Noh

Noh (能, Nō, derivado de la palabra chino-japonesa para "habilidad" o "talento") es una forma importante de danza-drama japonés clásico que se ha representado desde el siglo XIV. Desarrollado por Kan'ami y su hijo Zeami, es el arte teatral importante más antiguo que todavía se representa regularmente en la actualidad. Aunque los términos Noh y nōgaku a veces se usan indistintamente, nōgaku abarca tanto a Noh como a kyōgen. Tradicionalmente, un programa completo de nōgaku incluía varias obras de Noh con obras cómicas de kyōgen en el medio; un programa abreviado de dos obras de Noh con un kyōgenpieza se ha vuelto común hoy en día. Opcionalmente, la actuación ritual Okina se puede presentar al comienzo de la presentación nōgaku.

El noh a menudo se basa en cuentos de la literatura tradicional con un ser sobrenatural transformado en forma humana como un héroe que narra una historia. Noh integra máscaras, disfraces y diversos accesorios en una actuación basada en la danza, lo que requiere actores y músicos altamente capacitados. Las emociones se transmiten principalmente mediante gestos convencionales estilizados, mientras que las máscaras icónicas representan roles como fantasmas, mujeres, deidades y demonios. Escrito en japonés medio tardío, el texto "describe vívidamente a la gente común de los siglos XII al XVI". Con un fuerte énfasis en la tradición más que en la innovación, el Noh está extremadamente codificado y regulado por el sistema iemoto.

Historia

Orígenes

El kanji de Noh (能) significa "habilidad", "arte" o "talento", particularmente en el campo de las artes escénicas en este contexto. La palabra Noh puede usarse sola o con gaku (楽; entretenimiento, música) para formar la palabra nōgaku. El noh es una tradición clásica muy valorada por muchos en la actualidad. Cuando se usa solo, Noh se refiere al género histórico de teatro que se originó con sarugaku a mediados del siglo XIV y continúa representándose en la actualidad.

Uno de los precursores más antiguos de Noh y kyōgen es sangaku [ja], que fue introducido en Japón desde China en el siglo VIII. En ese momento, el término sangaku se refería a varios tipos de actuaciones con acróbatas, canciones y bailes, así como bocetos cómicos. Su posterior adaptación a la sociedad japonesa condujo a su asimilación de otras formas de arte tradicionales". Varios elementos de artes escénicas en sangaku, así como elementos de dengaku (celebraciones rurales realizadas en relación con la siembra de arroz), sarugaku (entretenimiento popular que incluye acrobacias, malabares y pantomima), shirabyōshi(bailes tradicionales interpretados por bailarinas en la Corte Imperial en el siglo XII), gagaku (música y baile interpretados en la Corte Imperial a partir del siglo VII) y kagura (antiguos bailes sintoístas en cuentos populares) evolucionaron hasta convertirse en Noh y kyōgen.

Los estudios sobre la genealogía de los actores de Noh en el siglo XIV indican que eran miembros de familias especializadas en las artes escénicas. Según la leyenda, la Escuela Konparu, que se considera la tradición más antigua de Noh, fue fundada por Hata no Kawakatsu en el siglo VI. Sin embargo, el fundador de la escuela Konparu, ampliamente aceptada entre los historiadores, fue Bishaō Gon no Kami (Komparu Gonnokami) durante el período Nanboku-chō en el siglo XIV. Según el cuadro genealógico de la escuela Konparu, Bishaō Gon no Kami es descendiente después de 53 generaciones de Hata no Kawakatsu. La escuela Konparu descendía de la compañía sarugaku que había desempeñado un papel activo en Kasuga-taisha y Kofuku-ji en la provincia de Yamato.

Otra teoría, de Shinhachirō Matsumoto, sugiere que el Noh se originó a partir de parias que luchaban por reclamar un estatus social más alto atendiendo a los que estaban en el poder, es decir, la nueva clase gobernante de samuráis de la época. El traslado del shogunato de Kamakura a Kioto a principios del período Muromachi marcó el aumento del poder de la clase samurái y fortaleció la relación entre el shogunato y la corte. Como Noh se convirtió en la forma de arte favorita del shōgun, Noh pudo convertirse en una forma de arte cortesana a través de esta relación recién formada. En el siglo XIV, con un fuerte apoyo y patrocinio del shōgun Ashikaga Yoshimitsu, Zeami pudo establecer el Noh como la forma de arte teatral más destacada de la época.

El establecimiento de Noh por Kan'ami y Zeami

En el siglo XIV, durante el período Muromachi (1336 a 1573), Kan'ami Kiyotsugu y su hijo Zeami Motokiyo reinterpretaron varias artes escénicas tradicionales y completaron el Noh en una forma significativamente diferente a la tradicional, esencialmente trayendo el Noh a la forma actual. Kan'ami era un actor de renombre con una gran versatilidad interpretando papeles desde mujeres elegantes y niños de 12 años hasta hombres fuertes. Cuando Kan'ami presentó por primera vez su trabajo a Ashikaga Yoshimitsu, de 17 años, Zeami era un niño actor en su obra, alrededor de los 12 años. Yoshimitsu se enamoró de Zeami y su posición de favor en la corte hizo que Noh se representara con frecuencia. para Yoshimitsu a partir de entonces.

Konparu Zenchiku, bisnieto de Bishaō Gon no Kami, fundador de la escuela Konparu y esposo de la hija de Zeami, incorporó elementos de waka (poesía) en el Noh de Zeami y lo desarrolló aún más.

En este período, entre las cinco escuelas principales de Noh, se establecieron cuatro: la escuela Kanze, establecida por Kan'ami y Zeami; la escuela Hōshō establecida por el hermano mayor de Kan'ami; la escuela Konparu; y la escuela Kongō. Todas estas escuelas eran descendientes de la compañía sarugaku de la provincia de Yamato. El shogunato Ashikaga apoyó solo a la escuela Kanze entre las cuatro escuelas.

Era Tokugawa

Durante el período Edo, el Noh continuó siendo una forma de arte aristocrática apoyada por el shōgun, los señores feudales (daimyōs), así como por plebeyos ricos y sofisticados. Mientras que el kabuki y el joruri, populares entre la clase media, se centraron en el entretenimiento nuevo y experimental, el noh se esforzó por preservar sus altos estándares establecidos y su autenticidad histórica y se mantuvo prácticamente sin cambios a lo largo de la era. Para capturar la esencia de las actuaciones de los grandes maestros, cada detalle de los movimientos y posiciones fue reproducido por otros, lo que generalmente resultó en un ritmo ceremonial cada vez más lento con el tiempo.

En esta era, el shogunato Tokugawa nombró a la escuela Kanze como la directora de las cuatro escuelas. Kita Shichidayū (Shichidayū Chōnō), un actor de Noh de la escuela Konparu que sirvió a Tokugawa Hidetada, fundó la escuela Kita, que fue la última establecida de las cinco escuelas principales.

Noh moderno después de la era Meiji

La caída del shogunato Tokugawa en 1868 y la formación de un gobierno nuevo y modernizado dieron como resultado el fin del apoyo financiero del estado, y todo el campo de Noh experimentó una gran crisis financiera. Poco después de la Restauración Meiji, tanto el número de artistas de Noh como los escenarios de Noh disminuyeron considerablemente. El apoyo del gobierno imperial finalmente se recuperó en parte debido al llamamiento de Noh a los diplomáticos extranjeros. Las compañías que permanecieron activas durante la era Meiji también ampliaron significativamente el alcance de Noh al atender al público en general, actuando en teatros de las principales ciudades como Tokio y Osaka.

En 1957, el gobierno japonés designó al nōgaku como Propiedad Cultural Intangible Importante, lo que brinda un grado de protección legal a la tradición, así como a sus practicantes más consumados. El Teatro Nacional de Noh, fundado por el gobierno en 1983, presenta representaciones regulares y organiza cursos para capacitar a los actores en los papeles principales del nōgaku. Noh fue inscrito en 2008 en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO como teatro Nōgaku.

Aunque los términos nōgaku y noh a veces se usan indistintamente, la definición del gobierno japonés de teatro " nōgaku " abarca tanto las obras de noh como las de kyōgen. Kyōgen se realiza entre obras de Noh en el mismo espacio. En comparación con Noh, " kyōgen se basa menos en el uso de máscaras y se deriva de las obras de teatro humorísticas del sangaku, como se refleja en su diálogo cómico".

Mujeres en Noh

Durante el período Edo, el sistema de gremios se endureció gradualmente, lo que excluyó en gran medida a las mujeres de Noh, a excepción de algunas mujeres (como las cortesanas) que interpretaban canciones en situaciones marginales. Más tarde, en la era Meiji, los artistas de Noh enseñaron a personas adineradas y nobles, y esto generó más oportunidades para las artistas porque las mujeres insistieron en tener maestras. A principios de la década de 1900, después de que se permitió a las mujeres ingresar a la Escuela de Música de Tokio, se relajaron las reglas que prohibían a las mujeres ingresar a varias escuelas y asociaciones en Noh. En 1948, las primeras mujeres se unieron a la Asociación de Artistas Nohgaku. En 2004, las primeras mujeres se unieron a la Association for Japanese Noh Plays. En 2007, el Teatro Nacional Noh comenzó a presentar anualmente programas regulares de artistas femeninas.En 2009, había alrededor de 1200 intérpretes profesionales de Noh masculinos y 200 femeninos.

Jo-ha-kyū

El concepto de jo-ha-kyū dicta prácticamente todos los elementos de Noh, incluida la compilación de un programa de obras, la estructuración de cada obra, canciones y bailes dentro de las obras, y los ritmos básicos dentro de cada actuación de Noh. Jo significa comenzar, ha significa romper y kyū significa rápido o urgente. El término se originó en gagaku, música cortesana antigua, para indicar un tempo que aumenta gradualmente y fue adoptado en varias tradiciones japonesas, incluido el Noh, la ceremonia del té, la poesía y los arreglos florales.

Jo-ha-kyū está incorporado en el programa tradicional de cinco juegos de Noh. La primera jugada es jo, la segunda, tercera y cuarta jugadas son ha, y la quinta jugada es kyū. De hecho, las cinco categorías que se analizan a continuación se crearon para que el programa representara jo-ha-kyū cuando se selecciona y presenta en orden una obra de cada categoría. Cada obra se puede dividir en tres partes, la introducción, el desarrollo y la conclusión. Una obra comienza con un tempo lento en jo, se vuelve un poco más rápido en ha y luego culmina en kyū.

Intérpretes y roles

Los actores comienzan su formación como niños pequeños, tradicionalmente a la edad de tres años.

Capacitación

Zeami aisló nueve niveles o tipos de Noh actuando desde grados inferiores que ponen énfasis en el movimiento y la violencia hasta grados superiores que representan la apertura de una flor y destreza espiritual.

En 2012, existen cinco escuelas de actuación de Noh llamadas Kanze (観世), Hōshō (宝生), Komparu (金春), Kongō (金剛) y Kita (喜多) escuelas que entrenan a actores de mierda. Cada escuela tiene su propia familia iemoto que lleva el nombre de la escuela y es considerada la más importante. El iemoto tiene el poder de crear nuevas obras o modificar letras y modos de interpretación. Los actores Waki ​​se forman en las escuelas Takayasu (高安), Fukuou (福王) y Hōshō (宝生). Hay dos escuelas que entrenan kyōgen, Ōkura (大蔵) e Izumi (和泉). Once escuelas capacitan a instrumentistas, cada escuela se especializa en uno a tres instrumentos.

La Asociación de Artistas Nohgaku (Nōgaku Kyōkai), en la que están registrados todos los profesionales, protege estrictamente las tradiciones transmitidas por sus antepasados ​​(ver iemoto). Sin embargo, varios documentos secretos de la escuela Kanze escritos por Zeami, así como materiales de Konparu Zenchiku, se han difundido entre la comunidad de estudiosos del teatro japonés.

Roles

Hay cuatro categorías principales de intérpretes de Noh: shite, waki, kyōgen y hayashi.

1. Mierda (仕手, シテ). Shite es el protagonista principal, o el papel principal en las obras de teatro. En las obras donde el shite aparece primero como humano y luego como un fantasma, el primer papel se conoce como mae-shite y el segundo como nochi-shite.
   • Shitetsure (仕手連れ, シテヅレ). El compañero de mierda. A veces, shitetsure se abrevia como tsure (連れ, ツレ), aunque este término se refiere tanto a shitetsure como a wakitsure.
   • Los Kōken (後見) son tramoyistas, generalmente de una a tres personas.
   • Jiutai (地謡) es el coro, que suele estar formado por seis u ocho personas.
2. Waki (脇, ワキ) interpreta el papel que es la contraparte o contraste de la mierda.
   • Wakitsure (脇連れ, ワキヅレ) o Waki-tsure es el compañero del waki.
3. Kyōgen (狂言) realiza los aikyōgen (間狂言), que son interludios durante las obras. Los actores de Kyōgen también actúan en obras separadas entre obras individuales de Noh.
4. Hayashi (囃子) o hayashi-kata (囃子方) son los instrumentistas que tocan los cuatro instrumentos utilizados en el teatro Noh: la flauta travesera (笛, fue), el tambor de cadera (大鼓, ōtsuzumi) u ōkawa (大皮), el hombro- tambor (小鼓, kotsuzumi), y el tambor de palo (太鼓, taiko). La flauta utilizada para Noh se llama específicamente nōkan o nohkan (能管).

Una obra típica de Noh siempre involucra al coro, la orquesta y al menos un actor shite y un waki.

Elementos de rendimiento

La interpretación de Noh combina una variedad de elementos en un todo estilístico, con cada elemento particular producto de generaciones de refinamiento de acuerdo con los aspectos centrales budistas, sintoístas y minimalistas de los principios estéticos de Noh.

Máscaras

Las máscaras de Noh (能面nō-men o 面omote) están talladas en bloques de ciprés japonés (檜 " hinoki ") y pintadas con pigmentos naturales sobre una base neutra de pegamento y conchas trituradas. Hay aproximadamente 450 máscaras diferentes, en su mayoría basadas en sesenta tipos, todas las cuales tienen nombres distintivos. Algunas máscaras son representativas y se usan con frecuencia en muchas obras diferentes, mientras que otras son muy específicas y solo pueden usarse en una o dos obras. Las máscaras de Noh significan el género, la edad y el rango social de los personajes, y al usar máscaras, los actores pueden representar a jóvenes, ancianos, mujeres o personajes no humanos (divinos, demoníacos o animales). Solo el shite, el actor principal, usa una máscara en la mayoría de las obras, aunque el tsuretambién puede usar una máscara en algunas obras de teatro para representar personajes femeninos.

Aunque la máscara cubre las expresiones faciales de un actor, el uso de la máscara en Noh no es un abandono total de las expresiones faciales. Más bien, su intención es estilizar y codificar las expresiones faciales mediante el uso de la máscara y estimular la imaginación de la audiencia. Al usar máscaras, los actores pueden transmitir emociones de una manera más controlada a través de movimientos y lenguaje corporal. Algunas máscaras utilizan efectos de iluminación para transmitir diferentes emociones a través de una ligera inclinación de la cabeza. Mirando ligeramente hacia arriba, o "iluminando" la máscara, permitirá que la máscara capture más luz, revelando más rasgos que parecen reír o sonreír. Mirando hacia abajo, o "nublándolo", hará que la máscara parezca triste o enojada.

Las máscaras de Noh son atesoradas por las familias y las instituciones de Noh, y las poderosas escuelas de Noh tienen las máscaras de Noh más antiguas y valiosas en sus colecciones privadas, rara vez vistas por el público. La máscara más antigua supuestamente se guarda como un tesoro escondido en la escuela más antigua, la Konparu. Según el director actual de la escuela Konparu, la máscara fue tallada por el legendario príncipe regente Shōtoku (572–622) hace más de mil años. Si bien se puede cuestionar la precisión histórica de la leyenda de la máscara del príncipe Shōtoku, la leyenda en sí es antigua, ya que se registra por primera vez en Zeami's Style and the Flower escrito en el siglo XIV. Algunas de las máscaras de la escuela Konparu pertenecen al Museo Nacional de Tokio y se exhiben allí con frecuencia.

Escenario

El escenario tradicional de Noh (butai) tiene una apertura total que proporciona una experiencia compartida entre los artistas y el público durante toda la actuación. Sin proscenio ni cortinas que obstruyan la vista, el público ve a cada actor incluso durante los momentos antes de entrar (y después de salir) del "escenario" central (honbutai, "escenario principal"). El teatro en sí es considerado simbólico y tratado con reverencia tanto por los artistas como por la audiencia.

Una de las características más reconocibles del escenario Noh es su techo independiente que cuelga sobre el escenario incluso en teatros interiores. Sostenido por cuatro columnas, el techo simboliza la santidad del escenario, con su diseño arquitectónico derivado del pabellón de adoración (haiden) o el pabellón de danza sagrada (kagura-den) de los santuarios sintoístas. El techo también unifica el espacio del teatro y define el escenario como una entidad arquitectónica.

Los pilares que sostienen el techo se denominan shitebashira (pilar del personaje principal), metsukebashira (pilar de la mirada), wakibashira (pilar del personaje secundario) y fuebashira (pilar de la flauta), en el sentido de las agujas del reloj desde la parte superior derecha del escenario, respectivamente. Cada pilar está asociado con los ejecutantes y sus acciones.

El escenario está hecho íntegramente de hinoki, ciprés japonés sin terminar, casi sin elementos decorativos. El poeta y novelista Tōson Shimazaki escribe que “en el escenario del teatro Noh no hay decorados que cambien con cada pieza. Tampoco hay cortina. Sólo hay un panel simple (kagami-ita) con una pintura de un pino verde. árbol. Esto crea la impresión de que todo lo que podría dar sombra ha sido desterrado. Romper esa monotonía y hacer que algo suceda no es cosa fácil".

Otra característica única del escenario es el hashigakari, un puente angosto en la parte superior derecha del escenario utilizado por los actores para entrar al escenario. Hashigakari significa "puente colgante", lo que significa algo aéreo que conecta dos mundos separados en un mismo nivel. El puente simboliza la naturaleza mítica de las obras de Noh en las que aparecen con frecuencia fantasmas y espíritus de otro mundo. Por el contrario, hanamichi en los teatros Kabuki es literalmente un camino (michi) que conecta dos espacios en un solo mundo, por lo que tiene un significado completamente diferente.

Disfraces

Los actores de Noh usan trajes de seda llamados shozoku (túnicas) junto con pelucas, sombreros y accesorios como el abanico. Con colores llamativos, textura elaborada y tejidos y bordados intrincados, las túnicas Noh son verdaderas obras de arte por derecho propio. Los trajes para el shite en particular son brocados de seda extravagantes y brillantes, pero son progresivamente menos suntuosos para el tsure, el wakizure y el aikyōgen.

Durante siglos, de acuerdo con la visión de Zeami, los trajes de Noh emularon la ropa que los personajes usarían genuinamente, como las ropas formales para un cortesano y la ropa de calle para un campesino o plebeyo. Pero a fines del siglo XVI, los trajes se estilizaron con ciertas convenciones simbólicas y estilísticas. Durante el período Edo (Tokugawa), las túnicas elaboradas que los nobles y samuráis daban a los actores en el período Muromachi se desarrollaron como disfraces.

Los músicos y el coro suelen llevar un kimono montsuki formal (negro y adornado con cinco escudos familiares) acompañado de hakama (una prenda parecida a una falda) o kami-shimo, una combinación de hakama y un chaleco con hombros exagerados. Finalmente, los asistentes al escenario están vestidos con prendas negras prácticamente sin adornos, de la misma manera que los tramoyistas en el teatro occidental contemporáneo.

Accesorios

El uso de accesorios en Noh es minimalista y estilizado. El accesorio más utilizado en Noh es el abanico, ya que lo llevan todos los artistas independientemente de su función. Los coristas y músicos pueden llevar su abanico en la mano al entrar al escenario, o llevarlo metido en el obi (la faja). El abanico suele colocarse al lado del intérprete cuando este toma posición y, a menudo, no se vuelve a subir hasta que abandona el escenario. Durante las secuencias de baile, el abanico se usa típicamente para representar todos y cada uno de los accesorios de mano, como una espada, una jarra de vino, una flauta o un pincel para escribir. El abanico puede representar varios objetos en el transcurso de una sola obra.

Cuando se utilizan accesorios de mano que no sean abanicos, generalmente son introducidos o recuperados por kuroko, quienes cumplen un papel similar al del equipo de escena en el teatro contemporáneo. Al igual que sus contrapartes occidentales, los asistentes al escenario de Noh tradicionalmente se visten de negro, pero a diferencia del teatro occidental, pueden aparecer en el escenario durante una escena o permanecer en el escenario durante toda la actuación, en ambos casos a la vista de la audiencia. El traje completamente negro de kuroko implica que no son parte de la acción en el escenario y son efectivamente invisibles.

Las piezas escenográficas en Noh, como los barcos, los pozos, los altares y las campanas, generalmente se llevan al escenario antes del comienzo del acto en el que se necesitan. Estos accesorios normalmente son solo contornos para sugerir objetos reales, aunque la gran campana, una excepción perenne a la mayoría de las reglas de Noh para accesorios, está diseñada para ocultar al actor y permitir un cambio de vestuario durante el interludio de kyōgen .

Canto y musica

El teatro Noh está acompañado por un coro y un conjunto hayashi (Noh-bayashi能囃子). Noh es un drama cantado, y algunos comentaristas lo han apodado "ópera japonesa". Sin embargo, el canto en Noh implica un rango tonal limitado, con pasajes largos y repetitivos en un rango dinámico estrecho. Los textos son poéticos y se basan en gran medida en el ritmo japonés de siete por cinco, común a casi todas las formas de poesía japonesa, con una expresión económica y abundantes alusiones. Las partes de canto de Noh se llaman " Utai " y las partes de habla " Kataru ". La música tiene muchos espacios en blanco (ma) entre los sonidos reales, y estos espacios en blanco negativos se consideran, de hecho, el corazón de la música. Además deutai, el conjunto Noh hayashi consta de cuatro músicos, también conocidos como "hayashi-kata", incluidos tres bateristas, que tocan el shime-daiko, ōtsuzumi (tambor de cadera) y kotsuzumi (tambor de hombro) respectivamente, y un flautista de nohkan.

El canto no siempre se realiza "en carácter"; es decir, a veces el actor dirá líneas o describirá eventos desde la perspectiva de otro personaje o incluso de un narrador desinteresado. Lejos de romper el ritmo de la actuación, esto en realidad está en consonancia con la sensación de otro mundo de muchas obras de Noh, especialmente en aquellas caracterizadas como mugen.

Obras de teatro

De las aproximadamente 2000 obras creadas para Noh que se conocen hoy en día, unas 240 componen el repertorio actual interpretado por las cinco escuelas de Noh existentes. El repertorio actual está fuertemente influenciado por el gusto de la clase aristocrática en el período Tokugawa y no refleja necesariamente la popularidad entre los plebeyos. Hay varias formas de clasificar las obras de Noh.

Tema

Todas las obras de Noh se pueden clasificar en tres amplias categorías.

• Genzai Noh (現在能, "Noh actual") presenta personajes humanos y los eventos se desarrollan de acuerdo con una línea de tiempo lineal dentro de la obra.
• Mugen Noh (夢幻能, "Noh sobrenatural") involucra mundos sobrenaturales, con dioses, espíritus, fantasmas o fantasmas en el papel de mierda. El tiempo a menudo se representa como si transcurriera de forma no lineal, y la acción puede cambiar entre dos o más marcos de tiempo de un momento a otro, incluidos los flashbacks.
• Ryōkake Noh (両掛能, "Noh mixto"), aunque algo poco común, es un híbrido de lo anterior con el primer acto siendo Genzai Noh y el segundo acto Mugen Noh.

Mientras que Genzai Noh utiliza conflictos internos y externos para impulsar las historias y generar emociones, Mugen Noh se enfoca en utilizar flashbacks del pasado y del difunto para invocar emociones.

Estilo de actuación

Además, todas las obras de Noh se pueden categorizar por su estilo.

• Geki Noh (劇能) es una pieza dramática basada en el avance de la trama y la narración de la acción.
• Furyū Noh (風流能) es poco más que una pieza de danza caracterizada por una acción escénica elaborada, que a menudo involucra acrobacias, propiedades escénicas y múltiples personajes.

Tema

Todas las obras de Noh se dividen por sus temas en las siguientes cinco categorías. Esta clasificación se considera la más práctica y todavía se usa en las opciones de programación formal en la actualidad. Tradicionalmente, un programa formal de 5 obras se compone de una selección de cada uno de los grupos.

1. Kami mono (神物, juegos de dioses) o waki Noh (脇能) suelen presentar al shite en el papel de una deidad para contar la historia mítica de un santuario o alabar a un dios en particular. Muchos de ellos estructurados en dos actos, la deidad toma forma humana disfrazada en el primer acto y revela el yo real en el segundo acto. (por ejemplo, Takasago, Chikubushima)
2. Shura mono (修羅物, juegos de guerreros) o ashura Noh (阿修羅能) toma su nombre del inframundo budista. El protagonista, que aparece como el fantasma de un samurái famoso, le ruega a un monje que lo salve y el drama culmina con una gloriosa recreación de la escena de su muerte con un traje de guerra completo. (por ejemplo, Tamura, Atsumori)
3. Katsura mono (鬘物, juegos de pelucas) u onna mono (女物, juegos de mujeres) representan a la mierda en un papel femenino y presentan algunas de las canciones y bailes más refinados de todo el Noh, lo que refleja los movimientos suaves y fluidos que representan a los personajes femeninos.. (por ejemplo, Basho, Matsukaze)
4. Hay alrededor de 94 obras "misceláneas" que tradicionalmente se representan en el cuarto lugar en un programa de cinco obras. Estas obras incluyen subcategorías kyōran mono (狂乱物, obras de locura), onryō mono (怨霊物, obras de teatro de fantasmas vengativos), genzai mono (現在物, obras de teatro actuales), así como otras. (por ejemplo , Aya no tsuzumi, Kinuta)
5. Kiri Noh (切り能, obras finales) u oni mono (鬼物, obras demoníacas) suelen presentar al shite en el papel de monstruos, duendes o demonios, y a menudo se seleccionan por sus colores brillantes y sus movimientos finales tensos y de ritmo rápido. Kiri Noh es el último de un programa de cinco obras. Hay aproximadamente 30 jugadas en esta categoría, la mayoría de las cuales son más cortas que las jugadas en las otras categorías.

Además de los cinco anteriores, Okina (翁) (o Kamiuta) se presenta con frecuencia al comienzo del programa, especialmente en Año Nuevo, días festivos y otras ocasiones especiales. Combinando la danza con el ritual sintoísta, se considera el tipo más antiguo de juego Noh.

Obras famosas

La siguiente categorización es la de la escuela Kanze.

Nombre	kanji	Sentido	Categoría
Aoi no Ue	葵上	señora aoi	4 (varios)
Aya no Tsuzumi	綾鼓	El tambor de damasco	4 (varios)
dojoji	道成寺	Templo Dojo	4 (varios)
Hagoromo	羽衣	El manto de plumas	3 (mujer)
Izutsu	井筒	la cuna del pozo	3 (mujer)
matsukaze	松風	El viento en los pinos	3 (mujer)
Sekidera Komachi	関寺小町	Komachi en el templo Seki	3 (mujer)
Shojo	猩々	El duende bebedor	5 (demonio)
Sotoba Komachi	卒都婆小町	Komachi en la tumba	3 (mujer)
takasago	高砂	En Takasago	1 (deidad)
Yorimasa	頼政	Yorimasa	2 (guerrero)

Influencia en Occidente

Muchos artistas occidentales han sido influenciados por Noh.

Practicantes de teatro

• Eugenio Barba – Entre 1966 y 1972, los maestros japoneses de Noh Hideo Kanze e Hisao Kanze impartieron seminarios sobre Noh en el Laboratorio de Teatro Barba de Holstebro. Barba estudió principalmente los aspectos físicos del Noh.
• Samuel Beckett - Yoshihiko Ikegami considera que Waiting for Godot de Beckett es una parodia de Noh, particularmente Kami Noh, en la que un dios o un espíritu aparece ante un personaje secundario como protagonista. Ikegami sostiene que "el conflicto dramático que era muy evidente en Yeats está tan completamente descartado que el teatro de Beckett (donde 'no pasa nada') se parece aún más al Noh que el de Yeats".
• Bertolt Brecht: según Maria P. Alter, Brecht comenzó a leer obras de teatro japonesas a mediados de los años veinte y ha leído al menos 20 obras de Noh traducidas al alemán en 1929. Der Jasager de Brecht es una adaptación de una obra de Noh Taniko. El propio Brecht identificó Die Massnahme como una adaptación de la obra Noh.
• Peter Brook: Yoshi Oida, un actor japonés con formación en Noh, comenzó a trabajar con Brook en su producción de La tempestad en 1968. Más tarde, Oida se unió a la compañía de Brook.
• Paul Claudel: según John Willett, Paul Claudel se enteró de Noh durante el tiempo que se desempeñó como embajador de Francia en Japón. La ópera Christophe Colomb de Claudel muestra una inconfundible influencia del Noh.
• Jacques Copeau – En 1923, Copeau trabajó en una obra de Noh, Kantan, junto con Suzanne Bing en el Théâtre du Vieux-Colombier, sin haber visto nunca una obra de Noh. Thomas Leabhart afirma que "Jacques Copeau se sintió atraído instintivamente por el gusto y la tendencia a un teatro sobrio que se basaba en la espiritualidad". Copeau elogió el teatro Noh por escrito cuando finalmente vio una producción en 1930.
• Guillaume Gallienne - Deguchinashi (Huis-Clos) de Jean-Paul Sartre, una versión Noh de la obra de Sartre dirigida por Guillaume Gallienne en el teatro Noh Tessenkai, Tokio en 2006.
• Jacques Lecoq - Teatro físico enseñado en L'École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq fundado por Lecoq está influenciado por Noh.
• Eugene O'Neill: las obras de O'Neill The Iceman Cometh, Long Day's Journey into Night y Hughie tienen varias similitudes con las obras de Noh.
• Thornton Wilder: el propio Wilder expresó su interés en Noh en su "Prefacio" a Three Plays y su hermana Isabel Wilder también confirmó su interés. El trabajo de Wilder, Our Town, incorpora varios elementos de Noh, como la falta de trama, personajes representativos y el uso de fantasmas..

Compositores

• William Henry Bell: un compositor inglés Bell escribió música para la presentación moderna de varias obras de Noh, incluidas Komachi (1925), Tsuneyo of the Three Trees (1926), Hatsuyuki (1934), The Pillow of Kantan (1935) y Kageyiko (1936)).
• Benjamin Britten: Britten visitó Japón en 1956 y vio por primera vez obras de teatro japonesas de Noh, a las que llamó "algunos de los dramas más maravillosos que he visto". Las influencias se vieron y escucharon en su ballet El príncipe de las pagodas (1957) y más tarde en dos de las tres "Parábolas para la interpretación de la iglesia" semioperísticas: Curlew River (1964) y El hijo pródigo (1968).
• David Byrne: Byrne conoció a Noh cuando estaba de gira en Japón con Talking Heads y se inspiró en las prácticas altamente estilizadas de Noh, completamente diferentes de sus contrapartes occidentales que se enfocan en el naturalismo. Según Josh Kun, "el teatro Noh japonés lo inspiró a diseñar el traje de negocios de gran tamaño que se convirtió en un elemento básico visual de los espectáculos en vivo de Talking Heads".
• Alan Watts: filósofo del siglo XX, las notas de la tercera canción del álbum de 1962 'This is IT' dicen "Watts in a Japanese no-noh".
• Harry Partch - Partch llamó a su trabajo Delusion of the Fury "una red ritual". Kate Molleson escribió para The Guardian que "la narrativa es una mezcla borrosa de teatro Noh japonés, mitología popular etíope, drama griego y su propia imaginación loca". Will Salmon cita al propio Partch escribiendo: "El Noh ha sido durante siglos un arte fino, uno de los más sofisticados que el mundo ha conocido". Delusion of the Fury incorpora dos obras de Noh, Atsumori de Zeami e Ikuta de Zenbō Motoyasu, en su historia.
• Karlheinz Stockhausen: el libreto esencialmente sin trama del gran ciclo operístico Licht ("Luz") de Stockhausen se basa en "una mitología que se basa en múltiples tradiciones culturales, desde el teatro Noh japonés hasta el folclore alemán".
• Iannis Xenakis - Xenakis "admiraba a Noh, la venerable forma teatral conocida por su formalidad ritual y complejidad gestual". Electronic Music Foundation presentó Xenakis & Japan en marzo de 2010, "un evento de danza / música que destaca el interés de toda la vida de Xenakis por la música y el teatro japoneses". El evento contó con una artista femenina de Noh, Ryoko Aoki.

Poetas

• WB Yeats: Yeats escribió un ensayo sobre Noh titulado "Ciertas obras de teatro nobles de Japón" en 1916. Por mucho que trató de aprender Noh, había recursos limitados disponibles en Inglaterra en ese momento. La falta de una comprensión completa de Noh lo llevó a crear obras innovadoras guiadas por su propia imaginación y lo que fantaseaba que sería Noh. Yeats escribió cuatro obras fuertemente influenciadas por Noh, utilizando fantasmas o seres sobrenaturales como dramatis personae central por primera vez. Las obras son At the Hawk's Well, The Dreaming of the Bones, The Words upon the Window-Fane y Purgatory.

Terminología estética

Zeami y Zenchiku describen una serie de cualidades distintas que se consideran esenciales para la comprensión adecuada del Noh como forma de arte.

• Hana (花, flor): En el Kadensho (Instrucciones sobre la postura de la flor), Zeami describe a hana diciendo "después de dominar los secretos de todas las cosas y agotar las posibilidades de cada dispositivo, el hana que nunca desaparece aún permanece". El verdadero intérprete de Noh busca cultivar una relación enrarecida con su audiencia similar a la forma en que uno cultiva flores. Lo notable de hana es que, como una flor, está destinada a ser apreciada por cualquier público, sin importar cuán elevada o grosera sea su educación. Hana viene en dos formas. El hana individuales la belleza de la flor de la juventud, que pasa con el tiempo, mientras que el " hana verdadero" es la flor de crear y compartir la belleza perfecta a través de la interpretación.
• Yūgen (幽玄, sublimidad profunda): Yūgen es un concepto valorado en varias formas de arte en la cultura japonesa. Originalmente usado para significar elegancia o gracia que representa la belleza perfecta en waka, yūgen es la belleza invisible que se siente más que se ve en una obra de arte. El término se usa específicamente en relación con Noh para significar la profunda belleza del mundo trascendental, incluida la belleza lúgubre involucrada en la tristeza y la pérdida.
• Rōjaku (老弱): Rō significa viejo y jaku significa tranquilo y silencioso. Rōjaku es la etapa final del desarrollo de la actuación del actor Noh, en la que elimina toda acción o sonido innecesarios en la actuación, dejando solo la verdadera esencia de la escena o acción que se imita.
• Kokoro o shin (ambos 心): definido como "corazón", "mente" o ambos. El kokoro del noh es aquello de lo que habla Zeami en sus enseñanzas, y se define más fácilmente como "mente". Para desarrollar hana, el actor debe entrar en un estado de no-mente o mushin.
• Myō (妙): el "encanto" de un actor que actúa a la perfección y sin ningún sentido de imitación; efectivamente se convierte en su papel.
• Monomane (物真似, imitación o mimesis): la intención de un actor de Noh de representar con precisión los movimientos de su papel, a diferencia de las razones puramente estéticas de abstracción o embellecimiento. Monomane a veces se contrasta con yūgen, aunque los dos representan puntos finales de un continuo en lugar de estar completamente separados.
• Kabu-isshin (歌舞一心, "canción-baile-un corazón"): la teoría de que la canción (incluida la poesía) y la danza son dos mitades del mismo todo, y que el actor de Noh se esfuerza por interpretar ambas con total unidad de corazón. y mente

Teatros Noh existentes

Noh todavía se presenta regularmente hoy en día en teatros públicos, así como en teatros privados, en su mayoría ubicados en las principales ciudades. Hay más de 70 teatros Noh en todo Japón, que presentan producciones tanto profesionales como amateurs.

Los teatros públicos incluyen el Teatro Nacional Noh (Tokio), el Teatro Nagoya Noh y el Teatro Osaka Noh. Cada escuela de Noh tiene su propio teatro permanente, como el Teatro Kanze Noh (Tokio), el Teatro Hosho Noh (Tokio), el Teatro Kongo Noh (Kyoto) y el Teatro Nara Komparu Noh (Nara). Además, hay varios teatros de prefecturas y municipios ubicados en todo Japón que presentan compañías profesionales itinerantes y compañías locales de aficionados. En algunas regiones, se han desarrollado Noh regionales únicos como Ogisai Kurokawa Noh para formar escuelas independientes de cinco escuelas tradicionales.

Etiqueta de la audiencia

La etiqueta de la audiencia es generalmente similar al teatro occidental formal: la audiencia observa en silencio. No se utilizan subtítulos, pero algunos miembros de la audiencia siguen el libreto. Debido a que no hay cortinas en el escenario, la actuación comienza cuando los actores entran al escenario y termina cuando salen del escenario. Las luces de la casa generalmente se mantienen encendidas durante las actuaciones, creando una sensación íntima que proporciona una experiencia compartida entre los artistas y el público.

Al final de la obra, los actores salen en fila lentamente (lo más importante primero, con espacios entre los actores), y mientras están en el puente (hashigakari), el público aplaude con moderación. Entre actores, los aplausos cesan y luego comienzan de nuevo cuando el siguiente actor se va. A diferencia del teatro occidental, no se hacen reverencias, ni los actores vuelven al escenario después de haber salido. Una obra puede terminar con el personaje de mierda abandonando el escenario como parte de la historia (como en Kokaji, por ejemplo), en lugar de terminar con todos los personajes en el escenario, en cuyo caso uno aplaude cuando el personaje sale.

Durante el intervalo, se puede servir té, café y wagashi (dulces japoneses) en el vestíbulo. En el período Edo, cuando Noh era un asunto de un día, se servían makunouchi 'bentō (幕 の 内弁当, "fiambrera entre actos") más sustanciales. En ocasiones especiales, cuando termina la actuación, se puede servir お神酒 (o-miki, sake ceremonial) en el vestíbulo a la salida, como ocurre en los rituales sintoístas.

El público está sentado frente al escenario, al lado izquierdo del escenario y en la esquina frontal izquierda del escenario; estos están en orden de deseabilidad decreciente. Si bien el pilar metsuke-bashira obstruye la vista del escenario, los actores se encuentran principalmente en las esquinas, no en el centro, y por lo tanto los dos pasillos están ubicados donde la vista de los dos actores principales se oscurecería, lo que garantiza una vista clara en general, independientemente de asientos