Nación alienígena (película)

Alien Nation es una película de acción de ciencia ficción estadounidense de 1988 escrita por Rockne S. O'Bannon y dirigida por Graham Baker. El elenco incluye a James Caan, Mandy Patinkin y Terence Stamp. Su popularidad inicial inauguró el comienzo de la franquicia mediática Alien Nation. La película describe la asimilación de los "recién llegados", una raza alienígena que se instala en Los Ángeles, para gran consternación inicial de la población local. La trama integra los géneros cinematográficos neo-noir y buddy cop con una temática de ciencia ficción, centrándose en la relación entre un veterano investigador policial (Caan) y un extraterrestre (Patinkin), el primer detective recién llegado. El dúo investiga un inframundo criminal mientras intenta resolver un homicidio.

La película fue una coproducción entre American Entertainment Partners y 20th Century Fox, que la distribuyó teatralmente. Alien Nation explora el asesinato, la discriminación y la ciencia ficción.

Alien Nation se estrenó en Estados Unidos el 7 de octubre de 1988 y recaudó más de 32 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en un éxito financiero moderado. La película recibió críticas mixtas antes de su estreno en cines, aunque desde entonces se ha ganado seguidores de culto. La película generó una serie de televisión de corta duración, cinco películas para televisión, una serie de cómics y varias novelas, todo en un intento de continuar el desarrollo del personaje en torno a su cultura alienígena ficticia.

Trama

En 1988, una nave espacial que transportaba a 300.000 extraterrestres esclavizados conocidos como "recién llegados" Aterriza en el desierto de Mojave. En 1991, se establecieron en Los Ángeles y algunos de ellos se unieron al Departamento de Policía de Los Ángeles. El detective Matthew Sykes' Su compañero muere en un tiroteo mientras intentaba evitar que dos recién llegados asesinaran a otro. Sykes' El superior, el Capitán Warner, informa a su equipo que trabajarán con el recién ascendido detective recién llegado Sam Francisco. Sykes se ofrece como voluntario para formar equipo con Francisco para investigar el homicidio del recién llegado Warren Hubley, con la esperanza de poder investigar también la muerte de su compañero, algo que oficialmente tiene prohibido hacer. Los dos no funcionan bien: Sykes se niega a llamarlo "Sam Francisco" y opta por llamarlo "George" en cambio, y Sam predice que Sykes tendrá dificultades debido a que su apellido suena como "sai k'ss" – "cabeza de mierda" en el idioma del recién llegado.

Mientras está en un laboratorio criminalístico, Francisco detecta una anomalía en el cuerpo de uno de los criminales recién llegados que murió en el robo. Esto lleva a Sykes y Francisco a un club nocturno para interrogar al recién llegado Joshua Strader, pero Strader es asesinado por una red criminal liderada por el empresario recién llegado William Harcourt y su secuaz Rudyard Kipling.

Mientras investigan, los hombres se vuelven más amigables entre sí. Sam le informa a Sykes sobre una parte del cuerpo del recién llegado para atacar para lograr el máximo dolor, que Sykes usa más tarde; después de descubrir que los recién llegados se intoxican con leche en mal estado, se emborrachan juntos, y Sam confiesa que no comprende los altos ideales que los humanos establecen sin poder alcanzarlos, y aconseja a Sykes que se vuelva a conectar con su hija separada.

Harcourt se encuentra en las etapas avanzadas del lanzamiento de un plan para explotar a los recién llegados mediante la producción en masa de Jabroka, una droga que se usaba para pacificar a los recién llegados cuando eran esclavos pero que no tiene ningún efecto en los humanos. La anomalía notada por Francisco en el cuerpo del criminal recién llegado resulta ser una señal visual de la influencia de la droga. Los recién llegados Hubley, Porter y Strader participaron en las fases de planificación de la operación, pero luego fueron asesinados debido al deseo de Harcourt de excluirlos de cualquier beneficio futuro. Cuando Sykes y Francisco localizan el laboratorio de drogas, Francisco muestra una repentina furia ante la idea de que Jabroka sea reintroducido ante su gente y destruye el laboratorio. Francisco explica que debe ser destruido y que nunca se debe revelar la mera existencia de la droga, ya que pondría en riesgo la tenue existencia de todos los recién llegados a la Tierra.

Al final, Sykes y Francisco localizan a Harcourt, quien está negociando un calendario para la liberación de Jabroka. Los detectives emprenden una persecución en coche con Harcourt y Kipling, que termina en una colisión frontal que deja a ambas partes heridas. Harcourt escapa a pie; Cuando Sykes lo acorrala, toma una sobredosis de Jabroka que lo hace colapsar, aparentemente muerto. El Jabroka restante es destruido, pero Francisco reacciona en shock cuando Sykes informa que tuvo una sobredosis; Explica que una sobredosis haría que un recién llegado mutara en una forma más grande, más musculosa y más violenta, y que la humanidad nunca debe saber que los recién llegados son capaces de hacer esto.

Sykes y Francisco persiguen a Harcourt después de que escapa del vehículo del forense, alcanzándolo cerca de un muelle de pesca, y Sykes lucha cuerpo a cuerpo con él en mar abierto, tirándolo finalmente al agua; sin embargo, Sykes también es arrastrado al agua. El cuerpo de Harcourt se desintegra debido al contacto directo con el agua salada, lo que es peligroso para la fisiología del recién llegado. Francisco se apodera de un helicóptero policial y rescata a Sykes aunque su brazo sufre daños. Cuando el piloto pregunta qué había en el agua con Sykes, Sykes responde que no era más que otro 'Slag'. protegiendo el secreto.

Sykes y Francisco, ahora amigos, asisten juntos a la boda de la hija de Sykes. Sykes ha aceptado a Francisco como su socio y le pide que lo perdone por todas las estupideces que hará y dirá en los años venideros. Francisco le asegura a Sykes que lo hará: "Después de todo... eres sólo un ser humano".

Reparto

Producción

Orígenes y temas

Una de las veinte o veinticinco historias recibidas cada semana por 20th Century Fox en 1988, el guión original de Rockne S. O'Bannon para Alien Nation se presentó como guión específico para la productora Gale Anne Hurd. La agencia que representa la historia pidió al personal de producción que la vieran lo más rápido posible debido a que también se envió a otros estudios cinematográficos. Tanto Hurd como su directora de desarrollo, Ellen Collett, tuvieron la misma respuesta inicial, viendo el guión como algo realmente interesante. Según Hurd, lo que realmente le interesó de la historia de la película fue todo el enfoque del entorno de inmigrantes y la extrapolación de éste a un entorno de ciencia ficción. El género de ciencia ficción, en lo que respecta a la representación de extraterrestres, suele tener la forma de uno o dos seres, como se muestra en series de cadenas como Star Trek. Por lo general, un gran número de dobles no eran comunes en las películas desde El planeta de los simios veinte años antes. Trabajando con el coproductor Richard Kobritz, Hurd consiguió financiación de Fox Studios y comenzó a elegir un equipo de maquillaje experimentado para la creación de la sociedad alienígena.

Más tarde, Hurd se puso en contacto con el director de fotografía Adam Greenberg en su casa de Israel para trabajar en la producción. Greenberg recordó: "Estaba de vacaciones en un kibutz en el Mar Muerto (hacía 125 grados) y recibí una llamada de Gale", recordó Greenberg. Eso era lo último que se podía esperar allí."

Aunque es principalmente una película de acción, Alien Nation fue una especie de retroceso a otras películas de género similar como El planeta de los simios y Silent Running. Los recién llegados extranjeros quedan relegados a un estatus de segunda clase. Como otras minorías, viven en sus propios barrios, frecuentan sus propios clubes y desarrollan su propia clandestinidad. Tras el asesinato de un policía, un humano debe asociarse con un extraterrestre para resolver el asesinato. Su incómoda alianza crea desconfianza social y aborda cuestiones como los prejuicios y el racismo. Al final de la saga, los dos humanoides completamente diferentes han combinado sus talentos y superado sus barreras sociales para completar su tarea.

Maquillaje

Aunque se consideraron varias empresas de efectos de maquillaje, 20th Century Fox eligió Stan Winston Studios. Winston no participó directamente en la preproducción, pero dejó la tarea a sus principales artistas: Alec Gillis, Shane Mahan, John Rosengrant, Tom Woodruff y Shannon Shea. La productora Gale Anne Hurd comentó sobre la creación de la base para el entorno de maquillaje diciendo: "El problema principal era cómo vender una raza alienígena que era humanoide sin que pareciera gente con trajes de goma, y cómo hacerla asequible". Sabíamos que iba a haber mucho tiempo para aplicar y quitar el maquillaje, eso era un hecho”. El artista Gillis recordó su participación en el proyecto diciendo: "Estuvimos involucrados en todo, desde diseñar y esculpir a los extraterrestres hasta supervisar una tripulación de unas treinta personas". Esculpimos a los personajes principales, supervisamos el moldeado y la producción de sus electrodomésticos y supervisamos la escultura de los personajes secundarios y de fondo." Durante la fase de diseño, los productores apoyaron la sutileza del maquillaje y trataron de que los extraterrestres parecieran lo más humanos posible.

Un boceto de diseño preliminar para los alienígenas descrito por Mahan era que "los machos iban a tener espinas en la parte superior de sus cabezas, algo así como la cresta de un gallo, y cuando se enojaban, estas espinas se levantarían. Eso habría requerido un casco mecánico, y Graham Baker pensó que era demasiado extremo, así que elegimos cabezales lisos." Acercándose a un diseño final para el maquillaje del tocado, Woodruff explicó cómo las máscaras tenían "cejas más espesas y una textura de piel más espesa que parecía más coriácea, y había bultos más pronunciados en la parte posterior de la cabeza". Después de comenzar la producción de estas máscaras, Graham Baker decidió que quería que los extraterrestres parecieran aún más sutiles, por lo que simplificamos el diseño una vez que comenzamos a hacer los personajes principales.

Mike Spatola fue el jefe del equipo de pintura para el diseño de la máscara. Sin pelo por diseño, los coordinadores sintieron que las máscaras deberían tener marcas donde el cabello estaría presente en los humanos. Cada casco alienígena tuvo que pintarse de forma personalizada con un patrón de manchas para que coincidiera con cada pieza secundaria de respaldo utilizada para personajes individuales. A cada uno de los actores que interpretaron a los extraterrestres también se les pintaron las manos con un patrón de puntos, ya que se descartó el plan original de suministrarles aparatos para las piezas de mano.

Una vez finalizado el concepto genérico de extraterrestre, cada uno de los coordinadores de efectos trabajó con un actor específico. Mahan eligió trabajar con Mandy Patinkin, así como con el hijo de Francisco. Rosengrant trabajó con Leslie Bevis, quien interpretó a Cassandra. Woodruff trabajó en Terence Stamp, quien interpretó el papel de Harcourt. Al tratar de enfatizar la singularidad de los personajes, Mahan comentó: "Queríamos que el público pudiera reconocer a los actores de inmediato". Todos eran tan buenos que habría sido una pena taparlos por completo." Otros coordinadores de efectos, como Gillis, comentaron: "El actor que interpretó a Trent Porter, por ejemplo, Brian Thompson, era un tipo muy rudo, por lo que parecía un personaje realmente duro". Por otro lado, Kevyn Major Howard, que interpretó al secuaz asesino de Harcourt, tenía rasgos muy delicados y juveniles, por lo que utilizamos esa cualidad para crear una yuxtaposición espeluznante. Mientras los coordinadores de efectos luchaban por terminar el diseño final y la producción a gran escala de las prótesis alienígenas, Hurd eligió al maquillador Zoltan Elek para supervisar la aplicación general. Elek había trabajado anteriormente en la película Mask y en el personaje Max Headroom. Elek insistió en que la coloración alienígena se acercara mucho más a los tonos de la piel humana que al pigmento amarillento elegido originalmente. Elek recordó su desacuerdo con Winston cuando Stan sintió: "... los extraterrestres deberían ser de un color totalmente diferente al de los humanos, con muchos amarillos, azules y grises.. Para mí, ese plan era demasiado monstruoso; de hecho, terminamos usándolo en el monstruo de Harcourt en el clímax. Otro aspecto creativo del maquillaje fue la gradación entre la máscara principal y la de fondo. La tripulación de Alien Nation intentó evitar los mismos errores cometidos en El planeta de los simios veinte años antes. Como explicó Gillis, "Teníamos lo que llamábamos 'A-B-C-D' maquillajes,... La 'A' Los maquillajes fueron aquellos diseñados a medida para los actores principales, mientras que los 'B' Los maquillajes eran mezclas y combinaciones en las que recombinábamos piezas de otros actores para crear un nuevo personaje. Nuestro 'D' Las máscaras, las que estaban más alejadas de la cámara, eran máscaras de látex que se deslizaban por encima de la cabeza incapaces de cambiar de expresión. La 'C' Las máscaras, sin embargo, estaban hechas de espuma de látex y se podían pegar para conseguir cierta expresión de los personajes en el plano intermedio." La aplicación del maquillaje Newcomer conocido como "spuds" o "potatoheads" en el set, requirió cuatro horas; una tarea que Patinkin describió como "un dolor de cabeza". Las máscaras se fabricaron en una línea de producción para satisfacer la enorme demanda de la película. Mahan reflexionó: "Sacaríamos las piezas del horno, las arreglaríamos, las pintaríamos y las tendríamos listas para recogerlas esa tarde y llevarlas al set". Las piezas apenas estaban frías cuando Zoltan y su equipo las aplicaron."

Para la escena dramática final que involucra la muerte de Harcourt, los efectos manipulados se manejaron en dos etapas. La primera etapa implicó una cabeza y un cuerpo que se disolvían, mientras que la segunda etapa incorporó un brazo sin carne que surgía del agua de mar. Rosengrant señaló: “Si bien el maquillaje que se disolvía tenía que parecer extremo, también tenía que parecer realista dentro de los límites de la anatomía alienígena que el equipo de Winston había diseñado. Queríamos evitar la forma amorfa de 'gota de sangre' Mira lo que ves en muchas de estas imágenes de monstruos y slasher. Queríamos poder ver la estructura ósea de Harcourt en lugar de solo la masa que colgaba de ella." Para la apariencia visual, agregó: "Por supuesto, usamos limo de metocel para darle un aspecto húmedo y desagradable, pero la estructura básica tenía sus raíces en la anatomía". Para la desintegración facial de Harcourt, los coordinadores idearon una base de maquillaje de gomaespuma superpuesta con una capa de aparatos de gelatina. Elek, el equipo sacó trozos de las piezas de gomaespuma, rellenó los agujeros con Bromo Seltzer, luego colocó los aparatos de gelatina sobre todo el conjunto y los coloreó para que no se pudieran ver los agujeros de abajo. Una vez que el especialista, la cámara y todos los demás estuvieron en posición, tomamos una jeringa grande llena de agua caliente y la inyectamos en cada uno de los bolsillos de Bromo Seltzer mientras la cámara comenzaba a rodar. Cuando el Bromo Seltzer comenzó a chisporrotear, el agua caliente comenzó a atravesar la piel de gelatina y su rostro pareció burbujear y derretirse. Al final, Mahan comentó: "Pensamos que pasar de algo como la reina alienígena en Aliens a estos maquillajes protésicos simples sería sencillo, pero en realidad requirió mucho trabajo". 34;

Escenografía y rodaje

En Los Ángeles, California, se rodaron numerosas localizaciones interiores y exteriores que se utilizaron para satisfacer las necesidades de la historia. Dentro de un cronograma de rodaje de cinco meses, se dedicaron tres semanas a filmar en locaciones de estudio. El diseñador de producción Jack Collis explicó cómo la película integra a un grupo minoritario (los extraterrestres) en la película, diciendo: "La idea era traer a este grupo extraterrestre, asimilarlos a nuestra sociedad y conseguirles un lugar que fuera un parte de Los Ángeles,... Parecería casi como si un grupo de coreanos o vietnamitas se hubiera mudado a la zona. Este grupo habría establecido su propia comunidad. Tienen su propio lenguaje, sus propios signos." El equipo de filmación instaló letreros ficticios en lenguaje alienígena a lo largo de Western Avenue y Santa Monica Boulevard. Se hicieron dibujos en colores de todas las tiendas a ambos lados de la calle durante dos cuadras completas. Se diseñaron rótulos pintados y eléctricos para cada edificio. Los grafitis también fueron cuidadosamente planificados. El equipo de filmación hizo su propia pintura e incluso tomó un gran muro de concreto en blanco e insertó graffitis extraterrestres para una escena que involucraba una confrontación física temprana entre los personajes principales. Básicamente, el alfabeto de los ciudadanos extranjeros debía diseñarse como parte integral de su entorno. Comentó cómo al equipo "se le ocurrieron alfabetos individuales y luego los combinó en ciertas palabras como, por ejemplo, "enter"; y 'abrir', para que podamos repetirlos, ..." al mismo tiempo que mencionaron cómo "trajeron a un experto en idiomas para que nos diera algo con lo que los actores pudieran sentirse cómodos". Los Hawthorn, una conocida familia de pintores de letreros, crearon la mayoría de los letreros alienígenas. Collis incluso reflexionó sobre cómo en un momento dado, a los dueños de las tiendas les gustó, y no querían eliminar, los graffitis extraterrestres utilizados durante el rodaje en sus propiedades. Collis recordó cómo el lenguaje alienígena se parecía a "un diseño fluido más parecido a una escritura a mano que a una letra, que parece casi un gráfico de latidos del corazón". De vez en cuando, lo subrayábamos como si viniera de una especie de máquina electrónica, como un informe de IBM. Resultó ser algo muy simple una vez que lo pusimos en marcha, pero tuvimos que pasar por un proceso de "¿cómo será esto?" antes de que consiguiéramos lo que queríamos."

Ciertos lugares ficticios de la película, como el Encounters Club, se filmaron en el Club Hollywood en Hollywood Boulevard. El decorador Jim Duffy, que participó en la escena de baile exótico del club, utilizó cortinas austriacas únicas para crear un diseño transparente para que la actriz Bevis, quien interpretó al personaje de Cassandra, actuara. En los escenarios del estudio de cine se construyeron áreas de escenario más pequeñas para el camerino de Cassandra, un par de oficinas y una gran sala de conferencias donde se llevaba a cabo el negocio de drogas de Harcourt. Una parada de autobús de Van Nuys sirvió como taco burrito para la divertida escena entre Francisco y Sykes relacionada con la comida rápida cruda. Algunas de las escenas de riesgo que involucran una secuencia de acción más adelante en la película se filmaron en un puerto de San Pedro. Para ciertas escenas dentro de esa toma, el equipo de producción construyó su propio tanque de agua personalizado de 44 pies de largo y 22 pies de ancho. Dos motores sumergidos de 75 caballos de fuerza se agitaban para crear olas artificiales, mientras que máquinas de viento elevadas separadas trabajaban para crear el efecto de un helicóptero flotando sobre el agua. Otros lugares prácticos de rodaje fueron la playa Nichols Canyon, la Academia de Policía de Los Ángeles y la comisaría de policía de York Street para los interiores. Un bar llamado Monty's en el centro de Los Ángeles se utilizó para una escena que involucraba al rudo extraterrestre interpretado por Brian Thompson. El interior de la casa de Sykes se filmó en una casa cercana al estudio, mientras que una ubicación en Beverly Glen hizo las veces de una iglesia en la escena final de la boda. Algunos de los decorados más elaborados que se utilizaron ampliamente en la película fueron el hotel Millennium Biltmore y una planta de Anheuser-Busch. El villano alienígena Harcourt es presentado en el hotel en la élite Crystal Room. La sección del vestíbulo del hotel, con sus techos muy altos y un amplio complemento de motivos dorados, se utilizó en una escena de entrevista entre los personajes de Harcourt, Kipling y los detectives. Alternativamente, la planta de bebidas se utilizó como disfraz de una fábrica de petróleo. Las partes no utilizadas de la instalación que contenían tanques de acero se utilizaron como un interesante fondo sombrío. Se recreó un laboratorio de metano con tubos translúcidos atravesándolos, como si las drogas estuvieran en proceso de refinación. También se crearon ciertos efectos visuales de humo para copiar el aspecto de una refinería de petróleo.

Según el guión del escritor Rockne S. O'Bannon, Alien Nation se llamaba originalmente Future Tense. La película tomó parte de su concepto de la serie de televisión In the Heat of the Night, con elementos de ciencia ficción integrados en la trama. Durante la producción, la película tenía un título provisional llamado Outer Heat, que esencialmente era una amalgama de In the Heat of the Night y una serie de televisión de ciencia ficción de los años 60, Los límites exteriores. Jack Collis enfatizó que la película no era una "epopeya espacial" sino más bien una película de acción. Admitió: "Construimos una nave espacial, pero es algo simple que se ve en un monitor de televisión que describe el aterrizaje de los extraterrestres hace varios años, antes de que fueran asimilados a nuestra sociedad". Nos brinda antecedentes pero no muchos detalles, ..." Collis señaló que la película incluso "recordaba el trabajo que hice en Cocoon". En realidad, el director James Cameron escribió un borrador anterior de la película en 1987, pero su nombre, sin embargo, no apareció acreditado en el montaje final de la película. Una presunción del guión era que los funcionarios de inmigración se quedaron sin nombres para los 300.000 extranjeros y comenzaron a nombrarlos con denominaciones familiares del pasado. El nombre original del actor Mandy Patinkin para su personaje sería George Jetson. Sin embargo, tres días antes del inicio del rodaje, Hanna-Barbera no permitió que se utilizara el nombre. Patinkin expresó su decepción y dijo: "Supuse que el nombre del personaje que acepté interpretar era George Jetson". Y estaba bastante enojado porque hubo un error y porque el nombre no podía usarse." Continuó diciendo: "Pensé que hizo una tremenda diferencia en la pieza que el nombre del tipo fuera George Jetson porque daba una sensación de dibujos animados, una inocencia que era importante para la película". idea completa. Es una gran pérdida para la pieza que no pudimos recuperar, una gran desgracia que no se pudo solucionar. Habría ayudado mucho." En referencia al personaje de dibujos animados, los productores dejarían el nombre "George" como sustituto. Patinkin añadió: "Todo en el guión es Supersónico, todo en el maquillaje está etiquetado como Supersónico, siempre nos referimos a él como Supersónico". Ni siquiera George, sino Supersónico. Entonces, en nuestras mentes, él es George Jetson. Entonces, en lo que a mí respecta, cualquiera que vea la película está viendo a George Jetson sin importar cómo diablos lo llamen”. Para comprender su papel como oficial de policía, Patinkin pasó dos semanas con el Departamento de Policía de la ciudad de Nueva York. Tomó su curso de entrenamiento, se unió a ellos en la patrulla y pasó tiempo con ellos en el campo de tiro. Al comentar sobre el desarrollo del carácter de Francisco, dijo: "Es uno de los mejores trabajos que ha adquirido la gente de su raza". Se siente muy orgulloso de poder ser policía." En 2013, cuando se le preguntó sobre su papel en la película, Caan respondió inicialmente: "¿Por qué mencionarías eso?" antes de decir: "Sí, bueno, no lo sé". No tengo demasiadas... [Duda.] Quiero decir, amaba a Mandy Patinkin. Mandy era un alboroto. Pero... no lo sé. Fueron muchas tonterías, creativamente. Y teníamos a un director inglés que realmente no me gustaba mucho. Quiero decir, buen tipo, pero... fue una de esas cosas en las que, ya sabes, no te rindes, lo superas. Ciertamente no fue una de... No la escribiría como una de mis películas favoritas. Pero fue bastante popular."

Cinematografía

El director de fotografía Adam Greenberg, cuyos créditos cinematográficos anteriores incluyeron Tres hombres y un bebé, La Bamba y Near Dark, abordó la película con una Técnica única de estilo documental. Al comentar sobre las pruebas iniciales de iluminación fotográfica, Greenberg comentó: "Las primeras fueron un desastre". No se veían nada bien. No sabía cómo fotografiar a estos extraterrestres. Fue la primera vez que tuve que lidiar con este tipo de cosas. Pero tengo ojo y aprendí de estas pruebas." En el hotel Biltmore surgió una situación peculiar: los techos eran simplemente demasiado altos para los equipos de iluminación estándar. La tripulación ideó una idea ingeniosa: enviar de seis a ocho globos meteorológicos y hacer que la luz artificial rebotara en ellos para crear el ambiente de iluminación adecuado. Greenberg comentó: "Quería que ese lugar tuviera una apariencia muy rica, dorada y muy cálida". En la historia es muy tarde después de una gran fiesta. No buscaba ningún efecto especial, sólo una agradable luz de las lámparas sobre las mesas. El problema fue que la dirección del hotel no nos dejó colgar nada del techo. En preproducción nos habían dicho que podíamos colgar luces, pero yo no les creí. Los techos son muy altos y muy bonitos."

En cuanto a las interacciones de los personajes, Greenberg notó que había "mucho diálogo entre Jimmy y Mandy en el auto". Usamos muchos soportes para automóviles. Iluminaba al extraterrestre para que se viera bien, pero si pasaba a una sombra mientras caminaba por la calle se podían ver todas las costuras de su maquillaje. Por eso a veces tenía que bloquear todas las calles con papel negro." Los extraterrestres no eran muy diferentes de los humanos, y una iluminación o un ángulo de cámara incorrectos podrían revelar costuras en el maquillaje. Al intentar identificar a los extraterrestres con una apariencia única, Greenberg eligió un color azul intenso para filmar. Dijo: "Terminamos con un azul muy profundo y fuerte, una especie de azul claro de luna". Intentamos hacer todas las escenas de la película que parecieran ser sus lugares favorecidos en gran medida por este color azul intenso. El Encounters Club era uno de esos lugares." Greenberg utilizó cámaras Arriflex y lentes Zeiss junto con acciones de Fuji. Al comentar sobre el grano de la película, dijo: "A partir de las pruebas descubrí que es mejor para mí usar Fuji". Una vez que la película se expande hasta 70 mm, el grano se resaltará más y Fuji tiene un grano más pequeño que Kodak. Puedo controlar el contraste con la luz, pero tengo que vivir con la veta." Al utilizar varias cámaras, señaló Greenberg: “Fotográficamente, por supuesto, una cámara es la mejor. Pero como cineasta, y porque quiero que la película sea un éxito, me doy cuenta de que la fotografía no es lo más importante. Toda la película es lo más importante. Entonces, en la preproducción, fui yo quien presionó al director para que filmara siempre con dos o tres cámaras”.

Greenberg tuvo que afrontar numerosos desafíos en materia de iluminación, ya que la mayor parte de la película se desarrolló de noche. Una de las técnicas de iluminación más simples empleadas por Greenberg fue utilizar los faros de un automóvil para producir dramáticamente una escena de terror. Greenberg explicó: "Tuvimos una escena en Zuma Beach donde los malos arrastran a alguien al océano. Quería tener un look muy duro, pero muy natural y fuerte. Entonces usé los faros del auto. Fue agradable porque todo detrás de los villanos cayó en la oscuridad. Tenía un aspecto surrealista”. Greenberg también comentó cómo tuvo una estrecha relación de trabajo con el laboratorio DeLuxe para conseguir el color correcto para el extenso rodaje nocturno de la película y dijo sin rodeos: "En una película como esta quería que los negros fueran muy negros, así que trabajó en estrecha colaboración con el laboratorio DeLuxe ..." Sintió que los desafíos diarios del rodaje nocturno realzaban visiblemente el atractivo de Alien Nation al mencionar en sentido figurado: "Como camarógrafo, puedes crear mucho más de noche". A veces tienes que sentir tu camino. También tienes un verdadero control por la noche. Si una luz está encendida es porque la encendiste."

Música y banda sonora

La música de la película fue compuesta originalmente por Jerry Goldsmith, pero luego fue rechazada a favor de la música compuesta por Curt Sobel. Sin embargo, la partitura de Goldsmith se utilizó para el avance teatral de la película. Los artistas musicales Smokey Robinson, The Beach Boys, Michael Bolton, Mick Jagger y David Bowie, entre otros, contribuyeron con canciones que aparecen en la película. La banda sonora de audio en formato Compact Disc compuesta por Sobel nunca se lanzó oficialmente, pero en 2005 se lanzó una edición limitada de la partitura original compuesta inicialmente por Goldsmith con 18 pistas. La partitura fue completamente sintetizada y limitada a 3.000 copias. La melodía que aparece a lo largo de la película, grabada por Goldsmith, fue compuesta originalmente para la película Wall Street. Después de ser rechazada tanto para ese proyecto cinematográfico como para Alien Nation, la banda sonora se utilizó en la película de 1990 The Russia House. Los efectos de sonido de la película fueron supervisados por Mark Mangini. La mezcla de elementos sonoros fue orquestada por David MacMillan y Charles Wilborn.

Liberación

Taquilla

La película se estrenó en los cines el 7 de octubre de 1988. En su distribución más amplia en los EE. UU., la película se proyectó en 1.436 salas y recaudó $ 8.421.429, con un promedio de $ 5.889 en ingresos por sala en su primer fin de semana. Durante ese primer fin de semana de estreno, la película se estrenó en primer lugar superando a las películas The Accused y Punchline. Los ingresos de la película cayeron un 49% en su segunda semana de estreno, ganando 4.252.252 dólares. En el mes de noviembre, durante su último fin de semana en los cines, la película quedó en el décimo lugar recaudando 1.306.849 dólares. La película alcanzó un máximo a nivel nacional con $ 25,216,243 en ventas totales de entradas durante una presentación en cines de 5 semanas. A nivel internacional, la película recaudó $6,938,804 adicionales en taquilla para un total combinado de $32,155,047. Para 1988 en su conjunto, la película se ubicaría acumulativamente en una posición de rendimiento de taquilla de 41.

Medios domésticos

Alien Nation fue lanzado en VHS por CBS/Fox Video en 1989. Una versión VHS de la película actualmente disponible se estrenó originalmente el 10 de septiembre de 1996. La edición de pantalla ancha de la película con Código de Región 1 fue lanzado en DVD en los Estados Unidos el 27 de marzo de 2001 e incluye un reportaje narrativo y lleno de entrevistas, un clip detrás de escena con el director Graham Baker, un especial de anuncios de televisión, el tráiler teatral y los avances teatrales de Fox Flix para . El Abismo, Aliens, Mina Enemiga, Día de la Independencia y Zardoz. Actualmente, no hay una fecha exacta establecida para un futuro lanzamiento en Blu-ray Disc en Estados Unidos para la película. La película se estrenó en Blu-ray en Australia en abril de 2016 y en Europa (Región B bloqueada) en marzo de 2017.

Recepción

Respuesta crítica

La película recibió críticas mixtas por parte de los críticos. Rotten Tomatoes informó que el 53% de los 32 críticos encuestados dieron a la película una crítica positiva, con una puntuación promedio de 5,4 sobre 10. En Metacritic, que asigna un promedio ponderado sobre 100 a las calificaciones de los críticos, el 53% de los 32 críticos encuestados dieron a la película una crítica positiva. reseñas, Alien Nation recibió una puntuación de 45 según 10 reseñas.

Entre los críticos, Roger Ebert del Chicago Sun Times le dio a la película dos estrellas en una crítica mayoritariamente negativa, diciendo que la película carecía de un tema de ciencia ficción y se parecía más a una película de venganza por un asesinato policial., reflexionando: "Acaban de tomar la rutina estándar de policía, amigo y narcotraficante y cambiar algo de maquillaje". Los recién llegados no tienen sorpresas." Con respecto a la cultura extraterrestre ficticia, expresó su decepción diciendo que "se hace un débil intento de dotar de interés a los recién llegados, emborrachándolos con leche agria en lugar de alcohol, y privándolos de cualquier sentido del humor".; Sin embargo, en una nota ligeramente elogiosa, Ebert mencionó que "el maquillaje tuvo problemas, la fotografía se ve bien, el elenco y los créditos técnicos son de primer nivel". Pero en general, lo resumió declarando que "Alien Nation se siente como una película hecha por personas que han visto muchas películas, pero no creen que el público las haya visto". 34; De acuerdo con Ebert sobre la originalidad del género del policía amigo con los extraterrestres insertados como simplemente una nueva interpretación, Rita Kempley de The Washington Post dijo: "Alien Nation > quiere ser En el calor de la noche como ciencia ficción, pero no es ni moralmente instructivo ni profético. Demuestra una torpe unión entre acción y ciencia ficción que aliena a ambas audiencias. Es demasiado aburrido para uno y demasiado tonto para el otro." Sin embargo, Kempley encontró la primera media hora llena de suspenso: "... con buen ritmo, musculosa e intensa, parece que fue hecha por otro director. Pero el resto es el equivalente cinematográfico de espárragos demasiado cocidos." Sin embargo, el personal más entusiasta de Variety encontró originalidad en la trama con inyección extraterrestre y dijo: "Las actuaciones sólidas de los protagonistas James Caan y su compañera policía humanoide Mandy Patinkin llevan esta producción más allá de lo especial". efectos, maquillaje alienígena inteligente y persecuciones de coches" y agregó que la película era un "drama convincente entre humanos y humanoides".

Otra crítica positiva centrada en los elementos de ciencia ficción de la película fue transmitida por Janet Maslin de The New York Times. Ella elogió el tema y dijo: "Alien Nation tiene la mejor idea de ciencia ficción de este lado de The Terminator". Sin embargo, Maslin se apresuró a admitir que la película "se adapta, con notable facilidad, a la rutina de una película de dos policías amigos, extraterrestres y todo". Matthew y Sam (a quien Matthew se niega a dirigirse de esa manera y lo rebautizan como George) pasan por todas las etapas familiares de forjar una amistad entre socios: fría antipatía, intercambios de insultos, creciente respeto mutuo en el trabajo y, finalmente, una noche entera. beber en exceso para solidificar su amistad." En un frente negativo, el autor Jay Carr de The Boston Globe comentó sobre la actuación de James Caan, considerándolo como "un Paul Newman que salió mal". "> ..." Continuó afirmando que "el aire ilustrativo de la película es sólo un maquillaje profundo". Y aunque Alien Nation no es más inteligente que, digamos, un arma letal, no tiene la potencia ni el nivel de sacudida sensorial de un arma letal. suministros." Otros críticos, como Gene Siskel, reconocieron las similitudes entre otras películas de suspenso policial, pero aun así encontraron que la película era una "versión genuinamente entretenida de esa vieja y confiable" película. una foto de un amigo policía con dos detectives muy diferentes." Explicó: "Este es un ejemplo de cómo puedes darle un buen giro a una historia conocida, y funcionará si está completamente escrita". Caan y Patinkin tienen personajes especiales que interpretar." Impulsado por la actuación, sintió que "la combinación de amigos aquí funcionó para mí". Finalmente le dio a la película un "Pulgares arriba" revisar. No tan impresionado con la película quedó el autor NF de TimeOut Magazine, calificándola de "digna, predecible y aburrida". Un resumen de la negatividad fue: "Si se hubiera jugado duro y rápido, la película podría haber funcionado, pero la decisión de moderar la violencia simplemente enfatiza la obviedad de la puntuación liberal (los paralelos con los refugiados vietnamitas o nicaragüenses son tan fácil que resulta grosero)." El crítico Leonard Maltin se refirió a la película como "un gran concepto que no rinde frutos". Pero en un atisbo de elogio, comentó que la película contiene "muchos toques inteligentes y actuaciones estupendas de Caan y Patinkin".

Reconocimientos

La película ganó el Premio Saturn a la Mejor Película de Ciencia Ficción de 1988 y recibió dos nominaciones al Mejor Actor de Reparto para Mandy Patinkin, así como al Mejor Maquillaje para John M. Elliott Jr. y Stan Winston. La película también recibió otras dos nominaciones, entre ellas a Mejor Presentación Dramática de los Premios Hugo y a Mejor Película para Graham Baker de los Fantasporto International Fantasy Film Awards.

En otros medios

Serie de televisión

Al año siguiente del estreno de la película, el concepto de trama extraterrestre se utilizó como base para una serie de televisión del mismo nombre. El programa intentó alejarse del tema "Buddy Cop" de la película original. premisa y profundizar más en la historia de los extraterrestres. cultura y características distintas. Estrenada el 18 de septiembre de 1989, la serie transmitió 22 episodios y tuvo una sola temporada, finalizando el 7 de mayo de 1990. Gary Graham interpretó el papel principal de Matt Sikes, mientras que Eric Pierpoint fue elegido para interpretar el personaje del recién llegado tenctonés George. Francisco. Los papeles secundarios fueron interpretados por Michele Scarabelli, Lauren Woodland y Sean Six. Los directores que contribuyeron a varios episodios incluyeron a Harry Longstreet, Stan Lathan, Lyndon Chubbuck y Kenneth Johnson. Los créditos de escritura fueron asignados a Steve Mitchell, Kenneth Van Sickle y Kenneth Johnson, entre otros.

Películas para televisión

Tras la desaparición de la serie de televisión en 1990, se idearon planes para continuar la popularidad del concepto que rodea la carrera de los Recién Llegados a través de una serie de películas para televisión. La primera de cinco secuelas, titulada Alien Nation: Dark Horizon, se estrenó el 25 de octubre de 1994 y cuenta con una trama que gira en torno a un recién llegado distinto que llega a la Tierra intentando atraer a los extraterrestres de regreso a una vida de esclavitud. La película fue escrita sobre un guión concebido por Andrew Schneider y Diane Frolov. Alien Nation: Body and Soul siguió el 10 de octubre de 1995, con una historia que gira en torno a un experimento médico de esclavitud que involucra a un niño que parece ser en parte humano y en parte recién llegado. Una trama paralela también involucra al personaje de Sikes y una mujer tenctonesa que exploran una relación. A Harry y Renee Longstreet se les atribuyó el crédito de los escritores de la historia. La franquicia vio dos secuelas más en 1996. Alien Nation: Millennium se estrenó el 2 de enero de 1996 y trataba sobre una secta misteriosa que utiliza artefactos alienígenas que alteran la mente para atraer a los seguidores recién llegados a un escenario apocalíptico. La trama de la película estaba relacionada con uno de los episodios de televisión titulado: Generación a Generación que se estrenó el 29 de enero de 1990. Alien Nation: The Enemy Within se emitió el 12 de noviembre de 1996 y giraba en torno a una historia en la que los detectives intentan salvar su ciudad de una amenaza alienígena procedente de una instalación de eliminación de residuos. El racismo fue un tema clave que encontró el personaje de Francisco. La quinta y última secuela apareció el 29 de julio de 1997. Alien Nation: The Udara Legacy, encuentra a los detectives tratando de detener a un grupo de resistencia entre los recién llegados que intentan adoctrinarlos para causar caos. Una trama paralela involucraba al joven recién llegado Buck, interpretado por el actor Sean Six, alistarse para convertirse en oficial de policía. Todas las secuelas de la serie fueron dirigidas por el productor Kenneth Johnson.

Cómics

Entre 1990 y 1992, Malibu Comics imprimió varias adaptaciones de cómics.

Libros

En 1993, Pocket Books, una división de Simon & Schuster, publicó una serie de novelas, incluida la de Judith y Garfield Reeves-Stevens. Day of Descent, Body and Soul de Peter David, junto con The Change y de Barry B. Longyear. >Escoria como yo.

Rehacer

El 25 de marzo de 2015, Fox anunció una nueva versión con los guiones de Art Marcum y Matt Holloway. El 9 de septiembre de 2016, Deadline informó que Jeff Nichols escribirá y dirigirá la película. Sin embargo, la película quedó en suspenso más tarde. El 25 de enero de 2021 se anunció que Nichols reharía la película como una serie de televisión de diez capítulos.