Nuevos materiales en el arte del siglo XX
Nuevos materiales en el arte del siglo XX se introdujeron en la creación artística desde principios de siglo. La introducción de nuevos materiales (y técnicas) y hasta ahora materiales no artísticos ayudaron a impulsar el cambio en el arte durante el siglo XX. Los materiales y técnicas tradicionales no fueron necesariamente desplazados en el siglo XX. Más bien, funcionaron junto con las innovaciones que llegaron con el siglo XX. Los pilares como la pintura al óleo sobre lienzo y la escultura en materiales tradicionales continuaron durante todo el siglo XX hasta el siglo XXI. Además, incluso "tradicional" Los materiales se ampliaron mucho a lo largo del siglo XX. La cantidad de pigmentos disponibles para los artistas (principalmente pintores) ha aumentado tanto en cantidad como en calidad, según la mayoría de los cálculos. Las nuevas formulaciones para materiales tradicionales, especialmente la disponibilidad comercial de pintura acrílica, se han vuelto ampliamente utilizadas, introduciendo problemas iniciales sobre su estabilidad y longevidad.
Pablo Picasso, Georges Braque, Kurt Schwitters, Joseph Cornell y otros incorporaron collage de papel y mezclaron dibujo (materiales) con pintura para crear su trabajo. Tanto Picasso como Marcel Duchamp fueron pioneros en el uso de objetos encontrados como material para pinturas y esculturas durante la década de 1910. En la década de 1940, Jackson Pollock fue pionero en el uso de pintura para interiores, pintura plateada y de aluminio, duco y varios objetos para usar en sus pinturas. En la década de 1950, Robert Rauschenberg incluyó elementos tridimensionales como neumáticos y animales de peluche. así como el uso de materiales de desecho como cajas de cartón trituradas o aplastadas. Yves Klein incorporó modelos desnudos en vivo y una orquesta sinfónica en sus piezas de interpretación de sus pinturas. John Chamberlain utilizó piezas de automóviles trituradas para la escultura. En la década de 1960, los artistas pop Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann y Roy Lichtenstein crearon arte a partir de productos comerciales, o arte que se parecía a productos comerciales como televisores, latas de sopa, cajas de brillo, cómics, muebles para el hogar y artículos de restaurante, entre otras cosas. Edward Kienholz hizo réplicas de ambientes reales tanto domésticos como comerciales, mientras que George Segal hizo figuras de yeso de tamaño natural en escenarios utilizando objetos y accesorios reales. Dan Flavin usó balastos y luces fluorescentes eléctricas para crear esculturas. En la década de 1970, Frank Stella introdujo el aluminio alveolado y el brillo. En la década de 1980, Julian Schnabel hizo "pinturas de placas" con vajilla rota pegada a la superficie y luego pintada, Anselm Kiefer y Richard Long utilizaron barro, tierra o alquitrán en sus obras. En la década de 1960 y nuevamente en la década de 1990, los artistas usaron excremento en particular: el artista italiano Piero Manzoni en 1961 y el artista británico Chris Ofili, que se especializó en el uso de estiércol de elefante en la década de 1990. Tracey Emin incluyó su cama, titulada My Bed, en 1999.
Algunas innovaciones relacionadas con los materiales utilizados en el arte simplemente funcionan como apoyo, y otros materiales innovadores son mucho más llamativos. El uso de aluminio alveolado por parte de Frank Stella sirvió como un soporte liviano, fuerte y muy configurable para las imágenes. En la escultura titulada "Monograma," por Robert Rauschenberg, una cabra de angora asume una posición central.
Principios del siglo XX
El advenimiento del Modernismo y el Arte Moderno en las primeras décadas del siglo XX inspiró a los artistas a probar y trascender los límites y las limitaciones de las formas tradicionales y convencionales de hacer arte en busca de nuevas formas y nuevos materiales. Las innovaciones de pintores como Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat, Henri de Toulouse-Lautrec y los simbolistas franceses proporcionaron una inspiración esencial para el desarrollo del arte moderno de la generación más joven de artistas en París y en otros lugares de Europa. Henri Matisse y otros artistas jóvenes revolucionaron el mundo del arte de París con pinturas "salvajes", multicolores y expresivas que los críticos llamaron fauvismo. Henri Rousseau, Pablo Picasso, Giorgio de Chirico, Amedeo Modigliani, Marc Chagall, Robert Delaunay y decenas de jóvenes artistas en París hicieron sus primeras pinturas modernas aventurándose hacia la abstracción y otras nuevas formas de formular imágenes figurativas, bodegones y paisajes.
1900
Durante la primera década del siglo XX, el arte moderno se desarrolló simultáneamente en varias áreas diferentes de Europa (Francia, Inglaterra, Escandinavia, Rusia, Alemania, Italia) y en los Estados Unidos. Los artistas comenzaron a formular diferentes direcciones del arte moderno, aparentemente sin relación entre sí.
En el grabado, el linóleo fue inventado por los artistas de Die Brücke en Alemania entre 1905 y 1913. Al principio describieron sus grabados como xilografías, lo que sonaba más respetable. La técnica sigue siendo popular como un método muy simple de grabado, incluso adecuado para su uso en las escuelas.
Década de 1910
Cubismo
Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y otros artistas cubistas introdujeron nuevos elementos y materiales en sus pinturas, como recortes de periódicos, telas y partituras. Eventualmente el movimiento se denominó Cubismo Sintético desarrollado entre 1912 y 1919. El cubismo sintético se caracteriza por obras con diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temáticas. Fue el comienzo de la introducción de materiales de collage como un ingrediente importante del trabajo de bellas artes por parte de la vanguardia.
Considerada la primera obra de este nuevo estilo fue "Naturaleza muerta con caning de silla" de Pablo Picasso (1911-1912), que incluye un lienzo de aceite que fue impreso para que parezca un bastón de silla pegado en un lienzo ovalado, con texto; y cuerda enmarcando todo el cuadro. En la parte superior izquierda están las letras "JOU", que aparecen en muchas pinturas cubistas y se refieren al periódico titulado "Le Journal".
Papá
El movimiento Dada comenzó durante la Primera Guerra Mundial como una protesta contra la locura y la violencia de la guerra. Aplicando tácticas de choque y anarquía al arte, los dadaístas fueron pioneros en el uso de nuevas técnicas artísticas como el collage, los readymades de fotomontaje y el uso de objetos encontrados. Artistas como Marcel Duchamp, Hannah Höch, Kurt Schwitters, Francis Picabia, Man Ray y otros incorporaron en su trabajo objetos cotidianos al azar, a menudo combinados con materiales de artistas más convencionales. Incluían fotografías, cristales, marcos, anteojos, cajas, periódicos, revistas, talones de boletos, tubos de metal, bombillas, botelleros, urinarios, ruedas de bicicleta y otros objetos. Marcel Duchamp creó The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even trabajando en la pieza de 1915 a 1923. Hizo la obra en dos paneles de vidrio; con materiales como láminas de plomo, cables fusibles y polvo.
Década de 1920
Surrealismo
Durante la década de 1930, la artista surrealista Méret Oppenheim creó piezas eróticas cargadas de sexualidad. La pieza más conocida de Oppenheim es Object (Le Déjeuner en fourrure) (1936). La escultura consta de una taza de té, un platillo y una cuchara que el artista cubrió con piel de gacela china. Se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Modernismo americano
Mediados del siglo XX
Década de 1950
Robert Rauschenberg comenzó a crear lo que se conoció como sus pinturas Combine a principios de la década de 1950.
Década de 1960
En 1960, Yves Klein incorporó modelos desnudos en vivo y una orquesta sinfónica en las piezas escénicas de sus pinturas. Klein también hizo uso del fotomontaje en la famosa imagen de pseudo-perfomance de sí mismo saltando desde una pared hacia una calle de París Le Saut dans le Vide (Salto al vacío). En la década de 1960, John Chamberlain continuó usando piezas para la escultura. Dan Flavin usó luces fluorescentes eléctricas y balastos para crear su escultura. En mayo de 1961, el artista italiano Piero Manzoni usó sus propios excrementos, vendiéndolos en latas tituladas Artist's Shit (Merda d'Artista). Sin embargo, el contenido de las latas sigue siendo un enigma muy discutido, ya que abrirlas destruiría el valor de la obra de arte. Se han propuesto varias teorías sobre el contenido, incluida la especulación de que es yeso.
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