No es país para viejos

No Country for Old Men es una película estadounidense de suspenso policial neo-western de 2007 escrita, dirigida, producida y editada por Joel y Ethan Coen, basada en la novela homónima de Cormac McCarthy de 2005. Protagonizada por Tommy Lee Jones, Javier Bardem y Josh Brolin, la película está ambientada en el paisaje desértico del oeste de Texas de 1980. La película retoma los temas del destino, la conciencia y las circunstancias que los hermanos Coen habían explorado en las películas Blood Simple (1984), Raising Arizona (1987) y Fargo (1996). La película sigue a tres personajes principales: Llewelyn Moss (Brolin), un veterano de la guerra de Vietnam y soldador que se topa con una gran suma de dinero en el desierto; Anton Chigurh (Bardem), un sicario que es enviado a recuperar el dinero; y Ed Tom Bell (Jones), un sheriff que investiga el crimen. La película también está protagonizada por Kelly Macdonald como la esposa de Moss, Carla Jean, y Woody Harrelson como Carson Wells, un cazarrecompensas que busca a Moss y la devolución de los 2 millones de dólares.

No Country for Old Men se estrenó en competición en el Festival de Cine de Cannes de 2007 el 19 de mayo. La película se convirtió en un éxito comercial, recaudando 171 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de 25 millones. Los críticos elogiaron la dirección y el guión de los Coen y la actuación de Bardem, y la película ganó 76 premios de 109 nominaciones de múltiples organizaciones; ganó cuatro premios en la 80.ª edición de los Premios de la Academia (incluido el de Mejor Película), tres Premios de Cine de la Academia Británica (BAFTA) y dos Globos de Oro. El American Film Institute la incluyó en la lista de Película del Año del AFI, y el National Board of Review la seleccionó como la mejor de 2007. Es una de las cuatro únicas películas del género western que han ganado el Premio de la Academia a la Mejor Película (las otras fueron Cimarron en 1931, Dances with Wolves en 1990 y Unforgiven en 1992).

No Country for Old Men fue considerada una de las mejores películas de 2007, y muchos la consideran la mejor película de los hermanos Coen. A diciembre de 2021, varias fuentes la habían reconocido como una de las mejores películas de la década de 2000, y como una de las mejores películas del siglo XXI. The GuardianJohn Patterson, de The Guardian, escribió: "Las habilidades técnicas de los Coen y su sentido del clasicismo western basado en paisajes que recuerda a Anthony Mann y Sam Peckinpah son igualadas por pocos directores vivos", y Peter Travers de Rolling Stone dijo que es "un nuevo pico en la carrera de los hermanos Coen" y "tan entretenida como el infierno". Según un estudio publicado por investigadores de la Universidad Libre de Bruselas, Bélgica, en 2014, en el que se estudiaron 400 películas (1915-2010) y se identificaron 126 personajes psicópatas ficticios (21 mujeres y 105 hombres), Anton Chigurh en “No Country for Old Men” es la representación clínicamente más precisa de un psicópata hasta la fecha.

Trama

En 1980, el asesino a sueldo Anton Chigurh es arrestado en Texas. Escapa estrangulando al ayudante del sheriff y roba un coche matando al conductor con una pistola de perno cautivo. Mientras tanto, Llewelyn Moss está cazando berrendos en el desierto. Se encuentra con las consecuencias de un negocio de drogas que salió mal, y encuentra varios hombres muertos, un mexicano herido pidiendo agua, drogas en un camión y, a gran distancia del tiroteo, otro hombre muerto debajo de un árbol junto a un maletín que contiene 2 millones de dólares en efectivo. Coge el maletín y vuelve a casa. Sintiéndose culpable, regresa con agua esa noche, pero descubre que el hombre ha muerto a causa de sus heridas. Mira hacia la cresta y ve a dos hombres armados que lo persiguen en un camión. Escapa hacia un río y le dispara al perro de los hombres que lo persigue.

Chigurh perdona la vida al dueño de una gasolinera por haber acertado al lanzar una moneda al aire y luego es contratado para recuperar el dinero. Después de regresar a casa, Moss envía a su esposa, Carla Jean, a quedarse con su madre. El sheriff del condado de Terrell, Ed Tom Bell, comienza a investigar el fallido negocio de drogas. Chigurh registra la casa rodante de Moss y usa su pistola de cerrojo para hacer estallar la cerradura de la puerta. Moss toma un taxi hasta un motel en Del Río, donde esconde el maletín en el conducto de aire de su habitación. Siguiendo un dispositivo de rastreo oculto en el maletín, Chigurh va al motel de Moss y mata a un grupo de mexicanos. Moss ha alquilado una segunda habitación adyacente a la de los mexicanos con acceso al conducto donde está escondido el dinero. Recupera el maletín antes de que Chigurh abra el conducto.

Moss se muda a un hotel en la ciudad fronteriza de Eagle Pass y descubre el dispositivo de rastreo, pero Chigurh ya lo ha encontrado. El tiroteo se extiende a las calles, matando a un camionero y hiriendo gravemente a ambos. Moss huye a México y esconde el maletín a lo largo del Río Grande. Una banda norteña lleva a Moss a un hospital. Chigurh limpia y cose sus heridas con suministros robados. Carson Wells, un cazarrecompensas, le ofrece protección a Moss a cambio del dinero, pero él se niega. Chigurh tiende una emboscada a Wells en su hotel. El teléfono suena mientras Wells está negociando por su vida. Chigurh le dispara y atiende la llamada de Moss, prometiendo matar a Carla Jean a menos que Moss le entregue el dinero.

Moss recupera el maletín del Río Grande y queda con Carla Jean en un motel de El Paso, donde planea darle el dinero y esconderla del peligro. Sin saberlo, la madre de Carla Jean revela la ubicación de Moss a un grupo de mexicanos que los siguen. Bell llega al motel de El Paso y descubre que los mexicanos han asesinado a Moss. Carla Jean llega más tarde y estalla en lágrimas cuando Bell se quita el sombrero con tristeza.

Esa noche, Bell regresa a la escena del crimen y observa que la cerradura ha saltado. Bell piensa que Chigurh se esconde, pero cuando Bell entra con vacilación, encuentra la habitación vacía. Más tarde, Bell visita a un hombre llamado Ellis y le dice que planea retirarse porque se siente superado por la violencia reciente. Ellis le cuenta a Bell una historia en la que un agente de la ley, el tío de Ellis, fue asesinado en su porche y dice que la región siempre ha sido violenta.

Carla Jean regresa del funeral de su madre y encuentra a Chigurh esperándola en el dormitorio. Chigurh dice que debe cumplir su promesa, pero le ofrece un lanzamiento de moneda como compromiso. Ella rechaza su oferta de un lanzamiento de moneda a cambio de su vida. Chigurh revisa las suelas de sus botas mientras sale de la casa. Mientras conduce por el vecindario, otro auto choca contra él y le rompe el brazo. Soborna a dos niños para que le den una camisa para usarla como cabestrillo y huye a pie.

Ahora jubilado, Bell comparte dos sueños con su esposa. En el primero, perdió algo de dinero que su padre le había dado. En el otro, mientras cabalgaba por un paso de montaña nevado, su padre pasó a su lado para preparar una fogata.

Reparto

El papel de Llewelyn Moss fue ofrecido originalmente a Heath Ledger, pero él lo rechazó para pasar tiempo con su hija recién nacida Matilda. Garret Dillahunt también estaba en la carrera por el papel de Llewelyn Moss, audicionó cinco veces para el papel, pero en su lugar le ofrecieron el papel de Wendell, el ayudante de Ed Tom Bell. Josh Brolin, que no era la primera opción de los Coen, solicitó la ayuda de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez para hacer un video de audición. Su agente finalmente consiguió una reunión con los Coen y le dieron el papel.

Javier Bardem estuvo a punto de retirarse del papel de Anton Chigurh debido a problemas de agenda. El actor inglés Mark Strong quedó en espera para asumir el papel, pero los problemas de agenda se resolvieron y Bardem aceptó el papel.

Producción

El productor Scott Rudin compró los derechos cinematográficos de la novela de McCarthy y sugirió una adaptación a los hermanos Coen, que en ese momento estaban intentando adaptar la novela To the White Sea de James Dickey. En agosto de 2005, los Coen aceptaron escribir y dirigir la película, habiéndose identificado con la forma en que proporcionaba una sensación de lugar y también con la forma en que jugaba con las convenciones del género. Joel Coen dijo que el enfoque poco convencional del libro "nos resultaba familiar, agradable; nos atrae naturalmente subvertir el género. Nos gustó el hecho de que los malos nunca conocen realmente a los buenos, que McCarthy no cumpliera con las expectativas de la fórmula". Ethan Coen explicó que la "calidad despiadada" era un "sello distintivo del libro, que tiene un paisaje y personajes implacables pero también trata de encontrar algún tipo de belleza sin ser sentimental". Esta adaptación fue la segunda de la obra de McCarthy, después de Todos los caballos bonitos en 2000.

Escritura

El guión de los Coen fue en su mayor parte fiel al material original. Sobre su proceso de escritura, Ethan dijo: "Uno de nosotros escribe en la computadora mientras el otro sostiene el lomo del libro abierto". Aún así, recortaron donde fue necesario. Se eliminaron una adolescente fugitiva que apareció al final del libro y algo de la historia de fondo relacionada con Bell. También cambió con respecto al original la reacción de Carla Jean Moss cuando finalmente se enfrentó a la imponente figura de Chigurh. Como explicó Kelly Macdonald, "el final del libro es diferente. Ella reacciona más de la misma manera que yo. Se desmorona. En la película, ha pasado por mucho y no puede perder más. Es solo que tiene una tranquila aceptación de eso". En el libro, también se presta cierta atención a la hija, Deborah, a quien los Bell perdieron y que atormenta al protagonista en sus pensamientos.

Richard Corliss de Time afirmó que "los hermanos Coen ya habían adaptado obras literarias anteriormente. Miller's Crossing fue una mezcla astuta y no reconocida de dos cuentos de Dashiell Hammett, Red Harvest y The Glass Key; y O Brother Where Art Thou? trasladó la Odisea al sur de Estados Unidos en los años 30. Pero No Country for Old Men es su primera película basada, de manera bastante directa, en una novela estadounidense de primera línea".

El guión también se destaca por su uso mínimo de diálogos. Josh Brolin habló sobre su nerviosismo inicial por tener tan poco diálogo con el que trabajar:

Quiero decir que fue un miedo, seguro, porque el diálogo, eso es lo que descansas como actor, ¿sabes?... Drama y todo eso es todo el diálogo motivado. Tienes que encontrar diferentes formas de transmitir ideas. No quieres exagerar porque el miedo es que vas a ser aburrido si no pasa nada. Empiezas a hacer esto y esto y te quitas el sombrero y lo pones de nuevo o alguna mierda que no necesita estar allí. Así que sí, tenía miedo de eso al principio.

Peter Travers de la revista Rolling Stone elogió la adaptación de la novela. "Desde que Robert Altman se fusionó con los cuentos de Raymond Carver en Short Cuts, nunca se había producido una fusión entre cineastas y autores con un impacto tan devastador como la de los hermanos Coen y McCarthy. El bien y el mal se abordan con una precisión rigurosa, teniendo en cuenta la complejidad que ello implica".

El director Joel Coen expresó su interés por la novela de McCarthy. "Hay algo en ella, había ecos de ella en No Country for Old Men que nos resultó muy interesante", dijo, "porque era la idea del trabajo físico que alguien hace lo que ayuda a revelar quién es y es parte de la fibra de la historia. Porque solo veías a esta persona en esta película haciendo cosas para sobrevivir y emprender este viaje, y el hecho de que te remontáramos a eso, en lugar de a cualquier diálogo, nos resultó interesante".

Coen afirmó que esta es la "primera adaptación" de los hermanos. Explicó además por qué eligieron la novela: "¿Por qué no empezar con Cormac? ¿Por qué no empezar con lo mejor?". Además describió este libro de McCarthy en particular como "a diferencia de sus otras novelas... es mucho más pulposo". Coen afirmó que no han cambiado mucho en la adaptación. "Realmente es solo compresión", dijo. "No creamos nuevas situaciones". Además, aseguró que él y su hermano Ethan nunca habían conocido a McCarthy cuando estaban escribiendo el guion, sino que lo conocieron por primera vez durante el rodaje de la película. Creía que al autor le gustaba la película, mientras que su hermano Ethan dijo: "no nos gritó". En realidad estábamos sentados en una sala de cine/proyección con él cuando lo vio... y lo oí reírse un par de veces, así que lo tomé como un sello de aprobación, no sé, tal vez con presunción."

Título

El título está tomado de la primera línea del poema "Navegando hacia Bizancio" del poeta irlandés del siglo XX William Butler Yeats:

No es un país para los viejos. Los jóvenes
En los brazos del otro, aves en los árboles
– Esas generaciones moribundas – en su canción,
Las caídas de salmón, los mares de caballa,
Pescado, carne o aves, elogia todo el verano
Lo que sea engendrado, nacido, y muere.
Atrapado en esa música sensual todo descuidado
Monumentos de intelecto inagotable.

Richard Gilmore relaciona el poema de Yeats con la película Coins, diciendo:

El lamento que se puede escuchar en estas líneas ya no pertenece al país de los jóvenes. También es un lamento por la manera en que los jóvenes descuidan la sabiduría del pasado y, presumiblemente, de los viejos... Yeats elige Bizancio porque fue una gran ciudad cristiana temprana en la que la Academia de Platón, por un tiempo, todavía se permitió funcionar. El período histórico de Bizancio fue un tiempo de culminación que también fue un tiempo de transición. En su libro de escritos místicos, Una visiónYeats dice: "Creo que a principios de Bizancio, tal vez nunca antes o desde la historia grabada, la vida religiosa, estética y práctica era una, ese arquitecto y artífice... habló con la multitud y los pocos por igual". La idea de un equilibrio y una coherencia en la vida religiosa, estética y práctica de una sociedad es el ideal de Yeats... Es un ideal raramente realizado en este mundo y tal vez ni siquiera en el antiguo bizancio. Ciertamente dentro del contexto de la película No País para Hombres Viejos, uno tiene el sentido, especialmente de Bell como el cronista de los tiempos, que las cosas están fuera de alineación, que el equilibrio y la armonía se han ido de la tierra y del pueblo.

Diferencias con la novela

Craig Kennedy añade que "una diferencia clave es el enfoque. La novela pertenece al sheriff Bell. Cada capítulo comienza con la narración de Bell, que encaja y contrasta con la acción de la historia principal. Aunque la película comienza con Bell hablando, gran parte de lo que dice en el libro está condensado y aparece en otras formas. Además, Bell tiene una historia de fondo completa en el libro que no aparece en la película. El resultado es una película temáticamente más simplificada, pero que da a más personajes la oportunidad de brillar".

Jay Ellis profundiza en el encuentro de Chigurh con el hombre detrás del mostrador de la gasolinera. "Cuando McCarthy nos da la pregunta de Chigurh como, "¿Cuánto es lo máximo que has visto perder en una tirada de moneda?", dice, "la película omite la palabra 'vio', pero los Coen, por supuesto, tienden a lo visual. Donde el libro describe el entorno como 'casi oscuro', la película describe claramente el mediodía: no se notan sombras en la toma inicial de la gasolinera, y la luz del sol es brillante incluso detrás de una capa de nubes. La luz a través de dos ventanas y una puerta llega uniformemente a través de tres paredes en las tomas interiores. Pero esta diferencia aumenta nuestra sensación de desesperación del hombre más tarde, cuando afirma que necesita cerrar y cierra cuando está 'casi anocheciendo'. Es más oscuro, por así decirlo, en la cueva de la ignorancia de este hombre que afuera, en la brillante luz de la verdad."

Filmación

El proyecto fue una coproducción entre Miramax Films y la división de clásicos de Paramount en una sociedad 50/50, y la producción estaba programada para mayo de 2006 en Nuevo México y Texas. Con un presupuesto total de 25 millones de dólares (al menos la mitad gastados en Nuevo México), la producción estaba programada para las ciudades de Nuevo México de Santa Fe, Albuquerque y Las Vegas (que también eran las ciudades fronterizas de Eagle Pass y Del Río, Texas), con otras escenas filmadas alrededor de las ciudades de Sanderson y Marfa, en el oeste de Texas.

Por coincidencia, la película de Paul Thomas Anderson, There Will Be Blood (Poco a poco), que compitió con No Country For Old Men (Sin lugar para los débiles) en los Premios de la Academia, se estaba filmando en Marfa al mismo tiempo. Los hermanos Coen se vieron obligados a cancelar un día entero de filmación de No Country For Old Men (Sin lugar para los débiles) cuando los preparativos para la escena de la torre de perforación de petróleo en There Will Be Blood (Poco a poco), cerca de allí, produjeron suficiente humo como para arruinar todas las escenas posibles.

El puente fronterizo entre Estados Unidos y México era en realidad un paso elevado de la autopista de Las Vegas, con un puesto de control fronterizo construido en la intersección de la Interestatal 25 y la carretera estatal 65 de Nuevo México. La plaza del pueblo mexicano se filmó en Piedras Negras, Coahuila.

Antes de empezar a rodar, el director de fotografía Roger Deakins se dio cuenta de que "el gran reto" de su novena colaboración con los hermanos Coen era "hacerlo muy realista, para que coincidiera con la historia... Me lo imagino muy atrevido y oscuro, y bastante sobrio. No tan estilizado".

"Todo está preparado antes de empezar a rodar", dijo Deakins en Entertainment Weekly. "En No Country, hay quizás sólo una docena de tomas que no están en la película final. Es ese el orden de planificación. Y sólo rodamos 250.000 pies, mientras que la mayoría de producciones de ese tamaño pueden rodar 700.000 o un millón de pies de película. Es bastante preciso, la forma en que abordan todo... Nunca usamos un zoom", dijo. "Ni siquiera llevo un objetivo zoom conmigo, a menos que sea para algo muy específico". La famosa escena del lanzamiento de una moneda entre Chigurh y el viejo empleado de la gasolinera es un buen ejemplo; la cámara avanza tan lentamente que el público ni siquiera se da cuenta del movimiento. "Cuando la cámara se mueve hacia delante, el público también se mueve. De hecho, te estás acercando a alguien o a algo. Para mí, tiene un efecto mucho más potente, porque es un movimiento tridimensional. Un zoom es más como un enfoque de la atención. Simplemente estás parado en el mismo lugar y te concentras en un elemento más pequeño del encuadre. Emocionalmente, es un efecto muy diferente".

En una entrevista posterior, mencionó el "dilema incómodo de que "No Country" ciertamente contiene escenas de violencia ficticia escenificadas de manera muy realista, pero... sin esta representación violenta del mal no habría habido una 'recompensa' emocional al final de la película cuando Ed Tom lamenta el hecho de que Dios no ha entrado en su vida."

Dirección

En una entrevista con The Guardian, Ethan dijo: "Los hombres duros del suroeste disparándose entre sí, eso es definitivamente lo que hace Sam Peckinpah. Éramos conscientes de esas similitudes, sin duda". Hablan sobre la coreografía y la dirección de las escenas violentas de la película en el Sydney Morning Herald: "Es muy divertido hacer esas cosas", comentan los hermanos cuando se menciona su afición por el derramamiento de sangre. "Incluso Javier llegaba al final de la película, se frotaba las manos y decía: 'Bueno, ¿a quién voy a matar hoy?'", añade Joel. "Es divertido averiguarlo", dice Ethan. "Es divertido descubrir cómo coreografiarlo, cómo filmarlo, cómo atraer al público que lo mira".

El director Joel Coen describió el proceso de realización de una película: "Casi puedo poner en hora mi reloj en función de cómo me voy a sentir en las diferentes etapas del proceso. Siempre es idéntico, tanto si la película acaba funcionando como si no. Creo que cuando ves los diarios, la película que rueda cada día, estás muy emocionado y muy optimista sobre cómo va a funcionar. Y cuando la ves la primera vez que montas la película, el corte más preliminar, es cuando quieres ir a casa, abrirte las venas, meterte en una bañera caliente y marcharte. Y luego, poco a poco, tal vez, vuelve a abrirse camino, a algún lugar en el que estabas antes".

David Denby, de The New Yorker, criticó la forma en que los Coen "eliminaron" a Llewelyn Moss. "A pesar de su fidelidad al libro", dijo, "no se les puede perdonar que se deshicieran de Llewelyn de manera tan despreocupada. Después de ver a este tipo temerario pero físicamente dotado y decente escapar de tantas trampas, tenemos mucho que ver con él emocionalmente, y sin embargo es eliminado, fuera de cámara, por unos mexicanos desconocidos. No tiene la dignidad de una escena de muerte. Los Coen han suprimido su jovialidad natural. Se han convertido en maestros ordenados y disciplinados del caos, pero uno todavía tiene la sensación de que, ahí afuera, en el camino de ninguna parte a ninguna parte, están a favor de él en lugar de en contra de él".

Josh Brolin habló sobre el estilo de dirección de los hermanos Coen en una entrevista, diciendo que los hermanos "sólo dicen lo que hay que decir. No se sientan como directores y te manipulan y van página tras página para intentar llevarte a un lugar determinado. Pueden venir y decir una palabra o dos, así que fue agradable estar cerca para alimentar la otra cosa. '¿Qué debería hacer ahora? Simplemente veré a Ethan tarareando y caminando de un lado a otro. Tal vez eso es lo que debería hacer yo también".'"

En una entrevista con Logan Hill de la revista New York, Brolin dijo: "Nos divertimos mucho haciéndolo. Tal vez fue porque ambos [Brolin y Javier Bardem] pensamos que nos despedirían. Con los Coen, no hay ningún cumplido, realmente nada. No hay 'buen trabajo'. Nada. Y luego... estoy haciendo esta escena con Woody Harrelson. Woody no puede recordar sus líneas, se traba mientras las dice, y entonces ambos Coen dicen: '¡Oh, Dios mío! ¡Fantástico!'"

David Gritten, de The Daily Telegraph, se pregunta: "¿Están finalmente creciendo los Coen?". Y añade: "Si [la película] parece pesimista, Joel insiste en que no es responsabilidad de los Coen: "No creo que la película sea más o menos pesimista que la novela. Intentamos darle la misma sensación". Sin embargo, los hermanos admiten que es una pieza oscura de narración. "Es refrescante para nosotros hacer diferentes tipos de cosas", dice Ethan, "y acabábamos de hacer un par de comedias".

Partitura musical y sonido

Los Coen redujeron al mínimo la banda sonora utilizada en la película, dejando grandes secciones sin música. La idea fue de Ethan, quien convenció a un escéptico Joel para que aceptara la idea. Hay algo de música en la película, compuesta por el compositor de larga data de los Coen, Carter Burwell, pero después de descubrir que "la mayoría de los instrumentos musicales no encajaban con la escultura de sonido minimalista que tenía en mente... utilizó cuencos cantores, campanas de metal que se utilizan tradicionalmente en la práctica de la meditación budista y que producen un tono sostenido cuando se frotan". La película contiene "apenas" 16 minutos de música, y varios de ellos aparecen en los créditos finales. La música del tráiler se titulaba "Diabolic Clockwork" de Two Steps from Hell. La edición de sonido y los efectos estuvieron a cargo de otro colaborador de larga data de los Coen, Skip Lievsay, quien utilizó una mezcla de sonidos enfáticos (disparos) y ruido ambiental (ruido de motor, vientos de la pradera). El sonido de la pistola de perno cautivo utilizada por Chigurh se creó utilizando una pistola de clavos neumática.

Anthony Lane, de The New Yorker, afirma que "apenas hay música, sensual o de otro tipo, y la banda sonora de Carter Burwell es poco más que un murmullo intermitente", y Douglas McFarland afirma que "tal vez la característica formal más destacada [de la película] sea la ausencia, con una excepción reveladora, de una banda sonora musical, creando un estado de ánimo propicio para la especulación reflexiva y sin adornos en lo que, de otro modo, es un paisaje feroz y destructivo". Jay Ellis, sin embargo, no está de acuerdo. "[McFarland] pasó por alto el extremadamente tranquilo pero audible desvanecimiento de unos pocos tonos de un teclado que comienza cuando Chigurh lanza la moneda para el hombre de la gasolinera", dijo. "Esta música ambiental (del colaborador de los Coen desde hace mucho tiempo, Carter Burwell) aumenta imperceptiblemente en volumen, por lo que es fácil pasarla por alto como un elemento de la puesta en escena. Pero está ahí, diciéndole a nuestro inconsciente que algo diferente está ocurriendo con el lanzamiento; esto se vuelve seguro cuando termina cuando Chigurh descubre la moneda en el mostrador. El peligro más profundo ha pasado tan pronto como Chigurh encuentra (y la actuación de Javier Bardem lo confirma) y le revela al hombre que ha ganado. Para lograr tal efecto de sonido, Burwell "sintonizó el zumbido creciente de la música a la frecuencia de 60 hercios de un refrigerador".

Dennis Lim, de The New York Times, destacó que "prácticamente no hay música en la banda sonora de este thriller tenso y metódico. Los pasajes largos no tienen palabras. En algunas de las secuencias más apasionantes, lo que se oye sobre todo es un silencio sofocante". Skip Lievsay, el editor de sonido de la película, calificó este enfoque como "un experimento bastante notable" y añadió que "los thrillers de suspenso en Hollywood se hacen tradicionalmente casi en su totalidad con música. La idea aquí era eliminar la red de seguridad que permite al público sentir que sabe lo que va a pasar. Creo que hace que la película sea mucho más llena de suspenso. No te guía la banda sonora y, por lo tanto, pierdes esa zona de confort".

James Roman observa el efecto del sonido en la escena en la que Chigurh se detiene en la parada de servicio de Texaco para cargar combustible. "[La] escena evoca una representación inquietante de la inocencia que se enfrenta al mal", dice, "con imágenes sutiles ricamente matizadas por el sonido. Cuando la escena comienza en un plano general, la pantalla se llena con la ubicación remota de la parada de servicio con el sonido del cartel de Texaco que chirría suavemente con una brisa suave. El sonido y la imagen de un envoltorio de anacardo arrugado arrojado sobre el mostrador se suman a la tensión a medida que el papel se retuerce y gira. La intimidad y el horror potencial que sugiere nunca se elevan a un nivel de drama kitsch a medida que la tensión aumenta a partir de la mera sensación de tranquilidad y fatalidad que prevalece".

Jeffrey Overstreet añade que "las escenas en las que Chigurh acecha a Moss son tan llenas de suspense como cualquier otra que los hermanos Coen hayan representado jamás. Y eso tiene tanto que ver con lo que oímos como con lo que vemos. No Country for Old Men carece de una banda sonora tradicional, pero no digan que no tiene música. El bip-bip-bip de un transpondedor resulta tan aterrador como el famoso tema de Tiburón. El sonido de los pasos en los suelos de madera de un pasillo de hotel es tan siniestro como los tambores de guerra. Cuando el cuero de un maletín chirría contra el metal de un conducto de ventilación, te encoges, y el eco lejano de un teléfono sonando en el vestíbulo de un hotel te pone los nervios de punta".

Estilo

Si bien No Country for Old Men es una adaptación "obstinadamente fiel" de la novela de McCarthy de 2005 y sus temas, la película también retoma temas que los Coen habían explorado en sus películas anteriores Blood Simple y Fargo. Las tres películas comparten temas comunes, como el pesimismo y el nihilismo. Los motivos de la novela de azar, libre albedrío y predestinación son un territorio familiar para los hermanos Coen, quienes presentaron hilos y tapices similares de "destino [y] circunstancias" en obras anteriores, incluida Raising Arizona, que presentaba a otro asesino a sueldo, aunque con un tono menos serio. Numerosos críticos citaron la importancia del azar tanto para la novela como para la película, centrándose en el lanzamiento de moneda que decide el destino de Chigurh, pero señalaron que la naturaleza del medio cinematográfico dificultaba la inclusión de las "cualidades autorreflexivas de la novela de McCarthy".

Aun así, los hermanos Coen abren la película con una narración en off de Tommy Lee Jones (que interpreta al sheriff Ed Tom Bell) ambientada en el árido paisaje rural de Texas donde vive. Sus reflexiones sobre un adolescente al que envió a la silla eléctrica explican que, aunque los periódicos describieron el asesinato de su novia de 14 años por parte del chico como un crimen pasional, "me dijo que no había nada pasional en ello. Dijo que había estado dispuesto a matar a alguien desde que tenía memoria. Dijo que si lo dejaba salir de allí, mataría a alguien otra vez. Dijo que iría al infierno. "Estaré allí en unos 15 minutos". El crítico del Chicago Sun-Times Roger Ebert elogió la narración. "Estas palabras me sonaron textuales de No Country for Old Men, la novela de Cormac McCarthy", dijo. "Pero encuentro que no es así del todo. Y su impacto ha sido mejorado en la interpretación. Cuando reciba el DVD de esta película, escucharé ese fragmento de narración varias veces; Jones lo dice con una precisión vocal y una emoción contenida que es extraordinaria, y establece toda la película".

En The Village Voice, Scott Foundas escribe que "al igual que McCarthy, los Coen están mucho menos interesados en quién (si es que alguien) se sale con la suya con el botín que en las fuerzas primarias que impulsan a los personajes a seguir adelante... Al final, todos en No Country for Old Men son cazadores y perseguidos, miembros de una especie en peligro de extinción que intenta prevenir su extinción". Roger Ebert escribe que "la película demuestra lo lastimosos que son los sentimientos humanos comunes frente a una injusticia implacable".

El crítico del New York Times A. O. Scott observa que Chigurh, Moss y Bell "ocupan la pantalla uno a la vez, casi nunca aparecen juntos en el cuadro, aunque sus destinos se entrelazan cada vez más íntimamente".

El crítico de Variety, Todd McCarthy, describe el modus operandi de Chigurh: "La muerte camina de la mano con Chigurh dondequiera que vaya, a menos que decida lo contrario... [S]i todo lo que has hecho en tu vida te ha llevado hasta él, puede que les explique a sus futuras víctimas, que tu momento acaba de llegar. "No tienes que hacer esto", insisten invariablemente los inocentes a un hombre cuyo código asesino dicta lo contrario. Ocasionalmente, sin embargo, permitirá que alguien decida su propio destino mediante el lanzamiento de una moneda, en particular en una tensa escena inicial en una vieja estación de servicio jaspeada de humor nervioso".

Jim Emerson describe cómo los Coen presentaron a Chigurh en una de las primeras escenas, cuando estrangula al agente que lo arrestó: "Un asesino se alza: nuestra primera visión borrosa del rostro de Chigurh... Mientras avanza, en foco, para realizar su primer asesinato, todavía no lo vemos bien porque su cabeza se eleva por encima de la parte superior del marco. Su víctima, el agente, nunca ve lo que viene, y Chigurh, escalofriantemente, ni siquiera se molesta en mirarle la cara mientras lo estrangula".

El crítico Peter Bradshaw de The Guardian afirmó que "el sabor a comedia seria y sabrosa del estilo cinematográfico de los Coen está claramente presente, al igual que su predilección por la rareza de los hoteles y moteles". Pero agregó que "han encontrado algo que ha acentuado y profundizado su identidad como cineastas: un verdadero sentido de seriedad, una sensación de que su estilo americano poco convencional y sus contorsiones cómicas horripilantes y surrealistas realmente pueden ser más que la suma de sus partes".

Geoff Andrew, de Time Out London, dijo que los hermanos Coen "encuentran un equivalente cinematográfico al lenguaje de McCarthy: sus elipses narrativas, su juego con el punto de vista y sus preocupaciones estructurales, como la exploración de las similitudes y diferencias entre Moss, Chigurh y Bell. Algunas secuencias virtuosas parecen casi abstractas en su enfoque en objetos, sonidos, luz, color o ángulo de cámara en lugar de en la presencia humana... A pesar de su maravilloso humor inexpresivo, este es uno de sus trabajos más oscuros".

Arne De Boever cree que hay una "estrecha afinidad, e incluso intimidad, entre el sheriff y Chigurh en No Country for Old Men" [que se desarrolla] en varias escenas. Para empezar, está la voz del sheriff al principio de la película, que acompaña las imágenes del arresto de Chigurh. Este entrelazamiento inicial de las figuras de Chigurh y el sheriff se desarrolla más adelante en la película, cuando el sheriff visita la casa rodante de Llewelyn Moss en busca de Moss y su esposa, Carla Jean. Chigurh había visitado la casa rodante solo unos minutos antes, y los hermanos Coen hacen que el sheriff se siente en el mismo lugar exacto en el que Chigurh había estado sentado (que es casi exactamente el mismo lugar en el que, la noche anterior, Moss se reunió con su esposa en el sofá). Al igual que Chigurh, el sheriff se ve reflejado en el vidrio oscuro de la casa rodante de Moss. La televisión muestra imágenes especulares que se superponen perfectamente si se superponen estas dos tomas. Cuando el sheriff se sirve un vaso de leche de la botella que se encuentra sudando sobre la mesa de la sala de estar (una señal de que el sheriff y su colega, el ayudante Wendell (Garret Dillahunt), se quedaron a las puertas de su hombre), esta duplicación de imágenes va más allá del nivel de reflexión y Chigurh entra en la constitución del sheriff, socavando así aún más cualquier oposición fácil entre Chigurh y el sheriff y, en cambio, exponiendo una cierta afinidad, intimidad o similitud incluso entre ambos."

Violencia representada

En una entrevista con Charlie Rose, el codirector Joel Coen reconoció que "hay mucha violencia en el libro" y consideró que la violencia representada en la película es "muy importante para la historia". Añadió además que "no podíamos concebirlo, como si le restáramos importancia a eso en la película y realmente hiciéramos algo parecido al libro... se trata de un personaje que se enfrenta a un mundo muy arbitrario, violento y brutal, y hay que verlo".

El crítico de Los Angeles Times, Kenneth Turan, comentó sobre la violencia representada en la película: "Los hermanos Coen se quitaron la máscara. Ya habían puesto violencia en la pantalla antes, mucha, pero no como esto. Nada como esto. No Country for Old Men no celebra ni se ríe de la violencia; se desespera ante ella". Sin embargo, Turan explicó que "nadie debería ver No Country for Old Men subestimando la intensidad de su violencia. Pero también está claro que los hermanos Coen y McCarthy no están interesados en la violencia por sí misma, sino por lo que dice sobre el mundo en el que vivimos... Al comienzo de la película, un agente confiado dice: "Lo tengo bajo control", y en unos momentos está muerto. No tenía ni de lejos el dominio que imaginaba. Y en esta visión desesperanzada, nadie más lo tiene".

El crítico de la NPR Bob Mondello añade que "a pesar de trabajar con una trama sobre una malicia implacable, los hermanos Coen nunca se exceden. Incluso se podría decir que conocen el valor de la sutileza: en un momento provocan escalofríos simplemente haciendo que un personaje se controle las suelas de las botas al salir de una puerta a la luz del sol. Para entonces, la sangre se ha acumulado con tanta frecuencia en No Country for Old Men que no es necesario mostrar lo que está comprobando".

La crítica Stephanie Zacharek de Salon afirma que "esta adaptación de la novela de Cormac McCarthy toca temas brutales, pero nunca se ensucia las manos. La violencia de la película no es sensacionalista ni visceral, el tipo de violencia que golpea como un puño; es brutal y bastante implacable, pero aún así hay varias capas de distancia cómoda entre ella y nosotros. En un momento dado, un personaje levanta su bota de vaquero, delicadamente, para que no se estropee con el charco de sangre que se acumula a sus pies... Los Coen han utilizado a menudo la violencia cruel para demostrar sus puntos de vista -no es nada nuevo-, pero poner esa violencia al servicio de temas supuestamente profundos no es lo mismo que ensuciarse las manos de verdad. No Country for Old Men parece menos una película que respira y piensa que un ejercicio. Esto puede deberse en parte a que es una adaptación de un libro de un autor contemporáneo del que se habla habitualmente en un tono susurrante, respetuoso y con el sombrero en la mano, como si fuera una maestra de escuela que finalmente hubiera traído algo de sentido y orden a una ciudad sin ley."

Ryan P. Doom explica cómo la violencia se va degradando a medida que avanza la película. "El salvajismo de la violencia estadounidense", dice, "comienza con la introducción de Chigurh: un rápido doble golpe de estrangulamiento y una pistola sangrienta para ganado. El estrangulamiento en particular demuestra el nivel de capacidad de los Coen para crear una carnicería realista, para permitir que el público comprenda el horror que produce la violencia... Chigurh mata a un total de 12 personas (posiblemente más) y, curiosamente, la violencia se degrada a medida que avanza la película. Durante la primera mitad de la película, los Coen nunca se avergüenzan de desatar a Chigurh... La degradación de la violencia comienza con el tiroteo de Chigurh con Moss en el motel. Aparte del dueño del camión, que recibe un disparo en la cabeza después de que Moss le haga señas para que se detenga, tanto el empleado del motel como la muerte de Wells ocurren fuera de la pantalla. La muerte de Wells, en particular, demuestra que el asesinato no significa nada. Con una calma que supera toda comodidad, la cámara se aleja cuando Chigurh le dispara a Wells con una escopeta con silenciador mientras suena el teléfono. Él responde. Es Moss, y mientras hablan, la sangre rezuma por la habitación hacia los pies de Chigurh. Sin moverse, coloca los pies sobre la cama y continúa la conversación mientras la sangre continúa esparciéndose por el suelo. Para cuando cumple su promesa de visitar a Carla Jean, la resolución y la violencia parecen incompletas. Aunque no se nos muestra la muerte de Carla Jean, cuando Chigurh sale y revisa la parte inferior de sus calcetines [botas] en busca de sangre, es una clara indicación de que su tipo de violencia ha atacado de nuevo."

Similitudes con películas anteriores de los hermanos Coen

Richard Gillmore afirma que "la película anterior de los hermanos Coen que tiene más en común con No País para Hombres Viejos es, de hecho, Fargo (1996). In Fargo hay un jefe de policía más viejo, más sabio, Marge Gunderson (Francia McDormand) al igual que en No País para Hombres Viejos. En ambas películas, un agente de la policía local se enfrenta a algunos horribles asesinatos cometidos por hombres que no son de su ciudad. En ambas películas, la codicia está detrás de las tramas. Ambas películas cuentan como un personaje central un asesino de sangre fría que no parece muy humano y a quien el oficial de policía busca aprehender".

Joel Coen parece estar de acuerdo. En una entrevista con David Gritten de The Daily Telegraph, Gritten afirma que "en general [la película] parece pertenecer a una categoría enrarecida de películas de los Coen ocupada sólo por Fargo (1996), que... es también una historia policial con un sheriff decente de un pequeño pueblo como personaje central". Joel suspira. "Lo sé. Hay paralelismos". Sacude la cabeza. "Estas cosas realmente deberían parecernos obvias". Además, Ethan Coen afirma que "no somos conscientes de ello, [y] en la medida en que lo somos, tratamos de evitarlo. La similitud con Fargo se nos ocurrió, no es que fuera algo bueno o malo. Eso es lo único que me viene a la mente que recuerda a nuestras propias películas, [y] es por accidente".

Richard Corliss, de la revista Time, añade que "también aparece Tommy Lee Jones interpretando a un policía tan justo como Marge en Fargo", mientras que Paul Arendt, de la BBC, afirmó que la película traslada "el nihilismo desesperado y el humor negro como el alquitrán de Fargo a las áridas llanuras de Sangre fácil".

Algunos críticos también han identificado similitudes entre No Country for Old Men y la película anterior de los Coen, Raising Arizona, en concreto, los puntos en común que comparten Anton Chigurh y su compañero cazarrecompensas Leonard Smalls.

Género

Aunque Paul Arendt, de la BBC, considera que "No Country... puede disfrutarse como un thriller de género directo con "secuencias de suspense... que rivalizan con las mejores de Hitchcock", en otros aspectos la película puede describirse como un western, y la cuestión sigue sin resolverse. Para Richard Gillmore, "es y no es un western. Se desarrolla en el Oeste y sus protagonistas principales son lo que podríamos llamar occidentales. Por otro lado, la trama gira en torno a un negocio de drogas que ha salido mal; implica vehículos con tracción en las cuatro ruedas, armas semiautomáticas y ejecutivos en edificios de gran altura, nada de lo cual parecería pertenecer a un western".

William J. Devlin matiza el argumento al calificar la película de "neowestern", y la distingue del western clásico por la forma en que "demuestra una decadencia del ideal occidental tradicional... El marco moral del Oeste... que contenía... héroes inocentes y honestos que luchaban por lo que es correcto, se está desvaneciendo. Los villanos, o los criminales, actúan de tal manera que el héroe tradicional no puede entender su comportamiento criminal".

Deborah Biancott ve un "western gótico..., una lucha por y con Dios, un examen de una humanidad atormentada por su pasado y condenada a los horrores de su futuro... [E]s una historia de maldad impenitente, el malvado aterrador pero convincente que vive según un código moral irreconocible y extraño. El vagabundo, el psicópata, Anton Chigurh, es un hombre que es sobrenaturalmente invencible".

Incluso los directores han opinado. Joel Coen encontró la película "interesante en el sentido del género, pero también nos resultó interesante porque subvierte las expectativas del género". No consideró que la película fuera un western porque "cuando pensamos en westerns pensamos en caballos y revólveres, salones y postes de amarre". Pero el codirector Ethan dijo que la película "es una especie de western", antes de añadir "y en cierto modo no lo es".

Gillmore, sin embargo, piensa que se trata de "una mezcla de los dos grandes géneros cinematográficos estadounidenses, el western y el cine negro", que "reflejan las dos caras de la psique estadounidense. Por un lado, está el western en el que el actor se enfrenta a unas probabilidades abrumadoras, pero entre su perseverancia y su habilidad, supera las probabilidades y triunfa... En el cine negro, por otro lado, el héroe es inteligente (más o menos) y astuto y hay muchos obstáculos que superar, las probabilidades están en su contra y, de hecho, no logra superarlas... Este género refleja el pesimismo y el fatalismo de la psique estadounidense. Con No Country for Old Men, los hermanos Coen combinan estos dos géneros en una sola película. Es un western con un final trágico, existencial y de cine negro".

Temas y análisis

Uno de los temas de la historia es la tensión entre el destino y la autodeterminación. Según Richard Gillmore, los personajes principales se debaten entre una sensación de inevitabilidad, "que el mundo sigue su propio camino y que no tiene mucho que ver con los deseos y preocupaciones humanos", y la noción de que nuestro futuro está inextricablemente conectado con nuestras propias acciones pasadas. Enda McCaffrey describe a un personaje que se niega a reconocer su propia voluntad, señalando que Anton Chigurh (Javier Bardem) ignora los repetidos recordatorios de que no tiene por qué comportarse como lo hace y sugiriendo que al relegar las vidas de Carla y el empleado de la gasolinera a una moneda al aire, entrega la "responsabilidad" al "destino" en un acto de mala fe que le impide hacerse responsable de sus propias decisiones éticas."

No sólo cambia el comportamiento, sino también la posición. Uno de los temas que se desarrollan en la historia es el cambio de identidad del cazador y la presa. Scott Foundas destaca que todos los personajes de la película desempeñan ambos papeles, mientras que Judie Newman se centra en los momentos de transición, cuando el cazador Llewelyn Moss y el investigador Wells se convierten en objetivos.

La historia contrasta las antiguas narrativas del "Salvaje Oeste" con los crímenes modernos, sugiriendo que los héroes de antaño pueden, en el mejor de los casos, tener la esperanza de escapar del mal en lugar de triunfar sobre él. William J. Devlin explora la narrativa del sheriff Ed Tom Bell, un héroe del Oeste que envejece, símbolo de una tradición más antigua, que no sirve a un "Salvaje Oeste" despoblado, sino a un paisaje evolucionado con nuevas razas de crimen que lo desconciertan. William Luhr se centra en la perspectiva del agente de la ley retirado interpretado por Tommy Lee Jones al principio de la película, que se está retirando de un mal que no puede comprender ni abordar, lo que refleja la cosmovisión milenarista de la película sin "ninguna esperanza de un futuro viable, solo la remota posibilidad de un desapego individual de todo".

Liberación

Estreno en cines y taquilla

No Country for Old Men se estrenó en competición en el Festival de Cine de Cannes de 2007 el 19 de mayo. Stephen Robb, de la BBC, cubrió el estreno de la película en Cannes. "Aunque todavía no hay indicios de un clásico indiscutible en competición en esta 60ª edición de Cannes", dijo, "No Country for Old Men puede haber surgido como favorita para el trofeo que Joel y Ethan Coen recogieron por Barton Fink en 1991. "Somos muy afortunados de que nuestras películas hayan encontrado un hogar aquí", dice Joel. "Desde el punto de vista de hacer llegar las películas a un público, esta siempre ha sido una plataforma muy agradable". Se estrenó comercialmente en un estreno limitado en 28 cines de Estados Unidos el 9 de noviembre de 2007, recaudando 1.226.333 dólares durante el fin de semana de estreno, y se estrenó en el Reino Unido (estreno limitado) e Irlanda el 18 de enero de 2008. Se convirtió en el mayor éxito de taquilla de los hermanos Coen hasta la fecha, recaudando más de 171 millones de dólares en todo el mundo, hasta que fue superada por True Grit en 2010.

La recepción de la primera proyección de prensa de la película en Cannes fue positiva. El jurado de críticos de Screen International, reunido para su publicación diaria en Cannes, le dio a la película tres o cuatro puntos sobre cuatro. La crítica de la revista decía que la película no alcanzaba "la grandeza que a veces parece estar a su alcance". Pero añadía que la película "tenía la garantía de atraer a un público saludable en base a la trayectoria de los implicados, el respeto por la novela y el apoyo de la crítica".

La película se estrenó comercialmente en un estreno limitado en 28 cines en los Estados Unidos el 9 de noviembre de 2007, recaudando $ 1,226,333 durante el fin de semana de estreno. La película se expandió a un estreno general en 860 cines en los Estados Unidos el 21 de noviembre de 2007, recaudando $ 7,776,773 durante el primer fin de semana. La película posteriormente aumentó el número de cines a 2,037. Fue la quinta película más alta en la taquilla de los EE. UU. en el fin de semana que finalizó el 16 de diciembre de 2007. La película se estrenó en Australia el 26 de diciembre de 2007 y en el Reino Unido (estreno limitado) e Irlanda el 18 de enero de 2008. Al 13 de febrero de 2009, la película había recaudado $ 74,283,000 en el país (Estados Unidos). No Country for Old Men se convirtió en el mayor éxito de taquilla de los Coen hasta la fecha, hasta que fue superado por True Grit en 2010.

No Country for Old Men es la tercera ganadora del Oscar con menor recaudación, superando sólo a Crash (2005) y The Hurt Locker (2009). "El balance final fue de 74 millones de dólares en recaudación" a nivel nacional. Miramax empleó su típica estrategia de "estreno gradual": se "estrenó en noviembre,... inicialmente tuvo un estreno limitado,... y... se benefició de la nominación y la victoria, con ingresos brutos de fin de semana que aumentaron después de cada uno." Por el contrario, la ganadora del año anterior, The Departed fue una "ganadora del premio a la Mejor Película con la tabla de series de tiempo que es típica de los éxitos de taquilla de Hollywood: un gran fin de semana de estreno seguido de un declive constante."

Medios domésticos

Buena Vista Home Entertainment lanzó la película en formato DVD y Blu-ray de alta definición el 11 de marzo de 2008 en los Estados Unidos. Los únicos extras son tres cortos detrás de escena. La película encabezó las listas de alquiler de videos domésticos en el momento de su lanzamiento y permaneció entre las 10 primeras posiciones durante las primeras 5 semanas.

El sitio web Blu-ray.com analizó la edición Blu-ray de la película y le dio a la calidad del video una calificación casi máxima. Afirmó que "con su video AVC MPEG-4 en BD-50, la calidad de imagen de No Country for Old Men se encuentra en el peldaño más alto de la escalera del video doméstico. La vitalidad del color, el nivel de negros, la resolución y el contraste son calidad de referencia... Cada línea y arruga en el rostro de Bell está resuelta y Chigurh luce un corte de pelo de paje en el que cada hebra de cabello parece individualmente distinguible. Ninguna otra película da vida a sus personajes de manera tan vívida únicamente por los méritos de los tecnicismos visuales... Vea el tiroteo nocturno entre Moss y Chigurh afuera del hotel... Mientras las balas atraviesan el parabrisas del auto de escape de Moss, observe cómo cada grieta y agujero de bala en el vidrio está extraordinariamente definido".

La calidad del audio obtuvo casi la máxima puntuación, donde el PCM de 24 bits y 48 kHz sin pérdida de calidad funciona bien con las voces y se destaca en los sonidos más propensos a los agudos... Tal vez la secuencia más dinámica desde el punto de vista audible sea la escena de la persecución al amanecer después de que Moss regresa con agua. Cierre los ojos y escuche la respiración y los pasos de Moss mientras corre, el camión que lo persigue mientras avanza con dificultad sobre rocas y arbustos, el chasquido del rifle y el silbido de las balas al atravesar el aire y golpear el suelo... toda la secuencia y la película en general suenan muy convincentes."

Kenneth S. Brown, del sitio web High-Def Digest, afirmó que "la edición Blu-ray de la película... es magnífica... e incluye todas las características especiales de 480i/p que aparecen en el DVD estándar. Sin embargo, para mi decepción, el pequeño paquete complementario no incluye los comentarios muy necesarios de los directores de los hermanos Coen. Hubiera sido fascinante escuchar a los hermanos analizar las diferencias entre la novela original y la película ganadora del Oscar. Puede que no tenga un paquete complementario atractivo, pero sí tiene una transferencia de video sorprendente y una pista de audio PCM excelente".

El DVD de la Región 2 (Paramount) se lanzó el 2 de junio de 2008. La película se lanzó en Blu-ray Disc en el Reino Unido el 8 de septiembre de 2008. Una edición especial de 3 discos con una copia digital se lanzó en DVD y Blu-ray el 7 de abril de 2009. Se presentó en su relación de aspecto de pantalla ancha anamórfica de 2.35:1 para cines y en Dolby Digital 5.1 (inglés, español). Este lanzamiento incluyó más de cinco horas de material adicional nuevo, aunque carece de escenas eliminadas y comentarios de audio. Algunos de los materiales adicionales/materiales adicionales en el disco incluyen documentales sobre la producción y el trabajo con los Coen, un featurette hecho por Brolin, el featurette "Diario de un sheriff rural" que analiza los personajes principales y el subtexto que forman, una sesión de preguntas y respuestas con el equipo presentada por Spike Jonze y una variedad de entrevistas con el elenco y los hermanos Coen de EW.com Just a Minute, ABC Popcorn con Peter Travers y una entrega de Charlie Rose.

Recepción

Respuesta crítica

En el sitio web de reseñas Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 93% basado en las reseñas de 288 críticos, con una calificación promedio de 8.70/10. El consenso crítico del sitio web dice: "Reforzada por las poderosas actuaciones principales de Javier Bardem, Josh Brolin y Tommy Lee Jones, No Country for Old Men encuentra a los hermanos Coen haciendo una película de oro a partir de la novela oscura y oscuramente divertida de Cormac McCarthy". La película también tiene una calificación de 92 sobre 100 en Metacritic, basada en 39 reseñas, lo que indica "aclamación universal". Tras su estreno, la película fue ampliamente discutida como una posible candidata a varios Oscar, antes de recibir ocho nominaciones y finalmente ganar cuatro en 2008. Javier Bardem, en particular, ha recibido considerables elogios por su actuación en la película.

Peter Bradshaw de The Guardian la calificó como "la mejor de la carrera [de los Coen] hasta ahora". Rob Mackie de The Guardian también dijo que "es difícil precisar qué es lo que hace que esta película sea tan destacada: se siente como dos horas absorbentes y tensas en las que todos están absolutamente concentrados en su trabajo y se adaptan cómodamente a sus roles". Geoff Andrew de Time Out London expresó que "la película tiene un gran impacto de principio a fin". Richard Corliss de la revista Time eligió la película como la mejor del año y dijo que "después de dos décadas de ser brillantes en los márgenes de las películas, los Coen están listos para su primer plano, y tal vez su Oscar". Paul Arendt, de la BBC, le dio a la película la máxima puntuación y dijo que "no necesita defensa: es un magnífico regreso a la forma". A. O. Scott, de The New York Times, afirmó que "para los formalistas, aquellos espectadores que se dejan llevar por un montaje preciso, un trabajo de cámara ágil y un diseño de sonido impecable, es el paraíso". Tanto Margaret Pomeranz como David Stratton, del programa de la ABC At The Movies, le dieron a la película cinco estrellas, lo que convirtió a No Country for Old Men en la única película que recibió tal calificación de los presentadores en 2007. Ambos elogiaron la película por su lenguaje visual y su suspenso, y David comentó que "Hitchcock no habría hecho el suspenso mejor".

Se expresaron algunas críticas desaprobatorias ocasionales, y algunos señalaron la ausencia de un "personaje central" y una "escena culminante"; su "final decepcionante" y su "dependencia de una trama manipulada arbitrariamente"; o una falta general de "alma" y una sensación de "desesperanza". Sukhdev Sandhu, de The Daily Telegraph, argumentó que "Chigurh nunca se desarrolla como personaje... con un material tan fuerte como este, uno pensaría que podrían hacer algo mejor que atribuirle una inescrutabilidad en expansión, un misterio que es meramente patológico". Además, acusó a la película de estar llena de "pseudoprofundidades en las que [los hermanos Coen] siempre se han especializado". En The Washington Post, Stephen Hunter criticó las armas de Chigurh por considerarlas involuntariamente graciosas y lamentó: "Es todo una persecución, lo que significa que ofrece casi cero desarrollo de personajes. A cada uno de los personajes se le asigna, como en los procedimientos operativos estándar de los thrillers, un único atributo moral o psicológico y luego actúa de acuerdo con ese principio y nada más, sin dudas, contradicciones o ambivalencias".

Reconocimientos

No Country for Old Men fue nominada a ocho premios Oscar y ganó cuatro, incluyendo Mejor Película. Además, Javier Bardem ganó el premio al Mejor Actor de Reparto; los hermanos Coen ganaron el premio a la Dirección (Mejor Director) y el premio al Mejor Guión Adaptado. Otras nominaciones incluyeron Mejor Montaje (los hermanos Coen como Roderick Jaynes), Mejor Fotografía (Roger Deakins), Mejor Montaje de Sonido y Mejor Mezcla de Sonido.

Javier Bardem se convirtió en el primer actor español en ganar un Oscar. "Gracias a los Coen por estar tan locos como para pensar que yo podía hacer eso y ponerme uno de los cortes de pelo más horribles de la historia", dijo Bardem en su discurso de aceptación en la 80ª edición de los Premios Oscar. Dedicó el premio a España y a su madre, la actriz Pilar Bardem, que lo acompañó a la ceremonia.

Al aceptar el premio al Mejor Director en los 80o Premios de la Academia, Joel Coen dijo que "Ethan y yo hemos estado haciendo historias con cámaras de cine desde que éramos niños", recordando una película de Super 8 que hicieron titulada "Henry Kissinger: Man on the Go". "Honestamente," dijo, "lo que hacemos ahora no se siente tan diferente de lo que estábamos haciendo entonces. Estamos muy agradecidos a todos ustedes por seguir permitiéndonos jugar en nuestra esquina de la caja de arena". Fue la segunda vez en la historia de Oscar que dos individuos compartieron el honor directo (Robert Wise y Jerome Robbins fueron los primeros, ganando para 1961 West Side Story).

La película fue nominada a cuatro Globos de Oro, ganando dos en la 65.ª edición de los Globos de Oro. Javier Bardem ganó el premio a la Mejor interpretación de un actor de reparto en una película y los hermanos Coen ganaron el premio al Mejor guión de una película. La película también fue nominada a la Mejor película dramática y al Mejor director (Ethan Coen y Joel Coen). A principios de 2007, fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. El Sindicato de Actores de Cine nominó al reparto por su "Actuación destacada". La película ganó los máximos honores en los Premios del Sindicato de Directores de Estados Unidos para Joel y Ethan Coen. La película fue nominada a nueve premios BAFTA en 2008 y ganó en tres categorías: Joel y Ethan Coen ganaron el premio al Mejor director, Roger Deakins ganó el premio a la Mejor fotografía y Javier Bardem ganó el premio al Mejor actor de reparto. También ha sido galardonada con el David di Donatello a la Mejor película extranjera.

No Country for Old Men recibió el reconocimiento de numerosas asociaciones de críticos de América del Norte (New York Film Critics Circle, Toronto Film Critics Association, Washington D.C. Area Film Critics Association, National Board of Review, New York Film Critics Online, Chicago Film Critics Association, Boston Society of Film Critics, Austin Film Critics Association y San Diego Film Critics Society). El American Film Institute la incluyó en su lista de películas del año 2007, y tanto la Australian Film Critics Association como la Houston Film Critics Society la votaron como mejor película de 2007.

La película apareció en más listas de los diez mejores de los críticos (354) que cualquier otra película de 2007, y fue la película número uno de los críticos (90) más que cualquier otra.

Disputas

En septiembre de 2008, Tommy Lee Jones demandó a Paramount por bonificaciones y deducciones de gastos indebidas. El asunto se resolvió en abril de 2010, cuando la compañía le pagó a Jones una bonificación de taquilla de 17,5 millones de dólares tras determinar que los abogados del estudio habían redactado un contrato incorrecto. Esos abogados del estudio llegaron a un acuerdo con Paramount por 2,6 millones de dólares debido a ese error.