Mundial de Artesanía en 1970, de regreso a Colombia, Olga pasó por el estudio de Lucie Rie en Londres (conoció a la ceramista británica en la conferencia). Ella la inspiró a incorporar oro en los tapices: "Esa tarde en Londres noté una rotura en un jarrón de cerámica. Lucy Rie me explicó que la rotura no existía para ella porque transformaba la pieza al repararla con pan de oro, como hacen los japoneses cuando se rompe una porcelana preciada. El concepto me tocó en algún lugar misterioso de mi mente". La serie Alchemies, iniciada en 1983/84 y en curso, fue la primera serie hecha completamente con pan de oro, que la artista consideraba, al igual que los alquimistas, como un símbolo de conocimiento. Las piezas de esta serie son mini lienzos rectangulares Realizada en algodón y preparada con yeso blanqueado para ser cubierta con pintura acrílica y pan de oro/plata. Después de experimentar con la gran escala, Olga de Amaral quería volver a la escala humana. Las primeras 13 obras de la serie se basan en la proporción de la figura humana y se inspiran en la cultura ancestral del Perú, sus objetos y la ciencia, especialmente las matemáticas. Además, cuando los artistas visitaron el pueblo de Barichara en el norte de Colombia, el paisaje arquitectónico de esa hermosa ciudad también inspiró los materiales y colores utilizados en las primeras piezas de la serie: lino de color arcilla predominantemente con tonos blancos, dorados y azules. El oro ha jugado un papel importante tanto en varias culturas nativas americanas como en la religión católica. La artista se dio cuenta de que la aplicación de oro hacía que el tejido pareciera pesado y flexible, una cualidad que buscaba después de los primeros tejidos a gran escala que tenían una intención arquitectónica y escultórica. A diferencia de esas construcciones masivas tejidas con fibras pesadas como crines de caballo y lana gruesa hilada a mano, las Alquimias se preocupan más por cómo las superficies, texturas y acabados transforman el espacio que ocupan o contienen. Las piezas de esta serie cuelgan de manera vertical, gravitacional y separadas de la pared, como si vivieran en su propio espacio único. El efecto, las atmósferas que crean cuando están colgadas juntas son similares a cuando se ingresa a una iglesia colonial o a las cámaras funerarias de las culturas precolombinas. "Siempre ha sido mi deseo inducir un (…) estado de silencio en los lugares donde instalo mis piezas."

En la década de 1990 Olga de Amaral inició las siguientes series: Vesitigios, Ríos, Puertas, Pueblos, Cajas, Umbras, Bosques, Segmentos, Mementos, Imágenes perdidas , Entornos quietos, Sombras, Lunas, Paisajes heredados, Estelas y las series Prosa y Soles cuadrados.

El título hace referencia a la zona de sombra de un eclipse o al centro oscuro de una mancha solar. Aunque las piezas de esta serie son estructuras rígidas e inmóviles, crean superficies vibrantes y visualmente fluidas mediante el uso de hojas de plata u oro que matizan o reflejan la luz. Junto con la forma en que se doblan las hebras tejidas, el efecto de cada pieza de esta serie es indefinible. Otra particularidad de esta serie es que está ligada al exterior y al interior en el proceso de tejido. "En las Umbras, el reverso es siempre la capa oculta. La parte posterior de cada hebra soporta el color que refleja la cara, y toda la parte posterior es el esqueleto de la superficie visible".

Esta serie está formada por dípticos cuyo rigor superficial se aleja radicalmente de la abundancia de la obra de Amaral de la década anterior. Un cuadrado o un rectángulo unen los espacios, en algunos casos con un cambio de color pero no de forma. Las formas geométricas parecen estar en movimiento de un plano a otro.

En la serie de las Estelas iniciada en 1996, al igual que en las Umbras, el interior y el exterior vuelven a estar en la consideración de la artista. El título hace referencia a la palabra española estrella y a la palabra "es tela. Olga de Amaral siempre ha considerado la parte posterior de sus piezas como un lado para experimentar, pero en esta serie decidió trabajar en ambos lados como iguales. El frente de las Estelas es dorado luminoso y el reverso plateado oscuro, manteniendo aún los vestigios de la función experimental original de este lado. "Pienso en ellas como piedras llenas de espacio, cada una una presencia llena de secretos. Muchas juntas, como montículos de piedras o rocas, apuntan a una respuesta, un orden desconocido, una historia oculta". Estas piezas adquirieron un carácter tridimensional al exhibirse siempre suspendidas del techo a diferentes alturas y ángulos y en grupo, con cada lado (dorado o plateado) orientado hacia una dirección. El efecto de estas piezas es contradictorio: son superficies sólidas, que aportan la solidez de las ruinas de civilizaciones pasadas, y al mismo tiempo flotantes e inmutables. Las Estelas se exhibieron en la Galería Diners de Bogotá y en museos de Estados Unidos y Europa en 1999.

A partir del año 2000 Olga de Amaral inició las siguientes series: Ombríos, Mapas, Escritos, Aguas/Aquas, Glifos, Alforjas, Espejos, Piedras, Estratas, Nudos, Memorias, Policromos, Entre ríos, Pozos azules, la serie Sol rojo, Árboles, Brumas, Dos mitades, Moyas, Nébulas, Fósiles , Núcleos, Rocas, Minutas, Improntas y Lienzos.

La obra de De Amaral se encuentra en las colecciones del Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte de Cleveland, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno, el Museo Smithsonian de Arte Americano y la Tate.

La obra de Amaral, Montaña #13, fue adquirida por el Museo Smithsonian de Arte Americano como parte de la Campaña del 50.º Aniversario de la Galería Renwick.

• 1973 Guggenheim Fellowship, Nueva York, EE.UU.
• 2010 Miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina.
• 2011 Honoree of the Multicultural Benefit Gala at the Metropolitan Museum of Art, New York, USA.

• Sitio oficial
• Video, La Casa de Mi Imaginación
• Video de la exposición en Latin American Masters en 2012.
• Video de la exposición en Londres en 2013.
• Video de la exposición "Color Sombra" en Galería La Cometa en Bogotá, Colombia.
• "Forma y fibra: Los Textiles de Olga de Amaral Tejen Artesanía con Abstracción", artículo 2016 sobre Phillips.com.