Oda a un ruiseñor

"Oda a un ruiseñor" es un poema de John Keats escrito en el jardín del Spaniards Inn, Hampstead, Londres o, según Keats' amigo Charles Armitage Brown, bajo un ciruelo en el jardín de Keats' casa en Wentworth Place, también en Hampstead. Según Brown, un ruiseñor había construido su nido cerca de la casa que compartía con Keats en la primavera de 1819. Inspirado por el canto del pájaro, Keats compuso el poema en un día. Pronto se convirtió en una de sus odas de 1819 y se publicó por primera vez en Annals of the Fine Arts en julio siguiente. El poema es uno de los más frecuentemente antologados en el idioma inglés.

"Oda a un ruiseñor" es un poema personal que describe a Keats' viaje al estado de capacidad negativa. El tono del poema rechaza la búsqueda optimista del placer que se encuentra en los poemas anteriores de Keats y, en cambio, explora los temas de la naturaleza, la fugacidad y la mortalidad, siendo este último particularmente relevante para Keats.

El ruiseñor descrito experimenta un tipo de muerte pero en realidad no muere. En cambio, el pájaro cantor es capaz de vivir a través de su canto, que es un destino que los humanos no pueden esperar. El poema termina con la aceptación de que el placer no puede durar y que la muerte es una parte inevitable de la vida. En el poema, Keats imagina la pérdida del mundo físico y se ve a sí mismo muerto, como un "sod" sobre el que canta el ruiseñor. El contraste entre el ruiseñor inmortal y el hombre mortal sentado en su jardín se agudiza aún más por un esfuerzo de la imaginación. La presencia del clima es notable en el poema, ya que la primavera llegó temprano en 1819, trayendo ruiseñores por todo el brezal.

Antecedentes

La representación de Joseph Severn de Keats escuchando al ruiseñor (c. 1845)

De las seis odas principales de Keats de 1819, 'Oda a la psique', probablemente se escribió primero y 'Al otoño'. escrito último. En algún momento entre estos dos, escribió 'Oda a un ruiseñor'. Es posible que "Oda a un ruiseñor" fue escrito entre el 26 de abril y el 18 de mayo de 1819, basado en las condiciones climáticas y las similitudes entre las imágenes del poema y las de una carta enviada a Fanny Brawne el Primero de Mayo. El poema fue compuesto en la casa de Hampstead que Keats compartió con Brown, posiblemente mientras estaba sentado debajo de un ciruelo en el jardín. Según Keats' amigo Brown, Keats terminó la oda en solo una mañana: 'En la primavera de 1819, un ruiseñor había construido su nido cerca de mi casa. Keats sintió una alegría tranquila y continua en su canción; y una mañana llevó su silla de la mesa del desayuno al césped bajo un ciruelo, donde se sentó durante dos o tres horas. Cuando entró en la casa, me di cuenta de que tenía algunos trozos de papel en la mano, y los estaba metiendo en silencio detrás de los libros. Al investigar, encontré esos fragmentos, en número de cuatro o cinco, que contenían sus sentimientos poéticos sobre el canto del ruiseñor." El relato de Brown es personal, ya que afirmó que el poema fue influenciado directamente por su casa y preservado por su propia obra. Sin embargo, Keats se basó tanto en su propia imaginación como en otra literatura como fuentes para su representación del ruiseñor.

La fecha exacta de "Oda a un ruiseñor", así como las de "Oda a la indolencia", "Oda a la melancolía" y "Oda en una urna griega", se desconoce, ya que Keats fechó todo como 'mayo de 1819'. Sin embargo, trabajó en los cuatro poemas juntos y hay una unidad tanto en las formas de las estrofas como en los temas. También se desconoce el orden exacto en que se escribieron los poemas, pero forman una secuencia dentro de sus estructuras. Mientras Keats escribía 'Oda a una urna griega' y los otros poemas, Brown transcribió copias de los poemas y se las envió a Richard Woodhouse. Durante este tiempo, Benjamin Haydon, Keats' amigo, recibió una copia de 'Oda a un ruiseñor' y compartió el poema con el editor de Annals of the Fine Arts, James Elmes. Elmes pagó a Keats una pequeña suma de dinero y el poema se publicó en la edición de julio. El poema se incluyó más tarde en Keats' Colección de poemas de 1820 Lamia, Isabella, La víspera de Santa Inés y otros poemas.

Estructura

"Oda a un ruiseñor" fue probablemente la primera de las cuatro odas intermedias que Keats escribió después de 'Oda a la psique', según Brown. Esto se evidencia aún más por los poemas' estructuras Keats combina experimentalmente dos tipos diferentes de poesía lírica: el himno odal y la lírica de voz interrogativa que responde al himno odal. Esta combinación de estructuras es similar a la de "Oda a una urna griega". En ambos poemas, la forma dual crea un elemento dramático dentro del texto. La forma de estrofa del poema es una combinación de elementos de los sonetos petrarquistas y los sonetos de Shakespeare.

Keats incorpora un patrón de alternancia históricamente "corta" y "largo" sonidos de vocales en su oda. En particular, la línea 18 ("Y boca manchada de púrpura") tiene el patrón histórico de "corta" seguido de "largo" seguido de "corto" y seguido de "largo". Esta alternancia continúa en líneas más largas, incluida la línea 31 ("¡Fuera! ¡Fuera! porque volaré hacia ti") que contiene cinco pares de alternancias. Sin embargo, otras líneas, como la línea 3 ("O vació un poco de opiáceo sin brillo a los desagües") se basan en un patrón de cinco "cortos" vocales seguidas de "largas" y "corto" parejas de vocales hasta que terminan con un "largo" vocal. Estos no son los únicos patrones de combinación presentes, y hay patrones de dos patrones "cortos" vocales seguidas de un "largo" vocal en otras líneas, incluidas 12, 22 y 59, que se repiten dos veces y luego se siguen con dos conjuntos de "cortas" y luego "largo" pares de vocales Esta dependencia de los sonidos de las vocales no es exclusiva de esta oda, sino que es común a las otras odas de Keats de 1819 y su Eve of St. Agnes.

El poema incorpora una dependencia compleja de la asonancia, la repetición de los sonidos de las vocales, en un patrón consciente, como se encuentra en muchos de sus poemas. Tal confianza en la asonancia se encuentra en muy pocos poemas ingleses. Dentro de "Oda a un ruiseñor", se puede encontrar un ejemplo de este patrón en la línea 35 ("¡Ya contigo! Tierna es la noche"), donde "ea&# 34; de "Ya" se conecta con la "e" de "tierno" y la "i" de "con" se conecta con el "yo" de 'es'. Este mismo patrón se encuentra nuevamente en la línea 41 ("No puedo ver qué flores hay a mis pies") con la "a" de "no puedo" enlazando con el "a" de "en" y el "ee" de "ver" enlazando con el "ee" de "pies". Este sistema de asonancia se puede encontrar en aproximadamente una décima parte de las líneas de la poesía posterior de Keats.

Cuando se trata de otros patrones de sonido, Keats se basa en cesuras dobles o triples en aproximadamente el 6 % de las líneas a lo largo de las odas de 1819. Un ejemplo de "Oda a un ruiseñor" se puede encontrar dentro de la línea 45 ("La hierba, el matorral y el árbol frutal silvestre") ya que las pausas después de las comas son un "masculino" pausa. Además, Keats comenzó a reducir la cantidad de palabras y sintaxis basadas en el latín en las que se basaba en su poesía, lo que a su vez acortó la longitud de las palabras que dominan el poema. También hay un énfasis en las palabras que comienzan con consonantes, especialmente aquellas que comienzan con "b", "p" o "v". La primera estrofa se basa en gran medida en estas tres consonantes, y se utilizan como sizigia para agregar un tono musical dentro del poema.

En comparación con sus versos anteriores, los espondeos son relativamente abundantes en sus odas de 1819 y otros poemas tardíos. En "Oda a un ruiseñor" se utilizan en poco más del 8% de sus líneas (en comparación con un mero 2,6% en Endymion). Ejemplos incluyen:

 / × / × / × / × /
Genial. larga edad en el profundovèd earth (line 12)

× / × / / / / / / /
Donde el compadre sacude a algunos, triste, último, pelos grises (línea 25)

Para Walter Jackson Bate, el uso de espondeos en los versos 31 a 34 crea una sensación de vuelo lento, y "en la estrofa final... el uso característico de espondeos dispersos, junto con la inversión inicial, presta[ s] una sugerencia fonética aproximada del peculiar resorte y rebote del pájaro en su vuelo."

Poema

Holografía del Odo de Keats a un Nightingale escrito en mayo de 1819

La primera y la sexta estrofa ejemplifican la yuxtaposición de éxtasis y morbosidad en el poema:

Me duele el corazón y dolores de somnolencia
Mi sentido, como si fuera un hemlock que había bebido,
O vaciado un poco de opiáceo aburrido a los desagües
Un minuto después, y Lethe-wards se hundió:
' No es por envidia de tu suerte feliz,
Pero ser demasiado feliz en tu felicidad,
Que tú, Dryad de los árboles,
En alguna trama melodiosa
De beechen verde, y sombras sin número,
Singest de verano en plena tranquilidad.
...
Oscuro escucho; y, por mucho tiempo
He estado medio enamorada de la muerte,
Llamó a él nombres suaves en muchas rimas musidas,
Para tomar en el aire mi silencioso aliento;
Ahora más que nunca parece rico morir,
Para terminar en la medianoche sin dolor,
Mientras estás derramando tu alma en el extranjero
¡En un éxtasis!
Aún quieres cantar, y tengo oídos en vano...
A tu alta recompensa se convierte en un páramo.

—Stanzas 1 y 6 (líneas 1 a 10, 51 a 60)

Temas

"Oda a un ruiseñor" describe una serie de conflictos entre la realidad y el ideal romántico de unión con la naturaleza. En palabras de Richard Fogle, "El énfasis principal del poema es una lucha entre lo ideal y lo real: términos inclusivos que, sin embargo, contienen antítesis más particulares de placer y dolor, de imaginación y sentido común, de plenitud y privación, de permanencia y cambio, de naturaleza y lo humano, de arte y vida, libertad y esclavitud, vigilia y sueño." Por supuesto, el canto del ruiseñor es la imagen dominante y la "voz" dominante; dentro de la oda. El ruiseñor es también objeto de empatía y alabanza dentro del poema. Sin embargo, el ruiseñor y la discusión sobre el ruiseñor no se trata simplemente del pájaro o el canto, sino de la experiencia humana en general. Esto no quiere decir que la canción sea una simple metáfora, sino que es una imagen compleja que se forma a través de la interacción de las voces conflictivas de alabanza y cuestionamiento. Sobre este tema, David Perkins resume la forma en que "Oda a un ruiseñor" y "Oda a una urna griega" realiza esto cuando dice: "Estamos tratando con un talento, de hecho con un enfoque completo de la poesía, en el que el símbolo, por necesario que sea, posiblemente no satisfaga como principal preocupación de la poesía, más de lo que podría hacerlo con Shakespeare". sino que es más bien un elemento en la poesía y el drama de las reacciones humanas". Sin embargo, hay una diferencia entre una urna y un ruiseñor en que el ruiseñor no es una entidad eterna. Además, al crear cualquier aspecto del ruiseñor inmortal durante el poema, el narrador separa cualquier unión que pueda tener con el ruiseñor.

La canción del ruiseñor dentro del poema está conectada con el arte de la música de tal manera que la urna en "Oda a una urna griega" está conectado con el arte de la escultura. Como tal, el ruiseñor representaría una presencia encantadora y, a diferencia de la urna, está directamente conectado con la naturaleza. Como música natural, la canción es para la belleza y carece de un mensaje de verdad. Keats sigue la creencia de Coleridge, tal como se encuentra en 'El ruiseñor', de separarse del mundo al perderse en el canto del pájaro. Aunque Keats favorece a un ruiseñor hembra sobre el pájaro masculino de Coleridge, ambos rechazan la representación tradicional del ruiseñor en relación con la tragedia de Filomela. Su pájaro cantor es un ruiseñor feliz que carece de la sensación melancólica de las representaciones poéticas anteriores. El pájaro es solo una voz dentro del poema, pero es una voz que obliga al narrador a unirse y olvidar las penas del mundo. Sin embargo, existe tensión en el sentido de que el narrador sostiene la culpa de Keats por la muerte de Tom Keats, su hermano. La conclusión de la canción representa el resultado de intentar escapar al reino de la fantasía.

Al igual que Percy Bysshe Shelley en 'To a Skylark', el narrador de Keats escucha el canto de un pájaro, pero escucha la canción dentro de 'Ode to a Nightingale'; es casi doloroso y similar a la muerte. El narrador busca estar con el ruiseñor y abandona su sentido de la vista para abrazar el sonido en un intento de compartir la oscuridad con el pájaro. Cuando el poema termina, el trance provocado por el ruiseñor se rompe y el narrador se pregunta si fue una visión real o solo un sueño. La confianza del poema en el proceso de dormir es común a los poemas de Keats, y "Oda a un ruiseñor" comparte muchos de los mismos temas que Keats' Sueño y Poesía y Víspera de Santa Inés. Esto separa aún más la imagen del canto del ruiseñor de su imagen comparativa más cercana, la urna representada en 'Oda a una urna griega'. El ruiseñor es distante y misterioso, e incluso desaparece al final del poema. La imagen del sueño enfatiza la oscuridad y el carácter esquivo del poema. Estos elementos hacen imposible que haya una autoidentificación completa con el ruiseñor, pero también permiten que la autoconciencia impregne todo el poema, aunque en un estado alterado.

A la mitad del poema, hay una división entre las dos acciones del poema: la primera intenta identificarse con el ruiseñor y su canto, y la segunda discute la convergencia del pasado con el futuro mientras se experimenta el presente. Este segundo tema recuerda la visión de Keats de la progresión humana a través de la mansión de muchos apartamentos y cómo el hombre se desarrolla desde experimentar y desear solo placer hasta comprender la verdad como una mezcla de placer y dolor. Los campos Elíseos y el canto del ruiseñor en la primera mitad del poema representan los momentos placenteros que abruman al individuo como una droga. Sin embargo, la experiencia no dura para siempre, y el cuerpo se queda deseándolo hasta que el narrador se siente impotente sin el placer. En lugar de abrazar la verdad venidera, el narrador se aferra a la poesía para esconderse de la pérdida del placer. La poesía no produce el placer que pide el narrador original, pero sí lo libera de su deseo de sólo placer.

En respuesta a este énfasis en el placer, Albert Guerard, Jr. argumenta que el poema contiene un "anhelo no por el arte sino por un ensueño libre de cualquier tipo". La forma del poema es la de una progresión por asociación, de modo que el movimiento del sentimiento queda a merced de palabras evocadas por el azar, palabras como fade y forlorn, la Mismas palabras que, como una campana, devuelven al soñador a sí mismo." Sin embargo, Fogle señala que los términos que enfatiza Guerard son "traducciones asociativas" y que Guerard malinterpreta la estética de Keats. Después de todo, la aceptación de la pérdida del placer al final del poema es una aceptación de la vida y, a su vez, de la muerte. La muerte fue un tema constante que impregnó aspectos de la poesía de Keats porque estuvo expuesto a la muerte de los miembros de su familia a lo largo de su vida. Dentro del poema, hay muchas imágenes de la muerte. El ruiseñor experimenta una especie de muerte e incluso el dios Apolo experimenta la muerte, pero su muerte revela su propio estado divino. Como explica Perkins: "Pero, por supuesto, no se cree que el ruiseñor se esté muriendo literalmente". El punto es que la deidad o el ruiseñor pueden cantar sin morir. Pero, como deja claro la oda, el hombre no puede, o al menos no de una manera visionaria."

Con este tema de la pérdida del placer y la muerte inevitable, el poema, según Claude Finney, describe "la inadecuación del escape romántico del mundo de la realidad al mundo de la belleza ideal". Earl Wasserman esencialmente está de acuerdo con Finney, pero amplió su resumen del poema para incorporar los temas de Mansion of Many Apartments de Keats cuando dice, "el núcleo del poema es la búsqueda del misterio, la búsqueda fallida de la luz dentro de su oscuridad" y esto "conduce solo a una oscuridad creciente, o un reconocimiento creciente de cuán impenetrable es el misterio para los mortales". Con estos puntos de vista en mente, el poema recuerda la visión anterior del placer de Keats y una visión optimista de la poesía que se encuentra en sus primeros poemas, especialmente Sleep and Poetry, y los rechaza. Esta pérdida de placer y la incorporación de imágenes de la muerte le dan al poema un aire oscuro, que conecta "Oda a un ruiseñor" con Keats' otros poemas que discuten la naturaleza demoníaca de la imaginación poética, incluyendo Lamia. En el poema, Keats imagina la pérdida del mundo físico y se ve a sí mismo muerto —usa una palabra abrupta, casi brutal— como un "sod" sobre el que canta el ruiseñor. El contraste entre el ruiseñor inmortal y el hombre mortal, sentado en su jardín, se agudiza aún más por un esfuerzo de la imaginación.

Recepción

Los críticos contemporáneos de Keats disfrutaron del poema, y fue muy citado en sus reseñas. Una reseña anónima de la poesía de Keats que se publicó en la Scots Magazine de agosto y octubre de 1820 decía: "Entre los poemas menores, preferimos la 'Oda al Ruiseñor'. De hecho, nos inclinamos a preferirlo a cualquier otro poema del libro; pero que juzgue el lector. Las estrofas tercera y séptima tienen para nosotros un encanto que nos resultaría difícil de explicar. Hemos leído esta oda una y otra vez, y cada vez con mayor deleite." Al mismo tiempo, Leigh Hunt escribió una reseña del poema de Keats para The Indicator del 2 y el 9 de agosto de 1820: "Como muestra de los poemas, que son todos líricos"., debemos darnos el gusto de citar entera la 'Oda a un Ruiseñor'. Hay en él esa mezcla de melancolía real y alivio imaginativo que sólo la poesía nos presenta en su 'copa encantada', y que algunos críticos demasiado racionales se han comprometido a encontrar mal porque no es cierto. No se sigue que lo que no es verdad para ellos, no lo sea para los demás. Si el alivio es real, la mezcla es buena y suficiente."

John Scott, en una reseña anónima para la edición de septiembre de 1820 de The London Magazine, abogó por la grandeza de la poesía de Keats, ejemplificada por poemas que incluyen "Oda a un Ruiseñor":

La injusticia que se ha hecho a las obras de nuestro autor, al estimar su mérito poético, nos ha hecho doblemente ansiosos, al abrir su último volumen, a encontrar que es probable que se apodere rápidamente de la simpatía general, y por lo tanto se vuelve un poder abrumador contra los traficantes de talento, más eminentemente prometedores en muchos aspectos, que cualquier edad actual ha sido llamada a alentar. No hemos encontrado que fuera todo lo que deseabamos en este sentido, y habría sido muy extraordinario si lo hubiéramos hecho, porque nuestros deseos iban mucho más allá de las expectativas razonables. Pero hemos encontrado que es de naturaleza presentar a entendimientos comunes el poder poético con el que la mente del autor está dotada, en una forma más tangible e inteligible que la que ha aparecido en cualquiera de sus anteriores composiciones. Es, por lo tanto, calculado para avergonzar sobre el espíritu mentiroso y vulgar, en el que este joven adorador en el templo de los Muses ha sido gritado hacia abajo; cualquier pregunta puede dejarse aún por resolver en cuanto al tipo y grado de sus méritos poéticos. Tomemos, por ejemplo, como prueba de la justicia de nuestra alabanza, el siguiente pasaje de un Ode al Nightingale: - es diferente, noble, patético, y verdadero: los pensamientos tienen todos los acordes de comunicación directa con los corazones naturalmente constituidos: los ecos de la cepa de linger brotan las profundidades de los senos humanos.

En una reseña para el London Journal del 21 de enero de 1835, Hunt afirmó que mientras Keats escribía el poema, "el poeta tenía entonces su enfermedad mortal sobre él y lo sabía". Nunca fue más dulce la voz de la muerte." David Moir, en 1851, usó La víspera de Santa Inés para afirmar: "Tenemos aquí un espécimen de poder descriptivo lujosamente rico y original; pero las siguientes líneas, de la 'Oda a un Ruiseñor,' fluyen de una fuente de inspiración mucho más profunda."

A finales del siglo XIX, el análisis del poema de Robert Bridges se convirtió en una visión dominante e influiría en las interpretaciones posteriores del poema. Bridges, en 1895, declaró que el poema era el mejor de las odas de Keats pero pensó que el poema contenía demasiado lenguaje artificial. En particular, enfatizó el uso de la palabra "desamparado" y la última estrofa como ejemplos del lenguaje artificial de Keats. En 'Dos odas de Keats' (1897), William C Wilkinson sugirió que "Oda a un ruiseñor" es profundamente defectuoso porque contiene demasiadas "reflexiones incoherentes" que no suministró un estándar de lógica que permitiera al lector comprender la relación entre el poeta y el pájaro. Sin embargo, Herbert Grierson, argumentando en 1928, creía que Nightingale era superior a "Oda a una urna griega", "Oda a la melancolía" y "Ode to Psyche", argumentando exactamente lo contrario de Wilkinson cuando afirmó que "Nightingale", junto con "To Autumn", mostraron una mayor cantidad de pensamiento lógico y una presentación más adecuada los casos que estaban destinados a hacer.

Crítica del siglo XX

A principios del siglo XX, Rudyard Kipling se refirió a los versos 69 y 70, junto con tres versos de Kubla Khan de Samuel Taylor Coleridge, cuando afirmó de la poesía: "En todos los millones permitidos no hay más de cinco, cinco rayitas, de las que se puede decir: 'Estas son la magia'. Estas son la visión. El resto es solo Poesía.'" En 1906, Alexander Mackie argumentó: "El ruiseñor y la alondra monopolizaron durante mucho tiempo la idolatría poética, un privilegio que disfrutaron únicamente debido a su preeminencia como pájaros cantores". La Oda a un ruiseñor de Keats y la Oda a una alondra de Shelley son dos de las glorias de la literatura inglesa; pero ambos fueron escritos por hombres que no tenían derecho a un conocimiento especial o exacto de la ornitología como tal." Sidney Colvin, en 1920, argumentó: "A lo largo de esta oda, el genio de Keats está en su apogeo". La imaginación no puede ser más rica y satisfactoria, la felicidad de la frase y la cadencia no puede ser más absoluta, que en las varias estrofas contrastadas que piden el borrador de la cosecha sureña […] Para alabar el arte de un pasaje como el de la cuarta estrofa […] elogiar o comentar una obra de arte como esta es poner en duda el poder del lector para percibirla por sí mismo."

Puentes' vista de "Oda a un ruiseñor" fue retomado por H. W. Garrod en su análisis de 1926 de los poemas de Keats. Como argumentaría Albert Gerard más tarde en 1944, Garrod creía que el problema dentro del poema de Keats era su énfasis en el ritmo y el lenguaje en lugar de las ideas principales del poema. Al describir la cuarta estrofa del poema, Maurice Ridley, en 1933, afirmó: 'Y así viene la estrofa, con esa notable muestra de imaginación al final que siente la luz como si fuera llevada por la brisa, una de esas características destellos repentinos con los que Keats dispara el material más corriente." Más tarde declaró sobre la séptima estrofa: "Y ahora, para la gran estrofa en la que la imaginación se aviva a un calor aún más blanco, la estrofa que, supongo, de común acuerdo se tomaría, junto con Kubla Khan". , como ofreciéndonos las hechicerías destiladas del 'romanticismo'". Concluyó sobre la estrofa que "no creo que ningún lector que haya visto a Keats trabajando en la estrofa más exquisitamente acabada de La víspera de Santa Inés y haya visto a este artesano elaborando y refinando lentamente, nunca creerán que esta estrofa perfecta se logró con la fluidez fácil con la que, en el borrador que tenemos, obviamente fue escrita." En 1936, F. R. Leavis escribió: "Uno recuerda el poema como un registro y como una indulgencia para el lector". Siguiendo a Leavis, Cleanth Brooks y Robert Penn Warren, en un ensayo de 1938, vieron el poema como "un poema muy rico". Contiene algunas complicaciones que no debemos pasar por alto si queremos apreciar la profundidad y la importancia de los temas tratados." Brooks argumentaría más tarde en The Well-Wrought Urn (1947) que el poema estaba unificado temáticamente mientras contradecía muchas de las críticas negativas presentadas contra el poema.

Richard Fogle respondió al ataque crítico al énfasis de Keats en la rima y el lenguaje planteado por Garrod, Gerard y otros en 1953. Su argumento era similar al de Brooks: que el poema era temáticamente coherente y que hay un poeta dentro del poema que es diferente de Keats, el escritor del poema. Como tal, Keats eligió conscientemente el cambio en los temas del poema y los contrastes dentro del poema representan el dolor que se siente al comparar el mundo real con un mundo ideal que se encuentra en la imaginación. Fogle también respondió directamente a las afirmaciones hechas por Leavis: "Creo que el Sr. Leavis es demasiado austero, pero señala una cualidad que Keats claramente buscaba". Su profusión y prodigalidad está, sin embargo, modificada por un principio de sobriedad." Es posible que las declaraciones de Fogle fueran una defensa del romanticismo como un grupo respetable en términos de pensamiento y habilidad poética. Wasserman, siguiendo en 1953, afirmó que "De todos los Keats' poemas, es probablemente la 'Oda a un Ruiseñor' que más ha atormentado a la crítica [...] en cualquier lectura de la 'Oda a un Ruiseñor' la agitación no bajará. Las fuerzas luchan salvajemente dentro del poema, no sólo sin resolución, sino sin posibilidad de resolución; y el lector sale de su experiencia con la sensación de que ha estado en 'un abismo salvaje'. Luego explicó: "Es esta turbulencia, sospecho, lo que ha llevado a Allen Tate a creer que la oda 'al menos trata de decir todo lo que la poesía puede decir'". Pero propongo que es la 'Oda a una urna griega' que logra decir lo que puede decir la poesía, y que la otra oda intenta decir todo lo que el poeta puede."

Respuestas críticas posteriores

Aunque el poema fue defendido por algunos críticos, E. C. Pettet volvió al argumento de que el poema carecía de estructura y enfatizó la palabra "desamparado" como prueba de su punto de vista. En su obra de 1957, Pettet elogió el poema cuando declaró: "La Oda a un ruiseñor tiene un interés especial en que la mayoría de nosotros probablemente lo consideraría como el más rico representante de todos. Los poemas de Keats. Dos razones de esta cualidad saltan a la vista de inmediato: está su inigualable evocación de esa estación de finales de primavera y principios de verano […] y está su grado excepcional de 'destilación', de recuerdo concentrado". David Perkins sintió la necesidad de defender el uso de la palabra "desamparado" y afirmó que describía el sentimiento de la imposibilidad de no poder vivir en el mundo de la imaginación. Al elogiar el poema en 1959, Perkins afirmó: "Aunque la "Oda a un ruiseñor" varía más ampliamente que la "Oda a una urna griega" el poema también puede considerarse como la exploración o prueba de un símbolo y, en comparación con la urna como símbolo, el ruiseñor parecería tener tanto limitaciones como ventajas." Walter Jackson Bate también hizo una defensa similar de la palabra "desamparado" al afirmar que el mundo se describe al describir la imposibilidad de llegar a esa tierra. Al describir el poema en comparación con el resto de la poesía inglesa, Bate argumentó en 1963, "Oda a un ruiseñor" se encuentra entre "las mejores letras en inglés" y el único escrito con tal velocidad: 'Somos libres de dudar si algún poema en inglés de longitud y calidad comparables ha sido compuesto tan rápidamente'. En 1968, Robert Gittins declaró: "Puede que no esté mal considerar [Oda a la indolencia y Oda a la melancolía] como los primeros ensayos de Keats en esta forma [oda], y el gran Ruiseñor y La urna griega como sus obras más acabadas y posteriores."

Desde finales de la década de 1960 en adelante, muchos de los críticos de la Escuela de Yale describen el poema como una reelaboración de la dicción poética de John Milton, pero, argumentaron, ese poema reveló que Keats carecía de la habilidad de Milton como poeta.. Los críticos, Harold Bloom (1965), Leslie Brisman (1973), Paul Fry (1980), John Hollander (1981) y Cynthia Chase (1985), todos se centraron en el poema con Milton como progenitor de 'Oda a un ruiseñor" mientras se ignoran otras posibilidades, incluido Shakespeare, de quien se enfatizó como la fuente de muchas de las frases de Keats. En respuesta a las afirmaciones sobre las deficiencias de Milton y Keats, críticos como R. S. White (1981) y Willard Spiegelman (1983) utilizaron los ecos de Shakespeare para argumentar a favor de una multiplicidad de fuentes para que el poema afirmara que Keats no estaba tratando de responder. solo a Milton o escapar de su sombra. En cambio, "Oda a un ruiseñor" era un poema original, como afirmó White: "El poema está ricamente saturado en Shakespeare, pero las asimilaciones son tan profundas que la Oda es finalmente original y completamente keatsiana". De manera similar, Spiegelman afirmó que el Sueño de una noche de verano de Shakespeare había "sazonado y madurado el poema posterior". Esto fue seguido en 1986 por Jonathan Bate afirmando que Keats fue 'dejado enriquecido por la voz de Shakespeare, el 'pájaro inmortal'.

Centrándose en la calidad del poema, Stuart Sperry, argumentó en 1973, "'Oda a un Ruiseñor' es la expresión suprema en toda la poesía de Keats del impulso de escape imaginativo que se opone al conocimiento de la limitación humana, el impulso plenamente expresado en ¡Fuera! ¡lejos! porque yo volaré hacia ti.'" Wolf Hirst, en 1981, describió el poema como "justamente celebrado" y afirmó que "Dado que este movimiento hacia un reino eterno de la canción es uno de los más magníficos de la literatura, el regreso del poeta a la actualidad es aún más devastador". Helen Vendler continuó con la opinión anterior de que el poema era artificial, pero agregó que el poema era un intento de ser estético y espontáneo que luego se abandonó. En 1983, argumentó: "En su ausencia de conclusión y su abandono a la ensoñación, el poema atrae a los lectores que lo valoran como el más personal, el aparentemente más espontáneo, el más inmediatamente hermoso y el más confesional de Keats". #39;s odas. Creo que los 'eventos' de la oda, a medida que se desarrolla en el tiempo, tienen más lógica, sin embargo, de lo que generalmente se les concede, y se ven mejor en relación con la búsqueda de Keats de la idea de la música como un arte no figurativo.;

En una revisión de la crítica contemporánea de "Oda a un ruiseñor" En 1998, James O'Rouke afirmó que "a juzgar por el volumen, la variedad y la fuerza polémica de las respuestas críticas modernas engendradas, ha habido pocos momentos en la historia poética inglesa tan desconcertantes como Keats".;s repetición de la palabra 'desamparado'". Al referirse a la dependencia de las ideas de John Dryden y William Hazlitt dentro del poema, el poeta laureado Andrew Motion, en 1999, argumentó "cuya noción de poesía como un 'movimiento' de la conciencia personal a la conciencia de la humanidad que sufre, ilustra perfectamente."

Configuración musical

Los escenarios de la oda comenzaron a surgir a finales del siglo XIX. El primero comprendía solo la segunda mitad de la octava estrofa, que comenzaba con "Adieu, adieu! El himno lastimero se desvanece. Esto se incluyó en la cantata The Swan and the Skylark de Arthur Goring Thomas, que fue orquestada después del suicidio del compositor por Charles Villiers Stanford y estrenada en 1894.

La longitud de Keats' El poema se prestó a un tratamiento coral más ambicioso por parte de compositores posteriores, incluido el escenario para barítono, coro y orquesta de Richard Henry Walthew (1897), y el de Ernest Walker, publicado en 1908 e interpretado al año siguiente. Más tarde, en el siglo XX, llegó la cantata para soprano, piano y orquesta de cámara de Valentyn Silvestrov, un escenario de 1973 en tres movimientos de una traducción al ruso de Yevgeny Vitkovsky (1950-2020); y en el siglo XXI Will Todd's Choral Symphony 4 para coro y orquesta fue encargado por el Coro de Hertfordshire y se interpretó por primera vez en 2011.

La oda también fue establecida como canción de arte por compositores británicos como Cecil Forsyth, para barítono y piano o pequeña orquesta (publicada en 1894); Hamilton Harty, para soprano y orquesta, estrenada en 1907; y Eric Fogg, para barítono, cuarteto de cuerdas y arpa, estrenada en 1926. También ha habido escenarios americanos, como el de George Antheil para flauta, viola y piano para acompañar una recitación del poema (1950), así como otros de Reginald Chauncey Robbins (1871 - 1955), para bajo o barítono y piano (publicado en 1922), y de Stephen Douglas Burton para coloratura soprano, flauta, arpa y cuerdas (publicado en 1963).

Más recientemente, Geoffrey Gordon publicó un escenario para coro de cámara y violonchelo solo en 2017; Le siguió Ben Moore en 2018 con una obra especialmente encargada para barítono y piano, y en 2020 hubo una interpretación australiana del escenario para soprano de Michael Dooley.