Notación musical

Nota musical escrita a mano por J. S. Bach (1685-1750). Este es el comienzo del Preludio de la Suite para Lute en menor G, BWV 995 (transcripción de Cello Suite No. 5, BWV 1011).

Notación musical o notación musical es cualquier sistema utilizado para representar visualmente música percibida auditivamente tocada con instrumentos o cantada por la voz humana mediante el uso de música escrita, impresa o símbolos producidos de otra manera, incluida la notación de la duración de la ausencia de sonido, como los silencios.

Los tipos y métodos de notación han variado entre culturas y a lo largo de la historia, y gran parte de la información sobre la notación musical antigua es fragmentaria. Incluso en el mismo período de tiempo, como en la década de 2010, diferentes estilos de música y diferentes culturas utilizan diferentes métodos de notación musical; por ejemplo, para los intérpretes profesionales de música clásica, las partituras con pentagramas y cabezas de nota son la forma más común de anotar música, pero para los músicos profesionales de sesión de música country, el sistema numérico de Nashville es el método principal.

Los símbolos utilizados incluyen símbolos antiguos y símbolos modernos hechos en cualquier medio, como símbolos cortados en piedra, hechos en tablillas de arcilla, hechos con una pluma sobre papiro o pergamino o papel manuscrito; impreso usando una imprenta (c. 1400), una impresora de computadora (c. 1980) u otra tecnología de impresión o copia moderna.

Aunque muchas culturas antiguas usaban símbolos para representar melodías y ritmos, ninguno de ellos era particularmente completo, lo que ha limitado la comprensión actual de su música. Las semillas de lo que eventualmente se convertiría en la notación occidental moderna se sembraron en la Europa medieval, comenzando con el objetivo de la iglesia cristiana de lograr la uniformidad eclesiástica. La iglesia comenzó a anotar melodías de canto llano para que los mismos cantos pudieran usarse en toda la iglesia. La notación musical se desarrolló aún más durante las eras musicales del Renacimiento y el Barroco. En el período clásico (1750–1820) y la era de la música romántica (1820–1900), la notación continuó desarrollándose a medida que se desarrollaban nuevas tecnologías de instrumentos musicales. En la música clásica contemporánea de los siglos XX y XXI, la notación musical ha seguido desarrollándose, con la introducción de la notación gráfica por parte de algunos compositores modernos y el uso, desde la década de 1980, de programas informáticos de escritura de partituras para la notación musical. La notación musical se ha adaptado a muchos tipos de música, incluida la música clásica, la música popular y la música tradicional.

Historia

Antigua Cercano Oriente

Una tableta con el himno a Nikkal inscrito

La forma más antigua de notación musical se puede encontrar en una tablilla cuneiforme que se creó en Nippur, en Babilonia (actual Irak), alrededor del año 1400 a. La tableta representa instrucciones fragmentarias para interpretar música, que la música se compuso en armonías de tercios y que se escribió usando una escala diatónica. Una tableta de aproximadamente 1250 a. C. muestra una forma de notación más desarrollada. Aunque la interpretación del sistema de notación sigue siendo controvertida, está claro que la notación indica los nombres de las cuerdas de una lira, cuya afinación se describe en otras tablillas. Aunque son fragmentarias, estas tablillas representan las melodías notadas más antiguas que se encuentran en cualquier parte del mundo.

Una fotografía de la piedra original en Delphi que contiene el segundo de los dos himnos Delphic a Apolo. La notación musical es la línea de símbolos ocasionales arriba la línea principal e ininterrumpida de la carta griega.

Antigua Grecia

La notación musical griega antigua estuvo en uso desde al menos el siglo VI a. C. hasta aproximadamente el siglo IV d. C.; solo sobrevive una composición completa (epitafio de Seikilos) y varios fragmentos que usan esta notación. La notación de la música cantada consiste en símbolos de letras para los tonos, colocados sobre las sílabas del texto. El ritmo se indica solo de forma rudimentaria, con símbolos largos y cortos. El epitafio de Seikilos se ha fechado de diversas formas entre el siglo II a. C. y el siglo II d.

Existen manuscritos de tres himnos de Mesomedes de Creta. Los Himnos de Delfos, que datan del siglo II a. C., también usan esta notación, pero no se conservan por completo. La notación griega antigua parece haber caído en desuso en la época de la decadencia del Imperio Romano Occidental.

Imperio bizantino

Notación musical bizantina en la primera edición (1823) de Macarie Ieromonahul anastasimatarion, un himno con el canto diario (incluido el troparia de resurrección llamado apolytikia anastasima) en orden oktoechos, cada sección comenzó con el salmo de la noche 140 (aquí sección de ecos protos con rumano transliterado en escritura cirílica)

La música bizantina alguna vez incluyó música para las ceremonias de la corte, pero solo ha sobrevivido como música de iglesia vocal dentro de varias tradiciones ortodoxas de canto monódico (monofónico) escrito en notación redonda bizantina (ver anastasimatarion con el texto griego traducido al rumano y transliterado al alfabeto cirílico).

Desde el siglo VI, las categorías teóricas griegas (melos, genos, harmonia, systema) jugaron un papel clave para comprender y transmitir la música bizantina, especialmente la tradición de Damasco tuvo un fuerte impacto en el Cercano Oriente preislámico comparable al impacto proveniente de la música persa. La evidencia más temprana son fragmentos de papiro de la tropología griega. Estos fragmentos solo presentan el texto del himno después de una firma o clave modal (como "ΠΛ Α&# 34; para echos plagios protos o "Β" para echos devteros).

A diferencia de la notación occidental, los neumas bizantinos utilizados desde el siglo X siempre estuvieron relacionados con pasos modales (mismo grado modal, un grado inferior, dos grados superior, etc.) en relación con dicha clave o clave modal (firmas modales). Originalmente esta clave o el incipit de una melodía común bastaba para indicar un cierto modelo melódico dado dentro de los ecos. Junto a la notación ekfonética, que solo se utiliza en los leccionarios para indicar las fórmulas utilizadas durante las lecciones bíblicas, la notación melódica se desarrolló no antes de los siglos IX y X, cuando un theta (θ), oxeia ( //span>) o diple (//) se escribían bajo una determinada sílaba del texto, siempre que se esperaba un melisma más largo. Esta forma primitiva fue llamada "theta" o "notación diple".

Hoy en día, se puede estudiar la evolución de esta notación en los cantos monásticos griegos como el sticherarion y el heirmologion (la notación de Chartres se usaba más bien en el Monte Athos y Constantinopla, la notación de Coislin en los patriarcados de Jerusalén y Alejandría), mientras que había otra notación gestual utilizada originalmente para el asmatikon (libro del coro) y el kontakarion (libro del solista o monophonaris) del rito de la catedral de Constantinopla. Los primeros libros que han sobrevivido son "kondakars" en traducción eslava que ya muestran un sistema de notación conocido como notación Kondakarian. Al igual que el alfabeto griego, los signos de notación se ordenan de izquierda a derecha (aunque la dirección podría adaptarse como en ciertos manuscritos siríacos). La cuestión del ritmo se basaba enteramente en cheironomia (la interpretación de los llamados grandes signos que se derivaban de diferentes libros de canto). Estos grandes signos (μεγάλα σῃμάδια) indicaban conocidas frases melódicas dadas por gestos de los directores de coro del rito de la catedral.. Existieron una vez como parte de una tradición oral, desarrollaron la notación Kondakarian y se integraron, durante el siglo XIII, en la notación redonda bizantina como una especie de sistema de notación universal.

Hoy, la principal diferencia entre los neumas occidentales y orientales es que los símbolos de notación oriental son "diferenciales" en lugar de absolutos, es decir, indican pasos de tono (ascendente, descendente o al mismo paso), y los músicos saben deducir correctamente, a partir de la partitura y la nota que están cantando en ese momento, qué intervalo correcto significa. Estos símbolos de pasos en sí mismos, o mejor "neumas fónicos", se asemejan a pinceladas y se denominan coloquialmente gántzoi ('ganchos') en griego moderno.

Las notas como clases de tono o tonalidades modales (generalmente memorizadas mediante firmas modales) se representan en forma escrita solo entre estos neumas (en manuscritos generalmente escritos en tinta roja). En notación moderna, simplemente sirven como un recordatorio opcional y se han agregado direcciones modales y de tempo, si es necesario. En la notación papadica, las firmas mediales generalmente significan un cambio temporal en otros ecos.

Las llamadas "grandes señales" alguna vez estuvieron relacionados con los signos quironómicos; según las interpretaciones modernas se entienden como embellecimientos y atracciones microtonales (cambios de tono inferiores a un semitono), ambos esenciales en el canto bizantino.

Chrysanthos Kanonion con una comparación entre la antigua tetrafonía griega (columna 1), Western Solfeggio, el Parallage papadic (ascendencia: columna 3 y 4; descendiendo: columna 5 y 6) según la trochos system, y su heptafónica parallage según el Nuevo Método (síbles en el más antiguo y martyriai en la última columna)

Desde Chrysanthos de Madytos, hay siete nombres de notas estándar que se usan para "solfège" (parallagē) pá, vú, g^há, d^hi, ké, zō, nē, mientras la práctica más antigua todavía usaba los cuatro enechemata o fórmulas de entonación de los cuatro echoi dadas por las firmas modales, el auténtico o kyrioi en dirección ascendente, y el plagal o plagioi en dirección descendente dirección (Papadic Octoechos). Con la excepción de vú y zō, corresponden aproximadamente a las sílabas de solmización occidentales como re, mi, fa, sol, la, si, do. La música bizantina utiliza las ocho escalas naturales, no temperadas, cuyos elementos fueron identificados por Ēkhoi, "sonidos", exclusivamente, y por lo tanto el tono absoluto de cada nota puede variar ligeramente cada vez, dependiendo del Ēkhos particular que se utilice. La notación bizantina todavía se usa en muchas iglesias ortodoxas. A veces, los cantores también usan transcripciones en notación occidental o de pentagrama de Kiev mientras agregan material de adorno no anotable de memoria y "deslizante" en las escalas naturales a partir de la experiencia, pero incluso en lo que respecta a las ediciones modernas de neuma desde la reforma de Chrysanthos, solo se conocen muchos detalles de una tradición oral relacionada con los maestros tradicionales y su experiencia.

Próximo Oriente del siglo XIII

En 1252, Safi al-Din al-Urmawi desarrolló una forma de notación musical en la que los ritmos se representaban mediante representaciones geométricas. Muchos estudiosos posteriores del ritmo han tratado de desarrollar notaciones geométricas gráficas. Por ejemplo, Kjell Gustafson publicó en 1987 un sistema geométrico similar, cuyo método representa un ritmo como un gráfico bidimensional.

Primera Europa

Notación musical de un Misal Inglés de principios del siglo XIV

El erudito y teórico de la música Isidoro de Sevilla, al escribir a principios del siglo VII, consideró que "si los sonidos no son retenidos por la memoria del hombre, perecen, porque no se pueden escribir". Sin embargo, a mediados del siglo IX, una forma de notación neumática comenzó a desarrollarse en los monasterios de Europa como recurso mnemotécnico para el canto gregoriano, usando símbolos conocidos como neumas; la notación musical más antigua que se conserva de este tipo se encuentra en la Musica disciplina de Aureliano de Réôme, de alrededor de 850. Hay supervivencias dispersas de la Península Ibérica antes de esta época, de un tipo de notación conocida como neumas visigodo., pero sus pocos fragmentos sobrevivientes aún no han sido descifrados. El problema con esta notación era que solo mostraba contornos melódicos y, en consecuencia, la música no podía ser leída por alguien que no la conociera.

Notación musical temprana

La notación se había desarrollado lo suficiente como para anotar la melodía, pero aún no había un sistema para anotar el ritmo. Un tratado de mediados del siglo XIII, De Mensurabili Musica, explica un conjunto de seis modos rítmicos que estaban en uso en ese momento, aunque no está claro cómo se formaron. Estos modos rítmicos estaban todos en tiempo triple y un ritmo bastante limitado en el canto a seis patrones repetitivos diferentes. Este fue un defecto visto por el teórico musical alemán Franco de Colonia y resumido como parte de su tratado Ars cantus mensurabilis (el arte del canto medido o notación mensural). Sugirió que las notas individuales podrían tener sus propios ritmos representados por la forma de la nota. No fue sino hasta el siglo XIV que surgió algo así como el sistema actual de notas de longitud fija. El uso de medidas regulares (barras) se hizo común a fines del siglo XVII.

El fundador de lo que ahora se considera el pentagrama estándar fue Guido d'Arezzo, un monje benedictino italiano que vivió desde aproximadamente 991 hasta después de 1033. Enseñó el uso de las sílabas de solmización basándose en un himno a San Juan el Bautista, que comienza Ut Queant Laxis y fue escrito por el historiador lombardo Paul the Deacon. La primera estrofa es:

1. Ut queant laxis
2. reSonare fibris,
3. Mira gestorum
4. famuli tuorum,
5. Solve polluti
6. labii reatum,
7. Sancte IOhannes.

Guido usó la primera sílaba de cada línea, Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si, para leer música notada en términos de hexacordios; no eran nombres de notas, y cada uno podría, según el contexto, aplicarse a cualquier nota. En el siglo XVII, Ut se cambió en la mayoría de los países, excepto en Francia, a la sílaba abierta y fácil de cantar Do, que se cree que se tomó del nombre del teórico italiano Giovanni Battista Doni, o de la palabra latina Domenos, que significa Señor.

Los monjes cristianos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial, y se ha compuesto una enorme cantidad de música religiosa a lo largo de los siglos. Esto condujo directamente al surgimiento y desarrollo de la música clásica europea y sus muchos derivados. El estilo barroco, que abarcaba la música, el arte y la arquitectura, fue particularmente alentado por la Iglesia católica posterior a la Reforma, ya que tales formas ofrecían un medio de expresión religiosa que era conmovedor y emotivo, destinado a estimular el fervor religioso.

Notación de pentagrama moderna

Ejemplo de notación musical moderna: Prelude, Op. 28, No. 7, por Frédéric Chopin Jugar(help·info)

La notación musical moderna es utilizada por músicos de muchos géneros diferentes en todo el mundo. El pentagrama (o pentagrama, en inglés británico) consta de 5 líneas horizontales paralelas que actúan como un marco sobre el cual se indican los tonos colocando cabezas de nota ovaladas en (es decir, cruzando) las líneas del pentagrama, entre las líneas (es decir, en los espacios) o por encima y por debajo del pentagrama utilizando pequeñas líneas adicionales denominadas líneas contables. La notación se lee de izquierda a derecha, lo que dificulta la configuración de música para guiones de derecha a izquierda. El tono de una nota está indicado por la posición vertical de la cabeza de nota dentro del pentagrama, y puede ser modificado por alteraciones. La duración (longitud de la nota o valor de la nota) se indica mediante la forma de la cabeza de la nota o con la adición de una plica de nota más barras o banderas. Un óvalo hueco sin tallo es una nota entera o semibreve, un rectángulo hueco o un óvalo hueco sin tallo con una o dos líneas verticales en ambos lados es una nota entera doble o breve. Un óvalo hueco con tallo es una blanca o mínima. Los óvalos sólidos siempre usan plicas y pueden indicar notas negras (entrepiernas) o, con vigas o banderas añadidas, subdivisiones más pequeñas. Símbolos adicionales como puntos y corbatas pueden alargar la duración de una nota.

Un pentagrama de música escrita generalmente comienza con una clave, que indica el rango de tono del pentagrama. La clave de sol o clave de sol era originalmente una letra G e identifica la segunda línea hacia arriba en el pentagrama de cinco líneas como la nota G sobre el do central. La clave de fa o clave de fa identifica la segunda línea hacia abajo como la nota fa debajo del do central. Si bien la clave de sol y de fa son las más utilizadas, otras claves, que identifican el do central, se utilizan para algunos instrumentos, como la clave de alto (para viola y trombón alto) y la clave de tenor (utilizada para algunos violonchelos, fagotes, etc.). trombón tenor y música de contrabajo). Algunos instrumentos utilizan principalmente una clave, como el violín y la flauta, que utilizan la clave de sol, y el contrabajo y la tuba, que utilizan la clave de fa. Algunos instrumentos, como el piano y el órgano de tubos, suelen utilizar claves de sol y de fa.

Después de la clave, la armadura es un grupo de 0 a 7 signos sostenidos (♯) o bemoles (♭) colocados en el pentagrama para indicar la clave de la pieza o canción especificando que ciertas notas son sostenida o bemol en toda la pieza, a menos que se indique lo contrario con alteraciones añadidas antes de ciertas notas. Cuando se coloca un signo bemol (♭) antes de una nota, el tono de la nota se reduce en un semitono. De manera similar, un signo sostenido (♯) eleva el tono en un semitono. Por ejemplo, un sostenido en la nota D la elevaría a D♯ mientras que un bemol la bajaría a D♭. Los sostenidos dobles y los bemoles dobles son menos comunes, pero se usan. Un sostenido doble se coloca antes de una nota para hacerla dos semitonos más alta, un doble bemol - dos semitonos más bajo. Un signo natural colocado antes de una nota representa esa nota en su estado "natural" forma, lo que significa que se cancela cualquier sostenido o bemol aplicado a esa nota desde la armadura o una alteración. A veces, una alteración de cortesía se usa en música donde técnicamente no se requiere, para recordarle al músico qué tono se requiere.

Después de la firma clave es la firma del tiempo. La firma del tiempo normalmente consiste en dos números, con uno de los más comunes ⁴
₄. La parte superior "4" indica que hay cuatro latidos por medida (también llamada barra). El fondo "4" indica que cada uno de esos ritmos son notas trimestrales. Las medidas dividen la pieza en grupos de latidos, y las firmas del tiempo especifican esas agrupaciones. ⁴
₄ se utiliza tan a menudo que también se llama "tiempo común", y puede ser indicado con en lugar de números. Otras firmas de tiempo utilizadas con frecuencia son ³
₄ (tres golpizas por bar, con cada golpe de cuarto); ²
₄ (dos latidos por barra, cada latido es una nota trimestral); ⁶
₈ (seis latidos por barra, cada latido es una octava nota) y ¹²
₈ (Doce latidos por barra, cada latido es una octava nota; en la práctica, las octavas notas se colocan normalmente en cuatro grupos de tres octavos de notas. ¹²
₈ es un tipo de tiempo compuesto de firma de tiempo). Existen muchas otras firmas de tiempo, como ³
₈, ⁵
₈, ⁵
₄, ⁷
₄, ⁹
₈, y así sucesivamente.

Muchas piezas cortas de música clásica de la era clásica y canciones de música tradicional y música popular están en un compás para gran parte o la totalidad de la pieza. La música de la era de la música romántica y posteriores, en particular la música clásica contemporánea y los géneros de música rock como el rock progresivo y el subgénero hardcore punk mathcore, pueden usar métrica mixta; las canciones o piezas cambian de un compás a otro, por ejemplo alternando entre compases de ⁵
₄ y ⁷
₈.

Indicaciones al ejecutante en relación con cuestiones como el tempo (p. ej., Allegro, Andante, Largo, Vif, Lent, Modérément, Presto, etc.), la dinámica (pianississimo, pianissimo, piano, mezzopiano, mezzoforte, forte, fortissimo, fortississimo, etc.) aparecen encima o debajo del pentagrama. Términos que indican la expresión musical o "sentimiento" a una canción o pieza se indican al comienzo de la pieza y en cualquier punto donde cambia el estado de ánimo (por ejemplo, "Slow March", "Fast Swing", "Medium Blues& #34;, 'Fougueux', 'Feierlich', 'Gelassen', 'Piacevole', 'Con slancio', "Majestic", "Hostil", etc.) Para la música vocal, las letras se escriben cerca de los tonos de la melodía. Para pausas cortas (respiraciones), se agregan repeticiones (las repeticiones se indican con una marca ').

En música para conjuntos, una "partitura" muestra música para todos los jugadores juntos, con los pentagramas de los diferentes instrumentos y/o voces apilados verticalmente. El director usa la partitura mientras dirige una orquesta, banda de concierto, coro u otro conjunto grande. Intérpretes individuales en una obra de conjunto de "partes" que contienen sólo la música tocada por un músico individual. Una partitura se puede construir a partir de un conjunto completo de partes y viceversa. El proceso era laborioso y requería mucho tiempo cuando las partes se copiaban a mano de la partitura, pero desde el desarrollo del software de computadora Scorewriter en la década de 1980, una partitura almacenada electrónicamente puede tener partes preparadas automáticamente por el programa e impresas de forma rápida y económica usando una computadora. impresora.

Variaciones en la notación de pentagrama

Una hoja de plomo

Un gráfico de acordes. Jugar(help·info)

• Las convenciones de notación de percusión son variadas debido a la amplia gama de instrumentos de percusión. Los instrumentos de percusión se agrupan generalmente en dos categorías: lanzadas (por ejemplo, glockenspiel o campanas tubulares) y no picadas (por ejemplo, batería de bajo y tambor de antena). La notación de instrumentos de percusión no picados es menos estandarizada. Los instrumentos puntiagudos utilizan la notación clásica occidental estándar para los tonos y ritmos. En general, la notación para la percusión sin tapón utiliza el personal de cinco líneas, con diferentes líneas y espacios que representan diferentes instrumentos de batería. Notación rítmica occidental estándar se utiliza para indicar el ritmo.
• Notación bajo figurada originada en partes continuas barrocas bajo. También se utiliza extensamente en la notación de acordeón. Las notas bajo de la música se notan convencionalmente, junto con números y otros signos que determinan qué acordes debe improvisar el arpsicodista, organista o lutenista. Sin embargo, no especifica las parcelas exactas de la armonía, dejando eso para que el intérprete improvisara.
• Una hoja de plomo especifica sólo la melodía, letras y armonía, utilizando un personal con símbolos acordes colocados arriba y letras abajo. Se utiliza para capturar los elementos esenciales de una canción popular sin especificar cómo se debe organizar o realizar la canción.
• Un diagrama de acordes o "chart" contiene poca o ninguna información melódica o de voz, pero proporciona información armónica básica sobre la progresión del acorde. Algunas tablas de acordes también contienen información rítmica, indicada usando notación de slash para ritmos completos y notación rítmica para ritmos. Este es el tipo más común de música escrita utilizada por músicos de sesión profesional tocando jazz u otras formas de música popular y está pensado principalmente para la sección del ritmo (generalmente conteniendo piano, guitarra, bajo y tambores).
• Los diagramas de acordes más simples para canciones pueden contener sólo los cambios de acorde, colocados sobre las letras donde ocurren. Estos gráficos dependen del conocimiento previo de la melodía, y se utilizan como recordatorios en el rendimiento o el canto informal de grupos. Algunos diagramas de acordes destinados a los accompanistas de sección de ritmo contienen sólo la progresión de acordes.
• El sistema de notas de forma se encuentra en algunos himnos de la iglesia, música de sábanas y libros de canciones, especialmente en el sur de Estados Unidos. En lugar del cabezal de nota elíptico habitual, se utilizan cabezas de nota de varias formas para mostrar la posición de la nota en la escala principal. La Sagrado Arpa es uno de los libros de melodía más populares usando notas de forma.

En varios países

Corea

Sistema de notación musical Jeongganbo

Jeongganbo es un sistema de notación musical tradicional único creado durante la época de Sejong el Grande que fue el primer sistema de Asia oriental en representar el ritmo, el tono y el tiempo. Entre varios tipos de música tradicional coreana, Jeong-gan-bo apunta a un género en particular, Jeong-ak (정악, 正樂).

Jeong-gan-bo dice el lanzamiento escribiendo el nombre del lanzamiento en un cuadro llamado 'jeong-gan' (de aquí viene el nombre). Un jeong-gan es un tiempo cada uno, y se puede dividir en dos, tres o más para contener medios tiempos, cuartos de tiempo y más. Esto facilita que el lector descubra el ritmo.

Además, hay muchas marcas que indican cosas como adornos. La mayoría de estos fueron creados más tarde por Ki-su Kim.

India

Música india, principios del siglo XX.

El texto de Samaveda (1200 a. C. - 1000 a. C.) contiene melodías anotadas, y estas son probablemente las más antiguas del mundo. La notación musical generalmente se escribe inmediatamente encima, a veces dentro, de la línea del texto Samaveda, ya sea en forma silábica o numérica, según la Sakha Samavedic (escuela). El erudito y teórico musical indio Pingala (c. 200 a. C.), en su Chanda Sutra, utilizó marcas que indicaban sílabas largas y cortas para indicar metros en la poesía sánscrita.

Una inscripción rupestre de alrededor de los siglos VII y VIII d.C. en Kudumiyanmalai, Tamil Nadu, contiene un ejemplo temprano de una notación musical. Fue identificado y publicado por primera vez por el arqueólogo/epigrafista D. R. Bhandarkar. Escrito en la escritura Pallava-grantha del siglo VII, contiene 38 líneas horizontales de anotaciones inscritas en una pared de roca rectangular (dimensión de alrededor de 13 por 14 pies). Cada línea de la notación contiene 64 caracteres (caracteres que representan notas musicales), escritos en grupos de cuatro notas. Se ve que los caracteres básicos de las siete notas, 'sa ri ga ma pa dha ni', tienen el sufijo de las vocales a, i, u, e. Por ejemplo, en lugar de 'sa', cualquiera de 'sa', 'si', 'su' o 'se' se usa De manera similar, en lugar de ri, cualquiera de 'ra', 'ri', 'ru' o 're' se usa Las líneas horizontales dividen la notación en 7 secciones. Cada sección contiene de 4 a 7 líneas de notación, con un título que indica su 'modo' musical. Estos modos pueden haber sido populares al menos desde el siglo VI EC y se incorporaron al 'raga' sistema que se desarrolló más tarde. Pero algunas de las características inusuales que se ven en esta notación han recibido varias interpretaciones no concluyentes por parte de los estudiosos.

En la notación del rāga indio, se usa un sistema parecido al solfeo llamado sargam. Al igual que en el solfeo occidental, hay nombres para los siete tonos básicos de una escala mayor (Shadja, Rishabha, Gandhara, Madhyama, Panchama, Dhaivata y Nishada, generalmente abreviados como Sa Re Ga Ma Pa Dha Ni). La tónica de cualquier escala se llama Sa, y la Pa dominante. Sa se fija en cualquier escala, y Pa se fija en una quinta por encima de ella (una quinta pitagórica en lugar de una quinta ecuánime). Estas dos notas se conocen como achala swar ('notas fijas').

Cada una de las otras cinco notas, Re, Ga, Ma, Dha y Ni, puede tomar un tono 'regular' (shuddha), que es equivalente a su tono en una escala mayor estándar (así, shuddha Re, el segundo grado de la escala, es un paso entero más alto que Sa), o un tono alterado, ya sea medio tono por encima o medio tono por debajo del tono shuddha. Re, Ga, Dha y Ni tienen parejas alteradas que están medio paso por debajo (Komal-"flat") (por lo tanto, komal Re está medio paso por encima de Sa).

Ma tiene un compañero alterado que es medio paso más alto (teevra-"agudo") (por lo tanto, tivra Ma es una cuarta aumentada por encima de Sa). Re, Ga, Ma, Dha y Ni se denominan vikrut swar ('notas móviles&# 39;). En el sistema escrito de notación india ideado por Ravi Shankar, los tonos se representan con letras occidentales. Las letras mayúsculas se utilizan para el achala swar y para la variedad más alta de todos los vikrut swar. Las letras minúsculas se utilizan para la variedad inferior del vikrut swar.

Existen otros sistemas para el temperamento igual que no es de doce tonos y la música no occidental, como el Swaralipi indio.

Rusia

Un ejemplo de notación de Znamenny con las llamadas "marcas rojas", Rusia, 1884. "Tu Cruz honramos, oh Señor, y tu santa resurrección alabamos."

Lubok dibujado a mano con 'hook and banner notation '

Znamenny Chant es una tradición de canto utilizada en la Iglesia Ortodoxa Rusa que utiliza un "gancho y un estandarte" notación. Znamenny Chant es un canto litúrgico melismático al unísono que tiene su propia notación específica, llamada notación stolp. Los símbolos utilizados en la notación stolp se denominan kryuki (en ruso: крюки, 'ganchos') o znamena (ruso: знамёна, 'signos'). A menudo, los nombres de los signos se utilizan para referirse a la notación stolp. Las melodías de Znamenny son parte de un sistema que consta de ocho modos (estructuras de entonación; llamadas glasy); las melodías se caracterizan por la fluidez y el equilibrio (Kholopov 2003, 192). Existen varios tipos de Znamenny Chant: los llamados Stolpovoy, Malyj (Pequeño) y Bolshoy (Gran) Znamenny Chant. El canto ruteno (Prostopinije) a veces se considera una subdivisión de la tradición del canto Znamenny, siendo el canto moscovita (el canto Znamenny propiamente dicho) la segunda rama del mismo continuo musical.

Znamenny Chants no se escriben con notas (la llamada notación lineal), sino con signos especiales, llamados Znamëna (en ruso, "marcas", "banderas& #34;) o Kryuki ("ganchos"), ya que algunas formas de estos signos se asemejan a ganchos. Cada letrero puede incluir los siguientes componentes: un gran gancho negro o un trazo negro, varios 'puntos' negros más pequeños; y 'comas' y líneas cerca del anzuelo o cruzando el anzuelo. Algunos signos pueden significar solo una nota, algunos de 2 a 4 notas y algunos una melodía completa de más de 10 notas con una estructura rítmica complicada. La notación stolp se desarrolló en Kievan Rus' como un refinamiento eslavo oriental de la notación musical neumática bizantina.

La característica más notable de este sistema de notación es que registra las transiciones de la melodía, en lugar de las notas. Los signos también representan un estado de ánimo y una gradación de cómo se debe cantar esta parte de la melodía (tempo, fuerza, devoción, mansedumbre, etc.). Cada signo tiene su propio nombre y también se presenta como un símbolo espiritual. Por ejemplo, hay un signo específico, llamado "palomita" (en ruso: голубчик (golubchik)), que representa dos sonidos ascendentes, pero que también es símbolo del Espíritu Santo. Gradualmente, el sistema se volvió más y más complicado. Este sistema también era ambiguo, de modo que casi nadie, excepto los cantantes más entrenados y educados, podía cantar una melodía desconocida a la vista. Los signos solo ayudaron a reproducir la melodía, no a codificarla de manera inequívoca. (Ver Imperio Bizantino)

China

China Guqin notación, 1425

Los primeros ejemplos conocidos de texto que se refieren a la música en China son inscripciones en instrumentos musicales que se encuentran en la tumba del marqués Yi de Zeng (m. 433 a. C.). Los conjuntos de 41 chimestones y 65 campanas tenían largas inscripciones sobre tonos, escalas y transposición. Las campanas todavía suenan los tonos a los que se refieren sus inscripciones. Aunque no se encontraron composiciones musicales notadas, las inscripciones indican que el sistema estaba lo suficientemente avanzado como para permitir la notación musical. Existían dos sistemas de nomenclatura de tonos, uno para tono relativo y otro para tono absoluto. Para el tono relativo, se utilizó un sistema de solmización.

La notación Gongche usaba caracteres chinos para los nombres de la escala.

Japón

Tempyō Biwa Fu RESUMEN (circa 738 dC), notación musical para Biwa. (Shōsōin, en Nara, Japón)

La música japonesa es muy diversa y, por lo tanto, requiere varios sistemas de notación. En la música shakuhachi japonesa, por ejemplo, los glissandos y los timbres suelen ser más significativos que los distintos tonos, mientras que la notación taiko se centra en trazos discretos.

La música Ryukyuan sanshin usa kunkunshi, un sistema de notación de kanji en el que cada carácter corresponde a la posición de un dedo en una cuerda en particular.

Indonesia

La notación juega un papel relativamente menor en las tradiciones orales de Indonesia. Sin embargo, en Java y Bali, se idearon varios sistemas a partir de finales del siglo XIX, inicialmente con fines de archivo. Hoy en día, las más extendidas son las notaciones cifradas ("no angka" en el sentido más amplio) en las que los tonos se representan con algún subconjunto de los números del 1 al 7, donde el 1 corresponde a la nota más alta de una octava en particular, como en sundanés gamelan, o más bajo, como en la notación kepatihan del javanés gamelan.

Las notas en los rangos fuera de la octava central se representan con uno o más puntos encima o debajo de cada número. En su mayor parte, estas notaciones cifradas se utilizan principalmente para anotar la melodía esquelética (el balungan) y las partes vocales (gerongan), aunque a veces se utilizan transcripciones de las variaciones de instrumentos elaborados para el análisis y la enseñanza. Las partes de percusión se anotan con un sistema de símbolos basado en gran medida en letras que representan los vocablos utilizados para aprender y recordar patrones de percusión; estos símbolos generalmente se presentan en una cuadrícula debajo de la melodía esquelética para una pieza específica o genérica.

Los símbolos utilizados para la notación de percusión (así como los vocablos representados) varían mucho de un lugar a otro y de un intérprete a otro. Además de estos sistemas actuales, dos notaciones más antiguas usaban una especie de pentagrama: la escritura de Solonese podía capturar los ritmos flexibles del pesinden con un garabato en un pentagrama horizontal, mientras que en Yogyakarta un pentagrama vertical en forma de escalera permitía la notación del balungan por puntos y también incluía importantes golpes de tambor. En Bali, hay algunos libros publicados de piezas wayang de género Gamelan, que emplean notación alfabética en la antigua escritura balinesa.

Compositores y académicos, tanto indonesios como extranjeros, también han mapeado los sistemas de afinación slendro y pelog de gamelan en el pentagrama occidental, con y sin varios símbolos para microtonos. El compositor holandés Ton de Leeuw también inventó un pentagrama de tres líneas para su composición Gending. Sin embargo, estos sistemas no gozan de un uso generalizado.

En la segunda mitad del siglo XX, los músicos y eruditos indonesios extendieron la notación cifrada a otras tradiciones orales, y una notación cifrada de escala diatónica se ha vuelto común para anotar géneros relacionados con el oeste (himnos religiosos, canciones populares, etc.). A diferencia de la notación cifrada para la música gamelán, que utiliza un "Do fijo" (es decir, 1 siempre corresponde al mismo tono, dentro de la variabilidad natural de la afinación del gamelán), la notación cifrada diatónica de Indonesia es "movible-Do" notación, por lo que las puntuaciones deben indicar qué tono corresponde al número 1 (por ejemplo, "1=C").

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  Una melodía corta en eslendro notado utilizando el método Surakarta.

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  El mismo notado utilizando el método Yogyakarta o "notación conquistada".

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  El mismo notado usando la notación de Kepatihan.

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  Lo mismo aproximado usando notación occidental. Jugar(help·info)

Otros sistemas y prácticas

Notación cifrada

Increíble Gracia en notación numerada.

Los sistemas de notación cifrada que asignan números arábigos a los grados de la escala mayor se han utilizado al menos desde las tablaturas de órgano ibérico del siglo XVI e incluyen adaptaciones tan exóticas como Siffernotskrift. El que se usa más ampliamente en la actualidad es el chino Jianpu, que se analiza en el artículo principal. Los números también se pueden asignar a diferentes sistemas de escala, como en la notación javanesa kepatihan descrita anteriormente.

Solfeo

El solfeo es una forma de asignar sílabas a los nombres de la escala musical. En orden, son hoy: Do Re Mi Fa Sol La Ti Do' (para la octava). La variación clásica es: Do Re Mi Fa Sol La Si Do'. El primer sistema occidental de nombres funcionales para las notas musicales fue introducido por Guido de Arezzo (c. 991 - después de 1033), utilizando las sílabas iniciales de las primeras seis líneas musicales del himno latino Ut queant laxis. La secuencia original era Ut Re Mi Fa Sol La, donde cada verso comenzaba una nota de escala más alta. "Ut" más tarde se convirtió en "Do". Las sílabas equivalentes utilizadas en la música india son: Sa Re Ga Ma Pa Dha Ni. Ver también: solfeo, sargam, señas de manos de Kodály.

Tonic sol-fa es un tipo de notación que utiliza las letras iniciales del solfeo.

Notación de letras

Las notas de la escala de 12 tonos se pueden escribir con los nombres de las letras A–G, posiblemente con un símbolo sostenido o bemol al final, como A♯ o B♭.

Tablatura

Tablature se utilizó por primera vez en la Edad Media para la música de órgano y más tarde en el Renacimiento para la música de laúd. En la mayoría de las tablaturas de laúd, se usa un pentagrama, pero en lugar de valores de tono, las líneas del pentagrama representan las cuerdas del instrumento. Los trastes al dedo están escritos en cada línea, indicados por letras o números. El ritmo se escribe por separado con una u otra variación de los valores de nota estándar que indican la duración de la parte que se mueve más rápido. Pocos parecen haber notado el hecho de que la tablatura combina en un sistema de notación tanto los requisitos físicos como técnicos de la interpretación (las líneas y los símbolos en ellos y en relación entre sí representan las acciones reales de interpretación) con el desarrollo de la música misma (las líneas de la tablatura tomadas horizontalmente representan el desarrollo temporal real de la música). En períodos posteriores, la música para laúd y guitarra se escribía con notación estándar. La tablatura volvió a captar el interés a finales del siglo XX por la música popular de guitarra y otros instrumentos con trastes, siendo fácil de transcribir y compartir a través de Internet en formato ASCII.

Notación Klavar

Klavarskribo (a veces abreviado como klavar) es un sistema de notación musical que fue introducido en 1931 por el holandés Cornelis Pot. El nombre significa "escritura de teclado" en esperanto. Se diferencia de la notación musical convencional en varias formas y está diseñado para que sea fácil de leer. Muchos lectores de klavar son de los Países Bajos.

Notaciones basadas en piano-roll

Se han creado algunos sistemas cromáticos aprovechando la distribución de teclas en blanco y negro del teclado de piano estándar. El "personal" se conoce más comúnmente como "piano roll", creado al extender las teclas del piano en blanco y negro.

Anotaciones cromáticas de pentagrama

Durante los últimos tres siglos, se han propuesto cientos de sistemas de notación musical como alternativas a la notación musical occidental tradicional. Muchos de estos sistemas buscan mejorar la notación tradicional mediante el uso de un "pentagrama cromático" en el que cada una de las 12 clases de tono tiene su propio lugar único en el personal. Un ejemplo es la notación musical Dodeka de Jacques-Daniel Rochat. Estos sistemas de notación no requieren el uso de firmas de clave estándar, alteraciones o signos de clave. También representan relaciones de intervalo de manera más consistente y precisa que la notación tradicional, p. las terceras mayores aparecen más anchas que las terceras menores. Muchos de estos sistemas se describen e ilustran en el 'Libro de referencia de las reformas propuestas en la notación musical' de Gardner Read.

Notación gráfica

El término 'notación gráfica' se refiere al uso contemporáneo de símbolos y texto no tradicionales para transmitir información sobre la interpretación de una pieza musical. Compositores como Johanna Beyer. Christian Wolff, Carmen Barradas, Earle Brown, Yoko Ono, Anthony Braxton, John Cage, Morton Feldman, Cathy Berberian, Graciela Castillo, Krzysztof Penderecki, Cornelius Cardew, Pauline Oliveros y Roger Reynolds se encuentran entre las primeras generaciones de practicantes. El libro Notations, de John Cage y Alison Knowles, es otro ejemplo de este tipo de notación.

Notación musical simplificada

La notación musical simplificada es una forma alternativa de notación musical diseñada para facilitar la lectura a primera vista. Se basa en la notación de pentagrama clásica, pero incorpora sostenidos y bemoles en la forma de las cabezas de las notas. Las notas como los sostenidos dobles y los bemoles dobles se escriben en el tono en el que realmente se tocan, pero están precedidas por símbolos llamados signos de historia que muestran que se han transpuesto.

Notación de pentagrama modificada

La notación de pentagrama modificada (MSN) es una forma alternativa de escribir música para las personas que no pueden leer fácilmente la notación musical común, incluso si está ampliada.

Código Parsons

El código de Parsons se usa para codificar música para que se pueda buscar fácilmente.

Música braille

La música braille es un sistema de notación musical completo, bien desarrollado y aceptado internacionalmente que tiene símbolos y convenciones de notación bastante independientes de la notación musical impresa. Es de naturaleza lineal, similar a un lenguaje impreso y diferente de la naturaleza bidimensional de la notación musical impresa estándar. Hasta cierto punto, la música Braille se parece a los lenguajes de marcas musicales como MusicXML o NIFF.

Notación entera

En la notación de números enteros, o el modelo entero de tono, todas las clases de tono y los intervalos entre las clases de tono se designan con los números del 0 al 11.

Notación de rap

La forma estándar de notación de rap es el "diagrama de flujo", donde los raperos alinean sus letras debajo de "números de ritmo". Los estudiosos del hip-hop también utilizan los mismos diagramas de flujo que utilizan los raperos: los libros How to Rap y How to Rap 2 utilizan ampliamente los diagramas para explicar el rap' s trillizos, flams, silencios, esquemas de rima, corridas de rima y rompimiento de patrones de rima, entre otras técnicas. Los musicólogos Adam Krims utilizan sistemas similares en su libro Rap Music and the Poetics of Identity y Kyle Adams en su trabajo sobre el flujo del rap. Como el rap suele girar en torno a un fuerte compás de 4/4, con ciertas sílabas alineadas con el compás, todos los sistemas de notación tienen una estructura similar: todos tienen cuatro números de compás en la parte superior del diagrama, de modo que las sílabas se pueden escribir en- línea con el ritmo.

ABC

La notación ABC es un formato compacto que usa caracteres de texto sin formato, legible por computadoras y por humanos. Más de 100.000 melodías ahora se transcriben en este formato.

Notación musical en computadoras

Unicódigo

El bloque Unicode de símbolos musicales codifica un amplio sistema de notación musical formal.

El bloque Miscellaneous Symbols tiene algunos de los símbolos más comunes:

• U+2669 ♩ NOTA QUARTER
• U+266A ♪ NOCHE
• U+266B ♪ NOTAS DE PEQUEÑO
• U+266C . NOTAS SEXTEENTES
• U+266D . MUSIC FLAT SIGN
• U+266E ♮ MUSIC NATURAL SIGN
• U+266F ▪ MUSIC SHARP SIGN

El bloque Miscellaneous Symbols and Pictographs tiene tres emoji que pueden incluir representaciones de notas musicales:

• U+1F3A7 🎧 HEADPHONE
• U+1F3B5 🎵 NOTA MÚSICA
• U+1F3B6 🎶 NOTAS MÚSICAS MULTIPLE

Software

Se han desarrollado muchos programas informáticos para crear notación musical (llamados escritores de partituras o software de notación musical). La música también se puede almacenar en varios formatos de archivo digital para fines distintos a la salida de notación gráfica.

Perspectivas de la notación musical en la composición y la interpretación musical

Según Philip Tagg y Richard Middleton, la musicología y, hasta cierto punto, la práctica musical con influencia europea sufren de una 'centralidad notacional', una metodología sesgada por las características de la notación. Una variedad de compositores de los siglos XX y XXI se han ocupado de este problema, ya sea adaptando la notación musical occidental estándar o utilizando la notación gráfica. Estos incluyen a George Crumb, Luciano Berio, Krzystof Penderecki, Earl Brown, John Cage, Witold Lutoslawski y otros.